Il secondo album dei Kaos Protokoll, dal titolo scioglilingua, si intitola Questclamazione è stato solo tre anni fa, ma da allora molte cose sono cambiate nella band: Mark Stucki è stato sostituito al sassofono da Simon Spiess e anche il tastierista Luzius Schuler si è unito alla band. Di conseguenza, il trio si è trasformato in un quartetto. Secondo la stampa, il nuovo album, Tutti da nessuna parte, tra "post-future beats" e "modern spiritual jazz". I cambi di formazione non hanno stravolto completamente il suono dei Kaos Protokoll, ma hanno lasciato un segno udibile: La musica sembra più meditativa e sferica. Il primo brano ne è già un segno, Telaio flash, che combina ritmi muscolari con suoni prolungati del clarinetto basso e frenetici suoni di tastiera - e sembra tanto fresco quanto audace.

I Kaos Protokoll mostrano ripetutamente la loro preferenza per la musica elettronica. Questo conferisce alle canzoni scritte dal bassista Benedikt Wieland una certa freddezza. Tuttavia, è anche costantemente spezzata da momenti di malinconia. La formazione apprezza particolarmente la gestione dei contrasti: Mentre Sala d'attesa oscilla tra una tranquilla malinconia ed elementi di rumore, si fa strada Il cosmo nel mio cortile a volte free jazz, a volte art rock elegiaco. Poiché i quattro musicisti sono in grado di contrapporre quasi incessantemente paesaggi sonori astratti a melodie delicate, il disco acquista nitidezza e tensione. Nelle otto nuove canzoni, i Kaos Protokoll danno costantemente libero sfogo alle loro idee. Questo è selvaggio e curioso, ma non del tutto coerente. L'esperimento di concludere l'album con una sorta di rap chiamato SoleRaColtraneSolare è una decisione audace, ma l'unico numero non strumentale si rivela un affascinante corpo estraneo.

Henle-Verlag ha recentemente pubblicato le opere più importanti della letteratura per corno di Mozart, Beethoven, Schumann e altri in edizione Urtext. L'edizione recentemente pubblicata del Morceau de Concert di Camille Saint-Saëns è, come le precedenti, ottimamente curata e accompagnata da una prefazione dell'editore Dominik Rahmer, che fornisce informazioni dettagliate sulle peculiarità del brano. È stato composto nel 1887, all'epoca del passaggio dal corno naturale al corno a valvole, e ha quindi un significato storico-strumentale. Per i compositori e i suonatori di corno dell'epoca non fu facile dire addio al corno naturale e il passaggio al corno a valvole fu agevole. Henri Chaussier, il cornista della prima, progettò quindi uno strumento in cui un blocco di valvole era montato sul corno naturale. Questo gli ha permesso di passare al corno a valvole all'interno del brano. Chaussier ha tenuto introduzioni molto dettagliate prima dei concerti per aiutare gli ascoltatori a comprendere questo sistema. I risultati di questa prassi esecutiva possono o devono essere presi in considerazione anche sui nostri strumenti moderni.

Camille Saint-Saëns: Morceau de Concert in fa minore op. 94 per corno e pianoforte, a cura di Dominik Rahmer, HN 1284, € 13,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Soprattutto se non abbiamo molta esperienza con l'improvvisazione, troviamo difficile integrare questo campo di apprendimento enormemente arricchente nelle nostre lezioni. Tuttavia, la serie di Thomas Silvestri Pianoforti-amplificatori per l'improvvisazione (Vol. 1-3) mi ha fornito un materiale meraviglioso che mi ha dato molti nuovi impulsi e idee per le mie lezioni. I brani sono tutti basati interamente sulla sua pratica didattica e offrono solo la quantità di teoria esplicita necessaria per iniziare a suonare rapidamente. Nei libretti sono presentate brevi figure di basso ostinato (vamps), che possono essere improvvisate. Le scale corrispondenti (maggiore, minore, scala blues, scala pentablues ecc.) sono volutamente elencate separatamente nell'ultima parte dei libretti, con l'intenzione di memorizzarle prima e farle proprie. Ci sono anche molti "pattern" tipici, che devono essere praticati come elementi costitutivi e che possono essere successivamente incorporati nell'improvvisazione. L'obiettivo è quello di costruire un repertorio di frasi ben suonate e di prendere confidenza con le diverse tonalità nel corso del tempo. Raccomandiamo anche i suggerimenti su come i singoli tasti possano essere praticati non solo come una cosiddetta "scala", ma anche come, usando il modello della tastiera come guida, si possa partire da qualsiasi nota per trasporre diatonicamente piccoli motivi, intervalli o accordi specifici della scala, ad esempio. Di conseguenza, le scale sono sempre più viste come un "serbatoio di toni" che inizia da qualche parte e finisce da qualche parte, come avviene naturalmente quando si improvvisa.

Anche con www.silvestrimusic.ch sono stati pubblicati Melodie jazzistiche per pianoforte soloin versioni per principianti e avanzati. Si tratta di raccolte di brani pianistici "jazzistici", molti dei quali con una sezione di improvvisazione. Il libretto della fascia di difficoltà intermedia (Intermediate Vol.1), ad esempio, oltre ai brani offre numerosi suggerimenti su scale e pattern. L'autore mostra anche come creare uno schizzo di improvvisazione con passaggi annotati e liberi. I singoli brani possono essere ascoltati come campioni audio utilizzando un codice QR.

Thomas Silvestri: Piano-Vamps for Improvising Vol. 1, Blues, Funk, Jazz, Valse, Tango, Pop, Bossa, Classic, Choro, Flamenco ... e altro; libretto Fr. 20.00; PDF Fr. 10.00; autoprodotto da Thomas Silvestri, www.silvestrimusic.ch

I libri sulla storia del jazz sono di solito tre volte più densi di questo tour d'horizon di 200 pagine. In esso, l'esperto giornalista e pianista Ted Gioia non solo descrive stili e interpreti uno dopo l'altro, ma presenta anche un catalogo di criteri che per lui sono decisivi nel giudicare le performance jazzistiche. Fats Waller, quando gli fu chiesta una definizione di jazz, rispose: "Se devi fare questa domanda, faresti meglio a tenere giù le mani!". E Duke Ellington disse: "Ascoltare è la cosa più importante nella musica". Ted Gioia ammette che a trent'anni si è ispirato per il suo primo libro sulla storia del jazz alle newsletter dell'influente conoscitore di vini Robert Parker nella Napa Valley: la capacità di descrivere i sapori dei vini pregiati con metafore fiorite, e di farlo con una varietà mozzafiato, ha mostrato all'autore di jazz come affrontare il difficile compito di tradurre la musica in parole.

Nel suo ultimo lavoro, Ascoltare il jazz, capire il jazz, Ted Gioia ci lascia guardare alle sue spalle: il suo modo di ascoltare e giudicare criticamente non si basa solo sul gusto personale, ma segue criteri chiari che risiedono nella musica stessa. Descrive parametri come il ritmo, la pulsazione, il fraseggio, l'altezza e il timbro, la dinamica, la personalità e la spontaneità in capitoli concisi e di facile lettura grazie alla ricchezza di metafore e all'umorismo anglosassone. Per esempio, è azzeccato il consiglio di ascoltare le performance ancora imperfette con la parola chiave "student jazz band". Questo affina l'orecchio e permette di apprezzare davvero i grandi della professione. Nel capitolo sulla struttura del jazz, l'autore dà uno sguardo al suo lavoro con gli studenti di musica e mostra esempi istruttivi di come i brani jazz più complessi possano essere suddivisi nelle loro parti formali e come queste possano essere caratterizzate dalla strumentazione. Oggi possiamo trarre vantaggio dal fatto che praticamente tutti i titoli musicali e gli interpreti citati in questo libro sono reperibili sul World Wide Web. Ted Gioia fornisce una serie di consigli per l'ascolto in ogni capitolo. Dalle origini del jazz e dallo sviluppo dei suoi stili, passa alla descrizione dei principali innovatori, da Louis Armstrong a Ornette Coleman. Seguono il capitolo "Ascoltare il jazz oggi" e un'appendice con "I maestri del jazz all'inizio e a metà della loro carriera". L'indice alla fine del libro aiuta a orientarsi in questa diversità.

I primi dischi di jazz sono stati pubblicati cento anni fa a New Orleans. Le registrazioni (spesso dal vivo o non tagliate) sono preziosi documenti contemporanei e hanno contribuito alla diffusione di questa musica in tutti i continenti. Tuttavia, l'essenza di una performance jazzistica risiede nella spontaneità dell'esperienza dal vivo. Ogni evento è unico! Ted Gioia ha mantenuto la sua attitudine in tal senso fino ad oggi: "Stasera può succedere quasi tutto - quasi tutto! (...) I musicisti stessi difficilmente sanno cosa stanno per suonare; l'ancoraggio del jazz all'improvvisazione fa sì che sul palco si verifichino strane e meravigliose progressioni, magari già dal brano successivo".

Questo libro, conciso ma estremamente ricco, aiuta sia i principianti che gli esperti ad approfondire le proprie conoscenze e a stimolare la voglia di jazz!

Ted Gioia: Ascoltare il jazz, capire il jazz, traduzione dall'inglese di Sven Hiemke, 207 p., € 24,95, Henschel/Bärenreiter, Lipsia/Kassel 2017, ISBN 978-3-7618-2426-9

I chitarristi Raoul Morat e Christian Fergo hanno studiato con Frank Bungarten all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, dove hanno anche unito le forze per formare un duo di chitarre. La formazione in duo può aprire allo strumento molta più letteratura pianistica rispetto alla chitarra solista, per una ragione ovvia: poiché il chitarrista solista ha solo una mano per produrre il suono - deve accorciare le corde con l'altra - gli manca la ricchezza armonica e contrappuntistica della letteratura pianistica a due mani. Tuttavia, due chitarre assicurano una riproduzione senza perdite della scrittura pianistica. I due si sono già cimentati con le opere di Schubert nel 2016, quando hanno eseguito una Viaggio d'inverno-ciclo sono stati realizzati. Quindi ora Impromptus, Moments musicaux e Valses sentimentales, che sarà piaciuto a molti chitarristi. Uno dei Momenti musicali era già stato arrangiato dall'importante chitarrista Francisco Tarrega nel XIX secolo. Ora Morat e Fergo presentano un'intera raccolta di questi brani di carattere, probabilmente non del tutto casualmente su un'etichetta austriaca chiamata Challenge Records.

All'inizio si è un po' spaventati: il primo Improvvisazione dall'Op. 90 di Schubert inizia nell'originale con una quadrupla ottava di sol in fortissimo. Questo suona piuttosto patetico su due chitarre. Tuttavia, più il duo chitarristico Morat-Fergo si fa strada nel testo musicale, più si viene coinvolti nel vortice della musica e si rimane sempre più affascinati. Le chitarre hanno a disposizione un'infinità di tecniche sonore, armonici, vibrati, pizzicati, suoni di diverse posizioni delle dita che pizzicano e così via. Il duo di Lucerna le utilizza con sapienza ed estremo gusto per rendere la musica di Schubert cangiante in tutti i suoi colori. Il risultato è un suono filigranato e trasparente che fa apparire i brani selezionati delicati, ma anche moderni.

Il duo amplia così in modo estremamente convincente il repertorio dello strumento, davvero poco ricco di opere di alta qualità del periodo tardo classico e del primo romanticismo. Si sforzano di fornire ulteriori radici storiche registrando i brani su copie di chitarre dell'epoca di Schubert. Tuttavia, questo non garantisce che i brani siano contemporanei, anche se il suono degli strumenti storici può indicare l'epoca in cui sono stati scritti gli originali. Tuttavia, si può ipotizzare che queste opere per pianoforte avrebbero suonato in modo strano se fossero state suonate su chitarre dell'epoca. Il fascino degli arrangiamenti risiede nei principi interpretativi e creativi generali piuttosto che nel tentativo di fare musica storicamente informata. Il risultato è convincente perché illumina la musica in modo intelligente e senza tempo. I due hanno registrato il CD in una sala da concerto dell'Abbazia di Marienmüster, finanziato in parte dal crowdfunding.

Quando il Quartetto per archi op. 80 in fa minore viene esaminato più da vicino come prima opera e porta alla domanda "Perché il genere minore predomina così vistosamente nell'area strumentale (...)", l'autore si muove nell'area della sua precedente pubblicazione del 2015, Musica e saluti. Lì aveva unito intuizioni sorprendenti in una serie di opere che vanno dal Medioevo al presente sotto il comune aspetto della morte. L'Opera 80 di Mendelssohn ci irrita per la sua spietatezza nei confronti della forma; fu composta poco dopo la morte della sorella Fanny - e pochi mesi dopo morì anche lui. Con questa struttura, Gülke vuole contrastare fin dall'inizio la critica di "perfezionismo" e "levigatezza" che ancora oggi viene rivolta a Mendelssohn nelle descrizioni delle sue opere. E conclude questa sezione con la frase: "Questa morte precoce è anche una delle catastrofi della storia della musica".

Gülke non si sottrae alle domande, anzi le provoca immediatamente quando non è con l'ottetto e con la musica per la Sogno di una notte di mezza estate Il compositore non prosegue con le opere oggi popolari e riconosciute, ma utilizza la Sonata per pianoforte op. 6 e il Quartetto per archi op. 13 del non ancora ventenne per indicare riferimenti indipendenti a grandi modelli. Il suo talento nell'analizzare e al tempo stesso descrivere vividamente il corso della musica si dimostra anche quando si limita "solo" a dettagli (per lui) vistosi, che però portano sempre a un'illuminante intuizione individuale.

Con la criptica citazione di Schumann come sottotitolo, che completa già nella prima pagina: "È il Mozart del XIX secolo, il musicista più brillante che vede attraverso le contraddizioni del tempo più chiaramente e le riconcilia per primo", Gülke pone al centro il significato del compositore per il periodo del "Romanticismo". Allo stesso tempo, sottolinea le difficoltà nel valutare la sua opera nel suo complesso e la sua biografia: "Mendelssohn rimane una patata bollente".

La situazione familiare privilegiata, il sensazionale talento precoce dei fratelli Fanny e Felix, l'incoraggiamento unilaterale del ragazzo e il relativo blocco della creatività della sorella sono presentati in modo non abbellito, così come le numerose opere sacre di Felix, che dovevano dimostrare la serietà della sua conversione al cristianesimo, ma che si sono poi concretizzate con i due oratori San Paolo e Elias ma ha dimostrato di non voler favorire nessuna delle religioni - dalla sua Sinfonia della Riforma ha preso le distanze e non li ha resi disponibili per la stampa.

Il capitolo più ampio, "Im schönen Zugleich von Kunst und Religion" ("Nella bella simultaneità di arte e religione"), si concentra su quest'area della musica sacra, dove Gülke vuole individuare le contraddizioni in modo più chiaro: "Molte composizioni, complementari al Sinfonia della Riforma e al Inno di lodesembrano tentativi di minare la distinzione spirituale/secolare dal lato secolare". E altrove: "In nessuna opera di Mendelssohn la ricezione e il giudizio si contraddicono così acutamente come nella musica sacra". Gülke dedica quindi le analisi più dettagliate ai due oratori, ma sottolinea: "Cercando di ascoltare il più profondamente possibile la musica di Mendelssohn, rischiamo di capirlo diversamente da come voleva essere capito".

Peter Gülke: Felix Mendelssohn Bartholdy, "Der die Widersprüche der Zeit am klarsten durchschaut", 139 p., con illustrazioni e bibliografia, € 29,99, Bärenreiter/Metzler, Kassel/Stuttgart 2017,
ISBN 978-3-7618-2462-7

Perché non familiarizzare con le suite per clavicembalo del tardo barocco, che non possono competere con quelle di Bach e Handel? Non c'è dubbio che questo genere si sia estinto dopo il 1740 e non sia stato più utilizzato nella musica per fortepiano, ma anche i pianisti traggono vantaggio dalla conoscenza di questa letteratura, che probabilmente faceva ancora parte del repertorio dei cosiddetti classici successivi. Fa quindi scalpore la scoperta di 26 suite (Parthien) finora sconosciute di Gottlieb Muffat (1690-1770), organista viennese e insegnante di musica imperiale, figlio del violinista e organista Georg Muffat (1653-1704), nel patrimonio della Singakademie di Berlino, restituite da Kiev nel 2001.

Il clavicembalista Glen Wilson ne ha pubblicati cinque per la prima volta; un sesto era già disponibile nell'edizione di Christopher Hogwood (Ut Orpheus, 2009). Ciò dimostra che vale la pena studiare questo compositore, finora riconosciuto soprattutto grazie alle sue opere pubblicate nel 1739 con il titolo di Componenti musicali stampato otto suite. Le sei nuove suite, che sono sopravvissute solo in forma di manoscritto, possono competere in termini di stravaganza, portata e requisiti tecnici con le Componenti ma in essi Gottlieb Muffat si dimostra anche un esperto dei vari linguaggi musicali dell'epoca, che integra nei suoi preludi, movimenti di danza e pezzi di carattere.

Dobbiamo essere grati all'editore per l'attenta trattazione degli ornamenti di Muffat nella prefazione e nel testo principale, che contribuiscono notevolmente all'effetto brillante di questi brani. La maggior parte degli esecutori avrebbe probabilmente bisogno di un aiuto simile per quanto riguarda la disposizione dei finali e l'inserimento delle cosiddette "petites reprises", che richiedono soluzioni che non si trovano necessariamente nelle note. Muffat era noto per la sua coerente divisione della notazione tra le due mani o pentagrammi. Fortunatamente, Wilson ha mantenuto questa divisione nelle chiavi moderne (G2 invece di C1). Tuttavia, rimane problematico quando due figure ritmicamente identiche nella stessa battuta occupano una quantità ineguale di spazio nell'incisione moderna (ad esempio nel Balletto della Suite in la minore) e le note che non sono suonate simultaneamente sono quasi direttamente l'una sopra l'altra in entrambi i pentagrammi (ad esempio Adagio, Allemande della Suite in re minore). La stampa originale dell'opera di Muffat Componenti musicali ci avrebbe insegnato come stampare la musica in modo bello e facile da usare ancora oggi.

Gottlieb Muffat: Six Suites for Harpsichord (Clavier), prima edizione, a cura di Glen Wilson, EB 8904, € 26,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden, 2017

In collaborazione con la Lucerne School of Business, Guidle ha pubblicato il manuale pratico I professionisti della cultura e la trasformazione digitale è stato pubblicato. Fornisce conoscenze di base e soluzioni a domande sulla giusta strategia dei contenuti, sui canali giusti, sulla costruzione di una comunità e su altri argomenti relativi ai social media. Gli autori, Barbara Kummler, docente presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, e il pubblicista Clemens Maria Schuster, imprenditore e docente presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, forniscono molti consigli preziosi e istruzioni pratiche. 

La guida, di 180 pagine, è disponibile in brossura al prezzo di 39 franchi svizzeri (più spese di spedizione) o in versione PDF gratuita al seguente indirizzo www.guidle.com/de/buch-bestellen
Su questo sito sono disponibili anche un campione di lettura e l'indice dei contenuti.

Secondo l'Associazione tedesca dell'industria musicale (BVMI), nel 2018 il numero di stream audio è cresciuto di ben il 40% rispetto all'anno precedente, per un totale di 79,5 miliardi, raggiungendo un nuovo massimo storico. Sebbene siano stati venduti 48,2 milioni di CD, il 23% in meno rispetto al 2018, il compact disc è stato ancora il secondo segmento di mercato più importante in Germania nell'anno 36 dopo il suo lancio sul mercato, come dimostrato dal comportamento di acquisto degli appassionati.

I download si sono piazzati al terzo posto con 49 milioni di unità, di cui 7,5 milioni di album e 41,5 milioni di singoli brani. L'anno scorso i dischi in vinile hanno venduto un totale di 3 milioni di unità, con un leggero calo del 7%, ma il disco ha ancora chiaramente i suoi fan nel mercato di nicchia e quindi svolge un ruolo importante per molti artisti quando pianificano i loro formati di pubblicazione.

Anche i video musicali fisici (DVD/Blu-ray) sono entrati nella top 5 dei formati musicali più utilizzati o venduti con 2,6 milioni di unità vendute. - Questo calcolo preliminare dell'andamento delle vendite riguarda il numero di unità acquistate e riprodotte in streaming nel 2018. Si prevede che il BVMI comunicherà l'andamento complessivo del mercato in base alle vendite all'inizio di marzo 2019.

Secondo il comunicato stampa dell'Università di Scienze Applicate di Würzburg-Schweinfurt, l'attenzione si concentra sull'attivazione delle funzioni cerebrali che sono compromesse nella depressione legata all'età. Insieme a 13 partner europei del settore universitario, clinico e industriale, si sta svolgendo un lavoro interdisciplinare nei campi delle neuroscienze (Università di Ginevra, Reha Rheinfelden), della gerontopsichiatria (Università di Würzburg, Università di Tours, Ospedale universitario di Tours), dell'intervento musicale (Università di Cambridge, Università di Jyväskylä, Università di Aalborg, Università di Scienze Applicate di Würzburg-Schweinfurt) su questo sviluppo. Sono coinvolte anche una piccola e media impresa finlandese e una francese e un team di ingegneri informatici (Università di Barcellona, Università di Genova, FHWS, Università di Augsburg).

L'Università di Scienze Applicate di Würzburg-Schweinfurt è anche coinvolta in un progetto che studia gli interventi per le persone affette da demenza. Da maggio 2019 ad aprile 2023, verrà sviluppato un programma di formazione per assistenti familiari di persone affette da demenza per imparare e applicare interventi musicali nell'assistenza domiciliare e ne verrà testata l'efficacia. Il consorzio è composto dall'Università di Melbourne (leader del consorzio), dall'Anglia Ruskin University di Cambridge, dalla FHWS, dall'Università della Musica di Oslo e dall'Università di Cracovia. Thomas Wosch (Facoltà di Scienze sociali applicate dell'Università di Scienze applicate di Würzburg-Schweinfurt) può fornire ulteriori informazioni.
 

La risoluzione si basa sulla mozione "Per il futuro della musica nel Brandeburgo: salari adeguati per i musicisti freelance e i solisti vocali" di Ulrike Liedtke, portavoce della politica culturale per il gruppo parlamentare SPD e vicepresidente del Consiglio musicale tedesco. Il documento è stato adottato a seguito di intense discussioni tra i quattro gruppi parlamentari della CDU, SPD, Die Linke e Bündnis 90/Die Grünen. A partire dal 2020, gli standard minimi di compenso si applicheranno ai progetti finanziati dallo Stato; dal 2021, anche le orchestre finanziate dalle istituzioni saranno obbligate a rispettare gli standard minimi quando assumeranno personale temporaneo.

Christian Höppner, Segretario generale del Consiglio musicale tedesco, accoglie con favore la decisione. La considera un segnale lungimirante per rafforzare le condizioni economiche generali dei musicisti freelance. La situazione dei creativi freelance nelle professioni artistiche e di formazione musicale è "prevalentemente disastrosa nella quarta nazione industrializzata più forte del mondo". L'attuale decisione del Parlamento del Brandeburgo a favore dei freelance è "un modello per gli altri Parlamenti statali per garantire agli artisti una sicurezza sociale che non porti alla povertà in età avanzata".

Sotto la direzione di Lawrence Foster, diversi solisti si esibiranno con l'Orchestra Sinfonica di Lucerna durante la cerimonia di premiazione: ad esempio Nelson Freire (Premio alla carriera), Javier Perianes (Artista dell'anno), Matko Smolcic (Giovane artista dell'anno), Eva Gevorgyan (Premio alla scoperta) e Stephen Waarts (Premio dell'orchestra).

Il vincitore dell'ICMA "Special Achievement Award" di quest'anno è Numa Bischof Ullmann, che in qualità di direttore artistico dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna "ha plasmato la scena orchestrale svizzera per molti anni con le sue idee artistiche innovative, il suo instancabile entusiasmo e la sua lungimiranza", come scrive la giuria nel suo elogio. Il Premio dell'Orchestra, consegnato dalla rispettiva orchestra ospitante, va al giovane violinista Stephen Waarts.

Gli ICMA vengono assegnati annualmente dal 2011. Sono assegnati da professionisti indipendenti dei media. Negli ultimi anni, i premi ICMA sono stati assegnati in Paesi come Finlandia, Italia, Germania e Polonia.

Il concorso sarà ulteriormente sviluppato sotto la direzione di Weithaas e Wille. Il prossimo concorso si svolgerà ad Hannover nell'autunno del 2021. Krzysztof Wegrzyn, il fondatore e precedente direttore artistico, rimarrà strettamente legato al concorso come presidente onorario.

Con Antje Weithaas, nata nel 1966, la Fondazione ha assunto la prima vincitrice del primo Concorso Joseph Joachim per violino nel 1991 per il ruolo di direttore d'orchestra. Weithaas è stata direttore artistico della Camerata Bern per quasi dieci anni ed è stata responsabile del suo profilo musicale. Le sue registrazioni in CD includono le registrazioni complete delle sonate e partite solistiche di Johann Sebastian Bach e delle sonate solistiche di Eugène Ysaÿe.

Oliver Wille, nato nel 1975, continua la stretta collaborazione del concorso con l'Università di musica, teatro e media di Hannover (HMTMH). Dal 2011 è professore di musica da camera per archi. Wille è anche membro fondatore del Quartetto Kuss e dal 2015 è direttore delle Giornate musicali estive Hitzacker.

Cinque persone, tre uomini e due donne, intrappolate in una casa o in una capanna, lontano, nella neve alta. Non c'è scampo. E continua a nevicare. La prima mondiale della nuova opera di Beat Furrer non poteva essere più attuale di questi giorni di gennaio, quando la regione alpina sta sprofondando sotto le masse bianche. La situazione iniziale è tipica dello scrittore russo Vladimir Sorokin, che ha già rappresentato situazioni simili in altri racconti, ad esempio in La tempesta di neve del 2010. E, come sempre, non si limita alla nuda realtà. Certo, ci sono brevi scene d'amore, quasi romanzate in una baita di montagna, c'è un quartetto davanti a un tè che scalda. Peter ha paura delle cure mediche se viene salvato mezzo congelato. Ma ci sono anche tre insiemi di solitudini, Jacques canta un'arietta sulla materia oscura, Silvia racconta come un calabrone ronzante sia cresciuto nella sua viola e abbia fatto esplodere lo strumento. Appare una donna morta, le situazioni diventano sempre più irreali, surreali. Il tavolo è bruciato? I cinque hanno mangiato la neve? Alla fine, il materiale ci porta nel cosmico-fantastico. L'incertezza della situazione porta all'incertezza dell'universo. Questo è Sorokin.

Otto anni fa ha abbozzato questa storia per Beat Furrer. Dorothea Trottenberg l'ha tradotta e Händl Klaus, da tempo uno dei librettisti più richiesti della musica contemporanea, ha creato una base linguistico-musicale da cui Furrer ha tratto la sua nuova opera. Neve viola può riprodurre un'intera gamma di forme musicali in modo più vario e divertente (rispetto al passato): Duetti dal sapore operistico, arette, ensemble, tutti con un alto grado di chiarezza testuale, oltre al canto corale in sottofondo (con il Vocalconsort Berlin), in cui Furrer introduce uno scenario apocalittico di Lucrezio (non per la prima volta) - come una sorta di commento antico agli eventi attuali. Nel mezzo, l'orchestra sboccia in tutti i colori, dal bianco pallido al rosso vivo e di nuovo al viola. Matthias Pintscher dà vita alla musica con la Staatskapelle Berlin e un quintetto vocale eccezionale con Anna Prohaska, Elsa Dreisig, Gyula Orendt, Georg Nigl e Otto Katzameier si esibisce sul palco. Il livello dell'opera di Stato nel senso più positivo del termine.

Questo è un fascino, l'altro deriva dalla congeniale messa in scena di Claus Guth e del suo team. Tutto si armonizza perfettamente con la musica e il testo: Scenografia (Étienne Pluss), costumi (Ursula Kudrna), video (Arian Andiel) e luci (Olaf Freese). È meraviglioso guardare la neve che scivola. Si apre un ulteriore livello.

L'emozionante ouverture, ad esempio, è accompagnata dalla proiezione di una nebbia sfocata, dalla cui sfocatura emerge lentamente un dipinto concreto: il "Ritorno dei cacciatori", creato per un ciclo di rappresentazioni mensili nel 1565 da Pieter Brueghel il Vecchio, il pittore della vita quotidiana con tutta la sua giocosità e brutalità, con i suoi alti e bassi. Qui racconta le gioie e le difficoltà dell'inverno. L'immagine è una parte essenziale dell'opera e compare più volte. All'inizio, nella descrizione parlata della non-morta Tanja (Martina Gedeck), ma anche in seguito, insieme ad altre immagini di Brueghel. Quando i personaggi escono dalla loro capanna, vengono trasportati fuori dal tempo in un ambiente del XVI secolo. Le figure bruegheliane passano al rallentatore, in colori patinati, in una sfocatura crepuscolare.

I diversi livelli si uniscono qui in modo onirico, sonnambolico: in una sorta di realismo magico, narrativo e allo stesso tempo invalicabile, con un'emotività fluttuante. L'opera fa quello che sa fare particolarmente bene, esagera, toglie il terreno della realtà da sotto i piedi. Il nuovo lavoro di Furrer è contemporaneo eppure si perde... Dove? Il latino "Nix" - neve si combina con il tedesco Nichts. Lì.

E perché l'opera si chiama Neve viola? Nella scena finale, le persone, non solo gli occupanti della capanna, ma anche altre figure dei tableaux di Brueghel si trovano sulla superficie del disco scenico. In una visione finale, la luce - la luna, il sole, Marte - risorge. La neve risplende di viola. È bello, la gente canta, ma non capisce il fenomeno. Qualcosa è cambiato, qualcosa è accaduto, ma non sappiamo cosa e perché.

Il centro musicale TapTab riceverà ora 25.000 franchi all'anno dalla città (in precedenza 10.000 franchi). Questi aumenti contribuiranno in modo mirato al consolidamento delle attività e al rafforzamento della competitività del centro culturale più importante della regione, scrive il Cantone. I contributi cantonali al centro musicale TapTab (20.000 franchi), all'associazione Kumpane (26.000 franchi) e all'associazione Haberhaus Bühne (25.000 franchi) rimangono invariati.

Gli accordi sono validi dal 2019 al 2023 con l'associazione Kultur im Kammgarn e il TapTab Musikverein e dal 2019 al 2022 con l'associazione Kumpane e l'associazione Haberhaus Bühne.

Secondo il comunicato stampa ufficiale, i precedenti accordi di servizio tra il Cantone e la città di Sciaffusa, da un lato, e i fornitori di servizi, dall'altro, hanno dimostrato la loro validità. Anche gli accordi di servizio rinnovati sono contratti in essere da diversi anni.

Da tempo si sapeva che il sostegno finanziario al centro culturale Kammgarn non era più adeguato in relazione alla sua importanza sovraregionale. Sia il Cantone che la città di Sciaffusa hanno quindi aumentato i loro contributi. Il contributo della città al centro culturale Kammgarn è passato da 70.000 a 110.000 franchi all'anno, mentre quello del Cantone è aumentato da 90.000 a 100.000 franchi all'anno.