Eve-Maud Hubeaux ha studiato pianoforte e canto al Conservatorio di Losanna e si è perfezionata presso l'Atelier Scénique di Christophe Balissat e in masterclass con Peter Galliard, Julian Gavin e Laura Sarti, tra gli altri.

Nel luglio di quest'anno, Eve-Maud Hubeaux ha vinto il secondo premio al Concorso internazionale Hans Gabor Belvédère (Muziektheater Amsterdam) e il Kirsten Flagstad Festival Grant.

Eve-Maud Hubeaux è stata membro dello studio operistico dell'Opéra national du Rhin (Strasburgo / Colmar), dove ha preso parte a diverse produzioni fino alla fine della stagione 2010/2011. Nel novembre 2010 ha debuttato all'Opera di Francoforte nel ruolo di Waltraut nell'opera di Wagner. Valchiria.

I due ensemble esecutivi del progetto Stravinsky rivisitato rappresentano i principi lucido-apollineo e oscuro-dionisiaco: il Moscow Contemporary Music Ensemble è il più attivo e rinomato ensemble specializzato in musica contemporanea in Russia. Suona in una formazione cameristica già "tradizionale" per la musica contemporanea, con flauto, clarinetto, violino, violoncello, pianoforte e percussioni. Il Kontra-Trio, invece, suona con una strumentazione che va al di là di qualsiasi quadro sonoro tradizionale. Con flauto contrabbasso, sassofono contrabbasso e tuba, il trio svizzero esplora suoni molto profondi e ctonici.

Le cinque anteprime mondiali adottano ciascuna un approccio musicale o tematico diverso al tema della Storia del soldato di Igor Stravinskij (Fiaba, Marcia, Soldato, Patto del diavolo, ecc.). Il programma comprende opere dei russi Vladimir Rannev e Vladimir Gorlinskij, nonché di Roland Moser e Katharina Rosenberger. Si tratta di commissioni per uno dei due ensemble. Verrà inoltre eseguito un remix di frammenti dell'opera di Stravinskij Storia del soldato. È stato composto congiuntamente per i due ensemble dal compositore svizzero Thomas K.J. Mejer.
 

Il nono "Musiksymposium - The Music Meeting Day" è stato aperto da Michael Grossenbacher. Fino al 2009 il bernese ha fatto parte del gruppo a cappella Bagatello, due anni dopo ha messo in scena il suo primo spettacolo da solista: "Therapy". Ha parlato di un adolescente che di recente gli ha chiesto quale dei due lavori dei suoi sogni avrebbe dovuto scegliere: il panettiere o il musicista? "La mia risposta: vuoi guadagnare soldi? Allora diventa un panettiere".

Il che significa che il Associazione svizzera degli editori di musica L'evento, che si è tenuto per la prima volta all'Hallenstadion di Zurigo, è arrivato rapidamente a una domanda chiave: cosa deve fare un musicista per poter vivere della sua arte? Almeno in parte. Sebbene la successiva presentazione di Oliver Heckmann, direttore di Engineering YouTube, non abbia fornito una risposta definitiva a questa domanda, il rappresentante dell'azienda, fondata nel 2005, ha mostrato i modi in cui è possibile generare denaro tramite YouTube. Anche in Svizzera. Questo è possibile grazie all'attivazione di www.youtube.ch - il sito è disponibile per i produttori di contenuti e gli inserzionisti da aprile.

Per i creatori musicali svizzeri iscritti a Suisa, le casse della filiale di Google Inc. rimarranno per il momento chiuse, poiché la cooperativa di autori ed editori musicali e YouTube sono ancora in disaccordo sull'entità del compenso da versare per ogni clip riprodotta. "Stiamo negoziando e credo che presto verrà raggiunto un accordo", ha dichiarato ottimisticamente Heckmann.

Anche per la Svizzera sono stati attivati programmi partner. Questi consentono ai produttori di creare i propri "canali" su YouTube, come ha già fatto, ad esempio, Julia Graf alias Miss Chiveous. Con successo. A metà settembre, la bernese ha accumulato un seguito di 564.935 abbonati. Tuttavia, la Graf non è una musicista, ma dà consigli di make-up. Nei programmi partner non ci sono ancora musicisti membri di Suisa. Anche in questo caso, è necessario raggiungere un accordo tra la società di gestione e YouTube. "Per essere accettati in un programma partner, ora o in seguito, è necessario soddisfare alcune condizioni", ha spiegato Heckmann. Ad esempio, chi ha già commesso una violazione del copyright non è più idoneo.

Heckmann ha dipinto uno scenario prospero per il futuro, parlando del miliardo di utenti di YouTube, della crescita del 50% registrata lo scorso anno e dei sei milioni di video che vengono caricati sul portale ogni mese. Non c'è dubbio che le possibilità di guadagnare un giorno qualche franco tramite YouTube siano intatte. Tuttavia, le somme in gioco sono ancora da vedere. Per fare un paragone: negli Stati Uniti, YouTube paga circa 10 dollari per 1000 video stream, che vengono poi suddivisi tra tutti i detentori dei diritti. Il musicista medio non potrà vivere di queste somme. Si tratterebbe di un'entrata extra. Che cosa ha detto Heckmann? "Più un musicista è conosciuto, più velocemente dovrebbe mettersi in contatto con noi".

La "classe media" non guadagna quasi più nulla

Al panel "Download vs. streaming", Steffen Holly ha espresso la sua comprensione per i consumatori. "Anch'io sono entusiasta delle offerte esistenti", ha dichiarato il responsabile della Business Unit Media Management & Delivery. A risentirne sarebbe soprattutto la "classe media dei musicisti". "Non guadagnano quasi più nulla". Un fatto che Dennis Hausammann, co-proprietario di iGroove Svizzera, ha illustrato con le cifre: "Per un musicista è necessario circa un milione di stream per poter pagare il solo contributo mensile all'assicurazione sanitaria". Gli artisti "più piccoli" generano la maggior parte del loro reddito attraverso iTunes e non attraverso servizi di streaming come Simfy o Spotify, ha detto Hausammann. Le nuove tecnologie devono avere una possibilità, ha sostenuto Julie Born, direttore di Sony Music Switzerland. "In Svezia sono già stati acquistati tre milioni di abbonamenti premium a pagamento per lo streaming, in Svizzera finora sono solo circa 75.000".

Alexander Herbst, CEO di Simfy, ha spiegato: "Stiamo già pagando una somma a sette cifre alle etichette principali. E una somma molto più piccola agli indipendenti". Ma è convinto che la situazione verrà regolamentata. "Probabilmente ci sarà una distribuzione più onesta". La sua azienda, che ha sede a Berlino e ha circa 20 milioni di canzoni nella sua offerta di streaming, attualmente riesce a far quadrare i conti, ma: "Anche per noi, gli alberi non crescono fino al cielo". Poto Wegener, direttore di Swissperform, ha criticato il fatto che l'importo attualmente pagato da Simfy e Spotify per ogni streaming è troppo basso. E ha individuato nella mancanza di trasparenza uno dei problemi principali. "Vorrei finalmente sapere dai servizi di streaming quanto viene pagato in media per ogni streaming". La risposta di Alexander Herbst: "Noi rendiamo noto solo il numero di streaming".

Nonostante le differenze, la maggior parte dei partecipanti sembra credere nel futuro dei servizi di streaming. E che i musicisti possano tornare a generare maggiori entrate in questo modo. "Penso che la tendenza si stia spostando di nuovo nella direzione degli artisti, a scapito delle etichette", ha concluso Steffen Holly.

"Gli appassionati di musica da camera sono considerati conservatori e poco esperti di tecnologia. Tuttavia, questo pregiudizio è facile da smentire. La Società di Musica da Camera di Basilea (www.kammermusik.org) sta lanciando un'etichetta che documenta i suoi concerti nella Hans Huber Hall non solo dal punto di vista acustico, ma anche visivo.Una caratteristica speciale dell'etichetta è che le registrazioni saranno pubblicate in parallelo su CD "normali" e Blu-ray disc. La prima edizione documenta il concerto del 23 agosto 2012 con il Quartetto Zemlinsky, in cui è stato eseguito in prima assoluta il quartetto d'archi "Madrigaux" di Jean-Jacques Dünki, seguito dal primo quartetto in la maggiore di Alexander Zemlinsky. Il disco Blu-ray include anche una conversazione tra Elmar Budde e il compositore Dünki. La qualità del suono è persino migliore di quella del compact disc convenzionale, a condizione che si disponga di una stazione di riproduzione adeguata".Sigfried Schibli, Basler Zeitung, 20 giugno 2013

L'obiettivo della visualizzazione del concerto è evitare la distrazione. Prendendo la situazione reale del concerto come punto di partenza per una ripresa unica e coerente che mette a fuoco - anche attraverso un'illuminazione concentrata - e mostra solo ciò che si può realmente vedere nel concerto. Sul disco Blue-ray è registrata anche una conversazione con uno dei musicisti o dei compositori.

Pubblicato finora:

• Quartetto Beethoven: Quartetti per archi di Beethoven op.18,4 e op.59,1, bmn20121
• Quartetto Zemlinsky, Prima rappresentazioneJean-Jacques Dünki, MadrigauxAlexander von Zemlinsky, Quartetto per archi n. 1 in la maggiore op. 4, bmn20131
• Hansheinz Schneeberger & Bettina Boller, Duo di violini: opere di Bach, Bartók e Berio, bmn20132
• Valentin Valentiyev, pianoforte, Debutto: opere di Bach, Haydn, Chopin, Rachmaninoff, bmn20133
• Franziska Hirzel e Jan Schultsz, Wagner e i suoi contemporaneiHans von Bülow, Tre canzoni op. 1, Ciclo di canzoni di Carl Beck op. 8 (prime registrazioni); Richard Wagner: Canzoni di WesendonckFranz Liszt, Al di sopra di tutte le vette, l'amore alto, bmn20134

Catalogo

Da oltre 30 anni, l'archivio "Donne e Musica" si dedica alla promozione delle compositrici, del loro lavoro e delle loro composizioni. È parte integrante del paesaggio culturale di Francoforte e dà un importante contributo alla politica culturale raccogliendo, conservando e pubblicizzando i risultati creativi delle compositrici. La rivista pubblicata dall'archivio VivaVoce è l'unica rivista tedesca specializzata sul tema delle compositrici e delle esecutrici.

Secondo la fondazione, negli ultimi anni l'archivio "Donne e musica" è stato finanziato dallo Stato dell'Assia e dal Dipartimento della Cultura della città di Francoforte. A partire dal 2014, la città di Francoforte ha annunciato la cancellazione di tutti i finanziamenti precedenti per l'archivio e mantiene la sua decisione anche dopo le discussioni. La ragione addotta è la necessità di risparmiare. La continuazione e la salvaguardia del lavoro pluriennale dell'archivio è ora fortemente minacciata dai tagli.

L'archivio sta adottando diverse misure per garantire il futuro di questa istituzione. Tra le altre cose, ha lanciato una petizione ai consiglieri comunali di Francoforte a favore del mantenimento dei finanziamenti dell'archivio, garantendo così un futuro sicuro a questa istituzione unica. Può qui essere supportati.
 

Dopo che il Tribunale federale del lavoro ha stabilito che le orchestre statali e comunali non hanno più diritto ad aumenti salariali nel settore pubblico (il quotidiano musicale svizzero segnalato), i toni tra le parti sociali si fanno più accesi.

Secondo un comunicato stampa dell'Associazione delle orchestre tedesche (DOV), gli orchestrali "chiedono simultaneamente di preservare la cultura orchestrale unica della Germania". Si tratta della più grande azione di protesta in Germania dagli anni Cinquanta, alla quale partecipano anche la Filarmonica di Berlino e altre rinomate orchestre di alto livello.

Il 1° ottobre 2013 inizieranno a Berlino le trattative collettive tra il DOV e l'Associazione tedesca dei palcoscenici sulle modalità di applicazione retroattiva degli accordi salariali nel settore pubblico alle orchestre statali e comunali dal 2010.

Non sorprende che la vasta famiglia di Richard Wagner abbia anche un ramo in Svizzera. Ma il fatto che fino a qualche tempo fa questo fosse sconosciuto anche ai membri più stretti della famiglia è ancora più sorprendente. Nella loro nuova monografia, Verena Naegele e Sibylle Ehrismann rivelano come si è arrivati a questa situazione e che cosa sono i discendenti svizzeri di Wagner. I Beidler. All'ombra del clan Wagner non è solo un volume che accompagna la mostra che i due giornalisti musicali hanno organizzato su questo tema e presentato all'Archivio della città di Zurigo nell'estate 2013. Si tratta di un'analisi indipendente dei complessi eventi che hanno portato alla divisione tra le famiglie Beidler e Wagner, e a volte si legge come un thriller che non si riesce a smettere di leggere.

In una sofisticata ouverture, gli autori iniziano con il controverso processo di paternità, analizzando per la prima volta fonti sconosciute: Isotta, la figlia primogenita di Richard Wagner, sposata al direttore d'orchestra svizzero Franz Beidler, si batteva per il diritto di portare il nome Wagner. Tuttavia, essendo nata (come i suoi fratelli Eva e Siegfried) in un periodo in cui la madre Cosima era ancora sposata con Hans von Bülow, era legalmente una von Bülow nata. Gli autori tracciano le conseguenze del processo perduto per la famiglia Beidler, in particolare per il primo nipote di Wagner, Franz Wilhelm Beidler, in modo dettagliato, ma non con grande attenzione ai particolari. Con un tono semplice, ma attento all'argomento trattato, gli autori ripercorrono un'ampia gamma di eventi, da Lucerna a Bayreuth e Berlino negli anni Venti fino a Zurigo, dove Franz Wilhelm Beidler contribuì a plasmare la vita culturale svizzera per molti anni come segretario dell'Associazione svizzera degli scrittori.

"Beidler - il nome ci era sconosciuto", afferma Nike Wagner nella prefazione di questo volume meticolosamente ricercato, che ora colma una lacuna nella genealogia dei Wagner.

Verena Naegele e Sibylle Ehrismann: I Beidler. Im Schatten des Wagner-Clans, 336 p., Fr 38.00, Rüffer & Rub, Zurigo 2013, ISBN 978-3-907625-66-8

VIT sono "Cose Molto Importanti" che sono diventate parte integrante della nostra vita quotidiana, come ad esempio il Pinzetteche Roach o il Autorità portuale. Tutti ricevono qui un ritratto affettuoso e ironico in un linguaggio musicale avanzato e non troppo difficile da capire. I sette brevi brani per sassofono e pianoforte sono dedicati da un lato al sassofonista Jean-Michel Goury e dall'altro a Erik Satie. Accanto a titoli come Ginnasticache nel migliore dei casi si riferisce alla Ginnastiche o il necrologio del Dodo come possibile parallelo al Embryons desséchés è soprattutto il fatto che ogni brano è preceduto da un testo descrittivo e sobrio che ricorda Satie nella sua distanza dall'evento musicale-poetico che segue.

Ognuno dei sette pezzi ha una forma chiara, deriva da un materiale di base semplice ed è realizzato con fantasia. Un motivo spesso ricorrente è la gestione dei disturbi. Le parti all'unisono vengono interrotte all'improvviso, o perché il sassofonista sta riflettendo su una nota o perché il pianista vuole dimostrare il suo virtuosismo. Oppure il sassofonista sperimenta cambiamenti microtonali all'unisono, che devono far impazzire il pianista, incapace di farlo. In cambio, il sassofonista deve seguire la comune istruzione di suonare "intonazione pura", che nel migliore dei casi suscita un sorriso stanco da parte del pianista. Un altro motivo frequentemente ricorrente è il rispecchiamento, sia all'interno della sequenza delle file dodecafoniche sia nella struttura formale. Il vivace primo brano (il Annaffiatoio), ad esempio, è perfettamente simmetrica.

I brani possono essere eseguiti come una suite, ma possono anche essere inseriti singolarmente tra altre opere. Lo rendono possibile l'umorismo, la concisione e la scarsa connessione reciproca.

Rico Gubler, VIT Very important things, per sassofono contralto e pianoforte, FH 3446, € 17,80, Friedrich Hofmeister, Lipsia 2012

Non c'è quasi nessun altro genere che abbia raggiunto l'importanza classica con un numero così esiguo di pezzi rilevanti come il quartetto per oboe. Fino a 20 anni fa esistevano solo tre opere veramente note, ovvero quelle di Johann Christian Bach, Wolfgang Amadé Mozart e Benjamin Britten. Fortunatamente, la situazione è migliorata negli ultimi anni e grazie alle nuove composizioni di Isang Yun, Elliott Carter, Rudolf Kelterborn e Harrison Birtwistle (tutte composte sotto l'impulso di Heinz Holliger e da lui eseguite in prima assoluta), è ora possibile programmare opere più diverse.

"Mémoire, Cercles" di Xavier Dayer si aggiunge ora a questa illustre serie di composizioni di successo. L'autore descrive il suo lavoro come una meditazione sulla questione di cosa accadrebbe se l'oblio totale rendesse completamente impossibile la memoria. Utilizzando una sofisticata tecnica di variazione, l'artista cambia e camuffa un'idea melodica di base (che non appare mai nella sua forma di base) e traccia la forma di un cervello umano in una forma circolare simile a un rondò. Il suono è incantevole, a volte enigmatico, ma molto vario e sfaccettato ed estremamente virtuosistico. Il disegno ritmico e dinamico è costantemente espressivo e crea ripetutamente interessanti strutture di rilievo, soprattutto quando le linee melodiche tra i singoli strumenti si intrecciano e si incrociano.

Coloro che desiderano raccogliere questa gratificante sfida possono aspettarsi un'edizione pulita e ben ponderata. I tornesi che funzionano e le generose note dell'incisore (spesso su un pentagramma separato) aiutano la comprensione della musica e facilitano le prove di un'opera certamente non facile.

Xavier Dayer: Mémoire, Cercles, per oboe, violino, viola e violoncello, MCX87, fr. 35.00, Edizioni Bim, Vuarmarens 2012

I brani per pianoforte solo sono tanto rari nella letteratura classica quanto nel jazz, ma sono una vera rarità nella musica popolare. Hans Frey (1913-1973) di Lachen era un tempo celebrato come un maestro indiscusso in questo campo dagli appassionati di nicchia e favorito da Radio Beromünster. Senza alcuna formazione musicale o conoscenza della musica, ma dotato di grande talento e di un orecchio assoluto, l'accordatore di pianoforti di Ausserschwyz ha lasciato 43 danze per pianoforte solo. In occasione del centenario della sua nascita e del quarantesimo anniversario della sua morte, il commerciante di musica di Wollerau Mathias Knobel ha pubblicato queste polke, ländler, mazurche, marce e schottisches, alcune delle quali virtuose, in una raccolta completa di spartiti.

Come è noto, la musica country ha attribuito al pianoforte solo un ruolo secondario come strumento di accompagnamento ritmico e armonico, e in alcuni luoghi è addirittura disapprovato del tutto. Frey, che ovviamente ascoltava anche i pianisti ragtime e stride, non si accontentava di una funzione di sideman. Già in gioventù invitava occasionalmente i compagni di scuola a "Concerto e sciroppo" nel Bären, dove poteva esercitarsi anche a causa della mancanza di un pianoforte proprio. Alla sua prima e unica lezione di pianoforte, si dice che l'insegnante, esasperato, lo abbia mandato via immediatamente perché suonava tutto subito. Ben presto i notabili del villaggio lo portarono fuori dall'aula scolastica per mostrare il bambino prodigio ai loro ospiti.

Fredy Reichmuth, collaboratore di lunga data di Knobel alla fisarmonica e al pianoforte, ha trascritto meticolosamente le note delle registrazioni di Frey nelle chiavi originali. La sua predilezione per i tasti neri si riflette già nei primi due numeri in re bemolle maggiore. Mentre la mano sinistra è in grado di eseguire crotchets tra bassi d'ottava e accordi a tre parti, la mano destra può indulgere in esecuzioni di croma in terza o sesta. Non si tratta quindi di letteratura per principianti, soprattutto quando Frey si concede un settenario per ospitare un passaggio cromatico tra due battute.

Questo bel volume di spartiti, che contiene anche una biografia compatta con foto, è probabilmente tecnicamente fuori dalla portata dei pianisti ländler dilettanti. È quindi ancora più adatto ai curiosi che desiderano sfidare i pregiudizi sulla "semplice" musica country. Le 43 danze dovrebbero interessare soprattutto i pianisti alla ricerca di un complemento autoctono e concreto ai valzer di Chopin o di Fats Waller. Poiché la maggior parte del repertorio Ländler è disponibile solo in notazione semplificata (melodia, eventualmente seconda parte e cifratura degli accordi), gli spartiti dettagliati di Frey potrebbero essere interessanti anche come oggetti di studio per l'analisi e la sistemazione stilistica. Inoltre, le registrazioni di Frey sono disponibili su due CD - per quanto riguarda il fraseggio, la dinamica e la pratica dell'ornamentazione: Ricordi di Hans Frey, Vol. 1 + 2

Spartito: Hans Frey (1913-1973), pianista e compositore di musica popolare svizzera, trascrizione: Fredy Reichmuth, curatore: Mathias Knobel, tutte le 43 composizioni in versione originale, formato A4, 136 pagine, copertina in brossura, fr. 56.00, Negozio di musica Knobel, Wollerau 2013

Il primo simposio internazionale di baglama in Germania, organizzato dal Consiglio di Stato per la Musica di Berlino, si è concluso il 15 settembre 2013 presso l'Università delle Arti di Berlino. A seguito del simposio, che ha trattato intensamente la teoria e la storia dello strumento, si sono tenuti dei colloqui tra la Facoltà di Musica dell'UdK di Berlino e il direttore del Conservatorio Statale di Musica Turca di Istanbul, Cihangir Terzi, per discutere di possibili collaborazioni tra le due università.

L'Udk di Berlino ha annunciato l'inserimento del baglama nel piano di studi dell'Università delle Arti di Berlino. L'obiettivo è quello di far sì che un maggior numero di persone con un background migratorio si interessi allo studio della musica come insegnante e di dare un contributo significativo all'integrazione degli alunni con un background migratorio, integrando questo strumento tradizionale nelle lezioni, soprattutto nelle scuole primarie.

La baglama - simile alla chitarra in Germania - ha uno status elevato nella vita sociale dei migranti di origine turca e nella Turchia stessa. In un arco di tempo molto breve, si è trasformato in uno strumento con tecniche esecutive sempre più virtuose e con elevati standard artistici. Nel frattempo, la baglama è diventata anche parte integrante di musica di successo commerciale e, soprattutto grazie al suo utilizzo nella musica pop, ha conquistato un posto fisso nella vita quotidiana dei giovani, indipendentemente dal loro background culturale.
 

Sottovalutati tra loro: Joseph Haydn e Dmitri Shostakovich non solo condividono il destino di essere rimasti all'ombra di altri, ma rivelano anche sorprendenti somiglianze. La loro chiarezza è impressionante. Condividono anche il senso dell'umorismo, che nel caso di Shostakovich può talvolta trasformarsi in amaro sarcasmo. Questo non è ancora così fortemente espresso nel suo primo lavoro, il Trio per pianoforte e orchestra n. 1 in do minore, composto nel 1923. Ma è ancora più drastico nel secondo trio per pianoforte e orchestra op. 67 del 1944, nel cui ultimo movimento Shostakovich si abbandona alla penetrante insistenza per la quale divenne famoso (e famigerato).

Al trio Huh non sfugge nulla. Con energia - "la bellezza del tono è una questione minore" - affrontano passaggi ritmicamente martellanti. D'altra parte, formulano in modo finemente cesellato il vocabolario di Joseph Haydn nel suo Trio in mi bemolle maggiore n. 29 del 1784. Molti non sanno cosa fare con la musica da camera di Haydn, esagerando con i vari giochi di tempi e colori tonali. Gli Huhs sono completamente diversi: con il primo potente accordo, tutto prende il suo corso naturale, ma molto flessibile. Raramente abbiamo sentito un'attacca così fine come nella transizione dall'andantino al finale.

Le transizioni di natura culturale caratterizzano le biografie delle sorelle Huh. Sono nate in Corea e svolgono un ruolo importante nella vita culturale del Paese, ma spesso tengono anche concerti in Europa. La violoncellista Yun-Jung e la violinista Hee-Jung insegnano a Seoul, mentre la pianista Seung-Yeun è docente all'Università delle Arti di Zurigo e direttrice della scuola di musica del Conservatorio della città di Zurigo.

L'ingegnere del suono del CD, Jan Zácek, è interessato a transizioni di tipo diverso. La registrazione merita il massimo elogio anche perché ha progettato in modo così congeniale il percorso dagli strumenti al disco rigido. Semplicemente un meraviglioso piacere d'ascolto!

Trii per pianoforte di Joseph Haydn e Dmitri Shostakovich. Huh-Trio: Seung-Yeun Huh, pianoforte; Hee-Jung Huh, violino; Yun-Jung Huh, violoncello. Acustica Records

Mentre Norbert Burgmüller (1810-1836), che morì nello stesso anno, ha vissuto nel Monumenti della musica renana Mentre siamo in buone mani con l'edizione completa dei suoi quattro quartetti per archi, l'argoviese Friedrich Theodor Fröhlich (1803-1836) ha ancora qualche difficoltà in questo senso. Dei cinque contributi al genere, che sono tra le sue principali opere strumentali, solo il Quartetto in mi maggiore, scritto a Berlino nel 1827/28, è disponibile a stampa. È stato editato dall'autografo e corredato da una prefazione di Carola Gloor, studentessa di musica e violoncellista di Bruges. La sua tesi di maturità dedicata a Fröhlich le è valsa il premio speciale con la valutazione "eccezionale". La gioventù svizzera nella scienza: la cultura del 47° Concorso Nazionale dopo aver rivisto il testo con l'esperto di quartetto d'archi Antonio Baldassare.

La prima edizione (partitura e parti), pubblicata in soli 280 esemplari, si basa sulla trascrizione di Carola Gloor del manoscritto di Fröhlich utilizzando il programma di notazione musicale Sibelius. Pubblicata nella nota qualità incisoria di Amadeus Verlag, gestito dal violista Bernhard Päuler, l'opera in quattro movimenti rappresenta un significativo arricchimento del repertorio quartettistico del primo romanticismo.

Se Fröhlich avesse presentato quest'opera ai suoi insegnanti berlinesi Karl Friedrich Zelter e Bernhard Klein, difficilmente avrebbero approvato le sue numerose idiosincrasie. Tuttavia, esse aumentano considerevolmente il fascino di questa composizione formalmente e tonalmente anticonvenzionale. Sebbene non contenga una sezione di sviluppo, il primo movimento è in forma di sonata. Nell'Adagio, ritmi complicati e sestine diversamente fraseggiate complicano l'interazione. Il finale particolarmente fantasioso, scritto in forma di rondò libero, cita per lunghi tratti il primo movimento e sorprende con inserimenti di tipo recitativo e un efficace fugato.

A quanto pare, l'editore e il suo consulente accademico non si sono resi conto che il dolcemente ondeggiante tema principale del primo movimento in tempo di sei ottavi non è un'invenzione di Fröhlich. Proviene dalla Sonata per pianoforte in mi maggiore op. 6 di Felix Mendelssohn Bartholdy, pubblicata per la prima volta nel 1826. Lo stesso compositore, che Fröhlich apprezzava più di quanto riuscisse a contattare a Berlino, ha lasciato la sua impronta anche nello Scherzo. La combinazione di lunghe catene di semicrome con crome di accompagnamento staccate nel registro inferiore si trova già nel suo Capriccio in fa diesis minore op. 5 per pianoforte, stampato nel 1826.

Quello che è stato a lungo conosciuto come il fenomeno di Fröhlich Missa I si rivelò un giorno una copia solo leggermente modificata di una messa di Johann Gottlieb Naumann (1741-1801). Ancora una volta, Fröhlich si distingue come un allegro plagiatore, anche se questo non sminuisce in alcun modo il valore dell'opera nel suo complesso per quanto riguarda il breve tema principale del quartetto d'archi.

Friedrich Theodor Fröhlich: Quartetto per archi in mi maggiore, a cura di Carola Gloor, BP 1842, Fr.68.00, Amadeus Verlag, Winterthur 2012

Jean-François Michel (*1957) gode di un'ottima reputazione in Svizzera come brillante trombettista e come professore di tromba all'Università della Musica (Losanna, Friburgo, Sion). Come solista, l'ex trombettista principale dell'Orchestra Filarmonica di Monaco di Baviera si esibisce anche sulla scena internazionale e offre masterclass. Un campo di attività altrettanto centrale e di successo per Michel è la composizione di brani di musica da camera in vari stili e livelli di difficoltà.

Lorie è una composizione leggera e modale in tre brevi movimenti con forti richiami all'agitata musica popolare irlandese con radici celtiche. Il primo movimento è una giga con una vivace melodia in dorico, che è in parte accompagnata da elementi percussivi (i ritmi devono essere battuti sul legno del pianoforte e sul bordo del bocchino), che ricordano il battere ritmico delle scarpe dei ballerini in un reel irlandese. Il lento movimento centrale è caratterizzato da una semplice melodia in tonalità maggiore e, con il suo carattere legato, offre un contrasto con i due movimenti esterni. Il movimento finale - come una melodia di violino - con ritmi punteggiati e una melodia mixolydiana con passaggi in maggiore e minore, è anch'esso pieno di energia, gioia di suonare e umorismo.

Il brano, della durata di circa cinque minuti, sarebbe molto adatto come pezzo da concorso per il livello intermedio.

Jean-François Michel: Lorie, per tromba in Sib e pianoforte, (=Swiss Composers Series), TP332, Fr. 20.00, Edition Bim, Vuarmarens 2011

Janáček Messa glagolitica per soli, coro e orchestra ha una genesi complessa. Ci sono grandi differenze tra la versione precedente alla prima esecuzione del 1927 e la versione finale stampata. Jirí Zahrádka, il curatore di questa nuova edizione, ha risolto il problema presentando anche due partiture (la versione "settembre 1927" come BA 6863; e la versione finale come BA 6862). La versione più recente è stata presa in considerazione come versione valida per le esecuzioni. È più ricca strumentalmente, più semplice nella prova e più condensata in alcuni passaggi importanti.

La riduzione per pianoforte qui presentata segue questa versione successiva. Il testo in slavo ecclesiastico è stato arrangiato dallo slavista Radoslav Vecerka; il materiale esecutivo è disponibile in prestito da Bärenreiterverlag.

Leoš Janáček: Mša glagolskaja, riduzione per pianoforte secondo l'edizione critica completa, a cura di Martin Zehn, BA 6862-90, € 34,95, Bärenreiter, Kassel 2012