Il "Centro di competenza per l'educazione musicale e il laboratorio per l'educazione musicale" della HKB è sostenuto principalmente da Barbara Balba Weber, che ha creato un'infrastruttura per l'educazione musicale dei bambini e dei giovani organizzata in associazione con "Tönstör" a Berna.

Il centro di competenza vuole essere un punto di contatto per organizzatori di eventi, ensemble e altre parti interessate che desiderano realizzare o valutare progetti di mediazione.

Nell'ambito del Festival musicale di Berna, sono stati presentati i progetti che Tönstor ha realizzato con diverse classi scolastiche di Berna, sotto il titolo "Totally Flipside". In occasione dell'evento è stato presentato anche un documentario sul "Mestiere di insegnare nuova musica ai bambini e ai giovani", che può essere richiesto a Barbara Balba Weber.

Per saperne di più: www.toenstoer.ch

La Commissione Cultura ritiene che tutte e quattro le istituzioni soddisfino i requisiti per il mantenimento dei contributi operativi. In seguito alla decisione del Consiglio di Governo, le seguenti istituzioni culturali riceveranno contributi operativi annuali per i prossimi tre anni: filarmonica argoviese 400.000 franchi, KiFF Aarau 200.000 franchi, Künstlerhaus Boswil 350.000 franchi e Murikultur 150.000 franchi. I contributi operativi sono legati a contratti di prestazione di durata triennale.

Le istituzioni sostenute con contributi operativi possono continuare a richiedere il sostegno di progetti da parte del Fondo Swisslos. Altre istituzioni con contributi operativi cantonali sono il Museo Svizzero dell'Infanzia di Baden, il Museo Langmatt di Baden, la Stapferhaus di Lenzburg, il Fantoche International Festival of Animated Film di Baden e Tanz und Kunst Königsfelden di Windisch.
 

Il BAK può promuovere progetti di educazione musicale che sostengono i bambini e i giovani nell'acquisizione e nello sviluppo delle loro competenze musicali al di fuori della scuola (art. 12 KFG).

Inoltre, possono essere concessi aiuti finanziari alle organizzazioni laiche per progetti orientati agli obiettivi della Convenzione UNESCO per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale, in particolare nel campo dell'insegnamento e della trasmissione delle tradizioni viventi ai giovani (art. 14 KFG).

Possono essere sostenuti anche eventi e progetti culturali che mirano a interessare un vasto pubblico a determinati aspetti della creazione culturale, in particolare festival nel campo della cultura amatoriale e popolare o giornate d'azione nazionali (art. 16 KFG).

Le domande per i progetti o gli eventi corrispondenti per il 2014 possono essere presentate all'Ufficio federale della cultura fino al 31 ottobre 2013. I moduli di candidatura e le istruzioni sono disponibili all'indirizzo www.bak.admin.ch sotto la voce "Notizie > Gare d'appalto in corso".

Tobiasson

Raluca Matei

Raluca Matei è nata nel 1975 a Temesvar, in Romania, e ha studiato viola alla Scuola di Musica Hanns Eisler di Berlino con Kim Kashkashian e management culturale all'Università di Basilea.

Tra il 2002 e il 2013 è stata violista principale alternata dell'orchestra da camera Musica Vitae (SWE). Dal 2005 al 2010 è stata anche membro della direzione dell'orchestra da camera. Recentemente è stata responsabile della gestione dell'ensemble svizzero Laboratorium. Nel 2012 ha assunto la direzione dell'Association du Concours Nicati.

Il violoncellista e compositore Thomas Demenga è il direttore artistico della Camerata Zürich dalla stagione 2011/12.

Il padre morì a Lipsia poco prima del suo 15° compleanno. Johann Christian fu affidato alle cure del fratello maggiore Carl Philipp Emanuel a Potsdam. Solo quattro anni dopo si trasferì in Italia per continuare gli studi. Fu in grado di realizzare ciò che il padre e i fratelli potevano solo sognare. I sette anni in Italia (1754-1762) furono di grande importanza per il giovane compositore. Trovò un mecenate amante della musica nella persona del ricco conte milanese Agostino Litta e uno dei migliori insegnanti d'Europa nel bolognese Padre Giovanni Battista Martini. Con grande dispiacere dei suoi parenti, Johann Christian si convertì alla fede cattolica già nel 1757, anche se non in modo del tutto disinteressato. Un organista della cattedrale di Milano doveva essere cattolico. Le sue prime composizioni per il suo patrono includono l'Ufficio per i morti e la Messa per i morti (1757). La carriera di musicista ecclesiastico cattolico sembrava predestinata. Purtroppo le cose andarono diversamente. Johann Christian fu contagiato dal virus dell'opera, che all'epoca dilagava in tutta Italia, anche a Milano. Accantonò sempre più la musica da chiesa, iniziò a comporre opere e ricevette offerte allettanti, persino da Londra. Nell'autunno del 1762 prese un anno di aspettativa e si trasferì a Londra, dove non fece più ritorno. Trascorse il resto della sua vita a Londra e a Parigi, scrivendo soprattutto opere, concerti e sinfonie ed evitando la musica da chiesa. Gli anni a Milano rimarranno solo un breve episodio della sua vita. Ma fu proprio questo episodio a far nascere il suo legame con l'Abbazia di Einsiedeln.

Dal 1675 al 1852, i monaci di Einsiedeln gestirono un monastero distaccato con una scuola a Bellinzona. Questo permetteva a Einsiedeln di avere un accesso diretto al sud e soprattutto all'Italia settentrionale con i centri musicali di Milano, Como e Bergamo. Nella persona del successivo abate Marian Müller, un sacerdote di Einsiedeln come Johann Christian Bach fu persino studente di musica a Milano. Anche se non ci sono prove di contatti personali, è più che probabile. Non c'è altro modo per spiegare perché, secondo le ricerche attuali, la biblioteca musicale dell'Abbazia di Einsiedeln possiede la più grande collezione di copie antiche delle opere sacre di Johann Christian Bach al mondo. Copie contemporanee, non autografi. Ma dalla seconda guerra mondiale gli autografi conservati ad Amburgo devono essere considerati distrutti. Le copie di Einsiedeln sono quindi le fonti più antiche. Nella biblioteca musicale di Einsiedeln si trovano 32 opere originali di musica sacra di Johann Christian Bach, tra cui la già citata Messa per i defunti e il salmo Miserere, che sarà eseguito nuovamente dal Bach Ensemble Lucerna a settembre. Inoltre, ci sono 29 contrafatti, di cui 8 da opere sacre e 21 da opere liriche - segno evidente che il virus dell'opera era penetrato anche nel monastero. L'opera perduta Temistocle può essere almeno parzialmente ricostruito musicalmente solo attraverso i 14 contrafatti conservati a Einsiedeln. Tutto sommato, questo è un motivo sufficiente per parlare del Bach di Einsiedeln.
 

Foto: zvg

Estratto dal Miserere in si bemolle maggiore di Johann Christian Bach. Copia antica della Biblioteca musicale di Einsiedeln.

Nove gruppi musicali hanno partecipato alla seconda Concorso svizzero di musica per la gioventù Il Jazz Rock&Pop, presentato quest'anno in un nuovo formato, si è qualificato per la finale, il Come Togehter at Moods. I gruppi sono stati giudicati da una giuria di nove persone. La giuria jazz era composta da Hans Peter Künzle, Florian Heeb, Thomas Dobler, Urs Röllin e Gregor Frei. I gruppi rock & pop sono stati giudicati da Martin Lehner, Daniel Schwarz, Claudio Cappellari e Christophe Rosset. Urs Schnell della Fondazione Suisa ha moderato l'evento. Una band è stata scelta come la migliore in ogni categoria. Sono stati assegnati premi speciali e genitori, insegnanti e ascoltatori hanno avuto l'opportunità di parlare con la giuria e le band.

Premi e riconoscimenti speciali
Il gruppo bernese M'Adam(e) è stato eletto "Best of Band Jazz". Oltre a questo riconoscimento, la band ha ricevuto anche un premio speciale sotto forma di esibizione al Festival Jazz di Sciaffusa 2014.
Nella categoria Rock&Pop, il gruppo Funk Alliance del Giura bernese ha vinto il titolo di "Best of Band Rock&Pop". Grazie a un premio speciale, il gruppo ha potuto esibirsi anche agli Stanser Musiktage 2014.
Il Jakob Kulke Jazz Quintet ha ricevuto un buono per un corso di jazz gratuito nell'ambito delle Settimane dei corsi di musica di Arosa 2014 e BOBaDROP ha ricevuto il premio EMCY (European Union of Music Competition for Youth). Questo premio speciale fa guadagnare al gruppo un profilo di vincitore su emcy.org e può portare a concerti o masterclass per il jazz in Europa.

Con un'offensiva di qualità, il 1987 Associazione culturale Arosa Le Settimane dei Corsi di Musica di Arosa sono state rafforzate negli ultimi tre anni. Allo stesso tempo, sono state create opportunità per ampliare ulteriormente il programma, importante dal punto di vista culturale e turistico. Gli investimenti, per un totale di oltre mezzo milione di franchi, stanno già dando i loro frutti. Il numero di partecipanti di quest'estate è aumentato di quasi il sei per cento, raggiungendo quota 1.298 rispetto all'anno precedente (1.218 partecipanti), superando di poco il precedente record del 2011, quando 1.286 partecipanti si recarono in pellegrinaggio ad Arosa. A ciò si aggiungono oltre 200 insegnanti e almeno 300 familiari, il che significa che almeno 1.800 persone hanno soggiornato ad Arosa quest'estate grazie alle Settimane dei corsi di musica di Arosa, generando un totale di oltre 12.000 pernottamenti.

Arosa Cultura è particolarmente soddisfatta dello sviluppo dell'Accademia musicale di Arosa, organizzata per la prima volta nel 2011. Nei primi due anni, circa 50 studenti hanno preso parte a queste masterclass internazionali, offerte nell'arco di due settimane in agosto e settembre, ma quest'anno sono già 80, il che significa che l'obiettivo a medio termine di circa 100 partecipanti fissato al momento del lancio è stato quasi raggiunto. Sotto la direzione principale di Markus Fleck (casalQuartett), musicisti come Konstantin Lifschitz (pianoforte), Helge Slaatto e Ingolf Turban (violino), Conradin Brotbek (violoncello) e Christiane Oelze (voce) lavorano intensamente con giovani talenti provenienti da dieci Paesi diversi nel corso di una settimana. L'attenzione internazionale è un grande arricchimento anche per i circa 40 partecipanti provenienti dalla Svizzera.
 

Foto Homberger

Il violinista di Monaco Ingolf Turban insegna ad Andrina Däppen (violino) e Lisha Kim.

Arosa Cultura è sostenuta nella realizzazione dell'Accademia musicale di Arosa principalmente dall'Agenzia per la promozione culturale dei Grigioni e dall'Ufficio federale della cultura. Entrambe le istituzioni sostengono anche le Settimane dei corsi di musica di Arosa, il cui programma (circa 100 corsi di musica), a differenza dell'Accademia, è rivolto principalmente ai dilettanti (bambini, giovani e adulti). Secondo Christian Buxhofer, presidente di Arosa Cultura, anche l'Ufficio federale della cultura sostiene il programma perché Arosa promuove sia l'ampiezza (Settimane dei corsi di musica) sia il vertice (Accademia) dei giovani musicisti.

Per poter giustificare anche in futuro il sostegno cantonale e nazionale, Arosa Cultura continuerà a puntare su un'elevata qualità dell'insegnamento e su un'organizzazione professionale. Questi obiettivi devono essere raggiunti attraverso classi piccole, insegnanti di alto livello, le migliori infrastrutture possibili e un supporto amministrativo competente. Secondo Markus Fleck, il concetto dell'Accademia musicale di Arosa, che prevede un'intensa attività di musica da camera oltre a lezioni individuali in presenza di tutti i partecipanti, ha dimostrato la sua validità. Tuttavia, per i prossimi anni è prevista un'espansione selettiva. Per evitare di dover respingere altri interessati, oltre ai partecipanti attivi ci sarà una categoria di "ascoltatori". Studenti che possono assistere alle lezioni ma che non le ricevono direttamente.

Un'altra parte importante dell'Accademia musicale di Arosa sono i concerti dei docenti e i concerti finali degli studenti. Secondo Markus Fleck, gli studenti acquisiscono una preziosa esperienza sia come ascoltatori che come musicisti attivi. Per garantire che tutti i diplomati abbiano l'opportunità di trarne vantaggio, sono stati organizzati quattro concerti finali.
 

Markus Aellig è organista della chiesa cittadina di Thun dal 1992. Organizza regolarmente serate e matinée d'organo. Nell'aprile di quest'anno ha potuto celebrare un anniversario unico in questa serie: la 700ª matinée d'organo dal 1997.

zvg

Markus Aellig

Come ha annunciato il centro media di Thun a metà agosto, ha ricevuto la sua formazione dall'ex organista della cattedrale di Berna Heinrich Gurtner. Aellig ha completato gli studi al Conservatorio di Berna con un diploma di insegnamento e un diploma superiore. Da allora è diventato un maestro del suo mestiere che non conosce confini musicali. Nei suoi concerti alla Stadtkirche Thun, esegue l'intero repertorio organistico, da quello barocco e romantico a quello moderno, ma include anche musica jazz, folk, pop e rock. Sia con le sue composizioni che quando interpreta altri compositori, affascina il pubblico con le sue variazioni e arrangiamenti non convenzionali.

Altri premi sono andati alla Società d'Arte di Thun, al regista Jeshua Dreyfus e alla scrittrice Saskia Winkelmann. I premi culturali saranno consegnati il 14 novembre presso il Centro culturale e congressuale di Thun.
 

"Ho cercato di attivare lo studente attraverso l'auto-musica, cioè improvvisando e creando la propria musica. Non volevo quindi una formazione su strumenti artistici altamente sviluppati, ma su strumenti orientati al ritmo e relativamente facili da imparare, primitivi e vicini al corpo". - Carl Orff (1895-1982) è stato un pioniere. Il suo lavoro scolastico rivoluzionò l'educazione musicale e portò nuovi approcci all'insegnamento, ben oltre il solito canto: "La musica elementare non è mai musica da sola, è connessa con il movimento, la danza e il linguaggio, è musica che devi fare tu stesso, in cui non sei coinvolto come ascoltatore ma come suonatore". Il suo compagno Gunid Kneetman aggiunge: "Questa unità (...) è (...) presente solo nei bambini. Mantenerla e svilupparla per loro è uno dei compiti principali che il lavoro dello Schulwerk si è prefissato".

Oggi gli strumenti Orff sono presenti in ogni scuola. Tuttavia, Carl Orff non li ha inventati, né lo xilofono né la campanella. Ma ha compilato gli strumenti a percussione per le sue lezioni, prima per le sue studentesse nella loro formazione per la ginnastica, la musica e la danza, e poi per l'uso con i bambini. A rigore, il nome "strumenti Orff" dovrebbe essere usato solo per gli strumenti a percussione che Orff sviluppò in collaborazione con il costruttore di strumenti di Monaco Karl Maendler, spiega l'autrice Micaela Grüner. Nel suo libro presenta 48 diversi strumenti a percussione, suddivisi in strumenti a mallet (glockenspiel, xilofono), strumenti a pelle (tamburi), piccoli strumenti a percussione (clave, triangoli, sonagli) e strumenti Orff estesi (percussioni latine, boomwhackers). Questa categorizzazione non è né scientifica (strumenti classificati in base alla parte suonante) né particolarmente pratica per l'insegnamento (ciò che si trova in classe). Ma mostra lo sviluppo dello strumentario, dal nucleo centrale alle estensioni.

Il capitolo 2 descrive e illustra chiaramente le tecniche di manipolazione e di esecuzione. Questo è un bene, perché gli strumenti a percussione hanno un problema: li si colpisce invece di suonarli. Sono sensibili al suono quanto un pianoforte o un violino. In quale punto della pelle la mano deve colpire per ottenere il suono più pieno del tamburo? Quale battito produce il suono più forte e quale quello più secco? E come si tiene correttamente una kabassa, come si tiene un guiro? E come si fa a fare musica con essi? Il capitolo 4, "Suonare con gli strumenti Orff", contiene linee ritmiche e interi movimenti che dimostrano magnificamente la varietà di suoni che gli strumenti a percussione possono produrre. Vengono inoltre presentate molte idee pratiche per l'insegnamento. L'ascolto orientativo nello spazio, la formazione di catene sonore, i giochi con il tempo e la notazione grafica, le conversazioni con il tamburo e la sonorizzazione di testi e storie. Tutti questi suggerimenti sono ben descritti - con parole, immagini e suoni - e facili da mettere in pratica. Particolarmente interessanti sono gli esempi sonori contenuti nel CD con composizioni dello stesso Orff!

Micaela Grüner: Strumenti Orff - e come suonarli, un manuale per giovani, anziani, mani piccole e grandi, ED 21039, 128 p., con CD, € 24,95, Schott, Mainz 2011

Franz Xaver Wolfgang Mozart (1791-1844) fu uno straordinario pianista e compositore. Formatosi, tra gli altri, con Johann Nepomuk Hummel e Antonio Salieri, nel 1808 lasciò la città natale di Vienna per la Galizia, dove si stabilì a Lemberg (l'attuale Leopoli in Ucraina). Sempre celebrato come "figlio di W. A. Mozart", esplorò anche l'eredità paterna nella composizione. Probabilmente non è tanto il suo Variazioni del Don Giovanni di interesse, in cui il compositore quattordicenne aggiunge molti squilli di tastiera vuoti al minuetto dell'opera, ma piuttosto le cadenze e gli ornamenti che scrisse per alcuni dei concerti per pianoforte del padre. Alcune delle armonie e della scrittura pianistica sono già molto caratterizzate dal primo Romanticismo.

Musicalmente, F. X. Mozart è più convincente (non c'è da stupirsi?) quando non prende in prestito la musica del padre e si ispira, ad esempio, al folklore dei suoi dintorni galiziani. Questo è ciò che accadde nell'opera Polonaises mélancholiques op. 17 e 22, con un tocco di eleganza e malinconia chopiniana...

Tutte queste opere e molte altre (tra cui due "Variazioni Diabelli") sono state ora pubblicate da G. Henle-Verlag in due volumi dal design accattivante e molto maneggevoli.

Franz Xaver Mozart: Opere complete per pianoforte, Urtext a cura di Karsten Nottelman, diteggiatura di Rolf Koenen; Volume 1, HN 958; Volume 2, HN 959; € 22,00 ciascuno, G. Henle, Monaco 2011/12

"Sa complexité formelle, sa densité d'écriture, sa richesse harmonique, sa variété émotionnelle et ses difficultés techniques considérables placent cette composition parmi les plus difficiles du répertoire pianistique du 19e siècle". Questo giudizio di Philipp Fauré sulla Ballata op. 19 di suo padre può sembrare oggi un po' esagerato. Il fatto è che si tratta di una delle opere pianistiche più rappresentative e ambiziose di Gabriel Fauré.

Per quanto riguarda le difficoltà pianistiche, nientemeno che Franz Liszt si lamentò con il compositore, con il suo caratteristico fascino, di non avere più dita. Probabilmente fu anche Liszt a consigliare una rielaborazione. Fauré ovviamente prese a cuore questo consiglio e oggi l'opera è più comunemente conosciuta nella versione per pianoforte e orchestra.
La casa editrice Bärenreiter ha fatto bene a pubblicare la versione originale in grande formato. La scrittura pianistica comlpice di Fauré è molto più piacevole da leggere in questo modo. In qualità di editore, Christophe Grabowski ha inserito non solo una prefazione che vale la pena di leggere, ma anche stimolanti note interpretative tratte dalla penna di Philipp Fauré e della pianista Marguerite Long.

Gabriel Fauré: Ballade op. 19, Urtext ed. da Christophe Grabowski, BA 10841, € 12,95, Bärenreiter, Kassel 2012

Camille Saint-Saëns, di mezza generazione più anziano, aveva ragione a lodare con effusione la prima sonata per violino di Fauré, pubblicata nel 1877: "... e su tutto aleggia una magia ... che fa sì che la massa degli ascoltatori comuni accetti l'audacia più selvaggia come una cosa del tutto normale ...". È all'avanguardia nel repertorio concertistico. Fauré era stato nominato segretario della Société nationale de musique nel 1774, che si era dedicata al "renouveau" della vita musicale francese in concorrenza con la musica strumentale tedesca. Lo afferma, tra l'altro, l'interessante prefazione a questa nuova edizione. L'Urtext di Henle mette a confronto la prima edizione di Breitkopf & Härtel con gli schizzi autografi e sottolinea le differenze nelle legature e nelle dinamiche da tenere in considerazione quando si lavora sull'opera; è uno sguardo all'interno del laboratorio di Fauré. Oltre alla parte per violino dell'Urtext, è disponibile anche un arrangiamento di Igor Ozim. Ozim cerca i colori giusti delle corde e adatta i colpi d'arco alle dinamiche. A volte utilizza un accurato cambio di corde per ottenere intervalli emozionanti che avrebbero un effetto più espressivo su una sola corda.

Gabriel Fauré: Sonata n. 1 in la maggiore op. 13, Urtext a cura di Fabian Kolb, con parte aggiuntiva marcata per violino di Igor Ozim, partitura e parti, HN 980, € 21,00, G. Henle Verlag, Monaco 2012

Nata nel sud della Francia con radici ebraico-spagnole, la cantante ginevrina Esther Ackermann ha letteralmente assorbito le canzoni ebraiche che sua madre cantava per farla addormentare da bambina. Ecco come lo racconta. Affascinata dalla musicalità della lingua, si dice che abbia scritto la sua prima poesia all'età di sette anni. Ora, quasi 40 anni dopo, ha registrato queste canzoni con il chitarrista Paco Chambi sotto il titolo di A la una yo naci registrato. Si tratta di un breve album di dodici brani - per un totale di soli 31 minuti - in cui l'artista canta con grande tenerezza l'infanzia e la cultura ebraica. E lo fa con intensità e concentrazione e con una tale gioia infantile, come se stesse semplicemente cantando a se stessa sotto un albero ombroso mentre cura gli ortaggi davanti a casa. Questo crea un'intimità ammaliante che è tanto più commovente in quanto permette all'ascoltatore di immergersi in un mondo che risveglia desideri senza scadere nella dolcezza popolare. Forse è l'allegra malinconia delle sue canzoni a rendere questo album molto personale. Ha ciò che rende bella e buona la musica: è in grado di toccarci.

Le semplici canzoni sono accompagnate da una chitarra classica, in modo discreto e con grande stile folk-jazz. È tutto ciò di cui questa musica ha bisogno. E così si ha subito la sensazione che a fare musica siano due artisti che non si preoccupano mai dell'invadenza tecnica e della raffinatezza, ma solo dell'espressione. Un bicchiere di vino al tavolo di un bistrot e il sogno di fuggire verso il sud sono l'accompagnamento perfetto. - Fortunatamente per A la una yo naci il tasto di ripetizione.