Prefigurazione di Beethoven

Una sofisticata composizione per pianoforte con un "doppio fondo".

Foto: Manu Theobald, 2012 © Fondazione musicale Ernst von Siemens

David Philip Hefti ha scritto il suo Risonanze beethovenianeil suo secondo pezzo per pianoforte, commissionato dal Musikkollegium Winterthur. Il compito era quello di scrivere un pezzo per pianoforte solo con riferimento alle sinfonie di Beethoven. Hefti prese il tema del movimento lento della Settima Sinfonia come punto di partenza per il suo pezzo.

"In questo brano pianistico i mezzi compositivi sono stati ridotti al punto da rinunciare alle tecniche esecutive estese all'interno del pianoforte a coda.... Utilizzando tutti e tre i pedali e vari effetti di pedale, si ottiene comunque una tavolozza di colori tonali a più livelli. Inoltre, si crea un campo di tensione tra passaggi liberi e precisamente annotati, così come tra attacchi taglienti e toni di eco delicatamente risonanti, che ancora e ancora danno un'idea della musica di Beethoven in forma sonora diffusa". Questa descrizione precisa e molto accurata proviene dal compositore stesso. In realtà, le citazioni beethoveniane sono percepibili solo superficialmente in pochi punti. Molto più dominanti sono le risonanze, che danno al brano un "doppio fondo" con l'aiuto del frequente pedale di sostegno.

Il risultato è una composizione sofisticata che può esistere anche indipendentemente dal soggetto di Beethoven, come una Pezzo per pianoforte n. 2. E sebbene vengano utilizzate solo tecniche esecutive tradizionali e il testo musicale si legga in modo chiaro e plausibile, l'opera richiede - come chi scrive ha potuto constatare di persona - una buona dose di pazienza e disciplina durante le prove...

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David Philip Hefti: Risonanze di Beethoven, pezzo per pianoforte n. 2, GM 1880, Fr. 21.00, Edition Kunzelmann, Adliswil 2012

Blues in chiesa

Una composizione che mette in dialogo tromba e organo - e con un groove insolito.

Foto: pohewa / fotolia.com

Nato in Ungheria nel 1946, Zsolt Gárdonyi è cresciuto in una famiglia di musicisti (il padre è stato allievo di Kodály e Hindemith) e all'età di 19 anni ha vinto premi in organo e composizione all'Accademia di Musica di Budapest. Ha lavorato come professore di teoria musicale all'Università di Musica di Würzburg, si è esibito a lungo come organista e si è fatto conoscere a livello internazionale con numerose pubblicazioni e conferenze.

Il suo Blues per tromba e organo è un autentico blues e si muove all'interno delle convenzioni di melodia, fraseggio e armonizzazione. La parte organistica è speciale: le possibilità di un accompagnamento denso sono sfruttate appieno nelle parti del pedale e del manuale attraverso la pienezza degli accordi abbinati a una sofisticata armonia jazz. La tromba e l'organo sono in dialogo, così che anche lo strumento ecclesiastico diventa un solista jazz e può esibirsi in un contesto completamente nuovo e in un groove insolito. Il Blues è sicuramente un "pezzo da ascoltare" in un programma da concerto per tromba e organo.

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Zsolt Gárdonyi: Blues, per tromba e organo, EW 866, € 12,00, Edition Walhall, Magdeburgo 2012

Preziose nuove vecchie melodie

Questi facili arrangiamenti per due violini e violoncello rendono divertente il gioco d'insieme dei primi anni.

Foto: fottom / fotolia.com

Ursula Erhart-Schwertmann ha trovato melodie ancora sconosciute di famosi compositori barocchi, classici e romantici, le ha arrangiate per due violini e violoncello e le ha dotate di ottime bombature. Come nel primo libretto, sono incluse anche una o due melodie orecchiabili, in questo caso quella di Bizet. Carmen-La Habanera e l'opera di Mozart Cura delle luci...

Le tonalità variano tra 3 si e 3 diesis; l'insegnante deve aiutare con le diteggiature per le posizioni 2ª-4ª, raramente utilizzate. I tesori possono essere scoperti nella musica da camera e nell'esecuzione in ensemble.

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Erstes Triospiel - Facile arrangiamento per 2 violini e violoncello, Volume 2, a cura di Ursula Erhart-Schwertmann, partitura e parti, D 06042, € 24,95, Doblinger, Vienna 2012

Suonare gli strumenti Orff - non picchiarli

Nel suo libro, Micaela Grüner presenta 48 strumenti a percussione e il modo corretto di suonarli.

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"Ho cercato di attivare lo studente attraverso l'auto-musica, cioè improvvisando e creando la propria musica. Non volevo quindi una formazione su strumenti artistici altamente sviluppati, ma su strumenti orientati al ritmo e relativamente facili da imparare, primitivi e vicini al corpo". - Carl Orff (1895-1982) è stato un pioniere. Il suo lavoro scolastico rivoluzionò l'educazione musicale e portò nuovi approcci all'insegnamento, ben oltre il solito canto: "La musica elementare non è mai musica da sola, è connessa con il movimento, la danza e il linguaggio, è musica che devi fare tu stesso, in cui non sei coinvolto come ascoltatore ma come suonatore". Il suo compagno Gunid Kneetman aggiunge: "Questa unità (...) è (...) presente solo nei bambini. Mantenerla e svilupparla per loro è uno dei compiti principali che il lavoro dello Schulwerk si è prefissato".

Oggi gli strumenti Orff sono presenti in ogni scuola. Tuttavia, Carl Orff non li ha inventati, né lo xilofono né la campanella. Ma ha compilato gli strumenti a percussione per le sue lezioni, prima per le sue studentesse nella loro formazione per la ginnastica, la musica e la danza, e poi per l'uso con i bambini. A rigore, il nome "strumenti Orff" dovrebbe essere usato solo per gli strumenti a percussione che Orff sviluppò in collaborazione con il costruttore di strumenti di Monaco Karl Maendler, spiega l'autrice Micaela Grüner. Nel suo libro presenta 48 diversi strumenti a percussione, suddivisi in strumenti a mallet (glockenspiel, xilofono), strumenti a pelle (tamburi), piccoli strumenti a percussione (clave, triangoli, sonagli) e strumenti Orff estesi (percussioni latine, boomwhackers). Questa categorizzazione non è né scientifica (strumenti classificati in base alla parte suonante) né particolarmente pratica per l'insegnamento (ciò che si trova in classe). Ma mostra lo sviluppo dello strumentario, dal nucleo centrale alle estensioni.

Il capitolo 2 descrive e illustra chiaramente le tecniche di manipolazione e di esecuzione. Questo è un bene, perché gli strumenti a percussione hanno un problema: li si colpisce invece di suonarli. Sono sensibili al suono quanto un pianoforte o un violino. In quale punto della pelle la mano deve colpire per ottenere il suono più pieno del tamburo? Quale battito produce il suono più forte e quale quello più secco? E come si tiene correttamente una kabassa, come si tiene un guiro? E come si fa a fare musica con essi? Il capitolo 4, "Suonare con gli strumenti Orff", contiene linee ritmiche e interi movimenti che dimostrano magnificamente la varietà di suoni che gli strumenti a percussione possono produrre. Vengono inoltre presentate molte idee pratiche per l'insegnamento. L'ascolto orientativo nello spazio, la formazione di catene sonore, i giochi con il tempo e la notazione grafica, le conversazioni con il tamburo e la sonorizzazione di testi e storie. Tutti questi suggerimenti sono ben descritti - con parole, immagini e suoni - e facili da mettere in pratica. Particolarmente interessanti sono gli esempi sonori contenuti nel CD con composizioni dello stesso Orff!Image

Micaela Grüner: Strumenti Orff - e come suonarli, un manuale per giovani, anziani, mani piccole e grandi, ED 21039, 128 p., con CD, € 24,95, Schott, Mainz 2011

Un tocco di malinconia di Chopin

Recensione: Le opere pianistiche di Franz Xaver Mozart si collocano nel primo periodo romantico. Karsten Nottelmann le ha pubblicate in due nuovi volumi con Henle-Verlag.

Franz Xaver Mozart. Dipinto di Karl Schweikart, Lemberg, 1825 circa. fonte: wikimedia commons

Franz Xaver Wolfgang Mozart (1791-1844) fu uno straordinario pianista e compositore. Formatosi, tra gli altri, con Johann Nepomuk Hummel e Antonio Salieri, nel 1808 lasciò la città natale di Vienna per la Galizia, dove si stabilì a Lemberg (l'attuale Leopoli in Ucraina). Sempre celebrato come "figlio di W. A. Mozart", esplorò anche l'eredità paterna nella composizione. Probabilmente non è tanto il suo Variazioni del Don Giovanni di interesse, in cui il compositore quattordicenne aggiunge molti squilli di tastiera vuoti al minuetto dell'opera, ma piuttosto le cadenze e gli ornamenti che scrisse per alcuni dei concerti per pianoforte del padre. Alcune delle armonie e della scrittura pianistica sono già molto caratterizzate dal primo Romanticismo.

Musicalmente, F. X. Mozart è più convincente (non c'è da stupirsi?) quando non prende in prestito la musica del padre e si ispira, ad esempio, al folklore dei suoi dintorni galiziani. Questo è ciò che accadde nell'opera Polonaises mélancholiques op. 17 e 22, con un tocco di eleganza e malinconia chopiniana...

Tutte queste opere e molte altre (tra cui due "Variazioni Diabelli") sono state ora pubblicate da G. Henle-Verlag in due volumi dal design accattivante e molto maneggevoli.Image

Franz Xaver Mozart: Opere complete per pianoforte, Urtext a cura di Karsten Nottelman, diteggiatura di Rolf Koenen; Volume 1, HN 958; Volume 2, HN 959; € 22,00 ciascuno, G. Henle, Monaco 2011/12

Anche Liszt aveva troppe poche dita per farlo

Recensione: La "Ballade" op. 19 di Gabriel Fauré, estremamente complessa, è molto più facile da leggere nell'edizione di grande formato di Christoph Grabowski.

Foto: WavebreakmediaMicro / Fotolia.com

"Sa complexité formelle, sa densité d'écriture, sa richesse harmonique, sa variété émotionnelle et ses difficultés techniques considérables placent cette composition parmi les plus difficiles du répertoire pianistique du 19e siècle". Questo giudizio di Philipp Fauré sulla Ballata op. 19 di suo padre può sembrare oggi un po' esagerato. Il fatto è che si tratta di una delle opere pianistiche più rappresentative e ambiziose di Gabriel Fauré.

Per quanto riguarda le difficoltà pianistiche, nientemeno che Franz Liszt si lamentò con il compositore, con il suo caratteristico fascino, di non avere più dita. Probabilmente fu anche Liszt a consigliare una rielaborazione. Fauré ovviamente prese a cuore questo consiglio e oggi l'opera è più comunemente conosciuta nella versione per pianoforte e orchestra.
La casa editrice Bärenreiter ha fatto bene a pubblicare la versione originale in grande formato. La scrittura pianistica comlpice di Fauré è molto più piacevole da leggere in questo modo. In qualità di editore, Christophe Grabowski ha inserito non solo una prefazione che vale la pena di leggere, ma anche stimolanti note interpretative tratte dalla penna di Philipp Fauré e della pianista Marguerite Long.

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Gabriel Fauré: Ballade op. 19, Urtext ed. da Christophe Grabowski, BA 10841, € 12,95, Bärenreiter, Kassel 2012

Uno sguardo all'interno del laboratorio di Fauré

Recensione: Una nuova edizione della Sonata per violino op. 13 permette di prendere le proprie decisioni in merito a legatura e dinamica.

Gabriel Fauré, dipinto a olio di Ernest Joseph Laurent. Fonte: wikimedia commons

Camille Saint-Saëns, di mezza generazione più anziano, aveva ragione a lodare con effusione la prima sonata per violino di Fauré, pubblicata nel 1877: "... e su tutto aleggia una magia ... che fa sì che la massa degli ascoltatori comuni accetti l'audacia più selvaggia come una cosa del tutto normale ...". È all'avanguardia nel repertorio concertistico. Fauré era stato nominato segretario della Société nationale de musique nel 1774, che si era dedicata al "renouveau" della vita musicale francese in concorrenza con la musica strumentale tedesca. Lo afferma, tra l'altro, l'interessante prefazione a questa nuova edizione. L'Urtext di Henle mette a confronto la prima edizione di Breitkopf & Härtel con gli schizzi autografi e sottolinea le differenze nelle legature e nelle dinamiche da tenere in considerazione quando si lavora sull'opera; è uno sguardo all'interno del laboratorio di Fauré. Oltre alla parte per violino dell'Urtext, è disponibile anche un arrangiamento di Igor Ozim. Ozim cerca i colori giusti delle corde e adatta i colpi d'arco alle dinamiche. A volte utilizza un accurato cambio di corde per ottenere intervalli emozionanti che avrebbero un effetto più espressivo su una sola corda.Image

Gabriel Fauré: Sonata n. 1 in la maggiore op. 13, Urtext a cura di Fabian Kolb, con parte aggiuntiva marcata per violino di Igor Ozim, partitura e parti, HN 980, € 21,00, G. Henle Verlag, Monaco 2012

Allegra malinconia

La cantante Esther Ackermann non sembra pensare al pubblico quando canta queste canzoni, per la gioia degli ascoltatori.

Esther Ackermann. Estratto dalla copertina del CD

Nata nel sud della Francia con radici ebraico-spagnole, la cantante ginevrina Esther Ackermann ha letteralmente assorbito le canzoni ebraiche che sua madre cantava per farla addormentare da bambina. Ecco come lo racconta. Affascinata dalla musicalità della lingua, si dice che abbia scritto la sua prima poesia all'età di sette anni. Ora, quasi 40 anni dopo, ha registrato queste canzoni con il chitarrista Paco Chambi sotto il titolo di A la una yo naci registrato. Si tratta di un breve album di dodici brani - per un totale di soli 31 minuti - in cui l'artista canta con grande tenerezza l'infanzia e la cultura ebraica. E lo fa con intensità e concentrazione e con una tale gioia infantile, come se stesse semplicemente cantando a se stessa sotto un albero ombroso mentre cura gli ortaggi davanti a casa. Questo crea un'intimità ammaliante che è tanto più commovente in quanto permette all'ascoltatore di immergersi in un mondo che risveglia desideri senza scadere nella dolcezza popolare. Forse è l'allegra malinconia delle sue canzoni a rendere questo album molto personale. Ha ciò che rende bella e buona la musica: è in grado di toccarci.

Le semplici canzoni sono accompagnate da una chitarra classica, in modo discreto e con grande stile folk-jazz. È tutto ciò di cui questa musica ha bisogno. E così si ha subito la sensazione che a fare musica siano due artisti che non si preoccupano mai dell'invadenza tecnica e della raffinatezza, ma solo dell'espressione. Un bicchiere di vino al tavolo di un bistrot e il sogno di fuggire verso il sud sono l'accompagnamento perfetto. - Fortunatamente per A la una yo naci il tasto di ripetizione.

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Esther Ackermann: A la una yo naci. Canti tradizionali giudeo-ispagnoli, Dischi VDE-Gallo, VDE CD-1369

Carriera

Fare carriera, andare avanti, uscire... Chiediamo alle persone all'inizio, a metà e verso la fine della loro vita musicale che cosa significa per loro una carriera. Come si diventa direttore di un festival jazz? E cosa si impara alla Graduate School of the Arts?

derbildermann - Fotolia.com
Karriere

Fare carriera, andare avanti, uscire... Chiediamo alle persone all'inizio, a metà e verso la fine della loro vita musicale che cosa significa per loro una carriera. Come si diventa direttore di un festival jazz? E cosa si impara alla Graduate School of the Arts?

Focus

Entrare, salire, cambiare
I musicisti guardano indietro alla loro carriera.
Interviste dettagliate

Alla testa di una grande orchestra
Ritratto del direttore d'orchestra Marin Alsop  
Rapporto online: Orquestra Sinfônica do Estado de Sao Paulo

Un percorso di direttori di festival
Serge e Francine Wintsch
Riassunto in tedesco

"La carriera di cantante ha le sue leggi".
Intervista con l'agente artistico Rita Schütz

Un ibrido tra scienza e arte
Studi di dottorato presso la Graduate School of the Arts di Berna

... e anche

CAMPUS

La formazione Willems si unisce all'HEM

Un palcoscenico per gli archivi musicali
Il fondo Clara Haskil alla BCUL

Recensioni Insegnamento della letteratura

FINALE

Indovinello Pia Schwab sta cercando ...

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Direttore del festival: una carriera nella febbre del Bluenote

Serge e Francine Wintsch organizzano il festival JazzOnze+ di Losanna da 20 anni. Come vivono il loro compito, tanto faticoso quanto stimolante?

Foto: mibphotographie.ch
Festivalleiter – eine Karriere im Bluenote-Fieber

Serge e Francine Wintsch organizzano il festival JazzOnze+ di Losanna da 20 anni. Come vivono il loro compito, tanto faticoso quanto stimolante?

Non esiste una formazione per i futuri organizzatori di festival. La maggior parte di loro impara mentre è già appassionata del proprio lavoro, come Serge e Francine Wintsch. L'attaccamento al loro festival è una sorta di storia d'amore. Con gli occhi lucidi, parlano del programma che hanno messo insieme per l'edizione autunnale di quest'anno, quattro serate con una decina di concerti.

Le loro prime carriere sono state molto utili per il loro compito attuale: Francine ha una formazione da tipografa ed è stata responsabile della pubblicità per una grande azienda. Serge era a capo di uno studio di architettura ed è anche un musicista. Per suonare, spesso doveva organizzare tutto da solo: Trovare un posto dove esibirsi, radunare i colleghi musicisti, organizzare i compensi e i pasti. Quando si sono incontrati, sono diventati naturalmente un duo di "produttori di eventi musicali". Non restava che trovare un campo di attività, che si è presto aperto con la gestione del festival Onze+. Questo era stato fondato da un gruppo di musicisti di Losanna per promuovere la musica improvvisata contemporanea.

Organizzazione del tour

La progettazione del programma è il compito principale di un direttore di festival. Quando i Wintsch hanno preso in mano il "loro" festival, il programma era radicale. "Volevamo continuare a proporre artisti interessanti ed emergenti, ma sapevamo anche che avevamo bisogno di nomi noti". La soluzione, come per molti altri festival, è un misto di valori sicuri e sperimentazione.

I Wintsch non si accontentano comunque delle band attualmente in tournée. Pensano a un programma ideale e, se necessario, organizzano un tour per l'artista desiderato, in modo che l'esibizione al loro festival si adatti perfettamente. A volte organizzano anche un'esibizione fuori dal comune, per la quale chiedono sovvenzioni speciali. Quest'anno, ad esempio, hanno organizzato un tributo a George Gruntz.

Contabilità e "conservazione delle specie"

Organizzare un festival significa anche raccogliere fondi. Con un budget di mezzo milione, JazzOnze+ è un festival "povero" che funziona grazie a un team di volontari. I Wintsch hanno recentemente iniziato a ricevere un piccolo compenso per il loro lavoro. Ma cosa li spinge a continuare a impegnarsi così tanto? "È la gioia di presentare la musica che amiamo qui dove viviamo. E il piacere di incontrare persone meravigliose".

Dopotutto, fa parte della carriera di un direttore di festival anche garantire la sopravvivenza del proprio evento. A JazzOnze+, l'ingresso gratuito all'EspaceJazz consente anche ai giovani di ascoltare e spesso di partecipare. Su questi palchi possono ascoltare gruppi giovani la cui musica è più vicina alle tendenze attuali che al jazz.

www.jazzonzeplus.ch

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Discussione

Sull'articolo "Compiti entusiasmanti per tutti coloro che odiano Wagner!" di Roman Brotbeck ("Schweizer Musikzeitung", n. 7/8/2013, p. 19 - nella serie "Carte Blanche")

Sull'articolo "Compiti entusiasmanti per tutti coloro che odiano Wagner!" di Roman Brotbeck ("Schweizer Musikzeitung", n. 7/8/2013, p. 19 - nella serie "Carte Blanche")

La provocazione mirata può avere un effetto stimolante. Tuttavia, questo effetto viene meno se si ricorre a una generalizzazione non obiettiva o a una rappresentazione manipolativa. Roman Brotbeck formula, nella seconda parte, le seguenti parole del suo contributo è una preoccupazione che merita di essere ascoltata: incoraggia un impegno senza pregiudizi nei confronti di opere di teatro musicale la cui adeguata ricezione è stata bloccata o ostacolata da dichiarazioni sprezzanti di Richard Wagner. La presentazione di questa preoccupazione non avrebbe richiesto le frasi precedenti; queste inizialmente suggeriscono che l'autore voleva assicurarsi l'attenzione del lettore con alcune osservazioni provocatorie, ma si trasformano in una serie di insinuazioni e mezze verità.

Può essere metodologicamente corretto non farsi influenzare dalla storia dell'impatto di Wagner quando si analizza la sua persona e la sua biografia. Tuttavia, un esame della storia dell'impatto di Wagner non può ignorare il fatto che il suo particolare significato negli anni del regime nazionalsocialista non è dovuto solo all'appropriazione postuma (come è accaduto, ad esempio, nel caso di Anton Bruckner), ma anche alla vicinanza di strategie e posizioni. Secondo Brotbeck, l'espressione "capostipite del nazionalsocialismo", usata in modo "mormorante" ed "evocativo", rappresenta un'inammissibile semplificazione di questo legame. Se si trovasse effettivamente in uno dei resoconti criticati da Brotbeck, non sarebbe un motivo per dichiarare inutile o inappropriato l'esame degli aspetti problematici di Wagner citati, ma al massimo un motivo per chiedere una presentazione più differenziata. In questa parte del suo testo, Brotbeck dà la spiacevole impressione di voler o poter relativizzare la valutazione dell'antisemitismo di Wagner, in quanto le sue dichiarazioni militanti risalgono al periodo precedente l'ascesa del nazionalsocialismo. Tuttavia, non c'è (per dirla senza mezzi termini) alcuna "misericordia della nascita precoce" (o "misericordia della morte tempestiva") per questo antisemitismo.

L'insinuazione, confezionata con un'immagine drastica nell'ultima frase del primo paragrafo, che la discussione sull'antisemitismo di Wagner prenda il posto del ben più scomodo esame dei crimini dei nazionalsocialisti e rappresenti quindi una manovra diversiva o una repressione, è anch'essa oltraggiosa - almeno finché non è suffragata da un singolo caso, cioè finché può essere letta come un'accusa contro la totalità di coloro che scrivono sull'antisemitismo di Wagner. Poiché la frase inizia con un riferimento generico ai "crimini" (dopo la menzione degli "assassini di massa" nella frase precedente), si ha in realtà l'impressione che l'accusa generalizzata di Brotbeck di soppressione o di mancata rivalutazione si applichi al modo in cui (almeno i critici wagneriani) hanno trattato il "Terzo Reich" in generale - il fatto che il paragrafo successivo del testo citi solo esempi dal campo della musica, tuttavia, implica che l'accusa di Brotbeck si riferisca solo al modo in cui è stata trattata la vita musicale dominata dal nazionalsocialismo.

Mentre nel primo paragrafo si parla di critici wagneriani e (nel senso del titolo del testo) di "odiatori di Wagner" (con tanto di richiami alla letteratura wagneriana particolarmente estesa nell'"anno wagneriano"), il secondo paragrafo utilizza tre esempi per illustrare l'attuale trattamento dei protagonisti e dei prodotti musicali dell'epoca nazionalsocialista, che possono al massimo essere considerati un excursus nel contesto del tema wagneriano delle altre parti del testo. Brotbeck cita esempi che, a suo dire, si possono trovare "su e giù per il paese" o in generale "nelle chiese" (che sono ancora piuttosto numerose) - con questo e con l'insinuazione, già espressa in precedenza, di una scelta di argomenti determinata dalla repressione e dalla convenienza, Brotbeck crea l'impressione generalizzata che non ci sia stato un esame serio delle vittime, dei profittatori e dei perpetratori della sincronizzazione nazionalsocialista della vita musicale. Tuttavia, questa impressione non corrisponde ai fatti. È possibile che il lavoro su questo tema sia iniziato solo tardi e che anche dopo la prima pubblicazione completa (Joseph Wulf: La musica nel Terzo Reich - Un documentarioGütersloh 1963) è rimasto a lungo un argomento di estraneità; tuttavia, Brotbeck dovrebbe essere consapevole del fatto che dall'inizio degli anni '80 (dal libro di Fred K. Prieberg La musica nello stato NSFrankfurt/M. 1982, nuova edizione Colonia 2000), sono stati pubblicati numerosi saggi e libri sull'argomento. L'impatto di questi studi sul repertorio e sulla progettazione dei programmi non è grande, dal momento che la maggior parte della musica di cui si parla è comunque ampiamente evitata in quanto "non più nuova, ma non ancora vecchia" - ma almeno è stato possibile segnalare numerosi compositori che sono stati ostracizzati, espulsi e uccisi dai nazionalsocialisti nelle esecuzioni e nelle edizioni (P. Ben-Haim [P. Frankenburger], H. Berlinski, B. Goldschmidt, E. I. Kahn, V. Ullmann e altri). Queste iniziative non hanno assolutamente raggiunto il loro scopo; dovrebbero essere intensificate, ampiamente discusse e pubblicizzate - ma non può rendere giustizia alla situazione attuale negare prematuramente gli sforzi, come fa Brotbeck nel suo testo.

Da questi tentativi non ci si può aspettare due risultati: Il risarcimento di ciò che è stato fatto ai perseguitati e agli sfollati e una chiara categorizzazione che li liberi da ulteriori riflessioni. tutti non perseguitati e non emigrati in "buoni" (o almeno "incontaminati") e "cattivi". Molti casi sono stati oggetto di controversia per anni - la discussione su Hugo Distler, il cui comportamento contraddittorio è stato oggetto di una pubblicazione separata già nel 1997, può servire da esempio (Stefan Hanheide [ed:] Hugo Distler nel Terzo ReichOsnabrück 1997). Anche Richard Strauss ha mostrato un comportamento mutevole e a volte sconcertante, la cui descrizione ha trovato spazio negli articoli dell'enciclopedia (si veda wikipedia.org/wiki/Richard_Strauss) - la sua presidenza nei primi anni della Reichsmusikkammer menzionata da Brotbeck merita naturalmente una critica. Ma secondo Brotbeck, come dovrebbe essere gestito il caso Strauss in futuro? Le rappresentazioni delle sue opere dovrebbero essere cancellate? Wagner, che Brotbeck dipinge nel suo primo paragrafo come un trisavolo ingiustamente "picchiato", è stato finora risparmiato da tali misure nonostante le "percosse": I rimproveri a Wagner, che Brotbeck ha dichiarato inopportuni, non sono ancora riusciti a limitare efficacemente la sua popolarità e la sua presenza nel repertorio.

Brotbeck descrive l'opera di Carl Orff Carmina Burana come una di quelle "opere di propaganda nazionalsocialista" che ancora oggi vengono spesso rappresentate. Quali sono le altre opere di propaganda che vengono ancora (o forse di nuovo) valorizzate oggi? Cosa rende il Carmina Burana come opera di propaganda, ad esempio attraverso lo stile arcaizzante della musica o del testo? È possibile che l'opera sia stata composta appositamente a scopo propagandistico? Finora non è stato nemmeno dimostrato che sia stata effettivamente utilizzata come opera di propaganda. La prima del 1937 ebbe luogo nell'ambito dell'ultimo Tonkünstlerfest che l'"Allgemeine deutsche Musikverein", fondato con la partecipazione di Franz Liszt, riuscì a organizzare prima del suo forzato scioglimento. I Carmina ebbero successo, ma "inizialmente sembravano sufficientemente anticonvenzionali da apparire sospetti negli ambienti di Rosenberg e persino di Goebbels" (Michael Kater: La musa maltrattata: i musicisti nel Terzo ReichMonaco e Vienna 1998, p. 363; analogamente p. 352). Al contrario, wikipedia.org/wiki/Carmina_Burana_(Orff) scrive a proposito dell'opera: "Fu particolarmente popolare durante la dittatura nazista. Celebrità naziste come Hitler e Goebbels erano particolarmente affezionate ai Carmina Burana di Orff". Tuttavia, solo un passaggio del libro è citato come prova di questa rappresentazione non del tutto riuscita, anche nella sua dizione Adolf Hitler: un'interpretazione psicologica delle sue opinioni su architettura, arte e musica di Sherree O. Zalampas (Bowling Green State Univ. 1990), dove si legge: "Le melodie sono piuttosto folk nella loro semplicità e nelle strofe chiare. Forse per queste ragioni l'opera piacque a Hitler". Nel 1940, i Carmina furono diretti a Dresda da Karl Böhm, che aveva sostenuto attivamente il nazionalsocialismo attraverso appelli pubblici, ma le esecuzioni a Görlitz furono cancellate durante la guerra su istigazione del pianista nazionalsocialista Elly Ney, che descrisse l'opera come una "disgrazia culturale" in presenza del leader locale del distretto NSDAP (Prieberg p. 326).

Questa panoramica, necessariamente breve, può dimostrare che la classificazione del brano di successo di Orff come musica di propaganda nazionalsocialista è una deplorevole esagerazione e l'interpretazione di Brotbeck altamente idiosincratica. Ciò non assolve Orff dai suoi "intrecci": Si lasciò sponsorizzare da agenzie statali e scrisse lavori su commissione, come la composizione Entrata e ballo circolare dei bambini per i Giochi Olimpici di Berlino del 1936. Una valutazione è complicata nei singoli casi: Quando Orff aveva accettato di comporre le musiche di scena per il film di Shakespeare Sogno di una notte di mezza estate Orff doveva sapere che dietro la commissione c'era il tentativo dei nazionalsocialisti di creare un sostituto per le musiche di scena vietate di Felix Mendelssohn Bartholdy. La commissione deve essere stata molto allettante per Orff, che ora poteva presentare e commercializzare una rielaborazione della musica che aveva già composto sullo stesso tema nel 1917 - all'epoca, tuttavia, senza implicazioni politiche o motivazioni ideologiche.

Grazie al già citato, indubbiamente innovativo e lodevole libro di Prieberg, nel 1982 si è saputo che Johann Nepomuk David ha composto il mottetto Onorare gli eroi sulle parole di Adolf Hitler. L'annuncio di Prieberg fece discutere all'epoca e portò alle dimissioni dell'olandese Cornelis van Zwol dalla presidenza della "Società internazionale Johann Nepomuk David", fondata nel 1978. Ecco alcune informazioni aggiuntive sull'opera, basate su ricerche e pubblicazioni di Bernhard A. Kohl: David mise in musica il testo, che non è ancora stato trovato in altre fonti: "Colui che è così fedele al suo popolo non sarà mai dimenticato nella fedeltà". Il mottetto reca la dedica "In memoria degli insegnanti e degli studenti caduti della Staatl. Musikhochschule di Lipsia" e fu eseguito due volte, prima il 7 novembre 1942 in occasione di una cerimonia della Società tedesco-giapponese, che era stata messa in riga dal 1933 - questa è l'esecuzione citata da Brotbeck "davanti ai rappresentanti diplomatici delle potenze dell'Asse" - e poi il 27 marzo 1943 nello stesso luogo (a Lipsia). Poi il 27 marzo 1943 nello stesso luogo (nella cripta del Völkerschlachtdenkmal) in un servizio commemorativo per gli insegnanti e gli studenti caduti, che si svolse nell'ambito delle celebrazioni per il centenario della fondazione dell'Università di Lipsia (fino al 1941 il Conservatorio). Breitkopf & Härtel, l'editore di quasi tutte le opere pubblicate di David, riprodusse la composizione per le due esecuzioni, ma non la pubblicò: Non c'è nessuna nota di copyright e nessun numero di edizione o di editore, quindi si presume che David non abbia autorizzato la composizione per la pubblicazione. Non esistono documenti ufficiali sulle circostanze della commissione e della scelta del testo, ma solo un messaggio di David a Kohl, che informò personalmente David della commissione. Onorare gli eroi dopo che egli - anni prima della pubblicazione del libro di Prieberg La musica nello stato NS - Secondo il suo stesso racconto, David fu incaricato di comporre il testo (lo confermano gli studenti di David dell'epoca) e dovette scegliere il testo tra una serie di proposte, per cui tutte le altre erano "inutilizzabili", cioè probabilmente più cariche ideologicamente della citazione musicata, in cui la paternità è più compromessa della formulazione. Nelle dichiarazioni di due studenti dell'Università di Lipsia dell'epoca (pubblicate nel 1983 nel numero 4 della rivista Notifiche della International Joh. Nep. David Society) afferma che David era imbarazzato nel presentare il brano al coro che dirigeva e che chiese comprensione per questo "esercizio obbligatorio".

David non rifiutò nemmeno il sostegno finanziario: Nel 1941 ricevette il "Gaukulturpreis des Gaues Oberdonau der NSDAP". Nell'ultima ampia pubblicazione di Prieberg Manuale dei musicisti tedeschi 1933-1945 (CD-Rom-Lexikon, Kiel 2004), l'adesione di David al "Reichsbund Deutsche Familie", che esisteva dal 1922 ma che da tempo era stato messo in riga, è documentata per il novembre 1943. Al contrario, molte testimonianze e relazioni sul periodo trascorso da David a Lipsia suggeriscono che egli mantenne la sua indipendenza dalle ideologie dominanti. Alcuni esempi: Nel 1938, David aveva organizzato un'esecuzione dell'opera di Stravinsky Sinfonia di Salmi esplicitamente contro un verdetto emesso dal "commissario culturale nazista municipale"; si schierò a favore del compositore Günter Raphael, che era considerato un "mezzo ebreo" e a cui era stato vietato di lavorare ed esibirsi. David fu incaricato provvisoriamente della gestione del collegio nel 1942, ma non fu mai nominato ufficialmente direttore dell'istituto - questo è riportato erroneamente nell'ampio articolo di Wikipedia sull'Accademia di musica di Lipsia. In qualità di direttore provvisorio, David lottò per mantenere le attività didattiche e gli esami fino al febbraio 1945. Probabilmente non sarà mai chiarito del tutto in che misura la Onorare gli eroi e forse anche la già citata appartenenza a un'istituzione sincronizzata vanno visti come un approccio tattico. La misura in cui David, come direttore dei cori dell'università e come compositore, si vedeva ostacolato nel suo impegno per la musica sacra è dimostrata dalla citazione di una lettera che scrisse nell'estate del 1942, l'anno in cui fu composta l'opera incriminata. Onorare gli eroial suo allievo Helmut Hilpert, arruolato nella Wehrmacht - qui, dopo aver elencato le ultime composizioni strumentali di David, si legge: "Scrivere per coro non è possibile perché i testi sono di fatto proibiti". Questa affermazione può essere letta come un riferimento al fatto che David non voleva che la Onorare gli eroi non era considerata un'opera valida nemmeno al momento della sua creazione.

Questa ancora una volta breve panoramica non può ovviamente portare a glorificare l'opera di David durante il periodo del "Terzo Reich" (come in effetti si è tentato di fare altrove), ma può portare a capire che il tentativo di Brotbeck di includere David in una raccolta di esempi di esponenti musicali del nazionalsocialismo deve essere considerato una generalizzazione non obiettiva. La sua presentazione è contestabile e tendenziosa non solo perché colloca le esecuzioni delle opere di David in prossimità della repressione e della mancanza di consapevolezza storica, ma anche perché crea l'impressione che le opere di David siano "cantate nelle chiese", vista la presunta mancanza di ricerche sulla biografia del loro compositore, cioè eseguite in molti luoghi e quindi complessivamente abbastanza frequenti. È vero il contrario: le esecuzioni delle opere di David sono una grande eccezione sia in chiesa che in sala da concerto, il che è deplorevole date le qualità di queste composizioni. La discussione sull'opera di David durante gli anni del "Terzo Reich" ha già avuto un effetto negativo sulla frequenza delle esecuzioni in due modi. Onorare gli eroi L'espressione "in dubio contra reum" è stata utilizzata più volte in modo altrettanto audace e indifferenziato rispetto a Brotbeck. Nel processo, si è conservato un dubbio "in dubio contra reum", che era comprensibile come reazione emotiva nella fase del primo dibattito sul tema della "musica nello Stato nazista", ma che oggi non è più appropriato. Un esempio di questa generalizzazione viene dall'esperienza di chi scrive: In una conversazione sulla musica del XX secolo, un rinomato organista svizzero commentò che valeva certamente la pena di trattare le opere organistiche di David, ma che era inammissibile "per motivi politici". - D'altra parte, la musica da chiesa tonale degli anni Trenta, che spesso si basava su vecchi schemi, è stata generalmente ritenuta in alcune discussioni come avente una funzione e un effetto stabilizzante sul regime nazista - indipendentemente dalla personalità del compositore. In questo contesto, ci vengono in mente le affermazioni dell'organista e compositore Gerd Zacher nella rivista Musica e chiesa e il sospetto generale di Michael Kater nei confronti della "nuova scuola di musica sacra riparativa" (p. 313). Le opere di David e di molti altri compositori - compresa la loro musica da chiesa - sfuggono a tale etichettatura. Ciò che è allarmante è che qui si percepisce talvolta una mentalità da piccionaia che ricorda lontanamente modelli imbarazzanti: l'equazione secondo cui un compositore che nella Germania dell'epoca componeva in modo tonale o modale doveva certamente essere un "nazista" funziona naturalmente altrettanto poco quanto l'assurda equazione che si trova nelle pubblicazioni naziste secondo cui le composizioni "atonali" dovevano inevitabilmente essere opera di un compositore ebreo.

L'obiettivo di questi commenti non è quello di sbiancare il più possibile una singola personalità, ma di sollecitare una visione e una presentazione differenziata. Questo si traduce in "compiti entusiasmanti" per tutti coloro che non vogliono accontentarsi del livello degli slogan da tavola dei soliti noti. Naturalmente, quando si guarda alla storia non si deve sorvolare o omettere nulla: l'antisemitismo di Richard Wagner non è da meno delle concessioni, dell'ingenuità politica, dell'ingraziamento o della complicità attiva dei musicisti nello Stato nazista. - Questi commenti vanno al di là della portata abituale di una lettera al direttore, anche se toccano molti aspetti solo in forma di panoramica. Per mantenere la forma di una lettera all'editore ed evitare che il testo diventi ancora più lungo, i riferimenti bibliografici sono incompleti - ma possono essere forniti per intero, se necessario.

Matthias Wamser, Rheinfelden
wamserbaerthlein@sunrise.ch

Da una mano reale

Mary Oleskiewicz presenta quattro sonate del flautista Federico II come prime pubblicazioni.

Ritratto di Federico II di Johann Georg Ziesenis il Giovane. Fonte: wikimedia commons

Il re prussiano Federico II (1712-1786) pubblicò numerose composizioni per il suo strumento. Scriveva alla sorella Guglielmina delle sue opere con entusiasmo e umorismo, e dalla corrispondenza si evince anche che Federico riceveva talvolta l'aiuto di compositori di corte come Carl Heinrich Graun, Johann Joachim Quantz e Johann Friedrich Agricola. Durante la vita di Federico, le sue opere furono sistematicamente registrate dai copisti di corte, ma la maggior parte delle copie andò perduta. Nel 1889, il copista di Bach Philipp Spitta pubblicò un'edizione di 25 sonate del re prussiano, di cui quasi la metà erano tra le sue ultime opere.

La maggior parte delle sonate di Friedrich sono in quattro movimenti nell'ordine lento-veloce-lento-veloce, come era comune per la maggior parte degli altri compositori della corte berlinese, come Quantz, Benda e Carl Philipp Emanuel Bach. I primi movimenti lenti sono per lo più di natura ingraziante, riccamente ornati, spesso lirici e con uno stile retorico. Il primo movimento della primissima Sonata per flauto in la minore Sp. 21 contiene un recitativo strumentale. Friedrich potrebbe aver inteso il primo movimento cantabile della Sonata in do maggiore come un omaggio al suo maestro Johann Joachim Quantz, che aveva composto il primo movimento della sua Sonata in do maggiore in modo simile. La Sonata in si bemolle maggiore Sp. 76 inizia addirittura con un ampio Largo in si bemolle minore prima di raggiungere il si bemolle maggiore nella seconda metà del brano. Nel lento movimento d'apertura della Sonata in si minore Sp. 83, lo stile sensibile di C. Ph. Ph. E. Bach, ad esempio. Le composizioni di Friedrich rivelano la tendenza a rendere le sonate sempre più lunghe e tecnicamente più impegnative. Il fatto che il re, che eseguiva al flauto traverso un repertorio di circa 290 concerti e 150 sonate di Quantz, dovesse avere egli stesso doti estremamente virtuosistiche è dimostrato dalla Sonata in si minore Sp. 83, che, ad esempio, contiene passaggi velocissimi nel secondo movimento Allegretto con salti fino a tre note di mi e fa diesis, annotati in 32°. Anche l'Allegro assai colpisce per le sue giocose configurazioni di terzine.

Queste quattro sonate sono composizioni accattivanti in cui l'inventiva, il senso dello stile e l'abilità del re prussiano sono visibili e udibili.Image

Federico II il Grande: Quattro Sonate per flauto e basso continuo, prima edizione a cura di Mary Oleskiewicz, partitura e parte, MR 2266, € 29,50, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2012

Duo, Trio, Villanelle

Opere di musica da camera con il corno in nuove edizioni, riccamente documentate.

Foto: Sabine Schmidt / pixelio.de

Esistono tre edizioni Urtext in ottima presentazione. Ciò che colpisce e piace in tutte e tre è la meticolosa ricerca delle fonti e i testi di accompagnamento che ne risultano, affascinanti da leggere. Si tratta di gemme del repertorio di musica da camera con corno: la Trio per violino, corno e pianoforte op. 40 di Johannes Brahms, la Villanelle per corno e pianoforte di Paul Dukas e Adagio e Allegro per corno e pianoforte op. 70 di Robert Schumann. Brahms Trio è stato originariamente scritto per corno naturale, Dukas Villanelle per corno naturale in combinazione con corno a valvole, l'opera di Schumann è considerata il primo brano in cui è stato utilizzato il corno cromatico.

La prefazione di Dominik Rahmer all'opera Villanelle Il libro si legge quasi come un giallo e fa anche luce sulla storia del corno nella transizione dal corno naturale a quello a valvole a Parigi all'inizio del XX secolo.Image

Christopher Hogwood ha eseguito il BrahmsTrio anche nella versione per violino, violoncello e pianoforte autorizzata dal compositore, curata con sapienza e attenzione. I quattro strumenti, violino, violoncello, pianoforte e corno, erano incidentalmente quelli che Brahms stesso suonava. L'appendice contiene un foglio d'album del 1853, dodici anni prima della composizione dell'op. 40, con il tema del trio dal terzo movimento del trio per corno che fu composto più tardi, oltre a diverse pagine in facsimile.Image

Da Schumann Adagio e Allegro Nello stesso periodo è stata pubblicata l'edizione Urtext di una versione per violino e pianoforte (HN 1025).Image

Paul Dukas: Villanelle per corno e pianoforte, Urtext a cura di Dominik Rahmer, HN 1170, € 13,00, G. Henle, Monaco, 2012

Johannes Brahms: Trio per violino, corno e pianoforte in Mi bemolle maggiore op. 40, Urtext a cura di Christopher Hogwood, BA 9435, € 26,95, Bärenreiter, Kassel 2011

Robert Schumann: Adagio e Allegro per corno e pianoforte in la bemolle maggiore op.70, Urtext a cura di Ernst Herttrich, HN 1023, € 13,00, G. Henle, Monaco 2012

Creatore contro ogni previsione

Mel Bonis ha utilizzato impressioni rurali nella sua Suite per violino e pianoforte. Vale la pena di riscoprire l'intera e vasta opera di Mel Bonis.

Mel Bonis ritratto da Charles-Auguste Corbineau / wikimedia commons

Le improvvisazioni pianistiche di Mélanie Bonis erano considerate una seccatura dai suoi genitori piccolo-borghesi parigini, ma - incoraggiata da César Franck - le fu permesso di frequentare il Conservatorio Superiore, ma dovette abbandonare i suoi studi di successo prima della fine perché i genitori non approvavano la sua storia d'amore con il compagno di studi Amédée Hettich. Sposata con il ricco vedovo Albert Domange, di 25 anni più anziano di lei, con cinque figli, ai quali diede altri quattro figli, ebbe poco tempo per la musica. Tuttavia, riuscì a pubblicare diverse opere sotto lo pseudonimo di Mel Bonis (le donne compositrici non erano prese sul serio all'epoca; dovette finanziare lei stessa alcune edizioni) con Leduc ed Eschig. Verso la fine del secolo, Hettich la incoraggiò a ritornare a un'intensa attività musicale, anche a livello di premi (divenne persino segretaria della Société des Compositeurs). Riuscì a tenere segreta la figlia fino al 1914. Durante la Prima guerra mondiale, si impegnò ad aiutare gli orfani e i prigionieri di guerra. Nonostante la depressione, continuò a comporre instancabilmente fino alla fine della sua vita. Le sue 300 opere per pianoforte, organo, ensemble da camera, voce e orchestra possono competere con il calibro di Fauré e Chausson, ma sono state ingiustamente dimenticate.

Per i tre movimenti Suite del 1926, il cui manoscritto è stato ritrovato nell'archivio di famiglia, si ispira alla vita in campagna del compositore: I Giorno di festa sorprende con motivi in levare frizzanti e sincopati in cui i due strumenti si susseguono. Un intermezzo più vocale è concluso da un galoppo. II Sous la ramée è un'estesa fantasticheria, che fluttua con sicurezza tra i tasti. III Cortège champêtre ritorna al Do maggiore del I con molte modulazioni fantasiose, che ricordano una parata di majorette dal passo leggero. Musicalmente impegnativa, questa suite regala agli interpreti un grande piacere.

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Mel Bonis, Suite pour violon et piano op. 114, a cura di Eberhard Mayer e Ingrid Mayer, prima pubblicazione, fue 4390, € 22,00, Furore-Edition, Kassel 2012

Testo originale istruttivo

Recensione: Le sonate per violino op. 2 di Vivaldi - diffuse da Venezia in tutta Europa. Pubblicate di recente da Bernhard Moosbauer come Urtext viennese.

Antonio Vivaldi, caricatura di Pier Leone Ghezzi / wikimedia commons

Le Sonate op. 2 di Vivaldi - la consueta opera d'esordio di un giovane aspirante musicista dai tempi di Corelli - sono state a lungo oscurate dai suoi concerti per violino, anche se si distinguono dai lavori analoghi dei suoi contemporanei. Questi sonata da camera con il basso che partecipa chiaramente al dialogo, potrebbero anche essere utilizzati come duetti con il violoncello. Sembra che Vivaldi abbia scritto molti dei movimenti veloci virtuosi, ma non troppo difficili, dell'opera per utilizzarli nelle lezioni con i suoi allievi al Pio Ospedale della Pietà. Dedicò la prima edizione, pubblicata da Bortoli a Venezia nel 1709, al re di Danimarca e Svezia, che all'epoca soggiornava in città. Anche l'ordine di ristampa da parte di Rogers ad Amsterdam era in linea con questo impegno: È prodotta in tecnica di incisione su rame - più leggibile della stampa a caratteri veneziani (un facsimile di quest'ultima è incluso nella partitura a pagina 47) - e contiene ora una figura per il basso, che si adattava all'uso da parte dei dilettanti aristocratici del nord. In Italia, dove suonavano solo musicisti esperti, questo non era necessario.

Il raffinato arrangiamento di Adolf Busch del Sonata II con un Adagio splendidamente ornato e l'"Urtext op. 5" di Nagels (Walter Upmeier) - etichettato da Vivaldi nel titolo come seconda parte dell'op. 2 - dimostrano l'alta considerazione in cui l'opera era tenuta nel secolo scorso. Nel presente, eccellente Urtext con la realizzazione del continuo di facile esecuzione di Joachim Reutter, la prefazione e le note critiche, dettagliate e utili, sono impressionanti. Esse forniscono molti suggerimenti preziosi per un'interpretazione elegante.

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Antonio Vivaldi: Sonate per violino e b.c. op. 2, a cura di Bernhard Moosbauer, partitura con realizzazione in continuo di Jochen Reutter, parti di violino e basso UT 50176, € 29,95, Edizione Wiener Urtext (Schott/Universal Edition), Vienna 2012

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