Dal 2014, la pianista Simone Keller guida il collettivo di artisti "ox&öl" insieme al regista e compositore Philip Bartels. Insieme realizzano progetti di teatro musicale e sviluppano nuove forme di comunicazione per bambini e adulti. Il fulcro del loro lavoro è la collaborazione con bambini con un background migratorio, come il progetto "Piccolo Concerto Grosso" o il corso di composizione in una classe di integrazione.

"ox&öl" è stato premiato dal Cantone. Gli altri due progetti premiati sono il laboratorio teatrale itinerante Fahr.werk.ö! e il teatro interculturale Maxim. L'obiettivo del finanziamento è quello di dare accesso alla cultura al maggior numero possibile di persone, indipendentemente dal loro background nazionale o sociale.

Per saperne di più:
https://www.zh.ch/internet/de/aktuell/news/medienmitteilungen/2017/medienmitteilung-anerkennungsbeitraege-kulturelle-teilhabe.html

Il 5° Concorso Internazionale Franz Liszt per giovani pianisti, con premi per un totale di 15.000 euro, si è svolto presso l'Università di Musica Franz Liszt di Weimar. Un totale di 58 musicisti provenienti da 23 Paesi diversi, dall'Australia alla Lituania, si sono recati a Weimar per le tre prove di valutazione.

Il 1° premio nella categoria più giovane I (fino a 13 anni) è stato vinto da Ariya Laothitipong, 13 anni, dalla Thailandia. Non è stato assegnato alcun secondo premio, ma ci sono stati tre terzi premi: Ryan Martin Bradshaw (Slovacchia), 10 anni, Kacper Kuklinski (Polonia), 13 anni, che ha vinto anche il Premio della Giuria Junior, e Ben Lepetit (Germania), 11 anni. Ben Lepetit ha vinto anche un premio speciale per la migliore interpretazione di un'opera barocca.

Nella categoria II (14-17 anni), il diciassettenne svizzero Simon Bürki ha vinto il primo premio. Bürki ha vinto anche il Premio speciale Theodor Hlouschek della Nuova Fondazione Liszt per la migliore improvvisazione, il Premio speciale EMCY, il Premio della giuria junior e un premio speciale per la migliore interpretazione di un'opera barocca.

Bürki, originario di Gossau, studia a Kiev e ha già vinto, tra gli altri, il Concorso svizzero di musica per la gioventù di Zurigo e il Concorso Horowitz per giovani pianisti di Kiev.

Il secondo premio è stato vinto dal quattordicenne georgiano Barbare Tataradze, mentre il terzo premio è andato al diciassettenne sudcoreano Jeonghwan Kim, che vive in Germania. Kim ha vinto anche due premi speciali per la migliore interpretazione di una sonata classica e di un'opera di Béla Bartók.

Molte scuole cantonali in Svizzera intraprendono progetti musicali ambiziosi con i loro allievi dai 12 ai 18 anni. Molti risultati stimolanti possono essere apprezzati in concerto. Spesso vengono coinvolti cori e opere popolari come Carmina Burana o il Requiem di Mozart, cantato da giovani pieni di entusiasmo, accompagnati dall'orchestra della scuola.

Ma ci sono anche altre cose, come il progetto dell'Orchestra da Camera di Basilea nella Elisabethenkirche di Basilea, che ha coinvolto cori di Muttenz. La messa in scena è stata dedicata al complesso oratorio di Honegger La Danse des Mortsaccoppiato con la musica di Purcell Musica funebre per la Regina Maria. Con Purcell, il direttore del coro Christoph Huldi ha voluto offrire ai giovani anche musica corale più semplice per "tenerli interessati". (Nota dell'editore: si veda il rapporto nel numero 7/8 online.)

Non così il musicista e direttore d'orchestra Cristoforo Spagnuolo, che pretende tutto dai suoi allievi della Scuola Cantonale di Wettingen. Quest'anno è stato scelto il Vespro della Vergine di Monteverdi, eseguito in occasione del 450° anniversario della nascita del compositore. Oltre all'anniversario, Spagnuolo ha giustificato la sua scelta dicendo che avrebbe portato quest'opera con sé sulla famosa "isola deserta", in quanto copre uno spettro enormemente ampio di esigenze musicali, sia dal punto di vista sensoriale che spirituale. Metterla in programma rimane un'idea piuttosto audace, perché in questo monumento della letteratura corale antica, quest'opera ritmicamente e intonativamente difficile, non solo il "suonare insieme" è delicato, ma anche la prassi esecutiva storica è estremamente importante e nuova per molti. Tuttavia, Cristoforo Spagnuolo è noto per il fatto che nessuna opera gli sembra troppo difficile da "conquistare". Nonostante le esigenze molto elevate degli interpreti, affiancati dall'orchestra professionale Le Fiamme e da solisti professionisti, i concerti di questo maggio sono stati più che degni di essere ascoltati.

Nella maggior parte dei casi, il pubblico sperimenta solo il risultato di mesi di prove, impegnative tanto per i giovani quanto per il personale docente incaricato. In questo caso, però, il regista e cineasta Arthur Spirk, specializzato in film documentari, ha accompagnato lo sviluppo del "Wettinger Marienvesper" e ha posto la seguente domanda al progetto: "Cosa è più sostenibile: un'esecuzione di prim'ordine del Marienvesper di Monteverdi al Festival di Lucerna... o l'esecuzione di questo capolavoro da parte di un coro scolastico cantonale, insieme a solisti professionisti e specialisti strumentali?".

Alla luce dell'ambizioso lavoro, è stato ancora più emozionante vedere ciò che Arthur Spirk ha messo insieme nel suo documentario di 70 minuti sullo sviluppo. Cosa interessa al regista guardare dietro le quinte e quali sono le sue priorità? È particolarmente interessante scoprire se è possibile appassionare la generazione degli smartphone con gli auricolari - secondo il luogo comune - a una musica che ha più di 400 anni e che non conosce affatto.

È proprio qui che il film offre spunti sorprendenti. I tredici capitoli presentano ripetutamente sequenze di prove che, tra l'altro, non solo suonano meravigliosamente "pure", ma a volte risultano anche molto incrociate e sbagliate. Il film è inframmezzato da una serie di ritratti degli allievi coinvolti, che offrono spunti di riflessione impressionanti.

Ad esempio, c'è un giovane cresciuto in Papua Nuova Guinea che nel tempo libero canta con fervore canzoni accompagnate da un liuto. Oppure la giovane donna i cui genitori e fratelli suonano uno strumento e per la quale la musica fa semplicemente parte della vita quotidiana. Ancora più sorprendente è il giovane musicista jazz alla batteria, che ha scoperto il canto con Monteverdi e vorrebbe studiare canto dopo gli esami di maturità. È un'élite musicale Kanti quella che ha ispirato Spagnuolo per il Marienvesper. L'opera è troppo difficile per tutti, come lui stesso ammette.

Spirk ha creato un film-documentario vario e perspicace che cattura momenti potenti di prove e sensibilità. È sorprendente, ad esempio, che il coinvolgimento dei professionisti non solo sia stato apprezzato. Tuttavia, la sequenza centrale, la settimana del coro presso l'Aarbergerhaus Ligerz, dove erano previste prove che duravano fino a dieci ore, risulta troppo banale. "Prima di Ligerz, il mio livello di disperazione era molto alto", commenta Spagnuolo a posteriori sul suo stato d'animo di allora. Spirk non documentò dal vivo l'imminente fallimento.

Questo vale anche per i giovani, che in realtà sorridono sempre alla telecamera e sono abbastanza soddisfatti, anche quando parlano di prove ed errori. È un peccato che i momenti di disperazione che (devono) verificarsi in questi "progetti kamikaze" e il lavoro massacrante non siano sufficientemente presenti. Tuttavia, quando alla fine del film si possono vedere e ascoltare alcune sequenze dell'esibizione nella pittoresca chiesa del monastero di Wettingen, con i volti sorridenti dei cantanti, è un momento toccante.

Philippe Bischof, ex capo del Dipartimento della cultura presso il Dipartimento presidenziale del Cantone di Basilea Città, assume oggi la carica di direttore della Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia. Il Consiglio di fondazione lo ha eletto nuovo direttore il 3 aprile 2017. Sabina Schwarzenbach, che ha gestito la fondazione ad interim dal 1° novembre 2016, tornerà come previsto al suo precedente ruolo di responsabile della comunicazione.

Dall'entrata in vigore della Legge sulla promozione culturale e del primo Messaggio culturale 2012, il campo di attività della Fondazione culturale è cambiato in parte. Ha assunto nuovi compiti dall'Ufficio federale della cultura, tra cui la promozione dei giovani talenti, l'educazione artistica, le biennali d'arte e la partecipazione della Svizzera alle fiere internazionali del libro. In cambio, ha ritirato il suo sostegno alla promozione del cinema e dell'editoria svizzera, che sono stati trasferiti all'UFC.

Per il periodo 2016-2020, gli obiettivi di Pro Helvetia includono il rafforzamento della creazione artistica svizzera, la coesione in patria e la presenza internazionale della cultura svizzera all'estero. Un sostegno coordinato al design e ai media digitali interattivi sarà fornito anche sotto la voce "Cultura e affari".

Gli anni di lavoro nel campo del jazz/rock/pop vanno a Vincent Glanzmann, Bettina Klöti e Fabian Sigmund, mentre nel campo della musica seria a Cathy van Eck (anno di lavoro composizione) e al duo Buck / Wolfarth (anno di lavoro interpretazione). Il sindaco Corine Mauch consegnerà i premi giovedì 30 novembre 2017, in occasione di una cerimonia per gli ospiti invitati a Kaufleuten.

Un totale di venti artisti e due collettivi nelle sei categorie di finanziamento saranno premiati con anni di lavoro, borse di studio e riconoscimenti per un totale di 633.000 franchi svizzeri. In questo contesto sarà consegnato anche il premio per particolari meriti culturali. Esso andrà al mediatore letterario Stefan Zweifel.
.-
 

Il jazz è una scena maschile in Svizzera, ancor più della musica pop e rock. Ciò è evidente non solo sui palcoscenici più importanti, ma anche nelle università. Per contrastare questa situazione, l'associazione Collettivo internazionale di musiciste donne si è posta questo obiettivo. I sei membri fondatori sono giovani musiciste professioniste svizzere che vogliono diventare modelli per le generazioni future. "Anche le donne più giovani dovrebbero vedere che Ah, posso farlo anch'io", è importante per loro, sottolinea la sassofonista e membro fondatore Fabienne Hoerni. Vogliono sentirsi meno esotiche, "ma semplicemente esserci".

Oltre all'empowerment come tema centrale, le musiciste jazz si preoccupano soprattutto di fare rete attraverso concerti comuni: "Le donne esistono già, forse non soprattutto in Svizzera". Musiciste provenienti da Danimarca, Germania, Francia e Norvegia si sono unite a loro per il primo tour, che prevede un totale di dieci concerti nella Svizzera tedesca il prossimo ottobre.

Suonare per la prima volta in un gruppo tutto al femminile è stata un'esperienza speciale. "Non perché le dinamiche o i processi di prova siano diversi. Ma gli argomenti di discussione sono decisamente diversi". Le musiciste provenienti dai Paesi scandinavi, in particolare, portano con sé un diverso bagaglio di esperienze, anche perché il loro ambiente è meno dominato dagli uomini. Un altro vantaggio del focus internazionale è stata la maggiore selezione di musiciste. Questo ha permesso di trovare le combinazioni sonore ideali per le composizioni di Sarah Chaksad, create appositamente per il tour.
 

L'effetto "aha" si verifica davvero quando il 17 ottobre le 16 musiciste riempiono fino all'ultimo millimetro il palco della cantina a volta dell'ospedale di Soletta: Le donne creano un quadro insolito: da giovanissime a grigie, da funky a conservatrici. E propongono una musica da big band che fa alzare la testa e fa notare il tutto: Con la tonalità specifica dei suoi pezzi, caratterizzati da vocalizzi e gonfiori di vibrafono, Sarah Chaksad crea un mondo onirico atmosfericamente oscillante, simile a una canzone, in cui le cose possono anche diventare difficili. Ritmi complessi e rincorsi nei temi, che a volte sono costituiti da pochi intervalli, cambi di tempo difficili e dedizione negli assoli mescolano la contemporaneità con echi di Bernstein, Maria Schneider e smooth jazz. L'idealismo che sta alla base del progetto si percepisce ovunque: nel modo in cui i musicisti interagiscono tra loro e nella gioia di fare musica insieme. Il tutto viene trasmesso a un pubblico entusiasta e che applaude a lungo. Purtroppo, tra loro c'erano poche giovani donne.

Sono appesi in fila e ticchettano silenziosamente. Non ci sono cavi che salgono dai diffusori, ma solo fili di nylon. A intervalli irregolari, il filo scorre su un rullo rotante, trasmettendo l'impulso di movimento alla membrana. In assolo non farebbe impressione. Ma in un insieme di circa 80 altoparlanti su quattro telai neri, il risultato è una polifonia distintiva che ricorda vagamente il lavoro di György Ligeti. Poème Symphonique per 100 metronomi. La compositrice greca Marianthi Papalexandri-Alexandri e l'artista svizzero Pe Lang hanno realizzato qualcosa di speciale. Il concetto è ben studiato, non ci sono cavi gettati a caso a rovinare la vista, l'idea è chiara e il risultato sonoro è stimolante.

Il primo piano del Museo di Donaueschingen assomiglia a un'oasi. Tutt'intorno regna il disorientamento. I compositori si perdono nel rumore dei media e molti visitatori non riescono a trovare i luoghi dei concerti a causa di informazioni errate. Anche i rifugiati dal sud si inseriscono in questo quadro desertico. Il concerto dell'ensemble berlinese Kaleidoskop inizia con un camion che entra nella sala. Si ferma e dall'interno ancora chiuso si può ascoltare una delle prime opere della cosiddetta musique concrète instrumentale, ovvero Michael von Biel Quartetto per archi n. 2 Dopo il breve brano, i musicisti escono dalla stiva con abiti trasandati: ovviamente sono rifugiati. Si suppone che stiano passeggiando, anch'essi disorientati. Poi continuano a suonare. Dapprima, uno studio sonoro ridotto e troppo esteso della compositrice Chiyoko Szlavnics suona su archi prevalentemente vuoti. Segue un brano estremamente scarno Mappe di città inesistenti: Donaueschingen del compositore Kourliandski, durante il quale i musicisti - beh - prendono possesso delle file del pubblico. Björn Gottstein, direttore del festival dal 2015, non vede alcun motivo per intervenire nei concerti, purché nessuno si offenda. Ma con tutto il rispetto: non si stanno forse offendendo quei rifugiati che non sono riusciti a scendere dal camion e di certo non hanno preso in mano uno strumento?

La firma di Björn Gottstein è ormai riconoscibile: Il Musiktage continua a concentrarsi sulla rottura dei formati tradizionali dei concerti, con una maggiore attenzione all'estero, un maggior numero di compositori donne e un maggior numero di discorsi e di sforzi concettuali. Martin Schüttler, professore di composizione a Stoccarda, fa quasi completamente a meno della musica. Due presentatori leggono storie private da un foglio di carta. A quanto pare, parlano della loro socializzazione musicale, della pressione per il successo che deriva dalle lezioni di pianoforte e probabilmente anche di altri effetti collaterali dannosi della musica seria. Non sorprende che i video seguano i dialoghi dei presentatori. Appare una chitarra elettrica, su un altro schermo una N ripetuta. Si tratta di riferimenti alla Nuova Musica con la N maiuscola o di un sofisticato riferimento a "das Nichts nichtet" di Heidegger?

La prevalenza civettuola del secondario è preoccupante. Nel concerto di apertura, l'australiano Thomas Meadowcroft mima il compositore di musica da film. Piena di pathos, piena di spavalderia, l'Orchestra Sinfonica della SWR deve suonare più di 20 minuti di suoni che potrebbero provenire dal fornitore hollywoodiano John Williams. Quello che lui, Meadowcroft, ha ottenuto con la sua prima esecuzione Le notizie in musica (Tabloid Lament) vuole dire? Ovviamente, i media sono nel loro mirino, dove la prossima hit di Madonna o la Piccola musica notturna segue. Per quanto sia comprensibile la critica a questa indicibile pratica radiotelevisiva, è discutibile il luogo in cui viene espressa. Non sarebbe stato meglio fare un radiodramma dell'argomento piuttosto che affidarlo a un grande corpo sonoro differenziato? Dopo cinque minuti al massimo, ogni ascoltatore ha capito il punto. Quello che segue nei 15 minuti successivi è un fastidio poco divertente.

Chi è venuto a Donaueschingen per la musica e il fascino di 20 prime mondiali è rimasto a bocca asciutta. Tuttavia, il compositore norvegese Eivind Buene e Márton Illés, a cui è stato giustamente assegnato il premio per l'orchestra, non si sono impantanati nel poco musicale. Illés enfatizza l'autonomia in modo piacevole, concentrandosi in Ez-tér (camera Es) su linee musicali. In quattro movimenti autonomi, emerge una rete di voci strumentali che si intrecciano, oscillano e brillano meravigliosamente. Illés ha un senso intuitivo per l'organicità, la forma e il suono. Sa esattamente quando le cesure hanno senso, quando è necessario qualcosa di nuovo, quando è richiesta una variazione. Eivind Buene, d'altra parte, nel suo Lezioni di buio prende una direzione diversa. Qui non è così densamente compresso, ma deliberatamente fragile. Il modo in cui si perde l'equilibrio, in cui gli ensemble sono deliberatamente sbilanciati, in cui un Fender Rhodes e un sintetizzatore Moog altrettanto storico contribuiscono a una strana microtonalità è affascinante e morboso - ma rimane comunque un buon ricordo.

In aggiunta all'attuale team di docenti, Isabelle Schnöller supervisionerà gli studenti a Lucerna a partire dal semestre autunnale 2018/19, principalmente negli studi preliminari, nei programmi di laurea triennale e nel programma di laurea magistrale in Educazione musicale nel profilo Musica classica.

Isabelle Schnöller è flautista solista di lunga data dell'Orchestra da Camera di Basilea e membro della Camerata Variabile di Basilea, del Quintetto di fiati Arion e dell'Ensemble Amaltea. Ha completato la sua formazione presso l'Università di Musica di Basilea, il Banff Centre for Fine Arts in Canada e l'Università di Musica di Friburgo i. Br. dove ha conseguito il diploma di solista.

Ha vinto premi alle Jeunesse Musicales e al concorso UBS per la promozione dei giovani musicisti. Il suo lavoro come solista e musicista da camera è documentato da numerose registrazioni. Diversi compositori hanno dedicato opere a Isabelle Schnöller. Nell'attuale stagione 2017/18, debutterà il nuovo concerto per flauto di Hans-Martin Linde.

Domani, la Presidente della Commissione tedesca dell'Unesco, Verena Metze-Mangold, consegnerà al Direttore Generale della Biblioteca di Stato di Berlino - Patrimonio Culturale Prussiano, Barbara Schneider-Kempf, il certificato che designa la Missa di Bach come Memoria del Mondo / Patrimonio Documentario Mondiale.

L'autografo fa parte della più grande collezione bachiana; circa l'80% di tutte le composizioni di Bach sopravvissute si trova nella Staatsbibliothek zu Berlin. La presentazione del certificato sarà ora abbinata a un'esecuzione dell'opera. Ton Koopman dirigerà il coro da camera del RIAS e i Berliner Philharmoniker il 26, 27 e 28 ottobre.

Un facsimile della messa è stato pubblicato da Bärenreiter. Il facsimile in quadricromia ad alta risoluzione documenta e assicura lo stato attuale dell'autografo completo. È integrato da vecchie fotografie di singole pagine, che mostrano il contenuto di pagine ormai difficilmente leggibili.
 

Baze è uno degli acrobati dialettali più importanti e influenti a livello nazionale. Dalla fine degli anni '90 ha pubblicato diversi album da solista. Ha pubblicato anche numerosi album con l'alleanza hip-hop Chlyklass, la cover band Tequila Boys, la formazione electro rap Boys on Pills e il progetto rap Temple of Speed.

Sam Geiser, in arte Deetron, è molto richiesto a livello internazionale, sia sui giradischi che in studio: un peso massimo nel suo dominio di suoni house e techno di alta qualità. Il catalogo di Deetron comprende attualmente 60 maxi, due album e innumerevoli remix.

Meret Lüthi ha studiato all'Università delle Arti di Berna e ha vinto il Concorso universitario tedesco per la musica antica nel 2007. Come concertmaster, dirige l'orchestra di musica antica Les Passions de l'Âme, di cui è cofondatrice. Lontano dal palcoscenico, ha anche un'ampia esperienza come coach musicale ed esperta di media.

Ernesto Molinari è stato clarinettista solista del Klangforum Wien e attualmente è solista del più importante ensemble svizzero di musica contemporanea: il Collegium Novum di Zurigo. La sua fitta agenda di concerti come solista e musicista da camera lo ha portato nei maggiori festival europei.

Rea Dubach, cantante, compositrice e interprete jazz, sarà premiata con il premio "Coup de cœur 2017" per giovani talenti dell'importo di 3.000 franchi. La cerimonia pubblica di premiazione si terrà martedì 14 novembre 2017, alle 19.30, nell'Aula Magna della Reitschule di Berna.

Il progetto Lamento fa parte degli eventi che segnano il 150° anniversario del Accademia musicale di Basileache ha potuto così mostrare la diversità del suo programma educativo con cantanti e due grandi ensemble dell'Università della Musica e della Schola Cantorum Basiliensis. D'altra parte, si inserisce nel concetto di Basilea Gare du Nordperché in molte delle sue sfaccettate serie di eventi si esplorano riferimenti tra tempi, voci e teatro musicale. Lamento è stato creato come coproduzione tra le due istituzioni. A Salvatore Sciarrino è stato incaricato di scrivere un epilogo per le rappresentazioni: Distendi il fronteche è stato eseguito per la prima volta.

Lamento. "Gli eroi diventano carnefici", scrive il prospetto dello spettacolo. "Sopraffatti dall'impresa che hanno scelto da soli, superano i loro limiti personali. Punto di non ritorno" e finire con il dolore per la perdita. La serata racconta questa spirale di comportamenti. Rappresenta un comportamento umano disastroso attraverso scene tratte dall'opera di Monteverdi Orfeo e dal libro di Salvatore Sciarrino Luci mie traditrici (I miei occhi traditori).

La storia inizia con i cantanti che si riuniscono per un seminario di canto. Al suono degli ensemble ad astra (Schola Cantorum Basiliensis) e Diagonal (Università di Musica di Basilea), si salutano e si conoscono. Musica (Monteverdi) inizia poi a distribuire i ruoli. Solo ruoli? O di più? Dopo ben due ore, i personaggi si allontanano al suono dell'opera di Monteverdi. Lamento Ora sono nuovamente separati dai terribili eventi che si sono materializzati e che li hanno portati al di là dell'adempimento dei ruoli in una dimensione esistenziale. "Vivono il seminario come qualcosa tra la vita e la morte, a cui non possono sottrarsi emotivamente...". (libretto del programma). L'epilogo composto ex novo da Sciarrino Distendi il fronte (Rilassando la fronte) liscia le onde, con dolcezza e saggezza: "Siamo entrati nella zona dove... ragione e follia si mescolano... Non possiamo tornare a casa coperti di sangue...". (Sciarrino).
 

Sei stazioni esemplificano la tragedia dell'uomo che è stato costretto alla sua personale Punto di non ritorno arriva. Orfeo, mentre si reca a riportare la sua Euridice dagli inferi, non riesce a rispettare la condizione di non voltarsi indietro. Si gira dietro di lei e la perde per sempre. I mezzi di rappresentazione, gli occhiali da cieco e il bastone da cieco, dati al cantante da uno degli "allenatori" del seminario di canto, assolvono magnificamente alla funzione di rendere vivido ciò che è difficile da immaginare. La storia del conte Malaspina, che si smarrisce quando non vede altra via d'uscita che uccidere la moglie per la sua infedeltà, è raccontata in parallelo alla storia di Orfeo. Entrambi gli "eroi", Orfeo e Malaspina, sperimentano le conseguenze delle loro azioni come una punizione a cui sono ora esposti per il resto della loro vita. "Bagnami di sangue. Addio, addio, vivrò nel tormento per sempre". (Malaspina)

I palcoscenici delle due vite e dei due calvari sono ben scelti dal punto di vista drammaturgico. Anche se non è possibile decifrare immediatamente tutte le immagini, la regia è convincente e orientata in modo impressionante verso un linguaggio teatrale contemporaneo. I cantanti interpretano le loro parti con padronanza e sicurezza, con voci espressive senza eccezioni. L'emozione del ruolo e i loro stessi sentimenti fanno ugualmente parte della loro performance. Gli ensemble sono posizionati ai lati del palcoscenico, disposti simmetricamente e quasi ugualmente forti: ad astra con un lussureggiante gruppo di continuo per Monteverdi, Diagonal con strumenti colorati per Sciarrino. Entrambi ottengono un'esecuzione precisa e colorata.
 

I testi contenuti nel libretto del programma sono una buona introduzione all'argomento. Tuttavia, è difficile dire se e in che misura l'ascoltatore medio riconoscerà paralleli e somiglianze di natura estetica tra stili musicali così diversi. In ogni caso, la realizzazione è affascinante. Si parte da un'equilibrata giustapposizione delle opere per creare sempre più spesso e in modo convincente delle commistioni, ad esempio quando entrambi gli ensemble cantano insieme a un coro di Monteverdi (una bella idea scenica!) o quando i violini dell'ensemble Schola sostengono l'esecuzione dell'ensemble Sciarrino. Si realizzano persino sovrapposizioni delle due musiche. È impressionante sperimentare (e questo conferma pienamente l'idea concettuale) come entrambi i compositori utilizzino il canto come "maniera" in un arco temporale di 400 anni. L'effetto del canto di Monteverdi (ornamenti, affetti), ancora oggi immediatamente accattivante, ma comunque artificioso, trova un parallelo nel modo di Sciarrino di usare la voce, a volte cantabile, a volte stentorea, come espressione consapevole della "voce" più che della musica "pura". Anche dal punto di vista lirico, questo apre la porta a molti parallelismi.

Infine, vorrei congratularmi con tutti i membri del grande team. Sono tutti caratterizzati da apertura, abilità e aplomb. Le importanti risorse della Gare du Nord e dell'Università della Musica di Basilea sono diventate un'esperienza. Il pubblico delle cinque rappresentazioni (dal 19 al 24 ottobre 2017), che hanno registrato il tutto esaurito, è rimasto entusiasta.
 

Piendl ha lavorato come responsabile delle vendite per Sony Music e direttore marketing per EMI Classics prima di passare a Bertelsmann Music Group (BMG) nel 1998 come amministratore delegato di Germania/Austria/Svizzera, dove è stato responsabile dell'intera attività internazionale di musica classica dell'azienda in qualità di Senior Vice President & COO BMG Classics, Worldwide fino al 2006.

Nel 2007 ha fondato Arion Arts music consultants GmbH. Nel 2011 e 2012 ha partecipato in modo significativo all'organizzazione dei 7° World Choir Games di Cincinnati (Ohio), la più grande competizione corale del mondo, in qualità di segretario generale di Interkultur. Nell'autunno del 2015, Stefan Piendl è diventato responsabile della comunicazione di SWR Classic ed è stato responsabile della creazione del nuovo marchio SWR Classic e del marketing per le orchestre, gli ensemble e i festival dell'emittente. Piendl ha pubblicato diversi libri di musica.

I progetti della DMR promuovono i giovani talenti musicali e danno impulso alla vita musicale in tutta la Germania. Sostengono i musicisti professionisti e i dilettanti, i giovani musicisti di talento, la musica contemporanea e offrono una piattaforma per la messa in rete di informazioni e documentazione. Il budget annuale dell'organizzazione dei progetti della DMR è di circa sette milioni di euro.

Musikpunkt Holding AG è nata nel 2010 dalla fusione di Musikhaus Gasser AG (dal 1953) e Lohri AG (dal 1972). Nel 2012, la divisione percussioni è stata integrata nella holding con Musikhaus Muff AG (dal 1993) e le tre società operative si sono fuse per formare Musikpunkt AG. Il fornitore di strumenti a fiato e percussioni, che conta circa 30 dipendenti, è rappresentato nella Svizzera centrale nelle due sedi di Lucerna e Hochdorf. Musik Hug impiega circa 152 persone, tra cui 19 apprendisti.

La gestione operativa delle società fuse sarà affidata al comproprietario e amministratore delegato di Musikpunkt AG, Adrian Lohri, insieme all'ex amministratore delegato di Musik Hug, Erwin Steinmann. Egli sarà supportato dall'attuale management del Gruppo Musik Hug. Il nuovo Consiglio di amministrazione sarà presieduto dall'ex presidente del Consiglio di amministrazione di Musikpunkt AG, Kurt Sidler.

Matthias von Orelli - Rémy Campos è coordinatore della ricerca presso l'Università della Musica di Ginevra dal 2003. Le sue ricerche si sono concentrate sulla riscoperta della musica antica, sui conservatori e su questioni di storiografia. Attualmente sta lavorando alla storia delle pratiche musicali nel XIX e XX secolo.

Rémy Campos, in poche parole, come descriverebbe la storia della ricerca all'HEM?

L'unità di ricerca di Ginevra è stata fondata 15 anni fa e all'epoca era davvero modesta: il team era impiegato solo a tempo parziale. Oggi il nostro budget supera il milione di franchi svizzeri, un'evoluzione impressionante in 15 anni. Con il completamento di numerosi progetti e la conclusione di partnership, la ricerca dell'HEM si è evoluta fino a diventare un centro di competenza.

Secondo lei, quali sono le principali missioni della ricerca a Ginevra e quali sono i temi di ricerca attuali?

Fin dalla sua nascita, Genève si è concentrata su progetti di ricerca applicata su temi che coprono un'ampia gamma di pratiche artistiche: nuove creazioni e nuove tecnologie, interpretazione storica, arte e scienza, dialogo interculturale e educazione musicale.

I progetti di ricerca sono avviati da professori che insegnano a Ginevra e a Neuchâtel, quindi il campo è molto ampio. Inoltre, anche l'esperienza all'interno della scuola, in particolare nella musica contemporanea e antica, gioca un ruolo essenziale.

L'intensa attività nel campo della ricerca si estende anche oltre l'HEM. Le altre scuole di musica e arti dello spettacolo - la Scuola di Musica di Losanna (HEMU) e La Manufacture à Lausanne - si sono unite qualche anno fa per creare un istituto di ricerca (IRMAS).

Quali sono le vostre responsabilità?

Ho due lavori: sono coordinatore della ricerca presso la Scuola di Musica di Ginevra e in questa veste mi occupo di tutte le richieste relative all'unità di ricerca. Questo include l'ideazione e la diffusione di progetti, la realizzazione di documentari, la pubblicazione di libri, CD e DVD per il grande pubblico.

Sono anche responsabile dell'IRMAS. L'Institut de recherche Musique et Arts de la Scène raggruppa le tre scuole del settore. Il suo obiettivo è promuovere la qualità delle attività di ricerca e sviluppo, favorendo gli scambi tra i ricercatori che ospita e aumentando la visibilità dei progetti di ricerca tra gli specialisti e il grande pubblico. L'Istituto assicura inoltre la valutazione dei progetti di ricerca nel campo della musica e delle arti dello spettacolo.

Secondo lei, qual è il più grande successo della ricerca all'HEM?

Penso che abbiamo fatto molta strada con risorse limitate, come dimostra anche la nostra storia. Oggi produciamo un lavoro professionale di alta qualità. Molte persone hanno contribuito individualmente al successo di ogni progetto.

Qual è l'importanza della ricerca alla HEM per voi?

Credo che l'introduzione della ricerca, qualche anno fa, sia stata una piccola rivoluzione nel mondo delle scuole d'arte. Sebbene all'inizio sia stata percepita come un'eccezione alle consuete attività artistiche, oggi si riconosce che porta molto alle scuole in tutti i campi.

Ci sono differenze tra la musicologia classica e la ricerca in un'alta scuola di musica?

Fin dall'inizio abbiamo cercato di fare ricerca musicale a complemento di ciò che la musicologia fa da tempo. Stiamo anche lavorando a progetti molto specifici, incentrati essenzialmente su questioni pratiche. Tuttavia, la collaborazione con la musicologia è essenziale per noi. La ricerca condotta nell'istruzione superiore è diversa anche perché non si limita a pubblicazioni scritte. CD, DVD e trasmissioni radiofoniche rendono giustizia a progetti che danno priorità alla pratica.

Qual è il potenziale per voi di una stretta relazione tra ricerca e pratica?

Siamo un istituto professionale che partecipa a diversi progetti e ognuno lavora nell'ambito della propria specialità. Alcuni dei nostri assistenti hanno studiato all'HEM e sono quindi integrati in un ambiente professionale.

Si rende conto che c'è ancora del lavoro da fare nel campo della ricerca dell'HEM?

Certamente! Per quanto riguarda l'HEM, posso dire che molti insegnanti e studenti hanno partecipato alla ricerca negli ultimi 15 anni, ma molti non l'hanno (ancora) fatto.

Moltiplicate le cooperazioni...

Sì, assolutamente, e in tutti i continenti. Abbiamo forti legami con il Giappone e la Cina, senza dimenticare i progetti con artisti, alcuni dei quali sono personalità di prim'ordine, e con scuole in India, Canada e America Latina. E, naturalmente, in tutta la Svizzera.

Attualmente stiamo conducendo un'importante indagine tra i nostri ex studenti per determinare l'impatto della loro formazione sul loro ambiente professionale. Questo lavoro mi sembra un buon esempio di ciò che la ricerca può portare a una scuola superiore: una migliore conoscenza dell'ambiente professionale con strumenti diversi da quelli utilizzati dagli artisti nel loro lavoro quotidiano.

Da ieri sera è disponibile la piattaforma informativa tanto attesa da molti operatori della scena musicale. swissmusic.ch online. È gestito e finanziato dal Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia e il Fondazione Suisa. Secondo il comunicato stampa ufficiale, il swissmusic.ch "offrire una piattaforma aggiuntiva e comune alle numerose istituzioni che si occupano della vita musicale di questo Paese. Il portale si propone come una vetrina per la musica svizzera, rivolta ai rappresentanti del settore e ad altre parti interessate di tutto il mondo". Il sito interattivo fornisce informazioni in quattro lingue (tedesco, francese, italiano e inglese) sulla scena musicale svizzera, sulle organizzazioni specializzate e sugli artisti in quattro sezioni chiaramente strutturate.

• Leggi: Rapporti sulla scena musicale locale
• Ascoltate: Playlist con produzioni svizzere selezionate
• Ricerca: Accesso a varie banche dati
• Elenco: Indirizzi

Il portale si propone di "unire le forze, utilizzare le sinergie ed essere sempre vivo". Per questo motivo viene costantemente aggiornato e ampliato.