Alla fine degli anni Settanta, Leggewie ha vissuto in Algeria, dove ha potuto constatare come il raï, la musica popolare e folkloristica dello Stato maghrebino, fosse sempre più fiorente. Sia il raï che generi diversi come l'afro-beat e il pop balcanico sono stati per decenni sussunti sotto il termine "world music". Secondo i due curatori, si tratta di un termine superato, "una reliquia coloniale". Preferiscono il termine "pop globale". Secondo Leggewie e Meyer, si tratta di "una categoria collettiva di tutti gli stili concepibili e le origini regionali della musica non occidentale, soprattutto non occidentale".

In un'intervista rilasciata a WDR, Leggewie ha affermato che il libro dimostra "il coraggio di lasciare dei vuoti". In effetti, l'opera di quasi 400 pagine non è intesa come un'enciclopedia, ma come una fonte di lettura con oltre quaranta contributi di vari autori - tra cui Johannes Rühl, direttore artistico del festival internazionale di musica Alpentöne di Altdorf. Mentre la prima parte del volume si sforza di spiegare termini come folklore, transculturalità e world music, la sezione successiva offre ritratti ben studiati ma non esaustivi di figure influenti come l'etnomusicologo Brian Shimkovitz, che rende accessibili centinaia di nastri di musica africana sul suo blog, o il chitarrista statunitense Ry Cooder. Quest'ultimo, negli ultimi decenni, ha esplorato con grande curiosità stili mutevoli come il Tex-Mex, il Mali blues e il son cubano e nel 1996, con l'album Buena Vista Social Club la riscoperta di musicisti cubani dimenticati come Ibrahim Ferrer.

Il terzo capitolo si concentra poi sulle condizioni di mercato che stanno dietro alla musica. Nel suo testo "World Music Festivals and the Festivalisation of World Music", Klaus Näumann, professore presso l'Istituto di Etnomusicologia Europea dell'Università di Colonia, descrive come gli eventi di world music suggeriscano l'illusione di un'armonia globale e di un'accettazione reciproca. In realtà, però, una classe media bianca e orientata a sinistra celebra solo le cose (musica, abbigliamento, ecc.) che non sono in contrasto con l'ideale. Nella parte più ampia e conclusiva Pop globale brevi riassunti di numerosi generi come il Rembetiko, l'Highlife o il J-Pop. Non sono destinati agli specialisti dei rispettivi stili, ma ai non iniziati e agli interessati. Il libro funziona a titolo esemplificativo, il che significa che i punti focali sono interamente a discrezione dei due curatori. Di conseguenza, sarebbe fin troppo facile criticare il fatto che né il tango né il gamelan - gli ensemble musicali dell'Indonesia - abbiano trovato spazio nel libro. Ma si tratta in definitiva di una questione secondaria: Con Pop globale Forse Leggewie e Meyer non sono riusciti a scrivere il libro definitivo sull'argomento, ma è un libro che suscita curiosità e incoraggia non solo la lettura, ma anche l'ascolto degli artisti citati.

Global Pop - Das Buch zur Weltmusik, a cura di Claus Leggewie e Erik Meyer, 392 p., fr. 31.00, J. B. Metzler, Stoccarda 2017, ISBN 978-3-476-02636-1

Il primo premio di 16.000 franchi svizzeri è andato alla clarinettista Shuyue Zhao e il secondo premio di 14.000 franchi svizzeri alla violinista HannaH Walter. La clarinettista Azra Ramic ha ricevuto 10.000 franchi svizzeri come terzo premio. Shuyue Zhao, nata in Cina nel 1990, ha studiato alla Bern University of the Arts (HKB) con Ernesto Molinari. Nel giugno di quest'anno ha ricevuto il Premio Eduard Tschumi per il miglior esame da solista presso la HKB.

Nata nel 1989, HannaH Walter ha conseguito un Master in musica contemporanea presso l'Università della Musica di Basilea con lode nel 2016. Attualmente sta completando un Master in Transdisciplinarità presso la Zurich University of the Arts. Azra Ramić, nata nel 1989, ha conseguito un Master in Music Performance per clarinetto presso la Bern University of the Arts nel 2013. A questo è seguito un Master con lode in clarinetto basso presso la stessa università nel 2015.

Il Concours Nicati, concorso di interpretazione di musica contemporanea in Svizzera per musicisti professionisti, viene organizzato ogni due anni presso l'Università delle Arti di Berna.
 

Le delizie culinarie giocano un ruolo importante in molte grandi e famose opere liriche. Nell'opera "La Cenerentola" di Gioacchino Rossini, ad esempio, si celebrano sontuosi banchetti, mentre nell'opera "Falstaff" di Giuseppe Verdi, nella famosa scena finale si incontrano Andiamo a cena banchetto, e ne "La Cena delle Beffe" di Umberto Giordano, il Cenala grande cena, compare persino nel titolo della sua famosa opera.

Anche nel Ristorante Opera il nome dice tutto. Qui gli ospiti dell'opera possono godersi una cena rilassante a pochi passi dal Teatro dell'Opera di Zurigo. David Krüger, responsabile della cucina dell'Ambassador, e Pascal Gloser, responsabile del ristorante dell'Ambassador, si prendono cura del benessere degli ospiti come padroni di casa ed elaborano piatti creativi utilizzando prodotti regionali. Il menu di 3 portate viene servito puntualmente e garantito entro 60 minuti se prenotato fino a 90 minuti prima dello spettacolo. In caso contrario, il ristorante si occuperà del conto.

Oltre alla "Garanzia Opera", gli ospiti dell'hotel possono ora acquistare i biglietti per l'opera direttamente in albergo. Per alcuni spettacoli selezionati, l'Hotel Ambassador à l'Opera offre due biglietti premium - posti al centro della seconda fila.

Avete mai ascoltato la musica popolare delle province belghe? Quando ho provato i brani di questo nuovo libretto, mi ha davvero "fatto venire il magone"!

Marinette Bonnert e Tommaso Huber hanno pubblicato un libretto per fisarmonica sola M2 (basso standard) con danze dalle Fiandre e dalla Vallonia, da facili a moderatamente difficili. Presentano uno spaccato colorato del repertorio di musica popolare e da ballo molto elegante, ariosa e filigranata, soprattutto del XVIII secolo. Questa musica è stata tramandata in forma manoscritta, stampata o orale in varie fonti. Marinette Bonnert, originaria del Belgio, si definisce un'ambasciatrice della musica vallone e ha selezionato con cura i brani per questa pubblicazione. Suites composte da contrapposizioni si alternano a singoli movimenti di danza come minuetti, polke, valzer e schottisches. Tommaso Huber viene dall'Austria, suona la fisarmonica fin dall'infanzia e ha studiato contrabbasso. Nella prefazione, i due approfondiscono le origini della musica e, in una sezione introduttiva a parte, spiegano e illustrano minuziosamente il tipo di notazione del basso. Le parti melodiche dei singoli brani sono spesso monofoniche, ma sono sostenute da un basso armonicamente interessante. Gli arrangiamenti sono estremamente accattivanti e possono anche invogliare ad aggiungere i propri abbellimenti o a ispirare interpretazioni con la fisarmonica monocolore: un arricchimento davvero grande e prezioso per tutti coloro che si sentono attratti dalla musica popolare di altri Paesi!

Marinette Bonnert e Tommaso Huber: Danze delle Fiandre e della Vallonia, 23 danze caratteristiche da facili a moderatamente difficili per fisarmonica M2, UE 36123, € 14,95, Universal Edition, Vienna 2016

Il doppio concerto da camera di Telemann per due viole accompagnate da una terza viola è un'ottima occasione per lezioni di gruppo. Poiché il compositore era amico di Bach, che all'epoca lavorava a Weimar, quando scrisse questo concerto a Eisenach inserì quattro colonne corali con B-A-C-B nella voce superiore all'inizio del movimento centrale in sol minore e si ispirò all'espressività cromatica di Vivaldi nel successivo Adagio. I due movimenti esterni in si bemolle maggiore sono facili da suonare - solo fino alla terza posizione - e sono ben collocati. La partitura del Continuo e la parte del basso completano l'edizione.

Con questa realizzazione di un concerto per violoncello, Johann Baptist Vaňhal (1739-1813, in ceco Jan Křtitel Vaňhal) prese posizione contro il trattamento trascurato della viola all'epoca. Il concerto, allegramente animato, è di media difficoltà e richiede solo dalla prima alla terza posizione per la parte solista. Le diteggiature sono buone, ma inutilmente copiose. Le cadenze create dall'editore sono significativamente più difficili della parte solista. Si estendono fino alla sesta posizione e utilizzano numerosi doppi stop; potrebbero essere semplificate. Nel complesso, tuttavia, la nuova edizione è un colpo di fortuna per i violisti.

Georg Philipp Telemann: Concerto B-A-C-H per 2 viole soliste, viola III (da braccio/da gamba) e b. c., ricostruzione di Klaus Hofmann, EW 1013, € 17,50, Edition Walhall, Magdeburg 2016

Jan Křtitel Vaňhal: Concerto in do maggiore per viola e orchestra, a cura di Vilém Blažek, riduzione per pianoforte e parte solista, BA 11531-90, € 14,95, Bärenreiter, Praga 2016

Il compositore ungherese Kamillo Lendvay, nato nel 1928, ha onorato il cinquantesimo anniversario della morte di Béla Bartók nel 1995 con la composizione di un brano Studio per viola sola, che è stato finalmente pubblicato nel 2015. Utilizza in modo espressivo l'intera gamma della viola fino al centro della corda A; inizia in modo riflessivo, avanza in vari tempi e combinazioni ritmiche eccitanti, a volte in modo asimmetrico, a volte in modo metrico, e termina con calma - un assolo emozionante della durata di circa 7 minuti!

La scuola di violino avviata da Erich ed Elma Doflein per la loro scuola di violino 44 Duetti per due violini Béla Bartók ne compose 36 in difficoltà crescente nel 1931, Universal li pubblicò nel 1994, Atelier-Editions Röhm li ha recentemente pubblicati tutti in due volumi e Editio Musica Budapest (EMB) lo scorso anno in un volume per viola. Tutto è di una quinta inferiore e per il resto è identico alla versione per violino. La particolarità di EMB è che gli editori hanno realizzato un CD dei duetti nella versione per viola: Voci dal passato: i duo di Béla Bartók e le registrazioni originali sul campo, Tantara Records, 2013, perché Bartók ha inserito questi duetti - così come i suoi Microcosmo per pianoforte - melodie popolari che ha registrato in Algeria, Ungheria, Serbia, Romania, Slovacchia e Ucraina, alcune delle quali con un fonografo Edison su cilindri di cera. Queste registrazioni possono essere ascoltate sul CD per una comprensione più approfondita e i testi delle canzoni possono essere letti nel libretto nelle lingue originali e in inglese.

Kamillo Lendvay, Studio per viola, Z. 14953, fr. 18.80, Editio Musica Budapest 2015

Béla Bartók: 44 Duo per 2 viole, trascrizione di Donald Maurice e Claudine Bigelow, Z. 14970, fr. 22.70, Editio Musica Budapest 2016

Nel corso dei decenni, l'Ensemble Neue Horizonte Bern ha probabilmente realizzato e testato centinaia e centinaia di concetti, partiture che spesso consistono solo in istruzioni esecutive verbali che lasciano ampio spazio all'immaginazione, ma che tuttavia devono essere interpretate con precisione. È così che si forma l'esperienza, che ognuno deve (ri)conquistare da solo con i brani. Poiché negli ultimi anni l'interesse per la musica concettuale è aumentato notevolmente, è giusto che Urs Peter Schneider, uno dei musicisti degli Horizons, abbia compilato un compendio della sua vasta esperienza: Il volume pubblicato da Aart-Verlag Musica concettuale iè da un lato un'antologia, per nulla completa, come sottolinea un elenco di ulteriori pezzi concettuali, e dall'altro un lettore incredibilmente ricco. Ci sono i grandi nomi, Fluxus, Cage, Wolff, ma anche molti elvetici e alcune cose già dimenticate.

Il libro, nato come progetto di ricerca presso l'Università delle Arti di Berna, non offre certo una storia della musica concettuale, né definizioni e delimitazioni (nemmeno delle tendenze attuali) e quindi nessuna teoria, ma tuttavia categorizza i concetti stampati secondo un semplice sistema di lettere. Sul famoso brano di LaMonte Young Tracciare una linea retta e seguirla su: A2 (azioni quotidiane), H1 (atteggiamenti), K6 (continuità), M5 (minimalismo), N2 (sfumature), N3 (sobrietà), R2 (spazio), R5 (ricetta), S2 (scrittura), S9 (immobilità), T1 (danza), U3 (unicità) - e questo ci dà un'idea di un tipico ordine schneideriano, una sorta di teoria o almeno di ciò che è importante e caratteristico dei concetti. In terzo luogo, una sezione di commenti categorizza almeno alcuni dei brani concettuali, spiega, considera, riporta le performance e chiarisce che si tratta di una selezione molto orientata alla pratica. Da qui in poi, questa antologia è un must assoluto per l'insegnamento della performance.

Urs Peter Schneider: Musica concettuale. Un'antologia commentata, a cura di Thomas Gartmann e Marc Kilchenmann, 370 p., Fr. 35.00, Aart-Verlag, Berna 2016, ISBN 978-3-9524749-0-7

Lancio del libro e concerto
Sabato 21 ottobre 2017, ore 19.00
Università delle Arti di Berna, Sala Grande dei Concerti,
Papiermühlestrasse 13d, 3014 Berna
Studenti dell'HKB, Ensemble Neue Horizonte Bern
Direzione Urs Peter Schneider

È difficile immaginare un augurio più simpatico per un compleanno di 100 anni. Non un effimero mazzo di fiori, non un regalo imbarazzante, non una parola intercambiabile: no, un'intera ora di musica amorevolmente selezionata. Il Kaléidoscope Questo CD con opere e registrazioni di Julien-François Zbinden è molto più di una sonora dichiarazione d'amore proveniente dagli archivi della Radio Télévision Suisse e dello Studio de Lausanne. Documenta una vita ricca e giocosa di pianista e compositore e in questo caso non è dedicata né alla sinfonia né al quartetto d'archi, ma a tutti quei generi spesso emarginati che non si trovano a loro agio nella sala da concerto o che hanno perso il loro posto tradizionale nel business mediatico di oggi: La musica per orchestra di fiati, la cosiddetta "musa leggera" e la chanson francese.

Il risultato è un meraviglioso bouquet ricco di rarità, prodotte principalmente tra la fine degli anni Quaranta e l'inizio degli anni Cinquanta, in cui Julien-François Zbinden può essere ascoltato sia come solista che suona uno dei grandi standard jazz, sia come accompagnatore al pianoforte o come creatore di nuove partiture. Il fatto che Zbinden stesso lavorasse ancora attivamente al libretto testimonia la sua intatta vitalità fisica e mentale. Che possa rimanere con noi ancora per un po'!

Perché la letteratura pianistica per la sola mano sinistra è molto più vasta di quella per la mano destra?

Ci sono ragioni anatomiche per questo: con il pollice come guida della melodia, la mano sinistra è in grado di coprire molto meglio l'intera larghezza della tastiera. Inoltre, i pianisti hanno ovviamente maggiori probabilità di infortunarsi alla mano destra a causa di un esercizio scorretto e sono quindi costretti a limitarsi alla mano sinistra per un certo periodo. In una situazione del genere, Alexander Scriabin, per esempio, scrisse il suo Prélude et Nocturne composto per la mano sinistra.

Soprattutto, però, dobbiamo ringraziare Paul Wittgenstein per la maggior parte di queste opere. Il pianista viennese perse il braccio destro durante la Prima Guerra Mondiale, ma era determinato a continuare la sua carriera contro ogni previsione (anche da parte della sua famiglia). Grazie alla ricchezza di casa, fu in grado di commissionare opere ai più famosi compositori dell'epoca. Prokofiev, Hindemith, Britten, Richard Strauss, Franz Schmidt e molti altri scrissero concerti per pianoforte per le sue esigenze, questi ultimi anche musica da camera. Tuttavia, nessuno è diventato così famoso e viene suonato così spesso come quello di Ravel.

Questo non era inizialmente prevedibile: Wittgenstein si rese conto solo col tempo del capolavoro che aveva ricevuto. Inoltre, in qualità di committente, si sentì autorizzato a modificare interi passaggi secondo i suoi gusti, cosa che naturalmente fece infuriare Ravel. Nella sua introduzione alla nuova edizione Bärenreiter, Christine Baur riesce a trasmettere in modo appassionante questa controversia e molto altro sulla creazione e la ricezione di quest'opera straordinaria. Questa eccellente edizione non solo corregge alcuni errori di vecchia data presenti nell'edizione Durand, ma fornisce anche una serie di informazioni aggiuntive che vale la pena conoscere grazie alle fonti della collezione privata di Wittgenstein, che il curatore Douglas Woodfull-Harris ha potuto consultare. In particolare, l'approfondimento delle richieste di modifica da parte di Wittgenstein conferma che egli non poteva realmente comprendere la geniale scrittura di Ravel per la mano sinistra.

Se volete saperne di più sul destino di Wittgenstein, vi consigliamo il volume Manica vuota. Il musicista e mecenate Paul Wittgenstein (Studien-Verlag, Innsbruck et al. 2006), ma soprattutto Concerto per la mano sinistra di Lea Singer (Hoffmann und Campe, Amburgo 2008): un romanzo d'artista emozionante e ben scritto!

Maurice Ravel, Concerto per la mano sinistra per pianoforte e orchestra, a cura di Douglas Woodfull-Harris; partitura, BA 7881, €, 48,95; riduzione per pianoforte, parte/e, BA 7881-90, € 36,95; Bärenreiter, Kassel 2016

Le tracce del Trio per pianoforte e orchestra di Ernest Chausson (1881) portano in Svizzera: il compositore ventiseienne, che aveva amaramente voltato le spalle a tutte le istituzioni accademiche parigine dopo il fallimento della sua candidatura al Prix de Rome, trascorse l'estate nella tenuta di campagna della sua mentore Berthe de Rayssac a Montbovon, nel Canton Friburgo. Lì, nel pittoresco Pays d'Enhaut, appena arrivato iniziò a disegnare e a lavorare alla sua composizione più ampia e ambiziosa. Forse si trattava anche di una reazione di sfida alla sconfitta subita in precedenza. Con questa Opus 3, Chausson trovò se stesso come compositore, ed è una fortuna che non si sottomettesse più alle regole accademiche e non si scoraggiasse per l'iniziale mancanza di riconoscimento. Tuttavia, in seguito mostrò il suo trio a César Franck ed Emanuel Chabrier, lo fece ascoltare al pittore Odilon Redon e ascoltò i loro consigli. L'opera fu presentata per la prima volta nell'aprile del 1882 in un concerto organizzato dalla Société nationale de musique, ma fu pubblicata per la prima volta solo nel 1919, vent'anni dopo la precoce e tragica morte del compositore, dalla casa editrice parigina Rouart-Lerolle.

L'opera di 30 minuti, con i suoi quattro movimenti, è sorprendentemente divertente, in contrasto con il più famoso "Concerto" per pianoforte, violino e quartetto d'archi op. 21 di Chausson, che dura 45 minuti. La citazione trasversale dei temi nei movimenti, alla maniera dei leitmotiv del Trio per pianoforte e orchestra op. 3, così come l'armonia, ricordano i modelli di Chausson, César Franck e Richard Wagner. Tuttavia, il suo linguaggio musicale rimanda anche alla generazione successiva di compositori, soprattutto a Claude Debussy. Ernest Chausson occupa un posto importante nella musica francese!

La nuova edizione Henle di questo trio per pianoforte si basa principalmente sulla prima edizione del 1919, poiché non esistono altre fonti. Non esiste più un autografo, ma solo alcuni schizzi di temi e modelli strutturali. Come sempre, la musica di Henle è di facile lettura, pratica nei punti di svolta e contiene persino un dizionario (francese/tedesco e francese/inglese) dell'esecuzione originale francese e i segni di tempo in ogni parte. Anche l'indicazione del tempo nel secondo movimento, intitolato "Vite" in tempo 3/8 veloce, è estremamente utile: la prima battuta di un'unità di conteggio è sempre indicata con un uno. Questo rende le prove molto più facili! La parte del pianoforte è stata fornita con diteggiature da Klaus Schilde, mentre le parti degli archi non contengono indicazioni tecniche. Tuttavia, i fogli di fraseggio stampati possono essere ampiamente utilizzati come realizzazione tecnica.

Ernest Chausson: Trio per pianoforte in sol minore op. 3 per violino, violoncello e pianoforte, a cura di Peter Jost, partitura e parti, HN 1277, € 29,00, G. Henle Verlag, Monaco 2016

Il libro dimostra che la riscoperta della musica antica e la svolta verso la prassi esecutiva storica non è stata né il risultato di una rivoluzione né priva di personalità influenti. La clavicembalista Isolde Ahlgrimm (1914-1995) chiaramente. Di una generazione più giovane di Wanda Landowska (1879-1959), Isolde Ahlgrimm si affidò più intransigentemente di quest'ultima all'insegnamento di opere e fonti musicali del passato; di mezza generazione più anziana di Gustav Leonhardt (nato nel 1928) e Nikolaus Harnoncourt (nato nel 1929), fu fonte di ispirazione per questi pionieri e, al di là di ogni divergenza di opinioni, mecenate e a volte persino partner musicale. Si formò come pianista all'Accademia di Musica di Vienna e, all'età di vent'anni, incontrò il controverso collezionista e carismatico sostenitore della fedeltà incondizionata all'originale Erich Fiala, che sposò nel 1938. Mentre le esecuzioni delle opere per tastiera di Mozart sul fortepiano furono inizialmente al centro dei suoi "Concerti per intenditori e amanti", dal 1943 si dedicò al clavicembalo (a pedali) e quindi alle opere per tastiera di Johann Sebastian Bach, che registrò (quasi) integralmente dal 1951 al 1956. Dopo il divorzio da Fiala, le si aprirono finalmente le porte di una carriera internazionale e di un posto di insegnante all'Università di Musica di Vienna. Fino al 1983 tenne concerti in patria e all'estero, fino agli Stati Uniti e al Giappone, e amava particolarmente esibirsi in Svizzera. Isolde Ahlgrimm morì a Vienna l'11 ottobre 1995.

Per molti aspetti, Ahlgrimm ha precorso i tempi. In primo luogo, si trattava del suo meticoloso lavoro sulle fonti, grazie al quale ha compilato un compendio (edito postumo nel 2004) del Ornamentazione di musica per strumenti a tastiera poteva comporre. D'altra parte, decise (troppo) tardi, nel 1972, di suonare su copie reali di strumenti storici e rimase fedele ai suoi clavicembali Ammer con i tasti lunghi (da pianoforte). Rifiutava alcuni manierismi dei suoi colleghi più giovani (soprattutto olandesi) e si basava su una moltitudine di affermazioni ed esempi storici. Pur insistendo sulla professionalità e sulla perfezione tecnica, rimase sempre una sostenitrice del buon gusto o, come lei stessa diceva, della "bonne grace".

La traduzione ampliata e arricchita di una biografia in inglese del 2007 del suo ultimo allievo Peter Watchorn da parte di un'altra ex allieva, la svizzera Regula Winkelman, richiama giustamente l'attenzione sull'opera dell'importante clavicembalista viennese come raccolta preliminare di materiale. Particolarmente lodevole è la ristampa dei testi di accompagnamento di Ahlgrimm all'integrale delle registrazioni bachiane, che nella loro complessità e ricchezza di idee sono documenti indispensabili della ricezione di Bach nel XX secolo.

Regula Winkelman, Peter Watchorn: La clavicembalista Isolde Ahlgrimm (1914-1995). Una pioniera della prassi esecutiva storica, 288 p., copertina rigida, € 29,99, Böhlau, Vienna e altri 2016, ISBN 978-3-205-79679-4

L'esposizione nazionale di Losanna del 1964 presentava la Svizzera moderna in termini di tecnologia e architettura, dimenticando la cultura e le esigenze degli abitanti delle montagne. Per colmare questa lacuna, il gruppo di studio Forum alpinum pubblicò nel 1965 un libro illustrato in quattro lingue e il Antologia di autentica musica popolare dalle montagne svizzere prima. Tuttavia, questa edizione discografica è stata poco notata, ritirata dal mercato già nel 1966 e riconosciuta come documento importante solo in una registrazione su CD nel 2008.

La scarsa conoscenza della musica tradizionale svizzera ha fatto sì che i 435 libri di musica scritti a mano, contenenti 11.874 danze popolari, che Hanny Christen aveva raccolto in tutta la Svizzera tra il 1940 e il 1960 e donato alla Biblioteca Universitaria di Basilea nel 1963, venissero dimenticati. Solo nel 1992 il musicista ed editore zurighese Fabian Müller ha riconosciuto il valore di questa collezione. Un gruppo di 17 volontari ha inizialmente creato un database e inventariato 10.000 danze per cantone e autore. Con il sostegno finanziario della Società per la musica popolare in Svizzera (GVS/SMPS), nel 2002 sono stati pubblicati dieci volumi di grande formato dal titolo Collezione di musica popolare svizzera. La musica da ballo della Svizzera nel XIX e nella prima metà del XX secolo raccolto da Hanny Christen essere presentate. Le danze provenienti da tutta la Svizzera (ad eccezione del Canton Turgovia), che sono annotate all'unisono, sono state copiate dal collezionista principalmente da libri di danza scritti a mano e integrate con registrazioni di brani strumentali annotati acusticamente da musicisti più anziani. La collezione Christen contiene generi di danza che ampliano il repertorio odierno di ländler, valzer, polka e schottisch con mazurka, galoppo, polka incrociata, polonaise, varsovienne, tyrolienne, allewander e montferrine.

Dopo la pubblicazione della raccolta Christen, musicisti folk professionisti guidati dal violoncellista Fabian Müller hanno fondato l'Hanneli-Musig, si sono dedicati alla realizzazione degli spartiti e nel 2004 hanno potuto pubblicare la prima di sette registrazioni, l'album Blümchen Wunderhold (ZYT 4895, fuori stampa). Nel 2005 è stato seguito da Incubi Tänze aus der Innerschweiz (ZYT 4897, fuori catalogo). Un anno dopo, i sei musicisti, che hanno collaborato anche alla selezione e all'arrangiamento delle melodie monofoniche, hanno pubblicato il CD Tänzix (ZYT 4900). Le abbreviazioni e i numeri che indicano il cantone d'origine e il luogo di raccolta di ogni brano consentono di fare riferimento alla notazione originale. Chi preferisce gli arrangiamenti polifonici stampati delle prime tre registrazioni li troverà nei negozi specializzati.

Con l'album Zelanda dal 2008, l'Hanneli-Musig ripropone il repertorio armonioso del Biberemusig degli anni '50 del XIX secolo (regione di Murten, ZYT 4919) e con il titolo Area di Basilea (ZYT 4930) onorerà Hanny Christen nel 2010 con la musica folk del suo paese natale.

Nell'album pubblicato di recente Informazioni su Stock & Stei l'abile clarinettista dei Ländler Dani Häusler, il menestrello Johannes Schmid-Kunz al violino, l'editore delle danze Christen e violoncellista Fabian Müller, il musicista di razza Ueli Mooser al contrabbasso e al sassofono, il suonatore di ottoni Christoph Mächler e Fränggi Gehrig con la fisarmonica propongono danze "lüpfige" delle regioni alpine dei cantoni di San Gallo, Glarona e Grigioni, alcune delle quali eseguite a velocità virtuosa.

È certamente un piacere ascoltare tutte queste registrazioni - e ci si augura che ce ne siano altre - come testimonianze del paesaggio musicale svizzero, ma nelle interpretazioni dell'Hanneli-Musig si sente la mancanza degli sforzi della prassi esecutiva storica.