L'integrazione è più facile per i nuovi arrivati dall'estero se vengono coinvolti in un'associazione. Si conoscono persone, si fanno cose insieme e ci si può distinguere come persone attive e socialmente utili. La Svizzera è un Paese di club e società. A quanto pare, però, non è sempre stato così, come testimonia un articolo di 100 anni fa della rivista Musica popolare moderna mostra. In esso, gli svizzeri vengono descritti come una nazione di lupi solitari, completamente inadatti al mondo delle associazioni.

L'articolo riflette il risentimento che l'autore evidentemente covava dopo un'odissea durata 10 anni. Dopo le prime iniziative, ci volle così tanto tempo perché il 13 novembre 1921 venisse fondata l'Associazione svizzera dei mandolinisti e dei chitarristi. Anche gli immigrati hanno avuto un ruolo fondamentale nella realizzazione dell'associazione, come ha spiegato la futura consigliera comunale Simone Brander nel suo discorso di domenica in occasione del centenario dell'associazione, che da allora è stata ribattezzata Associazione svizzera dei mandolinisti e dei chitarristi. Associazione svizzera di musica a pizzico ha sottolineato l'associazione rinominata. Non si tratta di una coincidenza. Come spiega splendidamente Vreni Wenger-Christen nella pubblicazione commemorativa, gli ensemble e le orchestre a corde a pizzico in Svizzera hanno avuto origine all'esterno. Gli immigrati dall'Italia hanno portato la musica sociale su strumenti a pizzico oltre il Gottardo da sud, mentre il movimento Wandervogel si è irradiato da nord. Entrambe le influenze avevano in comune il fatto di rivolgersi ad ampie fasce della popolazione escluse dai conservatori e dalla vita musicale borghese.

Queste origini si percepiscono ancora oggi. Ad esempio, l'Orchestra Mandolinistica Amando di Zurigo, uno degli ensemble che ha fatto da sfondo musicale alla cerimonia di domenica mattina, è stata fondata nel 1910 come Orchestra Trämler. Erano e sono tuttora dei dilettanti che raggiungono risultati straordinari con dedizione e sotto una direzione professionale. Ciò che è cambiato da allora è l'ampiezza del movimento, ha detto la presidente dell'associazione Sandra Tinner nel suo divertente discorso. Mentre al momento della fondazione dell'associazione si sono unite 22 associazioni, ora l'associazione è composta da sette orchestre e 30 membri individuali. Il festival è stato soprattutto una riunione di famiglia. Le persone si conoscevano e si scambiavano ricordi e aneddoti.

Ma non si pensi che l'associazione guardi soprattutto al passato. Sabato, una parte non trascurabile del programma del festival musicale è stata eseguita da giovani. Le orchestre d'archi a pizzico e gli ensemble delle scuole di musica di Zurigo, Baar, Stans, Horgen, Basilea e Uster-Greifensee hanno dimostrato che i giovani talenti entusiasti sono in crescita. E con l'orchestra dell'associazione zupf.helvetica, fondata nel 2017 e guidata da Sonja Wiedemer e Christian Wernicke, c'è un ensemble pronto ad accogliere questa nuova generazione e ad offrire loro una prospettiva.

pizzico.helvetica vuole rappresentare la musica a corde pizzicate svizzera a livello nazionale e internazionale e si sta concentrando sulla strategia di espandere il proprio repertorio attraverso le commissioni. Mentre la commissione del 2019 per il primo progetto di questo tipo con Anina Keller è andata a uno specialista del genere, per il progetto di quest'anno Ramon Bischoff proviene da un angolo musicale completamente diverso. Il musicista, che lavora come ingegnere del suono, sperimenta spesso sistemi di accordatura alternativi e scrive anche molta musica elettro-acustica. Il mondo sonoro dell'orchestra d'archi a pizzico era un territorio nuovo per lui. Il risultato della collaborazione, il brano Schwärme, presentato in anteprima domenica, è stato quindi un'avventura per entrambe le parti.

Nella sua composizione, Bischoff lavora con effetti sonori che potrebbero risultare sconosciuti a molti, ma ha ascoltato attentamente e utilizzato il corpo sonoro in modo efficace e appropriato. Il titolo allude al comportamento di stormo degli uccelli o dei pesci, che sembrano muoversi in modo caotico, ma che improvvisamente agiscono in modo molto coordinato e cambiano direzione in modo mirato. Il tremolo, cliché del mandolino per eccellenza, è usato in modo appropriato per la confusione caotica, mentre ritmi chiari organizzano il movimento intermedio. Accordature leggermente diverse incontrano accordature temperate e creano battiti, che a loro volta si mescolano con rumori di tapping e scratch. Il risultato è un interessante paesaggio sonoro che suscita suoni insoliti dagli strumenti. Solo l'aggiunta del contrabbasso indica che un'orchestra di archi puramente a pizzico ha dei limiti tonali.

Il percussionista Ziegler ha completato i suoi studi all'Università delle Arti di Zurigo nel settembre 2019 con un Master of Arts in Music (Performance Soloist). Nel 2017 ha vinto per la seconda volta dal 2015 il Premio di studio del Percento culturale Migros per la sua eccezionale performance solistica durante il Concorso di musica strumentale. Nel 2018 e nel 2020 ha vinto il Kiefer-Hablitzel / Göhner Music Prize ed è stato semifinalista al Concorso Internazionale di Percussioni TROMP in entrambi gli anni.

La giuria di esperti della Turgovia ha selezionato i seguenti sei artisti turgoviesi tra 50 candidature: Hannes Brunner, artista visivo, Zurigo; Lea Frei, autrice e illustratrice, San Gallo; Michael Frei, regista, Zurigo; Sonja Lippuner, artista visiva, Basilea; Thi My Lien Nguyen, artista visiva, Winterthur; Fabian Ziegler, musicista, Matzingen.

Sébastian Jacot, ginevrino, ha studiato alla Scuola di Musica di Ginevra. Ha vinto il 1° premio al Concorso svizzero di musica per la gioventù nel 2002 e nel 2004. Nel 2005 è stato nominato solista dell'anno dalla Fondazione Jmanuel ed Evamaria Schenk. Nel 2015 ha vinto anche il Concorso Internazionale di Musica ARD di Monaco.

Prima del suo impegno a Lipsia, aveva già lavorato nella stessa veste per l'Ensemble Contrechamps di Ginevra, la Saito Kinen Festival Orchetsra in Giappone e la Hong Kong Philharmonic Orchestra.

La San Francisco Symphony è considerata una delle orchestre più importanti degli Stati Uniti. Dal 2020 è diretta da Esa-Pekka Salonen.

Articolo originale:
https://slippedisc.com/2022/04/san-francisco-swoops-for-leipzigs-principal-flute/

Constantin Regamey, nato a Kiev nel 1907, ha scritto il libro Chansons persanes per baritono e orchestra da camera su testi di Omar Khayyám a Varsavia. Dopo la chiusura dell'università, dove insegnava sanscrito, nel 1940 si unì alla resistenza. Nel 1944 riuscì a sfuggire alla deportazione tedesca in Svizzera, dove fece presto carriera come linguista e giornalista musicale. Morì a Losanna il 27 dicembre 1982. (Fonte: MGG).

Il concerto, all'insegna del motto "L'Orient : une fascination de longue durée", presenterà il brano Regamey Chansons persanes Robert Schumanns Immagini dall'Oriente op. 66 per pianoforte a quattro mani e la Quarta Sinfonia di Johannes Brahms nella versione per due pianoforti del 1887.

Link al programma

Jerzy Stankiewicz: Constantin Regamey e la genesi della sua personalità
Articolo del Giornale musicale svizzero 7_8_2007, S. 6 (PDF)

Jerzy Stankiewicz: il destino tragico del padre di Constantin Regamey
Articolo online del Giornale musicale svizzero dal 1° giugno 2017

Come si possono unire l'educazione allo sviluppo sostenibile e la musica? Per indagare su questa domanda, Samuel Marti ha svolto una settimana di progetto su "BioSounds" come parte della sua tesi di master. L'obiettivo della tesi era quello di progettare, testare e valutare un ambiente di apprendimento. In questo ambiente, gli studenti hanno potuto sperimentare fenomeni e processi dell'ambiente attraverso il suono, registrarli con gli iPad e infine elaborarli in un collage sonoro durante la settimana di progetto.

La scuola di Würenlingen è stata una delle cinque scuole premiate con questo progetto culturale nell'ambito del concorso "Funkenflug". Il concorso è organizzato ogni anno dall'ufficio specializzato per l'educazione culturale del Dipartimento dell'Istruzione di Argovia.

Per saperne di più: https://www.lernumgebungen.ch/

Secondo un comunicato stampa del Cantone del Vallese, nel 2021 sono stati erogati oltre 10,2 milioni di franchi a organizzazioni e attori culturali. Un totale di 6,9 milioni di franchi, suddivisi in parti uguali tra Confederazione e Cantone, è stato assegnato come parte del primo pacchetto di sostegno nell'ambito dell'Ordinanza culturale Covid-19. In particolare, questo importo ha permesso di pagare indennizzi e finanziare progetti di trasformazione.

Altri 3,3 milioni di franchi saranno aggiunti per misure cantonali specifiche, come il sostegno ai direttori di cori e complessi musicali, l'indennizzo forfettario per gli attori culturali e l'indennizzo per il 20% non coperto dall'Ordinanza sulla cultura di Covid-19.

Per saperne di più:
https://www.vs.ch/de/web/communication/detail?groupId=529400&articleId=15933184

La prima opera di Stefan Wirth doveva essere messa in scena due anni fa, ma lo scoppio della pandemia ha impedito la prima prevista per maggio 2020. Da allora sono successe molte cose. Corona ha portato il settore musicale a una temporanea battuta d'arresto. La guerra in Ucraina sta scuotendo l'Europa nelle sue fondamenta. In questi tempi di crisi, non ci aspettiamo necessariamente che l'arte sia rilevante per la società, ma ci aspettiamo che lo sia. La nuova opera in tre atti La ragazza con l'orecchino di perlache ha raggiunto il palcoscenico principale dell'Opera di Zurigo, sembra un po' fuori dal tempo nel 2022. Il materiale non drammatico, basato sull'omonimo romanzo del 1999 di Tracy Chevalier - ispirato al noto ritratto di Jan Vermeer -, è stato messo in scena in un'unica occasione. La ragazza con l'orecchino di perla (1665) - è raccontato con poca tensione (libretto inglese: Philip Littell). Anche l'atmosfera opprimente e i problematici rapporti di potere nella casa di Vermeer, che si possono percepire ad esempio nell'adattamento cinematografico di Peter Webber, sono poco percepiti nella realizzazione musicale di Stefan Wirth, tanto che la serata di due ore diventa alla lunga troppo lunga. E si muove in cerchio come il palco girevole di Andrew Lieberman.

Tracy Chevalier ha dato alla ragazza ritratta una storia e un nome. Griet arriva come cameriera nella casa signorile, dominata dalla suocera e padrona di casa di Vermeer, Maria Thins. Catharina Vermeer è incinta, irascibile e gelosa della giovane donna. Griet aiuta il pittore solitario, che è sotto pressione per il successo, a mescolare i colori e finisce per fare da modella per il quadro in cui indossa gli orecchini di perle della moglie di Vermeer. L'autore racconta la storia interamente dal punto di vista di Griet. E il compositore adotta questa prospettiva. Il giovane soprano americano Lauren Snouffer è in scena quasi continuamente. Con il suo soprano cristallino, agile e acuto, questa Griet è un personaggio simpatico fin dall'inizio. Riempie con calore le cantilene che Wirth ha scritto per lei.

Il melos si trova quasi esclusivamente nelle parti vocali. Stefan Wirth utilizza una grande orchestra sinfonica senza elettronica, che arricchisce con una varietà di percussioni, due arpe, pianoforte, clavicembalo e celesta. C'è anche molto spazio per i suoni, come lo scricchiolio della carta, Griet che affila il coltello all'inizio, gli archi che giocano con il legno dell'arco o le sibilanti degli strumenti a fiato. È anche l'orchestra che dà inizio al flusso narrativo continuo, che non conosce pause. Simili alla musica di trasformazione di Alban Berg, gli intermezzi orchestrali collegano le scene tra loro, anche se la musica di Wirth sviluppa solo raramente una plasticità simile. Si ripetono effetti strumentali come l'attacco dei contrabbassi nel registro grave. La musica di Wirth, di piccola scala, complessa e talvolta poliritmica, è realizzata con chiarezza e tiene conto della comprensibilità del testo. Qui si percepisce il musicista teatrale che ha già lavorato con Frank Castorf e Christoph Marthaler. Ma i suoni piatti di Wirth rimangono per lo più inavvicinabili. Mancano di polso, di raffinatezza tonale e di emozionanti miscele di colori. In ogni caso, non è colpa della Philharmonia di Zurigo e del direttore Peter Rundel, chiaramente strutturato, se in questa applauditissima prima serata non c'è un vero e proprio traino nella buca dell'orchestra.

Anche la messa in scena spartana e generalmente poco fantasiosa di Ted Huffman non aiuta molto la musica. La storicità colorata può essere vissuta solo nei costumi di Annemarie Woods. Per il resto, il palcoscenico, per lo più vuoto, è dominato da una fredda estetica in bianco e nero in cui la storia è raccontata in modo convenzionale. Il regista congela alcune scene in immagini fisse, in modo che il palcoscenico stesso diventi per un attimo un quadro. Le escalation sceniche, come il tentativo di stupro da parte del mecenate Van Ruijven (Iain Milne), non creano quasi alcuna tensione. Si può sempre indovinare cosa sta per accadere. Anche Thomas Hampson, con il suo baritono lirico, non riesce a sviluppare un profilo chiaro nei panni di Jan Vermeer in questo scenario in continua evoluzione. Anche il rapporto di Vermeer con la moglie Catharina (presente Laura Aikin) è privo di contorni. Anche Liliana Nikiteanu nel ruolo di Maria Thins rimane incolore. Nel ruolo di Tanneke, Irène Friedli è una domestica intelligente con una voce chiara, Yannick Debus interpreta l'amico macellaio di Griet, Pieter, con la necessaria semplicità, Lisa Tatin canta i bambini assillanti con un soprano cristallino e colorato. Alla fine, Griet rimane sola con gli orecchini di perle che vuole vendere. Non le hanno portato fortuna. E anche dopo due ore, non sappiamo ancora chi sia questa giovane donna.

"Grandi nomi della scena sassofonistica internazionale e talenti emergenti presentano un ampio spettro: musica classica, contemporanea e improvvisata". Se visitate il sito web dello Zurich Saxfest per saperne di più sul festival, non sarete esattamente sommersi di informazioni. Ma dopo averci pensato un attimo, bisogna ammettere che questa frase dice tutto. Il Saxfest è stato organizzato solo per la seconda volta dal 2017 a causa del coronavirus. È stato organizzato dal sassofonista, direttore d'orchestra e manager culturale Lars Mlekusch, che insegna all'Università delle Arti di Zurigo. E ha fatto esattamente ciò che era stato brevemente e succintamente annunciato. Concerti in una grande varietà di stili, distribuiti in vari luoghi di Zurigo, dal Toni-Areal e dal Mehrspurclub al Fraumünster e alla chiesa di San Giovanni, fino al locale per feste Labor5 e al Kulturmarkt. Kenneth Tse, Christoph Grab, David Brutti e il duo Amstad Inglin sono solo alcuni dei nomi che danno un'idea dell'ampia offerta musicale.

Mlekusch ha organizzato il Saxfest in collaborazione con l'associazione Collettivo di sassofoni di Zurigoun ensemble composto dai suoi studenti. Questo ha fornito ai membri esperienze preziose: come organizzatori, esecutori, visitatori di concerti e masterclass di alto livello. Queste ultime, in particolare, hanno fornito spunti affascinanti, come ha dimostrato una breve visita a Frank Gratkowski.

Il tedesco, che giovedì sera si è esibito anche in un'improvvisazione solista, è descritto su Wikipedia come sassofonista jazz, clarinettista e compositore, ma può essere etichettato in questo modo solo con una grande volontà di semplificazione. Si potrebbe piuttosto descriverlo come un audace improvvisatore senza rete e senza fondo, per il quale i confini di genere non significano nulla. È stato illuminante ascoltare Gratkowski parlare della sua carriera insolita e della sua costante ricerca di qualcosa di nuovo. Tuttavia, è stato il suo atteggiamento indottrinato nei confronti del suo strumento che mi è rimasto più impresso. Lo descriveva come un megafono, un giocattolo di cui testava costantemente le funzioni e le possibilità. È probabilmente questo istinto ludico, insieme al suo lavoro costante sulle sfide autoimposte, che gli permette di ripetersi raramente. Per gli studenti di formazione classica, le lezioni sono state una sfida. L'improvvisazione deve essere appresa tanto quanto l'esecuzione esatta della partitura, ma secondo Gratkowski è importante anche per gli esecutori classici. Secondo la sua esperienza, gli esecutori di musica nuova in particolare suonerebbero meglio la musica scritta se avessero almeno un po' di esperienza come improvvisatori.

I membri dello Zurich Saxophone Collective hanno avuto diverse occasioni per presentarsi come interpreti. L'ensemble ha eseguito il concerto di apertura in streaming di sabato sera con brani di Bartók, Francisco Guerrero Marín e Mahler, dimostrando in modo impressionante il livello a cui è in grado di suonare. Il Divertimento di Bartók e la Quarta Sinfonia di Mahler sono stati arrangiati da Miha Ferk, che ha riscritto in modo congeniale le opere, con i sassofoni semplicemente integrati da fisarmonica, pianoforte, arpa, contrabbasso e percussioni. Tuttavia, nonostante la brillantezza del risultato, anche qui si sono rivelati i limiti del concetto. Per gli estranei, cioè per i non appassionati di sassofoni, i vantaggi di un tale arrangiamento sono solo parzialmente evidenti. La Quarta di Mahler, in particolare, perde parte della sua complessità a causa della rielaborazione.

Un altro concerto, invece, ha dimostrato fino a che punto gli adattamenti o le "riproposizioni" possono essere arricchenti. Nella piccola chiesa di San Giovanni, vicino a Limmatplatz, la serata di domenica è stata dedicata al "sassofono lirico". Se il Quartetto op. 22 per violino, clarinetto, sassofono e pianoforte di Webern non è forse l'emblema delle melodie liriche, gli studenti hanno suonato brani di Schubert, Strauss e Mahler. Una bella alternativa al canto, in cui il sassofono ha forse dominato un po' il pianoforte. Dopo la pausa, il sassofonista Harry White e il pianista Hans Adolfsen hanno tenuto un concerto piccolo ma molto bello, con alcune sorprese. Le Vocalises, ovvero brani vocali senza testo di Roussel, Messiaen e Nielsen, hanno offerto a Harry White il palcoscenico perfetto per far cantare il sassofono. Nei tre brevissimi pezzi per sassofono solo di Daniel Fueter che sono seguiti, White ha rivelato con virtuosismo quanto siano stratificati questi "piccoli pezzi". Il finale ha poi offerto un vero e proprio ampliamento del repertorio. Erwin Schulhoff Esquisses de Jazz per pianoforte nell'arrangiamento di Edward Rushton e Hans Adolfsen sembrava un autentico pezzo per sassofono. Che queste piccole trouvailles si affermino!

È stato deciso il successore della storica presidente del Festival europeo dei cori giovanili di Basilea, la consigliera nazionale Elisabeth Schneider-Schneiter: Maya Graf, membro del Consiglio degli Stati di Basilea, è stata eletta all'unanimità come nuova presidente durante un'assemblea generale straordinaria dell'associazione Festival europeo dei cori giovanili di Basilea.

Il Festival europeo dei cori giovanili di Basilea è uno dei più importanti luoghi di incontro al mondo per cori infantili e giovanili altamente qualificati. Ogni due anni, a maggio, diciotto cori di bambini e giovani selezionati da una giuria si esibiscono per un pubblico di oltre 30.000 ascoltatori durante il fine settimana dell'Ascensione.

Oltre ai concerti, ai programmi di canto e agli eventi educativi, il festival pone un'attenzione particolare agli incontri interculturali. Ad esempio, oltre 500 bambini e giovani provenienti da undici Paesi europei saranno ospitati in famiglie della regione di Basilea. Il 13° Festival europeo dei cori giovanili di Basilea si svolgerà da mercoledì 17 a domenica 21 maggio 2023.

Secondo il comunicato stampa dell'HMTM, l'Open Music Academy combina l'idea delle risorse educative aperte, che ha influenzato lo sviluppo dell'istruzione superiore tedesca e internazionale, con una formazione musicale completa. La piattaforma OER risponde così alle attuali esigenze di apprendimento e insegnamento e promuove nuove forme di collaborazione e innovazione nell'educazione musicale. Allo stesso tempo, offre spazio per impulsi e discussioni su un'ampia gamma di argomenti provenienti dall'intero mondo della musica.

Gli interessati troveranno un supporto per l'arrangiamento della musica, materiale didattico per l'insegnamento della musica nelle classi scolastiche, ausili didattici per esercitarsi o per utilizzare la tecnologia audio e video, nonché altri strumenti per la preparazione di materiali didattici (ad esempio un visualizzatore di PDF, presto un lettore video interattivo, un lettore audio multitraccia e molto altro). Potenzialmente, si possono aggiungere materiali di ogni tipo, come interviste, conferenze, esempi musicali e altro ancora.

Link: https://openmusic.academy/

Mentre m4music, il festival di musica pop organizzato dal Percento culturale Migros, è stato vittima della pandemia di coronavirus nel 2020, l'anno successivo l'evento, compresa la demo tape clinic e i vari panel, è diventato digitale. "Ha funzionato sorprendentemente bene", ricorda il direttore del festival Philipp Schnyder von Wartensee. Ciononostante, è sollevato dal fatto che m4music abbia potuto svolgersi dal vivo e in loco a Zurigo anche questo marzo.

A differenza degli anni precedenti, il festival non si è aperto a Losanna. "Organizzeremo invece un evento al Couleur 3 a maggio con artisti come Evelinn Trouble e Giulia Dabalà", spiega Schnyder in un'intervista dopo il festival. È anche una chiara indicazione del fatto che il festival vuole avere una maggiore presenza durante l'anno in futuro, anche nella Svizzera francese". La pandemia ha anche spinto gli organizzatori di m4music a ripensare radicalmente il festival. "Abbiamo deciso di mantenere m4music come luogo di consolidamento. Tuttavia, il coronavirus ci ha dato una spinta digitale. Tra l'altro, questo ci ha portato a dire addio a diversi materiali stampati".

In ogni caso, m4music si è posto l'obiettivo di diventare più sostenibile. "Da quest'anno siamo un festival vegetariano. Ci siamo anche chiesti se volevamo continuare a far arrivare gente in aereo per il nostro programma e la conferenza. La nostra risposta: solo in caso di emergenza". Secondo il direttore del festival, temi come il clima e il razzismo sono diventati più urgenti negli ultimi due anni. "Vogliamo incorporare questi temi nella conferenza". Di conseguenza, al festival di quest'anno si è parlato anche di "appropriazione culturale e musica" e di "turismo verde".

Un totale di circa 4.000 appassionati di musica e 1.300 professionisti hanno partecipato a m4music il 25 e 26 marzo. "Il numero di professionisti è stato addirittura superiore a quello degli anni pre-corona. Per noi questa è la prova di quanto fosse grande l'esigenza della scena musicale di potersi incontrare di nuovo fisicamente", sottolinea Schnyder. Un altro tema nuovo di m4music è stato il jazz. "Avevamo già pianificato di concentrarci in particolare sul jazz giovane nel 2020. Ma a causa della pandemia, il tutto ha dovuto aspettare". Il programma di quest'anno prevedeva un panel intitolato "New jazz - una ventata di aria fresca e senza limiti". Il dibattito ha riunito il direttore del Willisau Jazz Festival, Arno Troxler, la fondatrice dell'Elbjazz Festival di Amburgo, Tina Heine, e il musicista Benedikt Wieland, responsabile degli affari internazionali e della sicurezza sociale di Sonart - Musicisti Svizzera.

La tesi del presentatore Stefan Künzli è che giovani musicisti come Jordan Rakei, Jorja Smith e Loyle Carner stanno sempre più dissolvendo i confini di genere del jazz mescolandolo con l'hip-hop, il soul, l'indie o la musica elettronica. Mentre Troxler ha insistito sul fatto che il jazz ha sempre saputo presentarsi in modo estremamente vario e non è assolutamente solo per gli uomini più anziani, Wieland ha sottolineato che è giunto il momento di smetterla con i termini. "Queste cose vanno superate con la musica". Heine, direttore del festival Jazz & The City di Salisburgo dal 2016, si è concentrato sui visitatori di età compresa tra i 15 e gli 80 anni: "Sono i benvenuti se di tanto in tanto trovano la musica del nostro festival 'grottesca'". La sua preoccupazione principale è che la gente si alzi dal divano di casa e si riunisca ai concerti.

Nel frattempo, un panel presentato da Suisa ha voluto scoprire come lo streaming musicale stia cambiando la canzone pop, soprattutto su un portale come Spotify, dove ogni giorno vengono caricate 65.000 canzoni ed è quindi essenziale dare alle proprie canzoni un punto di vendita unico, altrimenti rischiano di perdersi nella folla. "La mia regola è che nelle mie canzoni ci deve essere qualcosa di nuovo ogni otto secondi", ha dichiarato il cantautore e produttore Loris Cimino. Allo stesso tempo, ha sottolineato: "La qualità dell'artigianato deve essere giusta".

La cantautrice Evelinn Trouble ritiene che scrivere canzoni su Spotify "non sia fondamentale: una buona canzone è sempre una buona canzone". Tuttavia, ha iniziato a scrivere canzoni sempre più brevi. Henrik Amschler, alias HSA, ha detto che nelle sue canzoni vuole che qualcosa accada il più rapidamente possibile. Julie Born, amministratore delegato di Sony Music Switzerland, ha sottolineato la crescente importanza delle playlist su Spotify. In sintesi, sembra ancora valido quanto segue: Non esiste un'unica strada per il successo - tuttavia, i percorsi che dovrebbero portare al successo della carriera sembrano essere sempre più contorti.
Il panel "How Streaming Is Changing Songwriting" può essere seguito al seguente link: www.m4music.ch/conference

Premi e onorificenze

Il premio principale "Demo of the Year" 2022 è andato a Soukey di Berna. Ha ricevuto anche uno dei quattro premi della Fondation Suisa. Gli altri tre sono andati a Goffbaby, David Caspar e Glaascats.

La produzione della canzone Driver di Joya Marleen da parte del duo di registi Bastien Bron e Laetitia Gauchat ("Das Playground", Neuchâtel) è stata premiata con il "Best Video Clip 2022" (premio della giuria e del pubblico per la prima volta!).

Il prossimo m4music-Festival si terrà il 24 e 25 marzo 2023 a Zurigo.

Una settimana dopo la revoca delle misure contro il coronavirus, il settore culturale si trova ancora ad affrontare grandi sfide, scrive la Task Force Cultura. Tuttavia, essa desidera ringraziare il pubblico, che "ha dimostrato con la sua fedeltà l'indispensabilità della cultura nella nostra società".

Questa "Giornata del ringraziamento" esprime l'apprezzamento del settore culturale nei confronti di tutti i partner. Oltre al pubblico, si ringraziano anche coloro che sono rimasti culturalmente attivi durante la crisi per le misure di sostegno finanziario e il "dialogo vivace e costruttivo tra le autorità e le associazioni culturali". Finora è stato possibile evitare che il settore culturale venisse cancellato.

Con lo slogan "La cultura è il nostro mestiere, bentornati", la campagna è anche un appello al pubblico: "La cultura è aperta, venite a trovarci!".
 

Costruita dal compositore, pianista e direttore d'orchestra Sergei Rachmaninov negli anni '30 e situata direttamente sul Lago dei Quattro Cantoni, Villa Senar (abbreviazione dei nomi di Sergei, di sua moglie Natalia e di Rachmaninov) e gli altri edifici del parco di 20.000 metri quadrati sono edifici classificati dal 2018.

Con l'acquisto, il Cantone di Lucerna risolve la difficile situazione ereditaria e consente la divisione del patrimonio. Gli eredi legali di nazionalità francese (quattro pronipoti di Serge Rachmaninoff) riceveranno ciascuno due milioni di franchi. Il Consiglio cantonale ha approvato il relativo prestito speciale il 6 dicembre 2021. Fondazione Serge Rachmaninoff rinuncia a una quota del prezzo d'acquisto per contribuire alla messa in sicurezza e alla ristrutturazione della villa trasferendola alla proprietà cantonale.

Per saperne di più:
https://www.lu.ch/verwaltung/BKD/bkd_dienststellen/bkd_hochschulbildung/villa_senar

Secondo il necrologio della famiglia, il musicista, nato nel 1924, era un "musicista di grande talento e riconosciuto". Diplomatosi al Conservatorio di Zurigo nel 1943, ha suonato nell'Orchestra del Festival musicale di Gstaad sotto la guida di Hermann Scherchen e successivamente nell'Orchestre de la Suisse Romande sotto la guida di Ernest Ansermet. È stato oboista principale dell'Orchestra del Festival Svizzero di Lucerna per molti anni e dell'Orchestra della Città di Winterthur dal 1944 al 1989. Ha svolto anche una carriera internazionale come solista e ha lavorato come insegnante a Winterthur. Nel 1989 è stato insignito del Premio culturale della città di Winterthur.

In seguito alla rinnovata approvazione del finanziamento da parte della Fondazione tedesca per la ricerca (DFG) per gli anni dal 2022 al 2025, il progetto "Indicizzazione, digitalizzazione e presentazione online dell'Archivio storico di Musikverlag Schott", finanziato dalla DFG dal 2017, può essere portato avanti. L'obiettivo è catalogare la corrispondenza commerciale dell'archivio aziendale, l'archivio di produzione con manoscritti musicali e musica stampata, nonché la catalogazione completa del vecchio archivio Schott, che contiene principalmente opere musicali inedite.

Prosegue la digitalizzazione dei manoscritti musicali e della musica a stampa dell'archivio di produzione. Gli ampi contenuti dell'archivio Schott e la loro complessa struttura sono quindi visibili digitalmente, ricercabili e analizzabili scientificamente nel catalogo internazionale online dell'unione dei manoscritti musicali storici e della musica a stampa (RISM), nel catalogo online della Bayerische Staatsbibliothek e nel portale Schott-Archiv.

Link: https://schottarchiv-digital.de