In considerazione della situazione finanziaria instabile della PMI all'inizio dell'anno in corso e dei compiti urgenti che ci attendono, tra cui il collegamento dei due siti web musinfo.ch e musicedition.chLa SGNM concede alla PMI un prestito senza interessi di 5.000 franchi svizzeri per finanziare provvisoriamente il lavoro in corso.

Dopo la morte inaspettata del suo presidente Hans-Jürg Meier nel dicembre 2015, la PMI ha ampliato il suo consiglio di amministrazione con Roman Brotbeck e Thomas Gartmann e ha eletto il presidente della SGNM Javier Hagen nel suo consiglio di amministrazione, il che ha favorito la cooperazione tra le due organizzazioni musicali e i fornitori di servizi, come si può vedere da questo esempio.

La SGNM è la sezione svizzera della Società Internazionale di Musica Contemporanea (ISCM), fondata nel 1922, e il collegamento svizzero alla rete internazionale dell'ISCM. La PMI è la casa editrice dei compositori svizzeri e gestisce anche la banca dati svizzera sulla nuova musica. musinfo.ch.
 

Cantare e suonare intervalli richiede un alto grado di controllo, unito a una precisa percezione sensoriale e a un rapido aggiustamento se l'intervallo cantato è troppo alto o troppo basso. Questa precisione è richiesta anche dai maschi di cinciallegra (Parus major) durante la stagione riproduttiva. Essi intonano instancabilmente un canto a due sillabe. Un singolo esemplare ha un repertorio che può arrivare fino a sei canti diversi. Il canto viene utilizzato per marcare il territorio contro i rivali e per attirare potenziali partner per l'accoppiamento.

In uno studio, il ricercatore bernese Heinz Richner ipotizza ora che la precisione degli intervalli cantati dai diversi maschi di cinciallegra possa essere un indicatore della loro attrattiva o del loro status sociale.

La cinciallegra è uno degli uccelli canori più appariscenti: La testa bianca e nera contrasta con il giallo brillante della fronte, al centro della quale spicca una "cravatta" più o meno ampia di piume nere. Studi precedenti hanno dimostrato che la dimensione della cravatta è un indicatore di attrattività, status sociale, successo riproduttivo e resistenza ai parassiti.

Nello studio, i maschi sono stati incoraggiati a cantare con un canto di cinciallegra generato al computer, il loro canto è stato registrato, le frequenze di vibrazione dei due toni del canto a due sillabe sono state calcolate con un software e la deviazione dall'intervallo più vicino è stata determinata. I maschi sono stati poi misurati e il lato ventrale è stato fotografato per determinare la larghezza e l'area della cravatta nera.

I risultati mostrano che i cantori di intervalli precisi e con un ampio repertorio vocale sono anche quelli con una cravatta grande. Ciò significa che un rivale o un potenziale compagno può giudicare la qualità di un maschio non solo dalla sua cravatta, ma anche da una distanza maggiore e in una foresta fitta. Questo è il primo studio a stabilire una correlazione tra la qualità individuale e la precisione degli intervalli cantati per una specie animale.

"È sorprendente che le cince utilizzino gli stessi intervalli su cui si basano le scale della musica occidentale nell'accordatura pura", afferma Heinz Richner. Il nuovo studio è quindi molto importante non solo per comprendere l'evoluzione della comunicazione acustica negli animali, ma potenzialmente anche per l'evoluzione della musica.

Articolo originale:
Heinz Richner: Il canto intervallato si collega alla qualità fenotipica in un uccello canoro. Atti dell'Accademia nazionale delle scienze PNAS, 2016, DOI: 10.1073/pnas.1610062113

Beat Anliker, alias Pädu MC Anliker, è una delle personalità più note della città - e un caso unico, secondo la motivazione delle autorità per il Premio Thun. Con il suo locale culturale Café Bar Mokka, ha trasformato un ex centro giovanile in un club rinomato e ha inserito la città di Thun nella mappa delle importanti sedi concertistiche della Svizzera. Con oltre 100 concerti all'anno, il locale è molto apprezzato dal pubblico e dai musicisti e si diffonde ben oltre i confini di Thun.

Nel locale si esibiscono regolarmente note star della musica svizzera e internazionale, poeti slam e altri artisti. L'intenditore di musica Anliker ha anche dato ripetutamente l'opportunità a giovani talenti musicali di fare la loro prima esperienza sul palco ed è stato quindi anche un importante promotore della scena musicale regionale. Beat Anliker, che si faceva chiamare MC ("Master of Ceremony") Anliker, ha gestito il suo locale con grande passione per 30 anni.
 

Il concerto nel cantone di San Gallo, a cui hanno partecipato circa 5000 persone, è stato organizzato da diversi movimenti la cui esistenza e le cui azioni sono radicate nell'odio razziale. Sebbene la prevenzione del razzismo non comprenda la precensura, la FCR ritiene essenziale che le autorità svizzere, a tutti i livelli, effettuino i necessari controlli legati alla concessione di una licenza nell'ambito di una procedura di autorizzazione.

È inoltre importante che le autorità siano in grado di verificare il rispetto del reato di razzismo in occasione di eventi pubblici o, se necessario, di adottare le misure necessarie per denunciare alla magistratura eventuali violazioni della legge. Per quanto riguarda il concerto di Unterwasser, la FCR ritiene che sia necessario chiarire i mezzi per prevenire o - in caso di illegalità - sanzionare tali eventi.

Vediamo treni di ingranaggi appesi a telai arrugginiti. Le grandi ruote si incastrano tra loro ed evocano orologi folli e sovradimensionati, macchine fantastiche e dispositivi meccanici enigmatici. Strumenti musicali rotti e corpi sonori sono incorporati nelle costruzioni meccaniche. Simboli del fondo della storia dell'arte accanto a oggetti industriali e di uso quotidiano con funzioni sorprendenti, bocce di vetro, fusti di petrolio, pozzi neri e martelli per scorie completano le colossali sculture. Nonostante la ruggine e le numerose tracce di caducità, predominano i colori vivaci e allegri. A riposo e a prima vista, le quattro macchine musicali si assomigliano, ma i loro suoni sono completamente diversi. Premendo un pulsante prendono vita e per qualche minuto rivelano tutta la loro individualità.

Méta-Armonia I è il più melodico, il violino e gli strumenti a tastiera sono elementi centrali. Nascosto tra gli ingranaggi, uno gnomo da giardino con una fisarmonica gira intorno al proprio asse come se fosse posseduto. I giocattoli per bambini sono molto presenti, una figura di Pinocchio in legno scivola sui tasti di un pianoforte distrutto. Cercare di far corrispondere la sequenza dei suoni ai movimenti meccanici e alle immagini che ne derivano richiede una certa pazienza. Ma c'è il suono degli strumenti a tastiera, una scala forma la melodia di battiti e sonagli ovattati. Ascoltare, riconoscere e cercare di capire i meccanismi, oppure lasciarsi stupire dal flusso di associazioni: entrambi gli approcci hanno il loro fascino.

Il pezzo più sfarzoso della mostra è il Méta-Armonia 3 dall'anno 1984, anche Pandemonio n. 1 chiamato. Teschi di animali che fanno tintinnare le loro mascelle. Un vecchio coniglio di plastica e una scultura di aquila girano sul proprio asse, cinquantadue motori muovono ruote i cui assi immaginari attraversano la stanza. Nuovi dettagli diventano visibili man mano che l'attenzione viene attirata dai suoni. L'intera macchina è decorata con ciuffi di piume colorate. Gli effetti luminosi da show-stall fanno lampeggiare e brillare la macchina, e si percepisce che il confronto di Tinguely con la morte non è tragico o spaventoso, ma una festa barocca per i sensi che non nega il suo riferimento alla Danza della Morte di Basilea.

La sintesi delle arti di Tinguely

Méta-armonia è una parola impegnativa. Annja Müller-Alsbach, curatrice della mostra, la spiega così: "I suoni che Jean Tinguely produce con le sue macchine, lo stridore e il gracchiare, lo sferragliare e il rimbombare, sono l'opposto dell'armonia. Le sue sculture non sono macchine musicali nel vero senso della parola, ma macchine per la miscelazione del suono. Fin dall'inizio, Jean Tinguely ha utilizzato i suoni come materiale artistico. Utilizza spesso suoni quotidiani e industriali, che tratta come oggetti trovati, proprio come i suoi oggetti scultorei. Lo stimolo acustico emanato dalle sculture è destinato a completare lo stimolo visivo. L'udito e la vista sono sinonimi per la comprensione delle sue opere.

Vedeva le sue Méta-Harmonie come fenomeni indipendenti, anche se sono riconoscibili i riferimenti alla Nuova Musica minimalista o al movimento Fluxus, a John Cage e a Robert Rauschenberg. Tuttavia, Jean Tinguely non era interessato a dare un contributo alla musica del suo tempo, ma a sintetizzare le arti.

L'esibizione solitaria di ogni singola Méta-Harmony è un'esperienza che vi stupirà e divertirà. Ma non perdete l'occasione di vedere le quattro Méta-Harmonies e la scultura mobile Klamaukche completa la serie, in interazione. Poi accade qualcosa di inaspettato: emerge l'armonia. I toni e i rumori delle cinque sculture si incastrano, si completano o si annullano a vicenda, creando paesaggi sonori che formano melodie e ritmi. Questo è sorprendente se si considera che le opere sono state create nel corso di otto anni e sono state consegnate immediatamente ai loro clienti, cosicché Jean Tinguely stesso non ha mai avuto l'opportunità di sperimentarle in dialogo. L'interazione delle macchine musicali può essere seguita in mostra più volte al giorno, ogni mezz'ora.

Nel suo discorso di apertura, il direttore del museo Roland Wetzel ha sottolineato l'unicità dell'evento: "È improbabile che le grandi sculture vengano riunite nel prossimo futuro. Due sono nella collezione di Basilea, una in quella di Vienna, e Méta-Armonia 3 proveniente da Karuizawa, in Giappone, ha viaggiato per otto settimane via mare prima di poter prendere posto nello showroom.

Christian Henking ha studiato con Cristobal Halffter e Edison Denissov. Ha ricevuto importanti impulsi da Wolfgang Rihm e György Kurtag. La sua opera "Figaro¿" è stata presentata in anteprima all'Orchestra del Teatro di Biel Solothurn nel 2014.

La violinista Patricia Kopatchinskaja, che vive a Berna da molti anni, si è esibita come solista con numerose e rinomate orchestre europee al fianco di direttori come Sir Roger Norrington, Philippe Herreweghe e Thomas Hengelbrock.

Andreas Schaerer ha studiato canto e composizione a Berna. Si esibisce con il gruppo "Hildegard Lernt Fliegen", in duo con Lucas Niggli, in trio con i due musicisti viennesi Martin Eberle e Peter Rom e, più recentemente, con Bobby Mc Ferrin. Dal 2010 Schaerer insegna canto jazz, improvvisazione e musica d'insieme all'Università delle Arti di Berna.

L'architetto, performer e musicista Christoph Hess è alla base del progetto solista Strotter Inst. il cui nome si riferisce deliberatamente sia allo strumento che all'installazione. Nei suoi concerti, utilizza giradischi preparati per generare strutture sonore e ritmiche sempre più complesse e stratificate.

Dopo aver studiato musica classica per diversi anni, la pianista Marie Kruttli ha scoperto il jazz. Ha proseguito gli studi a Losanna con Emil Spanyi e poi a Lucerna con Hans Feigenwinter. Come compositrice e pianista, nel 2010 ha fondato il suo trio e come pianista ha già suonato con numerosi e noti musicisti jazz.
 

Ancora una volta: momenti inquietanti. Il filosofo inglese Roger Scruton sale sul palco di Donaueschingen. Scruton è stato consigliere di Margaret Thatcher e ha scritto un libro sulla musica del XX secolo. Ora tiene una conferenza in inglese sulla musica contemporanea o su quella che considera nuova musica: opere di Arnold Schönberg, Pierre Boulez o Karlheinz Stockhausen. Le conclusioni di Scruton: La nuova musica si è impantanata nei sistemi, ha tenuto in scarsa considerazione l'orecchio e qualcosa di nebuloso come le "condizioni fisiologiche della percezione". Ergo: la musica contemporanea è ormai solo una questione di specie che si riunisce ogni anno a Donaueschingen, per esempio. Il pubblico ha applaudito doverosamente dopo la conferenza e ha lasciato rapidamente la sala con la consapevolezza che non valeva la pena rispondere all'oratore. L'elenco dei soli errori di Scruton andrebbe oltre lo scopo di questa presentazione. No: Theodor W. Adorno non era favorevole alla tecnica dodecafonica di Schoenberg. No: l'orecchio non è una costante sovrastorica. No: nemmeno Beethoven era un fenomeno popolare di massa che scriveva belle melodie che tutti capivano. E ancora no: i festival di Nuova Musica sono molto frequentati, sia a Berlino, sia a Stoccarda, sia a Oslo, sia a Varsavia, sia a Donaueschingen, dove, a differenza degli anni Cinquanta o Sessanta, non si sono incontrati solo 50 compositori e teorici, ma - secondo il comunicato stampa dell'organizzatore - 10.000 persone aperte e interessate a ciò che i compositori e gli artisti del suono di oggi stanno elaborando.

Fusioni

Posizioni come quella estremamente conservatrice descritta sono diventate obsolete, e non solo a Donaueschingen. La storia della musica si svolge da tempo al plurale e festival come le Giornate musicali di Donaueschingen ne sono il riflesso. Il compositore svizzero Michael Wertmüller porta il fantastico trio jazz-hardcore Steamboat Switzerland con Marino Pliakas (basso), Lucas Niggli (batteria) e Dominik Blum (organo Hammond) insieme al nuovo ensemble musicale Klangforum Wien. Ritmicamente avvincente, densa ed energica, questa prima assoluta del discordia. La presenza di entrambe le formazioni, che suonano in modo incredibilmente preciso e "puntuale" sotto la direzione del direttore Titus Engel, è impressionante. A Wertmüller interessa poco l'unità organica. Di tanto in tanto ci sono pause, cesure, pause generali, poi anche elementi paratattici sotto forma di virtuosi passaggi solistici all'organo Hammond, al basso elettrico o ai clarinetti e allo xilofono. L'ex batterista Wertmüller ha esperienza nell'incontro tra il jazz/rock e la cosiddetta nuova musica. Alla fine, però, l'equilibrio sonoro rimane problematico. Anche quando il basso elettrico e l'organo Hammond suonano tranquillamente, anche quando Lucas Niggli si limita alla batteria, la fusione ha i suoi limiti quando le dinamiche non si fondono.

"Megaeterofonia

L'anno scorso c'è stato un consenso unanime: è stata una pessima annata con troppi concetti e idee invece di musica ben pensata. Ora suonava meglio. Anche quest'anno c'è stata musica noiosa e talvolta - cosa migliore - esperimenti andati male. D'altra parte, alcune delle 17 prime mondiali saranno ricordate con affetto. Il nuovo concerto per trombone e orchestra del compositore austriaco Georg Friedrich Haas, nel concerto orchestrale conclusivo, suona serenamente sicuro di sé. Lo stile personale di Haas corrisponde a paesaggi sonori sostenuti e microtonali, che il solista Mike Svoboda arricchisce con toni di trombone meravigliosamente radiosi e penetranti. Il nuovo lavoro di Martin Jaggi, nato a Basilea nel 1978, era molto atteso. Con il suo impressionante lavoro del 2008 Juggernaut per grande orchestra, si abbandonava ancora a colori piuttosto scuri. Nella prima esecuzione Caral per orchestra inizia con quattro flauti, che - leggermente stonati dal punto di vista microtonale - presentano una cultura musicale minacciata di estinzione. Il quartetto di flauti esegue melodie provenienti dalle Ande, più precisamente dagli altopiani boliviani e peruviani, alle quali l'orchestra risponde in quella che Jaggi stesso definisce una sorta di "mega-eterofonia". Come in Juggernaut Jaggi raggiunge l'impresa della coerenza formale, persino della logica subliminale. Nulla si scompone qui, nonostante tutte le sregolatezze sonore, nonostante tutti i diversi elementi che danno all'opera un volto colorato ma anche profondo. Jaggi dice che non vuole certo ripetersi. Ma questo Caral si spera di risuonare presto.

Un detto popolare indica il Föhn come il più antico abitante della Svizzera centrale. Chiunque abbia vissuto una tempesta di Föhn sa che questo vento caldo potrebbe anche essere descritto come un musicista primordiale, perché canta, fischia, ruggisce e tuona, facendo sferragliare, sferragliare e rimbombare tutto ciò che non è inchiodato.

L'iniziatore dell'opera Asciugacapelliche ha debuttato sul palco principale del Teatro di Basilea nel 2014, il cantante e regista Christian Zehnder si chiede giustamente perché questo fenomeno non sia mai stato tradotto in musica. Ci sono certamente echi della musica delle Alpi come couleur locale in opere teatrali romantiche a tema svizzero e in opere sinfoniche con motivi pastorali, ma il potere distruttivo degli spiriti delle montagne è stato riconosciuto solo di recente nell'opera di Heinz Holliger Alb-Cheehr dal 1991.

Chi si è perso le poche rappresentazioni dell'opera può ora acquistare un libro dal design accattivante con foto naturalistiche e teatrali, pubblicato da rüffer & rub: Föhn, un mito in parole e musica.

Gli interpreti sono gli stessi della produzione di Basilea. Tuttavia, hanno registrato nuovamente l'opera con l'Ensemble Phönix Basel sotto la direzione generale di Erik Oña, cambiando la sequenza delle recitazioni in lingua standard (narratore: Hansrudolf Twerenbold), i dialoghi parlati in un misto di dialetto urano e obvaldese dalla coppia di contadini (Carina Braunschmidt e Martin Hug), le parti del coro maschile (preparate da Fritz Näf) e le parti vocali (il soprano danese di coloratura Susanne Elmark nel ruolo della Föhnfrau e il cantante di jodel e overtone Christian Zehnder nel ruolo del chiamante delle montagne e del tempo).

Il compito dell'orchestra da camera è quello di utilizzare principalmente strumenti a fiato e alcuni strumenti a corda, chitarra elettrica, pianoforte, percussioni e rumori per rappresentare onomatopeicamente il vento, le valanghe e la forza bruta della natura in scrosci e ribollimenti. Il compositore lavora con elementi seriali, utilizza cluster fino a dodici toni, ma compone anche liberamente in diverse sonorità, infatti, nelle parti corali elabora file di canti e il motivo della testa in una canzone popolare. Lueget vo Bärge e Tal.

Nei passaggi parlati, i montanari si lamentano del favonio. La colpa è dell'eccitazione erotica, del dolore e della sofferenza. Impotente, la moglie del contadino ricorre a un incantesimo: "Rämpä, mämpa, dWelt isch scheen / Hä kä Ängscht, dü bleede Feehn". Ciononostante, la montagna precipita a valle. Rimane solo il favonio. Il contadino e la moglie del contadino si tengono per mano.

Il libretto testimonia per l'ultima volta l'esuberante immaginazione, l'eloquenza e l'amore per l'ambiente del poeta. Urs Widmer non è vissuto per vedere la rappresentazione in cui avrebbe dovuto essere il narratore. Così Föhn - un gioco meteorologico ciclico nella parola stampata, parlata e cantata è diventata un'eredità luminosa.

Urs Widmer, Fortunat Frölich, Christian Zehnder, Föhn - Ein Mythos in Text und Musik, 144 p., con CD, Fr. 34.00, rüffer & rub, Zurigo 2016, ISBN 978-3-907625-93-4

Quando il postino porta la grande scatola, rimango a bocca aperta. timpano comprende una cartella concettuale spessa, tre canzonieri e due cartelle di materiale con fogli di lavoro. timpano è un sussidio didattico, no, è molto di più, è un compendio. Può essere utilizzato per costruire una lezione di musica completa per bambini da 0 a 10. Si rivolge agli insegnanti di musica specializzati nella prima infanzia, nella scuola dell'infanzia e nella scuola primaria, ma anche agli insegnanti e agli educatori della prima infanzia. È anche possibile utilizzarne alcune parti nelle prime lezioni strumentali.

Il motivo esterno per la creazione del libro di testo è stata la pubblicazione del piano di educazione musicale dell'Associazione delle scuole di musica tedesche. timpano fornisce ora il materiale per la sua realizzazione e lo fa in modo brillante.

Dopo un'introduzione di orientamento generale, il capitolo "Fondamenti" offre testi su tutti gli aspetti rilevanti dell'insegnamento musicale precoce. Ci sono articoli sullo sviluppo del bambino, sul trattamento di tutti i sensi, sul trasferimento ad altre discipline e sul lavoro con i genitori, solo per citarne alcuni. Segue il materiale musicale vero e proprio. Offerte incentrate sugli argomenti timpano offre oltre 100 preparazioni di lezioni complete e molto dettagliate. Il materiale musicale è stato spesso composto ex novo e tutti gli esempi audio possono essere ascoltati sui tre CD inclusi. La selezione della musica è accurata, c'è molto da scoprire: jazz, musica extraeuropea, ma anche brani classici al di fuori del canone generalmente conosciuto. È estremamente utile la presenza di una tabella riassuntiva di tutte le aree tematiche, grazie alla quale è possibile orientarsi molto rapidamente.

I tre canzonieri illustrati, in un formato un po' più piccolo e maneggevole, sono pensati per aiutare le canzoni imparate a passare dalla classe al repertorio familiare. Alcune canzoni possono essere ascoltate, gli arrangiamenti sono estremamente vari e trasparenti, i CD sono concepiti in modo tale da poter essere tranquillamente collocati nella stanza dei bambini. Tengono conto del fatto che i bambini piccoli reagiscono ai diversi stili in modo relativamente neutro.
Le due cartelle di materiale offrono fogli aggiuntivi (di lavoro) per le lezioni: modelli che possono essere copiati, compilati o colorati.

In sintesi: i professionisti hanno lavorato con estrema cura e competenza. Chiunque lavori nel campo dell'educazione musicale per queste fasce d'età scoprirà nel timpano un vero e proprio tesoro di brani musicali, canzoni e idee entusiasmanti. Sono convinto che presto entrerà in tutte le biblioteche musicali. Vale la pena di investire in questo libro.

Forse quel piccolo capello nella zuppa: timpano è l'opera congiunta di cinque autrici e un autore. Ogni testo, ogni canzone, ogni idea è attribuita a uno di loro, a volte più volte in luoghi diversi. Forse un po' meno sarebbe stato meglio.

timpano. Pratica musicale elementare in gruppi tematici per bambini da 0 a 10 anni, pacchetto completo, BE 2827, fino al 27 febbraio 2017 € 159,00, successivamente € 184,00; tutte le parti sono disponibili anche separatamente; Bosse Verlag, Kassel 2016, www.timpano.de

A prima vista, il repertorio di opere di musica da camera per pianoforte e violoncello del tardo classico viennese e del primo romanticismo non sembra così vasto. Le cinque grandi sonate e i tre cicli di variazioni di Ludwig van Beethoven svettano e, con la loro presenza sproporzionata, eclissano composizioni perfettamente valide di Franz Xaver Mozart, Bernhard Romberg, Josef Woelfl e Franz Danzi.

Lo stesso destino è condiviso anche dal Grande Sonate pour le Pianoforte et Violoncelle in la maggiore op. 104 di Johann Nepomuk Hummel (1778-1837). L'opera è dedicata a Maria Pavlovna, moglie del duca Carl Friedrich di Weimar, al cui servizio il compositore fu Kapellmeister dal 1819 fino alla sua morte nel 1837. Hummel stesso suonò l'opera a Parigi e a Vienna.

L'ampia opera in tre movimenti ha un carattere completamente lirico. La cantabilità e l'armonia del secondo movimento (Romanza) ricordano la prima epoca romantica.

L'edizione Urtext supervisionata da Mark Kroll si pone agli stessi livelli delle nuove edizioni delle opere per violoncello di Beethoven pubblicate da Bärenreiter. Si basa sull'autografo e sulle stampe pubblicate durante la vita del compositore. L'ampia prefazione e la relazione critica forniscono una visione competente dei problemi della prassi esecutiva e delle contraddizioni delle fonti.

Johann Nepomuk Hummel, Sonata per pianoforte e violoncello op. 104, Urtext a cura di Mark Kroll, BA 10904, € 11,95, Bärenreiter, Kassel 2015

Già durante la vita di Hugo Distler (1908-1942), il suo Racconto di Natale op. 10 è una delle sue opere sacre più popolari. La scrisse nel 1933, all'età di soli 25 anni, durante una fase creativa molto feconda. Fu stampata nello stesso anno ed ebbe una sola edizione di 2.000 copie, il che non ne diminuì la popolarità. Anche la prima ha avuto luogo a Colonia nel 1933.

In termini di contenuto, la parte principale dell'opera si basa sui racconti del Nuovo Testamento degli evangelisti Luca e Matteo. Il racconto natalizio di Distler è formalmente orientato verso l'opera di Heinrich Schütz, come egli stesso sottolinea nella prefazione. Si inserisce quindi negli sforzi dell'epoca di rinnovare la musica sacra attraverso il ricordo. Il coro introduttivo e quello finale, simili a un mottetto, fanno da cornice all'azione. Inoltre, la storia è raccontata da sette variazioni su È spuntata una rosa pervaso. L'atmosfera generale è allegra, contenuta e delicata. L'opera è segnata da recitativi e i movimenti polifonici sono molto impegnativi.

Hugo Distler, La storia di Natale op. 10, a cura di Klaus-Martin Bresgott, partitura, CV 10.011, € 18,00, Carus, Stoccarda 2015

Il "violinista leone" Henry Vieuxtemps ha scritto la Elégie op. 30 come prima opera per viola e la eseguì a San Pietroburgo nel 1848. Poiché il dedicatario, il conte Wielhorski, era anche un violoncellista di talento, Vieuxtemps la arrangiò anche per violoncello. L'atmosfera cupa e appassionata in fa minore si schiarisce nella sezione centrale in la bemolle maggiore e la ricapitolazione è seguita da una brillante coda, il cui motivo a sestine compare anche in molte transizioni sorprendenti e nella parte pianistica. Il compositore combina magnificamente tutti i registri della viola. La parte aggiuntiva, segnata da Tabea Zimmermann, contiene tutte le diteggiature della prima edizione, integrandole sensibilmente ma sovraccaricandole con troppe figure nello stesso registro.

Il ventottenne Alexandre Glasunov, che stava già lavorando alla sua Quarta Sinfonia, creò una nuova opera nel 1893 con la sua Elégie op. 44 è una delle più belle opere romantiche originali per viola e pianoforte. La melodia, che scorre in tempo 9/8, è accompagnata da una parte pianistica differenziata. Come nella Elégie di Vieuxtemps, la parte del pianoforte è ditata da Klaus Schilde e la parte della viola è segnata da Tabea Zimmermann.

Henry Vieuxtemps, Elégie op. 30 per viola e pianoforte, Urtext a cura di Peter Jost, HN 1229, € 11,50, G. Henle, Monaco 2014

Alexandre Glasunow, Elégie op. 44, per viola e pianoforte, a cura di Dominik Rahmer, HN 1241, € 9,00, G. Henle, Monaco 2014

Il Concerto per pianoforte e orchestra in do minore di Mozart - ammirato non solo da Beethoven e ovviamente fonte di ispirazione per il suo nella stessa tonalità - merita probabilmente un posto d'onore tra i tanti grandi concerti del maestro. A differenza dell'opera gemella in re minore, la parte solistica è intrecciata in modo ancora più consistente con l'orchestra, il che porta a effetti sinfonici, soprattutto nel primo movimento. Nel Larghetto centrale prevale la più pura musica da camera in dialogo con i fiati solisti. E il finale si conclude - in modo del tutto insolito e non come in Beethoven, ad esempio - senza compromessi in tonalità minore.

Ernst Herttrich di Henle-Verlag ha ora ristampato il capolavoro. La riduzione per pianoforte, le diteggiature, le cadenze e le entrate sono di András Schiff. Nel senso più letterale del termine, l'editore ha mostrato una buona mano: La parte orchestrale nella riduzione per pianoforte è ingegnosamente mantenuta semplice, può essere suonata quasi a vista e tuttavia suona colorata. Anche le diteggiature sono altamente raccomandabili per il consumatore medio. Non è sempre così quando i grandi artisti presentano le loro ricette esecutive personali...

Infine, anche le cadenze e le entrate di Schiff sono convincenti e rivelano un grande senso dello stile e della pratica. Particolarmente degno di nota: alla fine della grande cadenza del primo movimento, Schiff cita testualmente la fine della sezione di sviluppo, creando così un'avvincente transizione verso il tutti. Tutte queste aggiunte e anche alcune varianti tratte dalla penna di Mozart sono integrate in modo discreto nella musica chiaramente arrangiata. Un'edizione esemplare!

La casa editrice Bärenreiter ha scelto un approccio completamente diverso per la nuova edizione Urtext del Quinto Concerto per pianoforte e orchestra di Beethoven, che tende ad avere una dimensione ancora più sinfonica. E il risultato presentatoci dall'editore Jonathan Del Mar è altrettanto sontuoso. Non solo ha corretto meticolosamente gli errori in un'ampia partitura di studio, ma ha anche fornito una parte solistica separata, una riduzione per pianoforte e un commento critico ampio e interessantemente illustrato.

L'attenzione e lo sforzo dell'editore non possono essere lodati abbastanza. Il problema, tuttavia, sta nel concetto: che senso ha una parte separata per il pianoforte solo in cui la parte orchestrale è visibile solo di tanto in tanto? Con questo concerto in particolare, si vuole sempre avere una visione d'insieme. E al contrario, nella riduzione per pianoforte, che Martin Schelhaas ha allestito in modo eccellente, la parte solistica è inclusa solo in piccolo, il che è visivamente poco convincente.

Purtroppo, questa nuova edizione non è pratica né per chi vuole imparare la parte solistica né per l'accompagnatore ed è quindi di scarso aiuto nelle lezioni. La partitura, invece, insegna molto su un'opera che si pensava di conoscere già troppo bene...

Wolfgang Amadeus Mozart, Concerto per pianoforte e orchestra in do minore K. 491, a cura di Ernst Herttrich, riduzione per pianoforte, diteggiatura, cadenze e entrate di András Schiff, HN 787/ EB 10787, € 18,50, G. Henle, Monaco/Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2015

Ludwig van Beethoven, Concerto n. 5 in mi bemolle maggiore op. 73 per pianoforte e orchestra, a cura di Jonathan Del Mar; partitura, BA 9025, € 45,50; riduzione per pianoforte di Martin Schelhaas, BA 9025-90, € 24,95; relazione critica, BA 9025-40, € 41,50; Bärenreiter, Kassel 2015

Il libretto Questo è il Vangelo contiene sei nuove composizioni e altrettanti spiritual tradizionali in nuovi arrangiamenti, compreso lo standard gospel Oh Happy Day. La scrittura corale è prevalentemente a quattro voci, ma in alcuni brani viene estesa a cinque voci dividendo il soprano. Come accompagnamento è disponibile una parte scritta per pianoforte. Tuttavia, i simboli armonici aggiunti consentono anche di aggiungere un accompagnamento strumentale (ad esempio, chitarra o basso) o di consentire un accompagnamento semplificato come alternativa. I battiti di mani e di mani sul ritmo off-back sono aggiunti nei punti appropriati della partitura e possono essere modificati se necessario. I solisti possono modificare il fraseggio in base alle loro preferenze o possibilità individuali e aggiungere anche i propri fills.

I ritornelli sono orecchiabili e facili da padroneggiare. Sono un aggiornamento dello stile di canto precedente.

That's Gospel. New Gospel Songs and Traditional Spirituals for mixed Choir (with solo Voice) and Piano, composed and arr. by Peter Przystaniak; EP 11399, with CD, € 24.95; piano part with solo voice, EP 11399a, Fr. 16.80; Edition Peters, Leipzig u.a. 2015

Ernst-Thilo Kalke, che pubblica anche opere per quartetto d'archi e altre formazioni, ha arrangiato qui tre note melodie per violino o viola e pianoforte in modo tecnicamente facile e stilisticamente appropriato. Le chiavi di due brani sono state scelte in modo diverso per le due edizioni, al fine di ottimizzare le possibilità tonali di violino e viola. Le sottigliezze ritmiche - sincopi, terzine, note puntate - sono presentate in modo molto chiaro. Spesso spetta agli esecutori decidere se attenersi allo schema ternario o tornare a quello binario. La parte pianistica offre senza difficoltà le ricche armonie originali e partecipa anche all'azione melodica.

George Gershwin, Promenade (Short Story, Lullaby, Walking the Dog) per violino e pianoforte, arrangiamento di Ernst-Thilo Kalke, BU 8123, € 12,00, Musikverlag Bruno Uetz, Halberstadt 2014

id., per viola e pianoforte, BU 8126, € 12,00