I valzer di Ėmile Waldteufel (1837-1915) sono tra i più belli del repertorio di musica da ballo e non hanno nulla da invidiare a quelli della dinastia viennese degli Strauss. Al contrario: è affascinante tracciare la differenza tra i due stili. Non è facile da definire, perché i luoghi comuni, come parigino qui e viennese là, non reggono affatto.

Ėmile Waldteufel-Lévy proveniva da una famiglia ebraica di musicisti di Strasburgo, trasferitasi a Parigi dopo la sua nascita, dove Ėmile studiò musica e divenne ben presto un direttore d'orchestra da ballo e compositore di successo. Il suo valzer Manolo ispirò a tal punto l'allora Principe di Galles e poi Re Edoardo VII che divenne suo mecenate e aiutò il compositore a raggiungere una grande fama in Gran Bretagna.

Diversi cicli di valzer di Ėmile Waldteufel si trovano nella Zentralbibliothek Zürich sotto forma di spartiti (ora fuori catalogo), per lo più sotto forma di arrangiamenti per orchestra da salotto realizzati dall'Henry-Litollf's-Verlag di Braunschweig. Questo arrangiamento del famoso Patineurs per violino, violoncello e pianoforte del suonatore di corno, direttore d'orchestra e arrangiatore Simon Scheiwiller di Siebnen SZ è più snello al confronto: la parte del pianoforte è meno corposa, i tre strumenti si alternano nella parte principale ed enfatizzano le forme musicali elementari in attraenti miscele sonore. Il movimento in trio di Scheiwiller è facile da suonare per tutti e tre gli strumenti a partire dal livello intermedio superiore, ma attenzione: I valzer non sono mai facili da suonare! Il diavolo si nasconde nei dettagli quando si tratta di far passare la noblesse e l'eleganza viennese-parigina sulla rampa.

Ėmile Waldteufel: Les Patineurs (I pattinatori), arrangiamento per trio di pianoforte di Simon Scheiwiller, GM-1926c, fr. 21.50, Edition Kunzelmann, Adliswil

Disponibile anche per altre strumentazioni

Il nome di Franz Schubert evoca solitamente delle associazioni: Lied, pianoforte, quartetto d'archi. Le messe, le sinfonie e le numerose opere teatrali di Schubert sono state riconosciute solo dopo la sua morte. In termini di storia della musica, tuttavia, i suoi lieder hanno avuto un'enorme influenza sullo sviluppo del genere della canzone d'arte come lo conosciamo oggi ed erano già presenti agli occhi del pubblico durante la sua vita.

Sebbene non sia sopravvissuto nessuno dei suoi brani con un autentico accompagnamento di chitarra, ci sono abbastanza fonti per dimostrare l'affinità di Schubert con la chitarra e giustificare gli arrangiamenti per chitarra dei suoi brani per pianoforte. Nel periodo Biedermeier la vita musicale non fioriva su grandi palcoscenici, ma su scala ridotta e privata, e la tradizione delle cosiddette Schubertiades ci è stata tramandata dal 1821. Lo strumento preferito dai Biedermeier era onnipresente nella cerchia di amici e familiari di Schubert, e Schubert stesso possedeva una chitarra proveniente dal laboratorio di Staufer.

Anche durante la sua vita, esistevano versioni corrispondenti della Erlkönig o il Giovane suora per esempio (anche se non da lui), e ci sono anche alcune canzoni che cercano di imitare il gesto chitarristico (o arpistico) e che si prestano idealmente ad arrangiamenti per chitarra. Si pensi a La notte D534 o Pezzo da notte D672.

Oggi esiste una grande quantità di canzoni trascritte. La versione attuale del Viaggio d'inverno è anche impostato per duo di chitarre da Christian Fergo e Raoul Morat, che certamente si avvicina alla ricchezza di suono di un accompagnamento pianistico e tuttavia sfrutta appieno la delicatezza e la ricchezza di colore della chitarra. A mio parere, si tratta di un'edizione notevole che arricchisce e amplia il repertorio chitarristico esistente.

Si ritiene che un arrangiamento sia sempre un'interpretazione e quindi, sebbene le diteggiature siano sempre una decisione individuale del rispettivo chitarrista, si è deciso di annotarne alcune per mantenere il carattere originale della struttura musicale e dell'espressione della parte pianistica. I pianoforti dell'epoca di Schubert erano molto più delicati nel loro colore timbrico e sappiamo che Schubert stesso si sforzava di avere un tocco elegante e leggero e di usare poco il pedale. Ciò rende ancora più ovvio utilizzare le possibilità colorate di un arrangiamento per chitarra per enfatizzare proprio quel lato intimo dell'accompagnamento pianistico che forse Schubert aveva in mente.

Franz Schubert: Winterreise, per tenore e due chitarre arrangiato da Christian Fergo e Raoul Morat, D 08955, € 34,95, Doblinger, Vienna

Nato nel 1985, Fabian Chiquet è un artista poliedrico. Il basilese realizza film, musica, teatro e installazioni artistiche. Nel 2010 si è laureato alla ZHdK con un master in transdisciplinarità. Chiquet è cofondatore del gruppo pop "The bianca Story", di cui è autore e tastierista e con cui ha effettuato tournée in tutta Europa.

Ha messo in scena i propri spettacoli teatrali, che sono stati rappresentati in tutta la Svizzera, e ha collaborato con il "Club Für Melodien" per scrivere musica per il teatro e il cinema. Con "The Pacifist" ha portato al cinema il suo primo film documentario nel 2021. In collaborazione con la Radiotelevisione svizzera, sta attualmente lavorando al progetto "I'll Remember You", un film documentario con una serie web e un podcast sugli inizi della cultura pop svizzera.

Le lauree honoris causa della ZHdK vengono assegnate una volta all'anno e non comportano alcun contributo finanziario. I membri della ZHdK possono nominare gli insigniti. Il Consiglio direttivo dell'Università, con la consulenza di un comitato, decide in merito all'assegnazione del premio. Le lauree honoris causa vengono assegnate durante la Giornata universitaria della ZHdK. L'evento non è aperto al pubblico.

Antoine Gilliéron - in conversazione con Xavier Bouvier, specialista in interculturalità e diplomazia e coordinatore del programma di etnomusicologia presso la Haute École de Musique de Genève.

Xavier Bouvier, come giudica gli aiuti internazionali che gli HEM del nostro Paese sono stati in grado di fornire in passato, forniscono oggi e potrebbero fornire in futuro?

L'internazionalizzazione dell'istruzione musicale superiore in Svizzera è il culmine di una lunga evoluzione, iniziata nei primi decenni del XX secolo - si pensi all'accoglienza, nei nostri Conservatori, dei rifugiati della rivoluzione russa. Dopo gli anni Settanta, l'accoglienza di studenti provenienti da altri continenti - Asia orientale, ma anche Sudamerica - si è sviluppata notevolmente.

L'integrazione degli IIS nello Spazio europeo dell'istruzione superiore ha segnato un passo significativo. Iniziata con la Dichiarazione di Bologna, quest'area, inaugurata nel 2010, si estende ben oltre le frontiere dell'Europa nel suo complesso, poiché comprende Paesi come la Russia, l'Armenia e il Kazakistan. Gli HEM hanno tratto grande beneficio dagli scambi accademici all'interno di quest'area - anche se la rinuncia della Svizzera alla piena partecipazione ai programmi ERASMUS+ ha liberato la nostra inclusione in alcuni programmi: si pensi alle reti tematiche avviate dai colleghi delle principali istituzioni musicali europee.

Nel campo dell'assistenza, l'Association Européenne des Conservatoires (AEC) ha sostenuto l'integrazione delle istituzioni dell'Europa orientale durante tutto il periodo di costruzione. Questi sforzi sono stati notevolmente fruttuosi e gli scambi si sono moltiplicati. Ma si può considerare, a posteriori, che l'allargamento e il consolidamento dell'Europa hanno coinciso con una relativa chiusura delle frontiere con il resto del mondo: si è creata una frontiera, politicamente, ma anche culturalmente.

In realtà, i Paesi dell'Europa orientale, compresa la Russia, sono tutt'altro che périphériques nella grande tradizione classica europea. Sono stati e sono tuttora centri di vitalità. Qualche anno fa, ho avuto l'opportunità di visitare la città di Charkiv, drammaticamente colpita dalla guerra in corso: i suoi monumenti di architettura eclettica rimangono molto incentrati sull'Europa.

Tutte le altre sono situazioni culturali del Medio Oriente, dell'India o dell'Asia orientale e sudorientale. Siamo di fronte ad altre tradizioni musicali, millenarie, che potrebbero avere qualcosa da insegnarci. Se non rimaniamo su una posizione eurocentrica, la nozione di aiuto perde di significato: è un dialogo che deve avvenire. Rare sono state le iniziative dei conservatori europei in questo dialogo, anche se ci sono stati risultati notevoli, soprattutto da parte dei nostri colleghi dei Paesi nordici, come l'Accademia norvegese di musica di Oslo e l'Accademia reale danese di Copenaghen.

È vero che la solidarietà espressa nel contesto della guerra in Ucraina (ad esempio, l'accoglienza di studenti e professori ucraini, i concerti di sostegno, le prese di posizione e la fornitura di strumenti) vi sembra emblematica di ciò che sono in grado di fare o potrebbero essere più proattivi nelle loro azioni?

Naturalmente, non sarebbe saggio non impegnarsi nella solidarietà con coloro che soffrono a causa del conflitto, e sarebbe logico indirizzare questa solidarietà verso le scuole di musica, i musicisti e gli studenti di musica. Ma ciò che mi sembra più sorprendente è che le scuole di musica svizzere hanno voluto e creato un rifugio per i loro studenti, indipendentemente dalla loro origine - russa o ucraina. I messaggi di solidarietà tra gli studenti sono stati numerosi: ad esempio, uno dei nostri studenti russi si è offerto volontario per dare lezioni di lingua ai rifugiati ucraini fin dall'inizio del conflitto. Siamo stati anche in grado di sacralizzare il repertorio - resistendo a pressioni molto specifiche per deprogrammare pezzi del grande repertorio russo. Il grande dibattito è se la musica, o l'arte in generale, sia in linea con la politica. Le opinioni divergono, ma la mia esperienza è che le nostre istituzioni musicali devono rimanere spazi di scambio e di dialogo, luoghi in cui si creano relazioni.

Più in generale, cosa ci può dire della diplomazia attraverso la musica e della sua realizzazione negli HEM della Svizzera?

La Svizzera gode di una posizione molto speciale grazie alla sua neutralità e alla sua tradizione di buoni uffici. La città di Ginevra è il centro simbolico, sede di importanti incontri su questioni globali. Già nel 1920, nell'ambito della Commission Internationale de Coopération Intellectuelle de la Société des Nations, si sviluppò uno straordinario dialogo tra culture. Come ha sottolineato la ricercatrice Christiane Sibille, la musica non è stata estranea a questo movimento: Belà Bartók ha partecipato ai lavori e molte istituzioni musicali internazionali sono state coinvolte.

Secondo lei, quali buone pratiche al di fuori dei nostri confini potrebbero avere successo nelle nostre istituzioni?

Per quanto riguarda la diplomazia della musica, le scuole di musica svizzere stanno prendendo iniziative e siamo sul punto di renderci conto della ricchezza che gli scambi con altre scuole di musica possono portare a noi. Più fondamentalmente, si tratta forse semplicemente di una presa di coscienza del fatto che il nostro repertorio è già il frutto di questi scambi: il secolo scorso non ha mai smesso di essere il momento di questi incontri, dai gamelan per Debussy alle polifonie e alle polyrythmies pygmées per Ligeti.

Per le nostre istituzioni, un testo dell'UNESCO del 2006, Linee guida sull'educazione interculturale, fornisce un ottimo riferimento di buone pratiche. L'idea di base è molto semplice: le nostre scuole e i nostri studenti possono trarre beneficio dalla conoscenza di altre culture musicali, antiche, complesse, raffinate, espressive. D'autres conceptions musicales y sont à l'œuvre, et permettent de décentrer notre point de vue. Ma la realizzazione di un simile programma è difficile: le istituzioni e gli esecutori non sono facilmente malleabili. Tra le centinaia di milioni di rifugiati siriani in Europa ci sono i maestri della grande tradizione classica araba: vogliamo creare uno spazio per beneficiare appieno del loro capitale culturale? I segnali di un'evoluzione, tuttavia, ci sono e i principali conservatori di tutto il mondo stanno prendendo l'iniziativa su questi temi. I Conservatori di musica svizzeri hanno un ruolo da svolgere in questo campo; un'opportunità da cogliere.

Martha von Castelberg-von Orelli (1892-1971) deve essere definita una compositrice zurighese finora sconosciuta, riscoperta solo di recente. La fondazione che porta il suo nome, istituita nel 2004 e dedicata alla divulgazione della sua musica, fa la sua prima apparizione pubblica con questa pubblicazione. La fondazione si propone inoltre di realizzare una nuova edizione di tutte le sue composizioni.

Verena Naegele e Sibylle Ehrismann seguono le "poche tracce" lasciate dall'artista, cercando da un lato di ripercorrere la sua vita e dall'altro di organizzare cronologicamente e apprezzare la sua opera.

Martha von Castelberg proveniva da un ramo della famiglia von Orelli che si era convertito al cattolicesimo e viveva secondo principi religiosi particolarmente rigidi. Cresce ben protetta nella diaspora zurighese in una ricca famiglia di banchieri. Si avvicinò alla musica fin da piccola, suonando il violino e la viola, imparando a suonare il pianoforte e studiando intensamente l'armonia, ma non proseguì gli studi musicali a livello professionale. Nel 1920 sposò l'avvocato Victor von Castelberg e divenne madre di due figli. Dal 1912 era una compositrice autodidatta. Dal 1939 trovò la sua casa religiosa e musicale nella chiesa di San Martino a Fluntern, nelle immediate vicinanze della sua abitazione.

Martha von Castelberg compose canzoni sacre (principalmente con accompagnamento d'organo), mottetti a quattro voci, alcune canzoni profane, una messa e una sonata per pianoforte, per lo più per occasioni specifiche o per interpreti nominati nella sua cerchia di conoscenti, come il tenore Peter Willi. Durante la sua vita furono stampate solo poche canzoni e mottetti o furono pubblicate registrazioni delle sue composizioni. Dopo la morte del marito (1957) divenne ancora più silenziosa e dopo la sua morte (1971) fu gradualmente dimenticata.

L'approfondita valutazione della sua vita e del suo lavoro in forma di libro rivela molto sull'ambiente in cui una donna nella Svizzera dell'epoca si concentrava sulla composizione di musica principalmente sacra, ma include anche le prospettive personali dei due autori in modo sensibilmente non dissimulato. Allo stesso tempo, nelle descrizioni delle opere musicali di Sibylle Ehrismann mancano gli esempi musicali aggiuntivi che avrebbero permesso di penetrare sotto la superficie analitica. Si attendono quindi con ansia le (prime) edizioni della (maggior parte delle) opere per conoscere a fondo l'opera di un compositore insolito che ora si sta risvegliando a nuova vita.

Verena Naegele e Sibylle Ehrismann: Martha von Castelberg-von Orelli 1892-1971: comporre, nonostante tutto, 168 p., Fr. 34.00, Hier und Jetzt, Zurigo 2021, ISBN 978-3-03919-539-8

Le donne hanno sempre composto, solo che di solito non erano in grado di presentare la loro musica in pubblico. E se lo facevano, come nell'epoca barocca, venivano immediatamente dimenticate dopo la loro morte. Tuttavia, i loro spartiti esistono ancora, a condizione che siano stati consegnati agli archivi musicali, dove giacciono dormienti. Chiunque li cerchi li troverà. E gli editori musicali come Furore-Verlag stanno sistematicamente modificando queste partiture.

Trovate le donne! è anche il titolo di un progetto di CD su larga scala della flautista Miriam Terragni e della pianista Catherine Sarasin. Il loro obiettivo è quello di ampliare il repertorio flautistico con brani sconosciuti di compositrici donne. Il primo CD è dedicato al periodo romantico, con Emilie Mayer (1812-1883) e Laura Netzel (1839-1927). Emilie Mayer fu un'artista molto apprezzata a Berlino e le sue opere, tra cui sinfonie e ouverture da concerto, furono eseguite in tutta Europa. Barbara Beuys ha recentemente pubblicato un libro illuminante su questa interessante compositrice.

Ora Terragni e Sarasin presentano la Sonata per violino in re maggiore di Mayer, che hanno sottilmente arrangiato per flauto. Questa sonata è un gioiello e suona bene anche con il flauto. Terragni padroneggia i passaggi più virtuosi nell'appassionato Agitato con passione e nello Scherzo spiritoso con bravura tecnica e tono morbido. Anche la fantasiosa Suite in tre movimenti per flauto e pianoforte op. 33 di Laura Netzel fa drizzare le orecchie; il vorticoso Allegretto non troppo vivo è suonato con disinvoltura e precisione dal duo di lunga data Terragni-Sarasin.

Anche la giovane pianista Kathrin Schmidlin è in cerca di indizi, dopo essersi già fatta notare con il suo CD di debutto Voci di donne attira l'attenzione (SMZ 4/2021). In collaborazione con lo studioso di musica Walter Labhart, ha ora pubblicato un CD con brani per pianoforte di otto compositrici che sono in gran parte sconosciute anche ai conoscitori della scena. Si concentra sui loro Opus 1, cioè le prime opere di queste musiciste di grande talento.

Con il suo tocco sottile e la sua mente sveglia, la Schmidlin sa come interpretare in modo vivido i numerosi pezzi brevi. Sotto le sue dita, il Folletti nel favoloso Nove pezzi piccoli di Hilda Kocher-Klein (1894-1975). L'autrice mette brillantemente in risalto i colori impressionistici della famosa opera di Cécile Chaminade (1857-1944). Studio di stampa per brillare, solo per poi mostrarsi in tutta la sua forza nella pesante opera 1 in cinque parti di Vítězslava Kaprálová (1915-1940). Si sente il piacere di Schmidlin in queste scoperte pianistiche.

Opus 1 femminile. Opere di Alicia Terzian, Hilda Kocher-Klein, Cécile Chaminade, Mathilde Berendsen-Nathan, Luise Adolpha Le Beau, Clara Schumann-Wieck, Maria Parczewska-Mackiewicz, Vítězslava Kaprálová. Kathrin Schmidlin, pianoforte. Claves CD 3051

Trovate le donne! Vol. 1 Compositrici dell'epoca romantica. Miriam Terragni, flauto, Catherine Sarasin, pianoforte. Coviello Classics COV 92208

Prima formazione del genere in Svizzera, l'Orchestra da Camera di Zurigo fu fondata nel 1920 da Alexander Schaichet (1887-1964) con l'intento di eseguire "opere raramente ascoltate, mai eseguite o di particolare valore". Il violinista, violista, direttore d'orchestra e insegnante di musica, nato a Nikolayev (Ucraina) e formatosi a Odessa e al Conservatorio di Lipsia, fu membro del Quartetto d'archi di Jena, visse in Svizzera dal 1914, sposò la pianista ungherese Irma Löwinger nel 1919 e diresse l'Orchestra da camera di Zurigo fino al 1943. Dal 1940 fino alla sua morte, insegnò violino all'Accademia musicale di Zurigo.

In meno di due decenni e mezzo, lui e la sua orchestra hanno eseguito circa 50 prime mondiali e oltre 200 prime esecuzioni, soprattutto di compositori contemporanei. Già nel primo decennio si potevano ascoltare nuove opere di compositori svizzeri come Robert Blum, Emil Frey, Paul Juon, Walter Lang e Werner Wehrli, seguite poco dopo da opere di Conrad Beck, Ernest Bloch, Willy Burkhard e Arthur Honegger. Con la musica internazionale di Béla Bartók, Alfredo Casella, Heinrich Kaminski, Ernst Křenek, Bohuslav Martinů, Darius Milhaud, Alexander Mossolow, Bernhard Sekles, Rudi Stephan, Ernst Toch e Leó Weiner, grazie all'impegno appassionato di Schaichet, nacque per Zurigo negli anni Trenta l'"età d'oro della nuova musica".

Pubblicato come edizione di Capodanno dalla Zentralbibliothek Zürich, due CD molto diversi tra loro e un libretto riccamente illustrato ci ricordano il lavoro pionieristico di Shaykhet, ma anche la sua sistematica emarginazione e discriminazione come ebreo. I testi del CD 1 sono arricchiti da numerose citazioni di lettere e campioni sonori, Una biografia musicalesono raccontati da Laura Lienhard, Graziella Rossi, Peter Hottinger e Helmut Vogel. Nel CD 2, la pianista e musicologa Andrea Wiesli, responsabile della concezione musicale, Mirjam Tschopp (violino, viola) e Jonas Kreienbühl (violoncello) interpretano le Opere musicali dei compagni di Alexander Schaichet.

Tra le rarità, tutte arrangiate in modo espressivo nelle prime registrazioni, meritano una menzione speciale, oltre a quelle particolarmente fantasiose, le seguenti Piccole variazioni nella forma dell'esercizio per pianoforte di Lily Reiff-Sertorius. Sei melodie israeliane per violoncello e pianoforte e Soliloquio "In memoria di Alexander Schaichet per viola sola del suo più caro amico Joachim Stutschewsky.

La prima orchestra da camera della Svizzera. Alexander Schaichet 1887-1964.Solo Musica SM 368 (2 CD)

Il pop e il rock possono essere suonati con la chitarra classica? Sì e no. Il 9 Studi sul rock-pop del chitarrista, compositore e insegnante di musica svizzero Michael Erni utilizzano elementi stilistici della cosiddetta musica popolare, ma il loro stile rimane saldamente nella tradizione del suono della chitarra classico-romantica. I passaggi pentatonici ricordano il rock e il blues, gli accordi con le seconde e le settime maggiori ricordano le armonie musicali di Andrew Lloyd Webber, ad esempio. L'insieme di questi elementi dà vita a una raccolta di brani attraenti e colorati di vari gradi di difficoltà per adolescenti e adulti di livello più avanzato.

I nove brani sono raggruppati nelle aree essenziali del legato, del barré e dei cambi di posizione per la mano sinistra, con esercizi preparatori corrispondenti in ciascun caso. Tuttavia, gli esercizi preparatori non riflettono le reali esigenze dei singoli brani. Ad esempio, i semplici esercizi di legato non tengono conto delle numerose limitazioni che si presentano in seguito. I vari schemi di arpeggio della mano destra non vengono affrontati affatto.

Alcuni numeri hanno una forma chiara e trasparente, mentre in altri quasi troppe buone idee si riuniscono in uno spazio ridotto. Suoni molto belli Deep River, con una semplice melodia su compatti accordi romantici di barré. La conclusione Gran finale in cui sono richiesti anche rasgueados e arpeggi di trenta secondi. È difficile immaginare che gli studenti suonino l'opera allo stesso tempo del compositore e del maestro nella corrispondente registrazione su YouTube...

Michael Erni: 9 studi rock-pop con esercizi di preparazione, per chitarra classica sola, DZ 3703, € 13,72, Les Productions d'Oz, Lévis (Québec)

La Società Joachim Raff, fondata 50 anni fa a Lachen SZ, città natale del compositore, arrangiatore, direttore d'orchestra, insegnante di musica e scrittore Joseph Joachim Raff, ha celebrato il suo 200° compleanno (27 maggio) non solo con concerti, conferenze e mostre, ma anche con varie pubblicazioni. Prima ancora che fosse disponibile la pubblicazione commemorativa dell'associazione, scritta dal suo presidente Res Marty, è stata resa possibile la pubblicazione della prima registrazione completa delle opere di Raff per violoncello e pianoforte. Questo dimostra ancora una volta che il compositore, un tempo sinfonista di successo internazionale, era da un lato un compositore eclettico che si ispirava a Mendelssohn Bartholdy, Schumann e Liszt, e dall'altro un visionario che guardava a Brahms.

Anche se l'estasiante Duo op. 59, il Due pezzi fantasy op. 86, che contengono un dialogo originale di staccati e pizzicati, e che sono disponibili anche in una versione con corno, di incantevole semplicità. Due storie d'amore op. 182 sono ancora influenzati dalla Nuova Scuola Tedesca, ma contengono anticipazioni del linguaggio musicale di Brahms e dei compositori più giovani. Nella Sonata in re maggiore op. 183, più classicista che romantica, nel cui movimento iniziale lo strumento ad arco è circondato da tempestose corse del pianoforte, il vivace scherzo - è un pezzo bis per eccellenza - ricorda fortemente Mendelssohn.

Il violoncellista svizzero Christoph Croisé, che aveva già eseguito il 1° Concerto in re minore op. 193 di Raff a Lachen all'età di diciotto anni, interpreta queste rarità in un'interazione finemente equilibrata con la pianista Oxana Shevchenko, in modo espressivo e con una brillantezza accattivante.

L'"educazione musicale" è in voga, ma tra virgolette. Già a scuola, alcuni bambini vengono introdotti alla musica classica, si spera che ascoltino anche i Beatles, che facciano rap giocoso o che cantino ritmicamente. Ai concerti di musica classica, c'è una conferenza introduttiva per gli adulti, un libretto del programma e, in alcuni casi, brevi presentazioni degli esecutori. Oltre ai giornalisti musicali, i curatori agiscono anche come "mediatori musicali". Questi ultimi mettono insieme i programmi nel modo più sensato possibile, magari cercando formati di concerto insoliti, nuovi luoghi, nuove forme di ricezione.

Il pubblico dei concerti del futuro è il titolo di un'antologia pubblicata dalla casa editrice Transcript di Bielefeld, che contiene principalmente i testi di una conferenza tenutasi alla Bern University of the Arts nel 2019. Essenzialmente, i contenuti ruotano attorno a quest'ultimo punto: come possono essere i nuovi formati "eccitanti" che non seguono il mainstream delle istituzioni concertistiche tradizionali? Il punto di partenza è chiaro per la maggior parte degli autori. Il "concerto classico" aveva già "articolazioni artificiali dell'anca" prima di Corona, ammette la coeditrice Barbara Balba Weber, "Corona gli ha dato il colpo di grazia" (p. 219).

Ebbene, questa non è altro che una tesi piuttosto ripida, che suona strana quando migliaia e migliaia di musicisti escono ogni anno da università e accademie. Per di più, molte persone hanno voglia di esibizioni dal vivo, di incontri e di una qualità del suono che non può essere riprodotta con le cuffie o anche con i più costosi sistemi surround domestici, a fronte di flussi live prevalentemente tristi. Ci sono anche luoghi in cui i concerti continuano a funzionare bene, dove le sale non sono riempite solo da persone con più di settant'anni. In breve, il tono sfacciato e consapevole di Weber e di molti altri autori è inquietante.

Tuttavia, questa antologia di dodici saggi offre spunti illuminanti. Spesso ispirati alla nuova musica, le 229 pagine si concentrano sui concerti partecipativi, sull'improvvisazione e, soprattutto, sui nuovi luoghi. Anja Wernicke racconta il festival Zeiträume di Basilea, dove dal 2015 i concerti all'aperto - nella tradizione dei concerti rurali del festival di Rümlingen - sono stati trasferiti in spazi urbani, creando legami con l'architettura e alcuni ambienti sociali. Catriona Fadke, Hannah Schmidt, Juri de Marco e Viola Schmitzer presentano la loro orchestra improvvisata. Nel Radialsystem di Berlino, che ha registrato il tutto esaurito, hanno suonato e improvvisato con elementi della Quarta Sinfonia di Beethoven, ovviamente per la gioia del pubblico, che ha potuto muoversi liberamente nello spazio del concerto.

Naturalmente non mancano le parole d'ordine dell'attuale politica culturale: Termini come "digitalità, sostenibilità, diversità, apertura dei processi, partecipazione" si ripetono con colori diversi. La sociologa e musicologa Susanne Keuchel scrive di "molti eccitanti concetti musicali didattici" che potrebbero essere raggiunti se "le app vengono utilizzate per creare attività digitali partecipative in aggiunta al suono dell'orchestra" (p. 36). Tutto questo può avere buone intenzioni, ma sembra allontanarsi da quelle persone (non solo anziane!) che vogliono e possono semplicemente fare una cosa: sperimentare l'arte in modo mirato con altre persone. Senza tante parole, senza domande sul significato e sullo scopo e, in definitiva, senza domande su un futuro che è difficile da valutare di per sé.

Irene Müller-Brozovic, Barbara Balba Weber (a cura di): Das Konzertpublikum der Zukunft - Forschungsperspektiven, Praxisreflexionen und Verortungen im Spannungsfeld einer sich verändernden Gesellschaft, 229 p., € 33,00, Transcript, Bielefeld 2022, ISBN 978-3-8376-5276-5
Accesso libero

Secondo quanto comunicato da Stretta Concerts all'inizio della stagione 22/23 il 17 settembre, la serie di concerti è saldamente ancorata alla vita culturale del Cantone di Argovia e mira ad affermarsi come piattaforma svizzera per la musica classica. Il programma della nuova stagione comprende l'Orchestra da Camera di Zurigo con Daniel Hope e l'Orchestra della Svizzera italiana sotto la direzione di Heinz Holliger con Sebastian Bohren come solista nel primo concerto per violino di Béla Bartók.

Invece di un biglietto d'ingresso, verrà fatta una colletta per accogliere ogni spettatore e tutti gli appassionati di musica classica. Sebastian Bohren, è stato premiato quest'estate con l'"Arco d'oro" della Fondazione della Scuola svizzera di liuteria.dice: "Anche senza prezzi d'ingresso e abbonamenti, abbiamo un pubblico regolare e fedele che si è quasi abbonato a noi. I Concerti di Stretta sono diventati parte integrante della vita concertistica della Svizzera centrale e sono rimasti ben radicati nell'agenda del nostro pubblico".

Il programma di finanziamento è stato innescato dalla discussione pubblica sull'obiettivo "spazi culturali" della città. In tale contesto, è stata più volte sottolineata la forte carenza di opportunità di esibizione, in particolare per i giovani gruppi musicali. Per questo motivo, il Comune ha istituito il progetto pilota "Newcomer Stages & Live Support", un nuovo programma di finanziamento per questi giovani artisti.

Il gruppo grunge-pop "Nesta and the Blondes" darà il via alla manifestazione. Andrea Corona, Michelle Früh, Benjamin Richner e Lorenzo Corona condividono la passione per lo snowboard e la musica. Si esibiranno al Cuadro22 il 23 settembre e il giovane artista Lenny Ammann è conosciuto sul palco come "AM$". Parla in inglese, francese e dialetto e colpisce per i suoi ganci melodiosi. Presenterà la sua musica al Loucy Bar & Eventhall il 24 settembre.

La band "The Exploding Trees" è stata fondata un anno fa ed è composta da musicisti provenienti da Svizzera, Austria e Germania, tenuti insieme dall'artista di Coira Arnaud Pas. Dopo innumerevoli concerti di strada a Coira, la loro miscela di rock e reggae potrà essere sperimentata dal vivo sul palco di Palazzo Chur il 15 ottobre.

Nesta and the Blondes, AM$ e The Exploding Trees hanno ora l'opportunità di aumentare la loro presenza sul palco e ottenere visibilità. Oltre all'opportunità di esibirsi su un palco da concerto a Coira con un'infrastruttura professionale, riceveranno consigli e feedback da un esperto del settore musicale.
 

Le vele sono state spiegate per la nuova stagione: "... lo Jedi tornerà" - ma non alla fine del mondo, bensì al KKL Luzern, insieme a un gruppo di pirati di spicco, maghi di talento, la leggiadra Cenerentola, la regina dei ghiacci assolutamente impenitente e Luke, Leia e Darth Vader sul grande schermo. Per la stagione 2022/23, la variegata compagnia ha in serbo un programma colorato con le più belle musiche da film.
La 21st Century Orchestra, sotto la direzione musicale di Ludwig Wicki, è lieta di accompagnare gli spettacolari seguiti del classico della fantascienza Guerre stellarila saga fantasy Harry Potter e Pirati dei Caraibi - Alla fine del mondo e soprattutto la prima di KKL del film Disney La regina dei ghiacciper poter suonare dal vivo.
Un incontro con la fiaba classica nel periodo natalizio Tre nocciole per Cenerentolaprima Il suono di Quentin Tarantino chiuderà l'anno con un best-of musicale del regista di culto.

Nella sala da concerto si provano emozioni travolgenti quando la musica del film viene eseguita dal vivo, come in occasione del nuovo concerto di gala di inizio stagione. Epic - Colonne sonore leggendarieIl 5 e 6 novembre 2022, la 21st Century Orchestra e il 21st Century Chorus, diretti da Ludwig Wicki, eseguiranno le musiche di Il Signore degli Anelli, Lo Hobbit, Gladiatore, Il Trono di Spade, Hunger Games, Braveheart, Ben Hur, Thor: Il mondo oscuro, Re Artù Il pubblico intraprende un epico viaggio sonoro nelle Highlands scozzesi, nella Terra di Mezzo e nello spazio, nell'antica Roma, nel Medioevo e nel futuro.

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Con un po' di fortuna, potreste vincere 2×2 biglietti per il concerto:

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6 novembre 19.30 al KKL di Lucerna.
Esecuzione del concerto senza filmati.

Si prega di inviare un'e-mail con l'indirizzo esatto entro il 10 ottobre:
contact@musikzeitung.ch

I vincitori saranno informati al più tardi nella settimana 42.