Gli anni di lavoro nel campo del jazz/rock/pop vanno a Vincent Glanzmann, Bettina Klöti e Fabian Sigmund, mentre nel campo della musica seria a Cathy van Eck (anno di lavoro composizione) e al duo Buck / Wolfarth (anno di lavoro interpretazione). Il sindaco Corine Mauch consegnerà i premi giovedì 30 novembre 2017, in occasione di una cerimonia per gli ospiti invitati a Kaufleuten.

Un totale di venti artisti e due collettivi nelle sei categorie di finanziamento saranno premiati con anni di lavoro, borse di studio e riconoscimenti per un totale di 633.000 franchi svizzeri. In questo contesto sarà consegnato anche il premio per particolari meriti culturali. Esso andrà al mediatore letterario Stefan Zweifel.
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Il jazz è una scena maschile in Svizzera, ancor più della musica pop e rock. Ciò è evidente non solo sui palcoscenici più importanti, ma anche nelle università. Per contrastare questa situazione, l'associazione Collettivo internazionale di musiciste donne si è posta questo obiettivo. I sei membri fondatori sono giovani musiciste professioniste svizzere che vogliono diventare modelli per le generazioni future. "Anche le donne più giovani dovrebbero vedere che Ah, posso farlo anch'io", è importante per loro, sottolinea la sassofonista e membro fondatore Fabienne Hoerni. Vogliono sentirsi meno esotiche, "ma semplicemente esserci".

Oltre all'empowerment come tema centrale, le musiciste jazz si preoccupano soprattutto di fare rete attraverso concerti comuni: "Le donne esistono già, forse non soprattutto in Svizzera". Musiciste provenienti da Danimarca, Germania, Francia e Norvegia si sono unite a loro per il primo tour, che prevede un totale di dieci concerti nella Svizzera tedesca il prossimo ottobre.

Suonare per la prima volta in un gruppo tutto al femminile è stata un'esperienza speciale. "Non perché le dinamiche o i processi di prova siano diversi. Ma gli argomenti di discussione sono decisamente diversi". Le musiciste provenienti dai Paesi scandinavi, in particolare, portano con sé un diverso bagaglio di esperienze, anche perché il loro ambiente è meno dominato dagli uomini. Un altro vantaggio del focus internazionale è stata la maggiore selezione di musiciste. Questo ha permesso di trovare le combinazioni sonore ideali per le composizioni di Sarah Chaksad, create appositamente per il tour.
 

L'effetto "aha" si verifica davvero quando il 17 ottobre le 16 musiciste riempiono fino all'ultimo millimetro il palco della cantina a volta dell'ospedale di Soletta: Le donne creano un quadro insolito: da giovanissime a grigie, da funky a conservatrici. E propongono una musica da big band che fa alzare la testa e fa notare il tutto: Con la tonalità specifica dei suoi pezzi, caratterizzati da vocalizzi e gonfiori di vibrafono, Sarah Chaksad crea un mondo onirico atmosfericamente oscillante, simile a una canzone, in cui le cose possono anche diventare difficili. Ritmi complessi e rincorsi nei temi, che a volte sono costituiti da pochi intervalli, cambi di tempo difficili e dedizione negli assoli mescolano la contemporaneità con echi di Bernstein, Maria Schneider e smooth jazz. L'idealismo che sta alla base del progetto si percepisce ovunque: nel modo in cui i musicisti interagiscono tra loro e nella gioia di fare musica insieme. Il tutto viene trasmesso a un pubblico entusiasta e che applaude a lungo. Purtroppo, tra loro c'erano poche giovani donne.

In aggiunta all'attuale team di docenti, Isabelle Schnöller supervisionerà gli studenti a Lucerna a partire dal semestre autunnale 2018/19, principalmente negli studi preliminari, nei programmi di laurea triennale e nel programma di laurea magistrale in Educazione musicale nel profilo Musica classica.

Isabelle Schnöller è flautista solista di lunga data dell'Orchestra da Camera di Basilea e membro della Camerata Variabile di Basilea, del Quintetto di fiati Arion e dell'Ensemble Amaltea. Ha completato la sua formazione presso l'Università di Musica di Basilea, il Banff Centre for Fine Arts in Canada e l'Università di Musica di Friburgo i. Br. dove ha conseguito il diploma di solista.

Ha vinto premi alle Jeunesse Musicales e al concorso UBS per la promozione dei giovani musicisti. Il suo lavoro come solista e musicista da camera è documentato da numerose registrazioni. Diversi compositori hanno dedicato opere a Isabelle Schnöller. Nell'attuale stagione 2017/18, debutterà il nuovo concerto per flauto di Hans-Martin Linde.

Sono appesi in fila e ticchettano silenziosamente. Non ci sono cavi che salgono dai diffusori, ma solo fili di nylon. A intervalli irregolari, il filo scorre su un rullo rotante, trasmettendo l'impulso di movimento alla membrana. In assolo non farebbe impressione. Ma in un insieme di circa 80 altoparlanti su quattro telai neri, il risultato è una polifonia distintiva che ricorda vagamente il lavoro di György Ligeti. Poème Symphonique per 100 metronomi. La compositrice greca Marianthi Papalexandri-Alexandri e l'artista svizzero Pe Lang hanno realizzato qualcosa di speciale. Il concetto è ben studiato, non ci sono cavi gettati a caso a rovinare la vista, l'idea è chiara e il risultato sonoro è stimolante.

Il primo piano del Museo di Donaueschingen assomiglia a un'oasi. Tutt'intorno regna il disorientamento. I compositori si perdono nel rumore dei media e molti visitatori non riescono a trovare i luoghi dei concerti a causa di informazioni errate. Anche i rifugiati dal sud si inseriscono in questo quadro desertico. Il concerto dell'ensemble berlinese Kaleidoskop inizia con un camion che entra nella sala. Si ferma e dall'interno ancora chiuso si può ascoltare una delle prime opere della cosiddetta musique concrète instrumentale, ovvero Michael von Biel Quartetto per archi n. 2 Dopo il breve brano, i musicisti escono dalla stiva con abiti trasandati: ovviamente sono rifugiati. Si suppone che stiano passeggiando, anch'essi disorientati. Poi continuano a suonare. Dapprima, uno studio sonoro ridotto e troppo esteso della compositrice Chiyoko Szlavnics suona su archi prevalentemente vuoti. Segue un brano estremamente scarno Mappe di città inesistenti: Donaueschingen del compositore Kourliandski, durante il quale i musicisti - beh - prendono possesso delle file del pubblico. Björn Gottstein, direttore del festival dal 2015, non vede alcun motivo per intervenire nei concerti, purché nessuno si offenda. Ma con tutto il rispetto: non si stanno forse offendendo quei rifugiati che non sono riusciti a scendere dal camion e di certo non hanno preso in mano uno strumento?

La firma di Björn Gottstein è ormai riconoscibile: Il Musiktage continua a concentrarsi sulla rottura dei formati tradizionali dei concerti, con una maggiore attenzione all'estero, un maggior numero di compositori donne e un maggior numero di discorsi e di sforzi concettuali. Martin Schüttler, professore di composizione a Stoccarda, fa quasi completamente a meno della musica. Due presentatori leggono storie private da un foglio di carta. A quanto pare, parlano della loro socializzazione musicale, della pressione per il successo che deriva dalle lezioni di pianoforte e probabilmente anche di altri effetti collaterali dannosi della musica seria. Non sorprende che i video seguano i dialoghi dei presentatori. Appare una chitarra elettrica, su un altro schermo una N ripetuta. Si tratta di riferimenti alla Nuova Musica con la N maiuscola o di un sofisticato riferimento a "das Nichts nichtet" di Heidegger?

La prevalenza civettuola del secondario è preoccupante. Nel concerto di apertura, l'australiano Thomas Meadowcroft mima il compositore di musica da film. Piena di pathos, piena di spavalderia, l'Orchestra Sinfonica della SWR deve suonare più di 20 minuti di suoni che potrebbero provenire dal fornitore hollywoodiano John Williams. Quello che lui, Meadowcroft, ha ottenuto con la sua prima esecuzione Le notizie in musica (Tabloid Lament) vuole dire? Ovviamente, i media sono nel loro mirino, dove la prossima hit di Madonna o la Piccola musica notturna segue. Per quanto sia comprensibile la critica a questa indicibile pratica radiotelevisiva, è discutibile il luogo in cui viene espressa. Non sarebbe stato meglio fare un radiodramma dell'argomento piuttosto che affidarlo a un grande corpo sonoro differenziato? Dopo cinque minuti al massimo, ogni ascoltatore ha capito il punto. Quello che segue nei 15 minuti successivi è un fastidio poco divertente.

Chi è venuto a Donaueschingen per la musica e il fascino di 20 prime mondiali è rimasto a bocca asciutta. Tuttavia, il compositore norvegese Eivind Buene e Márton Illés, a cui è stato giustamente assegnato il premio per l'orchestra, non si sono impantanati nel poco musicale. Illés enfatizza l'autonomia in modo piacevole, concentrandosi in Ez-tér (camera Es) su linee musicali. In quattro movimenti autonomi, emerge una rete di voci strumentali che si intrecciano, oscillano e brillano meravigliosamente. Illés ha un senso intuitivo per l'organicità, la forma e il suono. Sa esattamente quando le cesure hanno senso, quando è necessario qualcosa di nuovo, quando è richiesta una variazione. Eivind Buene, d'altra parte, nel suo Lezioni di buio prende una direzione diversa. Qui non è così densamente compresso, ma deliberatamente fragile. Il modo in cui si perde l'equilibrio, in cui gli ensemble sono deliberatamente sbilanciati, in cui un Fender Rhodes e un sintetizzatore Moog altrettanto storico contribuiscono a una strana microtonalità è affascinante e morboso - ma rimane comunque un buon ricordo.

Domani, la Presidente della Commissione tedesca dell'Unesco, Verena Metze-Mangold, consegnerà al Direttore Generale della Biblioteca di Stato di Berlino - Patrimonio Culturale Prussiano, Barbara Schneider-Kempf, il certificato che designa la Missa di Bach come Memoria del Mondo / Patrimonio Documentario Mondiale.

L'autografo fa parte della più grande collezione bachiana; circa l'80% di tutte le composizioni di Bach sopravvissute si trova nella Staatsbibliothek zu Berlin. La presentazione del certificato sarà ora abbinata a un'esecuzione dell'opera. Ton Koopman dirigerà il coro da camera del RIAS e i Berliner Philharmoniker il 26, 27 e 28 ottobre.

Un facsimile della messa è stato pubblicato da Bärenreiter. Il facsimile in quadricromia ad alta risoluzione documenta e assicura lo stato attuale dell'autografo completo. È integrato da vecchie fotografie di singole pagine, che mostrano il contenuto di pagine ormai difficilmente leggibili.
 

Il progetto Lamento fa parte degli eventi che segnano il 150° anniversario del Accademia musicale di Basileache ha potuto così mostrare la diversità del suo programma educativo con cantanti e due grandi ensemble dell'Università della Musica e della Schola Cantorum Basiliensis. D'altra parte, si inserisce nel concetto di Basilea Gare du Nordperché in molte delle sue sfaccettate serie di eventi si esplorano riferimenti tra tempi, voci e teatro musicale. Lamento è stato creato come coproduzione tra le due istituzioni. A Salvatore Sciarrino è stato incaricato di scrivere un epilogo per le rappresentazioni: Distendi il fronteche è stato eseguito per la prima volta.

Lamento. "Gli eroi diventano carnefici", scrive il prospetto dello spettacolo. "Sopraffatti dall'impresa che hanno scelto da soli, superano i loro limiti personali. Punto di non ritorno" e finire con il dolore per la perdita. La serata racconta questa spirale di comportamenti. Rappresenta un comportamento umano disastroso attraverso scene tratte dall'opera di Monteverdi Orfeo e dal libro di Salvatore Sciarrino Luci mie traditrici (I miei occhi traditori).

La storia inizia con i cantanti che si riuniscono per un seminario di canto. Al suono degli ensemble ad astra (Schola Cantorum Basiliensis) e Diagonal (Università di Musica di Basilea), si salutano e si conoscono. Musica (Monteverdi) inizia poi a distribuire i ruoli. Solo ruoli? O di più? Dopo ben due ore, i personaggi si allontanano al suono dell'opera di Monteverdi. Lamento Ora sono nuovamente separati dai terribili eventi che si sono materializzati e che li hanno portati al di là dell'adempimento dei ruoli in una dimensione esistenziale. "Vivono il seminario come qualcosa tra la vita e la morte, a cui non possono sottrarsi emotivamente...". (libretto del programma). L'epilogo composto ex novo da Sciarrino Distendi il fronte (Rilassando la fronte) liscia le onde, con dolcezza e saggezza: "Siamo entrati nella zona dove... ragione e follia si mescolano... Non possiamo tornare a casa coperti di sangue...". (Sciarrino).

Sei stazioni esemplificano la tragedia dell'uomo che è stato costretto alla sua personale Punto di non ritorno arriva. Orfeo, mentre si reca a riportare la sua Euridice dagli inferi, non riesce a rispettare la condizione di non voltarsi indietro. Si gira dietro di lei e la perde per sempre. I mezzi di rappresentazione, gli occhiali da cieco e il bastone da cieco, dati al cantante da uno degli "allenatori" del seminario di canto, assolvono magnificamente alla funzione di rendere vivido ciò che è difficile da immaginare. La storia del conte Malaspina, che si smarrisce quando non vede altra via d'uscita che uccidere la moglie per la sua infedeltà, è raccontata in parallelo alla storia di Orfeo. Entrambi gli "eroi", Orfeo e Malaspina, sperimentano le conseguenze delle loro azioni come una punizione a cui sono ora esposti per il resto della loro vita. "Bagnami di sangue. Addio, addio, vivrò nel tormento per sempre". (Malaspina)

I palcoscenici delle due vite e dei due calvari sono ben scelti dal punto di vista drammaturgico. Anche se non è possibile decifrare immediatamente tutte le immagini, la regia è convincente e orientata in modo impressionante verso un linguaggio teatrale contemporaneo. I cantanti interpretano le loro parti con padronanza e sicurezza, con voci espressive senza eccezioni. L'emozione del ruolo e i loro stessi sentimenti fanno ugualmente parte della loro performance. Gli ensemble sono posizionati ai lati del palcoscenico, disposti simmetricamente e quasi ugualmente forti: ad astra con un lussureggiante gruppo di continuo per Monteverdi, Diagonal con strumenti colorati per Sciarrino. Entrambi ottengono un'esecuzione precisa e colorata.

I testi contenuti nel libretto del programma sono una buona introduzione all'argomento. Tuttavia, è difficile dire se e in che misura l'ascoltatore medio riconoscerà paralleli e somiglianze di natura estetica tra stili musicali così diversi. In ogni caso, la realizzazione è affascinante. Si parte da un'equilibrata giustapposizione delle opere per creare sempre più spesso e in modo convincente delle commistioni, ad esempio quando entrambi gli ensemble cantano insieme a un coro di Monteverdi (una bella idea scenica!) o quando i violini dell'ensemble Schola sostengono l'esecuzione dell'ensemble Sciarrino. Si realizzano persino sovrapposizioni delle due musiche. È impressionante sperimentare (e questo conferma pienamente l'idea concettuale) come entrambi i compositori utilizzino il canto come "maniera" in un arco temporale di 400 anni. L'effetto del canto di Monteverdi (ornamenti, affetti), ancora oggi immediatamente accattivante, ma comunque artificioso, trova un parallelo nel modo di Sciarrino di usare la voce, a volte cantabile, a volte stentorea, come espressione consapevole della "voce" più che della musica "pura". Anche dal punto di vista lirico, questo apre la porta a molti parallelismi.

Infine, vorrei congratularmi con tutti i membri del grande team. Sono tutti caratterizzati da apertura, abilità e aplomb. Le importanti risorse della Gare du Nord e dell'Università della Musica di Basilea sono diventate un'esperienza. Il pubblico delle cinque rappresentazioni (dal 19 al 24 ottobre 2017), che hanno registrato il tutto esaurito, è rimasto entusiasta.

Baze è uno degli acrobati dialettali più importanti e influenti a livello nazionale. Dalla fine degli anni '90 ha pubblicato diversi album da solista. Ha pubblicato anche numerosi album con l'alleanza hip-hop Chlyklass, la cover band Tequila Boys, la formazione electro rap Boys on Pills e il progetto rap Temple of Speed.

Sam Geiser, in arte Deetron, è molto richiesto a livello internazionale, sia sui giradischi che in studio: un peso massimo nel suo dominio di suoni house e techno di alta qualità. Il catalogo di Deetron comprende attualmente 60 maxi, due album e innumerevoli remix.

Meret Lüthi ha studiato all'Università delle Arti di Berna e ha vinto il Concorso universitario tedesco per la musica antica nel 2007. Come concertmaster, dirige l'orchestra di musica antica Les Passions de l'Âme, di cui è cofondatrice. Lontano dal palcoscenico, ha anche un'ampia esperienza come coach musicale ed esperta di media.

Ernesto Molinari è stato clarinettista solista del Klangforum Wien e attualmente è solista del più importante ensemble svizzero di musica contemporanea: il Collegium Novum di Zurigo. La sua fitta agenda di concerti come solista e musicista da camera lo ha portato nei maggiori festival europei.

Rea Dubach, cantante, compositrice e interprete jazz, sarà premiata con il premio "Coup de cœur 2017" per giovani talenti dell'importo di 3.000 franchi. La cerimonia pubblica di premiazione si terrà martedì 14 novembre 2017, alle 19.30, nell'Aula Magna della Reitschule di Berna.

Piendl ha lavorato come responsabile delle vendite per Sony Music e direttore marketing per EMI Classics prima di passare a Bertelsmann Music Group (BMG) nel 1998 come amministratore delegato di Germania/Austria/Svizzera, dove è stato responsabile dell'intera attività internazionale di musica classica dell'azienda in qualità di Senior Vice President & COO BMG Classics, Worldwide fino al 2006.

Nel 2007 ha fondato Arion Arts music consultants GmbH. Nel 2011 e 2012 ha partecipato in modo significativo all'organizzazione dei 7° World Choir Games di Cincinnati (Ohio), la più grande competizione corale del mondo, in qualità di segretario generale di Interkultur. Nell'autunno del 2015, Stefan Piendl è diventato responsabile della comunicazione di SWR Classic ed è stato responsabile della creazione del nuovo marchio SWR Classic e del marketing per le orchestre, gli ensemble e i festival dell'emittente. Piendl ha pubblicato diversi libri di musica.

I progetti della DMR promuovono i giovani talenti musicali e danno impulso alla vita musicale in tutta la Germania. Sostengono i musicisti professionisti e i dilettanti, i giovani musicisti di talento, la musica contemporanea e offrono una piattaforma per la messa in rete di informazioni e documentazione. Il budget annuale dell'organizzazione dei progetti della DMR è di circa sette milioni di euro.

Musikpunkt Holding AG è nata nel 2010 dalla fusione di Musikhaus Gasser AG (dal 1953) e Lohri AG (dal 1972). Nel 2012, la divisione percussioni è stata integrata nella holding con Musikhaus Muff AG (dal 1993) e le tre società operative si sono fuse per formare Musikpunkt AG. Il fornitore di strumenti a fiato e percussioni, che conta circa 30 dipendenti, è rappresentato nella Svizzera centrale nelle due sedi di Lucerna e Hochdorf. Musik Hug impiega circa 152 persone, tra cui 19 apprendisti.

La gestione operativa delle società fuse sarà affidata al comproprietario e amministratore delegato di Musikpunkt AG, Adrian Lohri, insieme all'ex amministratore delegato di Musik Hug, Erwin Steinmann. Egli sarà supportato dall'attuale management del Gruppo Musik Hug. Il nuovo Consiglio di amministrazione sarà presieduto dall'ex presidente del Consiglio di amministrazione di Musikpunkt AG, Kurt Sidler.

Matthias von Orelli - Rémy Campos è coordinatore della ricerca presso l'Università della Musica di Ginevra dal 2003. Le sue ricerche si sono concentrate sulla riscoperta della musica antica, sui conservatori e su questioni di storiografia. Attualmente sta lavorando alla storia delle pratiche musicali nel XIX e XX secolo.

Rémy Campos, in poche parole, come descriverebbe la storia della ricerca all'HEM?

L'unità di ricerca di Ginevra è stata fondata 15 anni fa e all'epoca era davvero modesta: il team era impiegato solo a tempo parziale. Oggi il nostro budget supera il milione di franchi svizzeri, un'evoluzione impressionante in 15 anni. Con il completamento di numerosi progetti e la conclusione di partnership, la ricerca dell'HEM si è evoluta fino a diventare un centro di competenza.

Secondo lei, quali sono le principali missioni della ricerca a Ginevra e quali sono i temi di ricerca attuali?

Fin dalla sua nascita, Genève si è concentrata su progetti di ricerca applicata su temi che coprono un'ampia gamma di pratiche artistiche: nuove creazioni e nuove tecnologie, interpretazione storica, arte e scienza, dialogo interculturale e educazione musicale.

I progetti di ricerca sono avviati da professori che insegnano a Ginevra e a Neuchâtel, quindi il campo è molto ampio. Inoltre, anche l'esperienza all'interno della scuola, in particolare nella musica contemporanea e antica, gioca un ruolo essenziale.

L'intensa attività nel campo della ricerca si estende anche oltre l'HEM. Le altre scuole di musica e arti dello spettacolo - la Scuola di Musica di Losanna (HEMU) e La Manufacture à Lausanne - si sono unite qualche anno fa per creare un istituto di ricerca (IRMAS).

Quali sono le vostre responsabilità?

Ho due lavori: sono coordinatore della ricerca presso la Scuola di Musica di Ginevra e in questa veste mi occupo di tutte le richieste relative all'unità di ricerca. Questo include l'ideazione e la diffusione di progetti, la realizzazione di documentari, la pubblicazione di libri, CD e DVD per il grande pubblico.

Sono anche responsabile dell'IRMAS. L'Institut de recherche Musique et Arts de la Scène raggruppa le tre scuole del settore. Il suo obiettivo è promuovere la qualità delle attività di ricerca e sviluppo, favorendo gli scambi tra i ricercatori che ospita e aumentando la visibilità dei progetti di ricerca tra gli specialisti e il grande pubblico. L'Istituto assicura inoltre la valutazione dei progetti di ricerca nel campo della musica e delle arti dello spettacolo.

Secondo lei, qual è il più grande successo della ricerca all'HEM?

Penso che abbiamo fatto molta strada con risorse limitate, come dimostra anche la nostra storia. Oggi produciamo un lavoro professionale di alta qualità. Molte persone hanno contribuito individualmente al successo di ogni progetto.

Qual è l'importanza della ricerca alla HEM per voi?

Credo che l'introduzione della ricerca, qualche anno fa, sia stata una piccola rivoluzione nel mondo delle scuole d'arte. Sebbene all'inizio sia stata percepita come un'eccezione alle consuete attività artistiche, oggi si riconosce che porta molto alle scuole in tutti i campi.

Ci sono differenze tra la musicologia classica e la ricerca in un'alta scuola di musica?

Fin dall'inizio abbiamo cercato di fare ricerca musicale a complemento di ciò che la musicologia fa da tempo. Stiamo anche lavorando a progetti molto specifici, incentrati essenzialmente su questioni pratiche. Tuttavia, la collaborazione con la musicologia è essenziale per noi. La ricerca condotta nell'istruzione superiore è diversa anche perché non si limita a pubblicazioni scritte. CD, DVD e trasmissioni radiofoniche rendono giustizia a progetti che danno priorità alla pratica.

Qual è il potenziale per voi di una stretta relazione tra ricerca e pratica?

Siamo un istituto professionale che partecipa a diversi progetti e ognuno lavora nell'ambito della propria specialità. Alcuni dei nostri assistenti hanno studiato all'HEM e sono quindi integrati in un ambiente professionale.

Si rende conto che c'è ancora del lavoro da fare nel campo della ricerca dell'HEM?

Certamente! Per quanto riguarda l'HEM, posso dire che molti insegnanti e studenti hanno partecipato alla ricerca negli ultimi 15 anni, ma molti non l'hanno (ancora) fatto.

Moltiplicate le cooperazioni...

Sì, assolutamente, e in tutti i continenti. Abbiamo forti legami con il Giappone e la Cina, senza dimenticare i progetti con artisti, alcuni dei quali sono personalità di prim'ordine, e con scuole in India, Canada e America Latina. E, naturalmente, in tutta la Svizzera.

Attualmente stiamo conducendo un'importante indagine tra i nostri ex studenti per determinare l'impatto della loro formazione sul loro ambiente professionale. Questo lavoro mi sembra un buon esempio di ciò che la ricerca può portare a una scuola superiore: una migliore conoscenza dell'ambiente professionale con strumenti diversi da quelli utilizzati dagli artisti nel loro lavoro quotidiano.

Da ieri sera è disponibile la piattaforma informativa tanto attesa da molti operatori della scena musicale. swissmusic.ch online. È gestito e finanziato dal Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia e il Fondazione Suisa. Secondo il comunicato stampa ufficiale, il swissmusic.ch "offrire una piattaforma aggiuntiva e comune alle numerose istituzioni che si occupano della vita musicale di questo Paese. Il portale si propone come una vetrina per la musica svizzera, rivolta ai rappresentanti del settore e ad altre parti interessate di tutto il mondo". Il sito interattivo fornisce informazioni in quattro lingue (tedesco, francese, italiano e inglese) sulla scena musicale svizzera, sulle organizzazioni specializzate e sugli artisti in quattro sezioni chiaramente strutturate.

• Leggi: Rapporti sulla scena musicale locale
• Ascoltate: Playlist con produzioni svizzere selezionate
• Ricerca: Accesso a varie banche dati
• Elenco: Indirizzi

Il portale si propone di "unire le forze, utilizzare le sinergie ed essere sempre vivo". Per questo motivo viene costantemente aggiornato e ampliato.
 

La ZHdK conferisce i titoli onorifici di "Compagno onorario" per i molti anni di servizio e di "Compagno" per i risultati straordinari raggiunti in giovane età a personalità "che hanno reso servizi eccezionali agli interessi dell'università o hanno già raggiunto risultati straordinari in giovane età".

Il primo "Companion" sarà conferito dalla ZHdK nell'ambito della Giornata universitaria, che si terrà all'insegna del motto "Leadership nelle arti". Il premio è destinato alla direttrice d'orchestra Mirga Gražinytė-Tyla, che è stata nominata direttrice principale della City of Birmingham Symphony Orchestra lo scorso anno, quando non aveva ancora trent'anni. Ha completato i suoi studi di direzione d'orchestra alla ZHdK nel 2015 sotto la guida del direttore e docente Johannes Schlaefli.

Ogni anno saranno assegnati al massimo un "Compagno" e un "Compagno onorario". Secondo il rettore Thomas D. Meier, la ZHdK intende assegnare il primo Compagno onorario nel 2018.
 

Secondo lo studio rappresentativo "Genitori/bambini/educazione culturale. Horizon 2017", condotto dall'Istituto Allensbach per la ricerca sull'opinione pubblica (IfD) per conto del Consiglio tedesco per l'educazione culturale, oltre il novanta per cento dei genitori afferma che l'educazione culturale promuove lo sviluppo dei figli. Le attività culturali comuni sono considerate un elemento centrale per la coesione familiare.

Tuttavia, i genitori con un livello di istruzione intermedio o inferiore sono significativamente meno fiduciosi degli accademici nella loro capacità di sostenere i figli, ad esempio dal punto di vista musicale o artistico. Solo un quarto di loro è pienamente convinto di poter aiutare sufficientemente i propri figli in queste aree.

Tuttavia, ciò non significa che questi genitori siano più interessati a far partecipare i propri figli a programmi culturali guidati al di fuori dell'asilo e della scuola; al contrario, le madri e i padri con un titolo di studio inferiore sono meno interessati della media. Di conseguenza, anche i loro figli in Germania hanno meno probabilità di aver partecipato a tali programmi negli ultimi dodici mesi: Solo il 37% di loro lo conferma, rispetto al 59% dei padri e delle madri laureati.

Scarica lo studio:
http://www.rat-kulturelle-bildung.de/fileadmin/user_upload/pdf/RFKB_Eltern_Kinder_Kulturelle_Bildung_Web_FINAL.pdf

Peter Sigrist proviene da una famiglia di musicisti. Suo padre era insegnante e organista e anche il padre di sua madre esercitava questa professione. Peter è cresciuto con quattro fratelli nel quartiere Maihof di Lucerna. Suo padre era responsabile di suonare l'organo della chiesa e dirigeva il coro della chiesa, un coro maschile, come era consuetudine all'epoca. Un giorno chiamò il figlio nello studio e si esercitò con lui nella parte del soprano solista. Alla fine, il bambino di nove anni assunse questa parte nel coro. Questo si ripeté fino all'età di dodici anni, quando il ragazzo decise di smettere di cantare in pubblico. Temeva che la sua voce non avrebbe più retto.

Dopo la scuola dell'obbligo, Peter ha frequentato un seminario di formazione per insegnanti e ha preso lezioni di organo presso la scuola di musica della chiesa con Josef Bucher. All'età di vent'anni ha insegnato presso l'istituto comprensivo di Ebnet, poi come insegnante e organista a Ettiswil, un villaggio con una splendida chiesa barocca, e successivamente anche a Dagmersellen. Oltre all'insegnamento, si iscrisse all'allora Scuola di Musica della Chiesa e continuò la sua formazione come organista, direttore d'orchestra e cantante. "L'ho fatto solo per amore della musica e perché volevo migliorarmi. Non avevo idea di come sarebbe stata la mia carriera".
 

Oltre a insegnare e studiare musica, Peter Sigrist si esibisce come tenore lirico ovunque gli venga richiesto. All'età di 22 anni, canta le arie dell'opera di J. S. Bach Passione di San Giovanni dopo un breve periodo di preparazione. "Non deve succedere mai più", dice a se stesso. Si ripromette di esibirsi in futuro ai concerti solo se ben preparato. In questo periodo si esercita anche con l'organo per quattro ore al giorno.

All'età di 27 anni consegue il diploma di organo con il massimo dei voti. Attualmente insegna musica e organo presso l'Istituto Magistrale di Lucerna. Ha anche preso lezioni di canto e di metodologia vocale presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. Riceve sempre più ingaggi come cantante in tutte le principali città della Svizzera e anche all'estero. Canta spesso con la sua seconda moglie, il soprano Rosmarie Hofmann, e fonda il quartetto vocale Musica Sacra.

Nel 1972 ha fondato il coro dell'Istituto magistrale cantonale di Lucerna: Quando la sua prima classe si è diplomata, hanno voluto continuare a cantare nel coro. Da quel momento in poi, le prove si svolsero al di fuori dell'orario scolastico, ogni martedì a partire dalle ore 18:00. È così anche oggi. Solo il nome è stato cambiato: All'inizio i cantori erano una cinquantina, ma poi il coro divenne più conosciuto e si esibì in grandi opere come Le Laudi di Hermann Suter, Gloria e Stabat Mater di Francis Poulenc, San Paolo e Elias di Felix Mendelssohn-Bartholdy. Sempre più persone hanno mostrato interesse e hanno voluto unirsi al coro. Oggi il coro conta 110 membri. Dal 1982 al 2014, Peter Sigrist ha diretto anche il Coro dei Giovani Concertisti di Zurigo ed è stato spesso direttore ospite in Germania.
 

Peter Sigrist è andato in pensione all'età di sessant'anni e ora lavora come cantante e direttore d'orchestra freelance. Come direttore di coro, gli piace continuare a lavorare, che si tratti di intonazione, linguaggio o dinamica. È in grado di ispirare. "Faccio tutto il possibile per motivare i cantanti. Ma se un concerto deve essere un successo, significa lavorare sodo: esercitarsi, ripetere e provare ancora e ancora". È il progresso che lo affascina. "I dilettanti cantano con cautela all'inizio, ma quando sono sicuri di sé, la loro anima si apre improvvisamente. È incredibilmente bello".

Peter Sigrist dirigerà la Sinfonia n. 2 (Lobgesang) di Felix Mendelssohn-Bartholdy con il Lucerne Concert Choir il 12 novembre 2017 al KKL. Era suo desiderio eseguire quest'opera con l'orchestra barocca Capriccio. Non gli è difficile dire addio al coro da concerto, dice il direttore con convinzione. Si è preparato per due anni. Poi aggiunge con cautela: "Vedremo come sarà dopo l'ultimo concerto". A quel punto la sua attività musicale si limiterà a suonare il pianoforte. "Voglio godermi la mia nuova libertà. Mi sono sempre impegnato per tutta la vita. Ora voglio essere libero".
 

La carta della cultura è stata presentata in una conferenza stampa nella Klavierwerkstatt Liestal. L'assessore Monica Gschwind, responsabile del Dipartimento Educazione, Cultura e Sport, ha spiegato che la scena culturale di Basilea Campagna è composta da alcune istituzioni ben note al grande pubblico, ma anche da un mare di innumerevoli attori culturali più piccoli e meno conosciuti.

È proprio questa versatilità che può essere sperimentata nel nuovo portale online, che ad oggi conta 560 voci. Il progetto è stato reso possibile grazie alla collaborazione tra kulturelles.bl e Baselland Tourismus.

Per saperne di più: www.kulturkarte-bl.ch