Jens Lohmann, insegnante di violino all'Università di Scienze Applicate Scuola di musica del Conservatorio di Zurigoun ex allievo di: Kevin Griffiths. Il 35enne zurighese ha sostituito l'archetto del violino con la bacchetta anni fa e da allora si è fatto un nome a livello internazionale come direttore d'orchestra. Sarà sul podio il 21 settembre quando l'Orchestra delle Tre Generazioni eseguirà la Sinfonia n. 4 di Brahms e il Concerto per violino in mi minore di Mendelssohn nell'ambito del festival. L'autunno nell'Helferei all'esibizione. Dmitry Sitkovetsky è il terzo del gruppo, anche se - per comprensibili ragioni - non è presente alla conferenza: la star russa del violino eseguirà la parte solista la sera del concerto.

Kevin Griffiths si trova di fronte a un compito estremamente impegnativo, in quanto deve armonizzare gli strumentisti ad arco, altamente motivati ma ancora inesperti, con i membri delle orchestre professionali di Zurigo, senza sovraccaricare gli uni e senza sottovalutare gli altri. Un'altra difficoltà è rappresentata dal tempo limitato per le prove. È qui che entra in gioco Jens Lohmann: "I musicisti professionisti si esibiscono tutti per un compenso minimo, c'è un'enorme quantità di buona volontà dietro il progetto. Non si può chiedere loro di provare cinque volte prima del concerto!". È quindi incredibilmente importante che gli studenti siano ben preparati dai loro insegnanti, non solo dal punto di vista musicale, ma anche per quanto riguarda il loro atteggiamento nei confronti di un progetto del genere. Ma Lohmann può contare su una rete di colleghi molto ben funzionante, "altrimenti un progetto come questo non sarebbe nemmeno possibile!". La sola preparazione degli spartiti richiederebbe molto tempo, per cui Lohmann è grato di poter contare su un set di musica della collezione dell'Orchestra della Tonhalle, dove tutte le cosiddette "linee" sono già segnate. Ciò significa che tutti gli archi muovono i loro archetti nella stessa direzione, il che non solo è più gradevole alla vista, ma ha anche una notevole influenza sul suono complessivo dell'orchestra.

zvg

Kevin Griffiths

Inversione di ruolo dopo 20 anni

Per Griffiths e Lohmann, questa collaborazione è speciale anche perché il rapporto insegnante-allievo è stato invertito. Mentre l'ex insegnante siede nell'orchestra, l'ex allievo siede ora alla scrivania del direttore d'orchestra e comanda. Questo potrebbe essere un problema per altri allievi, ma non per Griffiths e Lohmann. I due si conoscono da molto tempo e, come è sempre evidente durante la conversazione, hanno un legame molto caldo. La loro conoscenza risale all'impegno di Lohmann con l'Orchestra da Camera di Zurigo, dove ha suonato come concertmaster sotto la guida di Howard Griffiths, il più famoso padre di Kevin. "Come molti, i genitori di Kevin avevano la sensazione che il loro figlio avesse un grande talento sopito. Ebbene, Kevin prendeva il suo sonno molto seriamente, all'inizio il suo talento era ancora sopito", ricorda Lohmann con una risata. Tuttavia, dopo due anni di lezioni, Kevin Griffiths sostenne l'esame di ammissione all'Accademia musicale di Basilea e lo superò. Nonostante le promettenti prospettive di carriera come violinista, ben presto si interessò maggiormente alla direzione d'orchestra, anche se il padre lo sostenne molto, soprattutto all'inizio della sua carriera. "Non c'è mai stato e non ci sarà mai un sentimento di competizione tra noi due, siamo semplicemente troppo legati personalmente per questo", spiega Griffiths. "All'inizio ho dovuto fare uno sforzo supplementare per uscire dall'ombra di mio padre, per così dire. Sicuramente mi ha aiutato il fatto che stavo andando in una direzione stilisticamente completamente diversa". Kevin Griffiths ha fondato a Londra lo Steve Reich Ensemble, con cui ha registrato due CD, è stato anche "Direttore dell'anno" all'Orchestra of the Age of Enlightenment, ha vinto premi in numerosi concorsi importanti e attualmente è direttore artistico e direttore principale del Collegium Musicum di Basilea. Egli continua dicendo che l'ampiezza stilistica è diventata un must assoluto; al giorno d'oggi, né come musicista né come direttore d'orchestra ci si può impegnare in un solo stile o epoca musicale. Tuttavia, è importante sviluppare il proprio stile e la propria filosofia a partire da tutte le influenze, altrimenti sembrerebbe innaturale.

Alla domanda se si può imparare a dirigere o se si deve essere nati per farlo, Griffiths risponde: "Sicuramente aiuta. Semplicemente mi sono sentito a mio agio fin dall'inizio, ma naturalmente si cresce anche nel compito. È un lungo viaggio in ogni caso". Oggi la collaborazione è al centro delle cose, mentre un tempo il direttore d'orchestra era l'autorità assoluta, aggiunge. E anche se si trova naturalmente a suo agio davanti a un'orchestra, deve inventare ogni volta qualcosa di nuovo. Anche l'imminente collaborazione con Dmitry Sitkovetsky è qualcosa di molto speciale per Kevin Griffiths, che ricorda: "Durante il mio periodo come violinista, mi ha influenzato molto con alcune registrazioni, e allora non avrei mai sognato che un giorno avrei diretto un progetto con lui come solista. E ora sta accadendo due volte in questa stagione. Una volta adesso e una volta la prossima estate. "
 

Solo tre campioni: la qualità prima della quantità

Il 15 settembre, solo una settimana prima del grande concerto, i musicisti si incontrano per la prima volta. Questo primo giorno di prove è tutto dedicato ai giovani strumentisti ad arco. Kevin Griffiths vuole usare questa prima prova come un'opportunità per i musicisti, alcuni dei quali non hanno esperienza orchestrale, per conoscersi e liberarsi del nervosismo che sicuramente c'è prima di un'esibizione così importante. Il compito del direttore d'orchestra è quindi quello di riunirli per farli suonare insieme, ascoltarsi a vicenda e agire con flessibilità. I leader delle sezioni, tutti professionisti esperti e alcuni solisti di fama mondiale, non saranno presenti alle prove della domenica. "Se uno o due di loro sono interessati al modo in cui Kevin lavora con i giovani e passano a trovarci, naturalmente ne sono felice", dice Jens Lohmann, "ma non posso chiedere loro di farlo, dopo tutto, si stanno già esibendo per un compenso minimo in vista di un'interessante esperienza didattica". Egli attribuisce un'immensa importanza a questa prima prova, in quanto è importante costruire un ponte da lì alla prima prova di tutti: "Giovedì tutto deve essere perfetto, poi arrivano i professionisti e non abbiamo più tempo per discutere i dettagli", afferma guardando avanti. "Tuttavia, il fatto che i colleghi della ZHdK, della Tonhalle e dell'MKZ si occupino della direzione vocale renderà le cose più semplici, perché i giovani potranno essere guidati". E affinché non siano sopraffatti dal ritmo, Lohmann li lascia saggiamente iniziare un'ora prima: "Quando tutti hanno disfatto i loro strumenti, quando la sezione degli archi è intonata, quando abbiamo suonato ancora uno o due passaggi, è già passata un'ora". Parla per esperienza e ha già diretto molti progetti orchestrali.

J. Henry Fair

Dmitry Sitkovetsky

Dmitry Sitkovetsky - e la prossima generazione di artisti

Durante la prova principale, un altro importante musicista si unisce al progetto: Dmitry Sitkovetsky, la star russa del violino. Jens Lohmann è riuscito a coinvolgerlo grazie a una conoscenza comune in occasione di una masterclass alla Scuola di Musica di Lucerna. Oltre alla sua carriera di virtuoso solista, Sitkovetsky è anche direttore artistico dell'orchestra sinfonica di Greensboro, in North Carolina. Rispetto alla sua esistenza relativamente breve, questa orchestra mantiene un programma estremamente ricco di educazione musicale per bambini, giovani e adulti. Sitkovetsky sa quindi cosa aspettarsi. Lui stesso è la quarta generazione di una dinastia musicale russa, quindi ha avuto un'introduzione alla musica molto diversa. È entrato nel famoso Conservatorio Tchaikovsky di Mosca all'età di sei anni e in seguito ha studiato all'altrettanto rinomata Juilliard School di New York. Ai suoi tempi non esistevano programmi in cui i bambini o i giovani potessero suonare insieme a professionisti adulti. Per questo oggi è ancora più importante lavorare con le nuove generazioni: "Penso che sia molto importante creare più connessioni tra le generazioni. La musica, soprattutto il suonare insieme in un'orchestra, è l'unica esperienza comunitaria nella nostra società in grado di superare tutte le barriere: razza, nazionalità, genere, religione, età, politica. E più spesso i musicisti affermati entrano in contatto con le giovani generazioni, maggiori sono le possibilità che la musica possa svilupparsi". Inoltre, non vede alcuna differenza nell'importanza della musica per l'individuo tra aspiranti musicisti professionisti e dilettanti, e il suo messaggio ai giovani musicisti del progetto è di conseguenza: "La musica è qualcosa che si può vivere con tutto il cuore, indipendentemente dal fatto che si diventi musicisti per hobby o professionisti. A differenza delle cose materiali della vita, la musica è qualcosa di fugace, ma allo stesso tempo significa che nessuno può portartela via: è come un tesoro nella tua anima. Immergetevi in questo mondo, fate del vostro meglio in questo progetto concertistico e, soprattutto, divertitevi!".

Gli allievi di MKZ, di età compresa tra i 12 e i 22 anni, ne terranno certamente conto. Non vedono l'ora di assistere al concerto, ma trattano anche il progetto e i suoi protagonisti con grande rispetto e allo stesso tempo pensano al loro futuro musicale. Katharina Schade, sedici anni, suona lei stessa il violino ed è quindi particolarmente entusiasta dell'interpretazione di Sitkovetsky del Concerto per violino di Mendelssohn: "Viverlo da vicino e accompagnarlo sarà sicuramente una grande esperienza!". Spesso ascolta la Quarta Sinfonia di Brahms in viaggio e si esercita sulle opere con l'obiettivo di essere ben preparata per la prima prova. Commentando la sua carriera musicale, dice: "Per diventare un musicista professionista, devi puntare tutto su un solo paniere fin da subito. Tuttavia, questo significa che molte altre strade di sviluppo, forse altrettanto eccitanti, rimangono chiuse. Tuttavia, non voglio escludere una carriera musicale in questa fase". La sua collega Solvejg Wilding, 15 anni, invece, vede chiaramente il suo futuro professionale nella musica: "Vuole sicuramente studiare musica e farne la sua professione, probabilmente in una direzione pedagogica. Un altro sogno sarebbe quello di suonare in un quartetto d'archi". Anche lei non vede l'ora di partecipare al concerto: "È naturalmente un grande onore poter suonare con questi musicisti e spero di trarre qualche beneficio da loro". Demian Herzog (19) suona la viola nell'orchestra e suona anche il piano jazz. La musica è tutto per lui, anche se non sa ancora se un giorno vorrà fare di questa passione la sua professione. È felice di poter suonare davanti a un pubblico esigente e numeroso e dà anche uno sguardo dietro le quinte: "Jens Lohmann non è solo un ottimo insegnante, ma organizza anche una settimana di concerti molto interessante. Tuttavia, questo può funzionare solo grazie a un'ottima pianificazione, per la quale lo rispetto e lo ammiro". 

Non del tutto soli e non inosservati

Anche Jens Lohmann può contare su una buona rete per l'organizzazione dei progetti. Studente adulto della MKZ, ingegnere di formazione, può vantare molti anni di esperienza nella gestione di progetti e si occupa della maggior parte delle attività amministrative. Fa parte di un comitato organizzativo di sei persone che si riunisce ogni due mesi durante l'anno. Più il festival si avvicina, più gli intervalli tra le singole riunioni si accorciano. Oltre all'organizzazione vera e propria del progetto, l'obiettivo principale è la raccolta di fondi attraverso gli sponsor. Lohmann conosce bene i contratti con gli artisti; dopotutto, lavora su entrambi i fronti, come artista e come organizzatore. Dal 2006 si sono svolti 55 concerti sotto il titolo "Herbst in der Helferei". Questo piccolo ma eccellente festival si sta gradualmente affermando nella coscienza del pubblico ed è già diventato un punto di riferimento nei circoli musicali e culturali svizzeri. Mario Venzago, direttore d'orchestra di fama internazionale, trova gratificante vedere una tradizione di creazione e comunicazione di musica stimolante nel centro di Zurigo. Soprattutto in un periodo in cui i festival spuntano come funghi (e di solito sono poco gradevoli), apprezza le caratteristiche di questo festival: una varietà limitata, uno stile definito e la volontà di combinazioni difficili in combinazione con opere e interpreti di valore. È particolarmente toccato dal fatto che gli organizzatori si assumano il rischio di formare un'orchestra da un collettivo di persone singole e di talento: "Auguro agli organizzatori che la 'Mystery Orchestra' abbia successo, in modo che accada l'inspiegabile quando musicisti sconosciuti improvvisamente si capiscono e si uniscono per respirare, cantare e sentire allo stesso modo. È un piccolo miracolo ogni volta e l'ideale è che tutti - ascoltatori e interpreti - lascino questi incontri musicali di oggi e di domani come gli altri che sono venuti a fare".

Un totale di quaranta musicisti professionisti ha partecipato al concorso tra il 9 e il 14 settembre. La giuria, composta da Pierre Sublet (presidente), Dieter Ammann, Rahel Cunz, Marc Kissóczy e Philippe Racine, ha deciso di assegnare sei premi a causa del livello eccezionale.

Il primo premio è stato assegnato ex aequo a Karolina Öhman (violoncello, premio in denaro 10.000 franchi) e Gilles Grimaître (pianoforte, 10.000 franchi). Il secondo premio è stato assegnato ex aequo all'Ensemble Batida (percussioni e pianoforte, 12.000 franchi) e al Trio Seitenwind (violoncello, fisarmonica e sassofono, 8.000 franchi).

Il terzo premio è stato assegnato ex aequo a Patrick Stadler (sassofono, 5000 franchi) e Rafal Zolkos (flauto, 5000 franchi).

L'Ufficio della cultura ha ricevuto tre candidature per la borsa di studio. Dopo le audizioni, la giuria di esperti, composta dal direttore della sede friburghese della Scuola di Musica di Losanna HEMU e da due esperti, ha infine deciso a favore della pianista Fiona Hengartner di Bulle, sottolineando il suo grande potenziale, la sua abilità tecnica e la sua notevole intelligenza interpretativa.

Nata nel 1990, Fiona Hengartner si è diplomata nel 2010 al Collegio del Sud di Bulle con un diploma di maturità bilingue. Un anno prima aveva già ottenuto il diploma professionale in pianoforte presso il Conservatorio di Friburgo con il voto "eccellente". Ha poi proseguito gli studi presso l'HEMU, dove ha conseguito la laurea triennale nel 2012 ed è stata insignita del Premio Pisler per l'eccellente tesi di laurea e l'ottimo saggio di laurea.

Dal 2005, Fiona Hengartner ha partecipato con successo a diversi concorsi e masterclass in Svizzera e si è fatta conoscere con numerose esibizioni pubbliche nel cantone di Friburgo. Grazie a questa borsa di studio, Fiona Hengartner potrà proseguire i suoi studi presso l'HEMU per conseguire un Master in pedagogia nel 2014.

Il Fondo Pierre e Renée Glasson per la musica, istituito nel 1995 e amministrato dall'Ufficio cantonale della cultura, serve a sostenere le attività di musicisti del Cantone di Friburgo o del resto della Svizzera che vivono nel Cantone di Friburgo. Il fondo può assegnare una borsa di studio per finanziare gli studi post-laurea presso un'accademia musicale in Svizzera o all'estero. La borsa di studio per il 2014 sarà annunciata a ottobre 2013.

Il primo bando di concorso è rivolto a musicisti di qualsiasi stile. Le domande presentate saranno valutate da una giuria di esperti. Saranno assegnate una borsa di lavoro di 20.000 franchi e una borsa di lavoro di 10.000 franchi.

Le borse di lavoro sono destinate a fornire un sostegno diretto e personalizzato ad artisti e operatori culturali. Essi devono essere in grado di impegnarsi in un'idea artistica innovativa o di approfondire e sviluppare le proprie capacità artistiche in modo mirato.

Le domande devono essere presentate in forma completa all'Ufficio Cultura di Nidvaldo o all'Ufficio Cultura e Sport di Obvaldo entro il 10 gennaio 2014. Il modulo di candidatura può essere scaricato all'indirizzo www.nw.ch o www.ow.chtermine di ricerca "contributi lavorativi".

Secondo il comunicato stampa della ZHdK, il numero di studenti all'inizio del programma è rimasto costante rispetto agli ultimi anni. Si applica un numerus clausus, vale a dire che i futuri studenti sono sottoposti a una rigorosa procedura di ammissione prima di essere accettati allo ZHdK.

Dei 738 nuovi studenti, 317 iniziano un corso di laurea triennale e 381 un master in Design (112), Musica (290), Arte e media (102), Educazione artistica e transdisciplinarità (111), Teatro e cinema (83). Un totale di 40 persone si è iscritto a un programma di Master of Advanced Studies part-time.

Nel 2005, l'Università delle Arti di Zurigo aveva un totale di 1142 studenti nei suoi programmi di Bachelor e Master (1142 BA, 863 MA) e 578 studenti nei suoi programmi di formazione continua (MAS, CAS, DAS).
 

Anche quest'anno, i dipartimenti con il maggior numero di nuove ammissioni sono
Business (821) e Ingegneria e Architettura (644), seguiti da Design e Arte (219),
Lavoro sociale (205) e musica (197).

Un totale di 5821 studenti è iscritto a un corso di laurea o di master presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. Il 44% di loro proviene dai cantoni della Svizzera centrale e il 6% dall'estero. La percentuale di donne è di circa il 42%. In tutta l'università, l'aumento degli studenti è del 5,5%. Ciò significa che la crescita è simile a quella dell'anno precedente.

I nuovi arrivati saranno accolti ufficialmente durante la cerimonia di apertura di oggi al KKL di Lucerna. Tra gli ospiti interverranno Annette Schönhölzer, direttrice di Art Basel, e Arno Troxler, direttore del Willisau Jazz Festival. Inoltre, il Premio per la Sostenibilità dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna sarà assegnato a una tesi di laurea o di laurea magistrale di grande valore pratico che tratti temi legati alla sostenibilità.

"Che cos'è questo?" Questa domanda potrebbe essere stata posta da alcune persone che si sono confrontate con l'arte di Dieter Meier. Per esempio, a Zurigo nel 1969, quando Meier trascorse cinque giorni seduto a terra davanti alla Kunsthaus riempiendo sacchetti di plastica con mille viti ciascuno. Oppure un anno dopo, quando il giovane artista svizzero chiese ai passanti in mezzo al viale di New York di dirgli le parole "Sì" o "No". In cambio, ha dato ai volontari un dollaro e un certificato che attestava che avevano appena detto "Sì" o "No".

L'impronta della vita di un artista
"Di cosa si tratta?", ci si chiede ancora una volta di fronte alla mostra "In Conversation", allestita presso l'Aargauer Kunsthaus di Aarau. Perché Dieter Meier in un museo d'arte? Il dandy con la giacca e il fazzoletto al collo, noto come cantante dei pionieri dell'electro Yello e noto autore e ristoratore zurighese con un allevamento di bestiame e un vigneto in Argentina? Solo pochi sanno che i primi passi di Meier verso il pubblico sono stati gli eventi descritti sopra e che era già coinvolto nell'arte molto prima di fondare gli Yello alla fine degli anni Settanta.
La prima grande mostra museale svizzera su Dieter Meier mira a cambiare questa situazione. Le 14 sale contengono fotografie, rappresentazioni della sua arte concettuale, film sperimentali, disegni e video musicali dalla fine degli anni Sessanta a oggi. Meier si è cimentato anche nella scultura. I risultati più o meno riusciti sono esposti, così come gli articoli di giornale e i film che documentano la ricezione delle sue azioni. L'artista descrive la retrospettiva come una "impronta accidentale della vita". .

In molte biografie di artisti, il percorso è tracciato fin dall'inizio. I primi anni dopo la fine della formazione sono decisivi per il prosieguo della carriera. È qui che entra in gioco la promozione dei giovani artisti da parte di Pro Helvetia, a cui è stato affidato questo compito con la nuova legge sulla promozione della cultura: Con un limite di età di 35 anni, Pro Helvetia sostiene gli artisti svizzeri più talentuosi nei primi cinque anni dopo il diploma di un'accademia d'arte o dopo la loro prima esibizione pubblica. Pro Helvetia vuole facilitare il loro ingresso nel mondo dell'arte professionale e sostenerli nel loro percorso di affermazione nazionale e internazionale. La fondazione si basa su un'ampia gamma di offerte sviluppate in collaborazione con organizzazioni partner esperte. Tra queste figurano festival, ensemble musicali, gallerie e accademie d'arte in Svizzera e all'estero.

Per affermare il più rapidamente possibile i giovani talenti a livello internazionale, sono necessarie misure personalizzate, orientate al loro potenziale di sviluppo artistico e alle esigenze del mercato. Lo scambio di know-how e la creazione di reti, come i programmi di coaching o di residenza per artisti, sono molto richiesti. Con il progetto "Klassenarbeit", ad esempio, l'ensemble recherche di Friburgo in Brisgovia, specializzato in musica contemporanea, consente ai giovani compositori svizzeri di sviluppare ed eseguire nuove opere. Altri partner sono il Concorso svizzero di musica da camera ORPHEUS e l'ensemble proton bern.

È disponibile una panoramica dettagliata di tutti i progetti di giovani talenti:
www.prohelvetia.ch/Nachwuchs
 

Dominik Blum (organo Hammond), Marino Pliakas (basso elettrico) e Lucas Niggli (batteria) hanno fondato gli Steamboat Switzerland nel 1996 perché cercavano un veicolo per la loro versatilità. Dominik Blum era laureato in pianoforte e Marino Pliakas in chitarra classica, ma sentivano un certo vuoto. All'epoca, il grunge fece capire loro cosa mancava nella nuova musica: la fisicità del rock'n'roll. Inoltre, tutti e tre i musicisti avevano sviluppato una fascinazione per la musica improvvisata.

Un'altra caratteristica fondamentale degli Steamboat Switzerland è emersa durante le prime sessioni: la band è specializzata nell'interpretare composizioni di altri e nell'intervallarle con emozionanti passaggi improvvisati. Secondo Lucas Niggli, c'è una semplice ragione per cui i tre membri altamente musicali non scrivono loro stessi le parti composte: "Non possiamo raggiungere il livello dei compositori che scrivono pezzi appositamente per noi".

Questo si riflette anche nel nuovo album Grido di tempo chiaramente. I brani sono stati scritti da Michael Wertmüller, che ha già ricevuto quattro commissioni dalla band. Come batterista del gruppo Full Blast di Peter Brötzmann, in cui suona anche Marino Pliakas, conosce molto bene le capacità esecutive dei tre musicisti e può quindi creare composizioni personalizzate. Si tratta di composizioni rigorosamente classiche e meticolosamente annotate, come dimostra uno sguardo agli spartiti. E nella loro complessità - soprattutto ritmica - spingono i limiti di ciò che può essere suonato, come conferma Marino Pliakas. Ma il trio affronta le sfide con una precisione mozzafiato e un'intensità bruciante.

Battello a vapore Svizzera
(Dominik Blum, Marino Pliakas, Lucas Niggli):
Grido di tempo.
Composizioni di Michael Wertmüller.
Registri comfort tr117

Nel suo rapporto Revisione dell'offerta e della struttura del 26 giugno al Gran Consiglio, il Consiglio di Governo bernese propone di ridurre le lezioni strumentali settimanali dagli attuali 45 minuti a 30 minuti nel prossimo anno scolastico e a 22,5 minuti tra quattro anni. Si stima un potenziale di risparmio di 300.000 franchi per il 2014 e di 300.000 franchi per il 2014.
900.000 franchi nei prossimi tre anni. Il Consiglio di Governo ritiene che questa misura sia giustificabile, in quanto ripristinerebbe la prassi esistente prima della conversione dei seminari in ginnasi. (S. 108)

Il dipartimento di musica dei licei bernesi, invece, è convinto che questa misura di riduzione dei costi avrebbe gravi conseguenze per la specializzazione musicale nei licei del Cantone di Berna. Poiché le lezioni di strumento vengono impartite sia nei ginnasi che nelle scuole di musica, anche le scuole di musica sono interessate da questo taglio. Per questo motivo, il gruppo tematico si sta opponendo con una petizione online. Sul sito web www.instrumentalunterricht.ch elenca le argomentazioni contro questo taglio. La petizione può essere firmata online.
 

Il Menuhin Festival Gstaad intende aumentare ulteriormente la propria attrattiva istituendo un'accademia estiva a partire dal 2014. Nell'ambito dell'Accademia di Gstaad, le attività nei settori delle masterclass e della formazione culturale saranno combinate e ampliate.

Il fulcro è l'Accademia di direzione d'orchestra di Gstaad, in programma dal 2014 al 2016 sotto la direzione del celebre direttore d'orchestra Neeme Järvi. Il progetto è importante per la regione sia dal punto di vista culturale che turistico, scrive il Cantone.

Dominik Blum (organo Hammond), Marino Pliakas (basso elettrico) e Lucas Niggli (batteria) hanno fondato gli Steamboat Switzerland nel 1996 perché cercavano un veicolo per la loro versatilità. Dominik Blum era laureato in pianoforte e Marino Pliakas in chitarra classica, ma sentivano un certo vuoto. All'epoca, il grunge fece capire loro cosa mancava nella nuova musica: la fisicità del rock'n'roll. Inoltre, tutti e tre i musicisti avevano sviluppato una fascinazione per la musica improvvisata.

Un'altra caratteristica fondamentale degli Steamboat Switzerland è emersa durante le prime sessioni: la band è specializzata nell'interpretare composizioni di altri e nell'intervallarle con emozionanti passaggi improvvisati. Secondo Lucas Niggli, c'è una semplice ragione per cui i tre membri altamente musicali non scrivono loro stessi le parti composte: "Non possiamo raggiungere il livello dei compositori che scrivono pezzi appositamente per noi".

Questo si riflette anche nel nuovo album Grido di tempo chiaramente. I brani sono stati scritti da Michael Wertmüller, che ha già ricevuto quattro commissioni dalla band. Come batterista del gruppo Full Blast di Peter Brötzmann, in cui suona anche Marino Pliakas, conosce molto bene le capacità esecutive dei tre musicisti e può quindi creare composizioni personalizzate. Si tratta di composizioni rigorosamente classiche e meticolosamente annotate, come dimostra uno sguardo agli spartiti. E nella loro complessità - soprattutto ritmica - spingono i limiti di ciò che può essere suonato, come conferma Marino Pliakas. Ma il trio affronta le sfide con una precisione mozzafiato e un'intensità bruciante.

Lo studio condotto da Dianna Kenny dell'Australian Centre for Applied Research in Music Performance diagnostica, oltre al dolore, anche la depressione, le fobie sociali e la paura del palcoscenico come disturbi comuni dei musicisti d'orchestra.

Con l'aiuto di una procedura metodologica specifica, il Kenny Music Performance Anxiety Inventory (K-MPAI), sono state analizzate le dichiarazioni di 377 orchestrali professionisti.

Le donne intervistate mostrano relazioni lineari significative tra il cosiddetto dolore legato ai trigger point e la paura del palcoscenico, mentre le relazioni tra il dolore e la paura del palcoscenico sono più complesse negli intervistati maschi: in quelli con la paura del palcoscenico più evidente, il dolore associato ai trigger point è meno intenso.

Link allo studio:
pom.sagepub.com/content/early/2013/09/02/0305735613493953.abstract

Cosa c'è di speciale nelle voci pop? Come si differenziano i vocalisti jazz, blues e gospel? Queste e altre domande sono al centro del progetto di ricerca "Voice and Singing in Popular Music in the USA (1900-1960)", condotto dal professore di musicologia di Weimar Martin Pfleiderer.

Il progetto ha sede presso l'Istituto di Musicologia dell'Università di Musica Franz Liszt di Weimar e la FSU di Jena. Nell'ambito di questo progetto è disponibile uno strumento web che utilizza una selezione di oltre 200 registrazioni vocali per visualizzare le caratteristiche delle voci e degli stili di canto e metterle in relazione tra loro.

Le caratteristiche del disegno, come la vocalizzazione roca o roca, il vibrato, il glissando, gli offbeat, nonché la dinamica, l'articolazione e il tempo, sono presentate graficamente e collegate a generi, artisti ed etichette discografiche.

Per saperne di più: hfm-weimar.de/popvoices/vm/main.htm

Martha Monstein è responsabile del dipartimento teatrale della Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia di Zurigo dal 2001 e vanta una lunga esperienza nella promozione della cultura a livello nazionale e internazionale e una profonda conoscenza della vita artistica e culturale svizzera. Ha 56 anni, è sposata e madre di due figli.

Martha Monstein ha completato la formazione per insegnanti a Coira e ha poi studiato inglese, tedesco e critica letteraria all'Università di Zurigo, dove si è laureata nel 1986. Ha iniziato la sua carriera nel campo della cultura come assistente editoriale nella rivista culturale di una stazione radiofonica locale, seguita da incarichi come responsabile dei programmi dei centri culturali di Zurigo e nella gestione e organizzazione della produzione di gruppi teatrali e di danza.

Dal 1993 al 2001, Martha Monstein è stata co-responsabile del dipartimento culturale del Cantone di Argovia e ha avviato diversi progetti nel settore della scuola e della cultura. In questo modo ha acquisito una profonda esperienza nel campo della promozione culturale cantonale e della mediazione culturale. Durante il suo lavoro, ha completato un corso post-laurea in management culturale ed è stata membro del consiglio di amministrazione della Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia.