Il Concerto per pianoforte e orchestra in do minore di Mozart - ammirato non solo da Beethoven e ovviamente fonte di ispirazione per il suo nella stessa tonalità - merita probabilmente un posto d'onore tra i tanti grandi concerti del maestro. A differenza dell'opera gemella in re minore, la parte solistica è intrecciata in modo ancora più consistente con l'orchestra, il che porta a effetti sinfonici, soprattutto nel primo movimento. Nel Larghetto centrale prevale la più pura musica da camera in dialogo con i fiati solisti. E il finale si conclude - in modo del tutto insolito e non come in Beethoven, ad esempio - senza compromessi in tonalità minore.

Ernst Herttrich di Henle-Verlag ha ora ristampato il capolavoro. La riduzione per pianoforte, le diteggiature, le cadenze e le entrate sono di András Schiff. Nel senso più letterale del termine, l'editore ha mostrato una buona mano: La parte orchestrale nella riduzione per pianoforte è ingegnosamente mantenuta semplice, può essere suonata quasi a vista e tuttavia suona colorata. Anche le diteggiature sono altamente raccomandabili per il consumatore medio. Non è sempre così quando i grandi artisti presentano le loro ricette esecutive personali...

Infine, anche le cadenze e le entrate di Schiff sono convincenti e rivelano un grande senso dello stile e della pratica. Particolarmente degno di nota: alla fine della grande cadenza del primo movimento, Schiff cita testualmente la fine della sezione di sviluppo, creando così un'avvincente transizione verso il tutti. Tutte queste aggiunte e anche alcune varianti tratte dalla penna di Mozart sono integrate in modo discreto nella musica chiaramente arrangiata. Un'edizione esemplare!

La casa editrice Bärenreiter ha scelto un approccio completamente diverso per la nuova edizione Urtext del Quinto Concerto per pianoforte e orchestra di Beethoven, che tende ad avere una dimensione ancora più sinfonica. E il risultato presentatoci dall'editore Jonathan Del Mar è altrettanto sontuoso. Non solo ha corretto meticolosamente gli errori in un'ampia partitura di studio, ma ha anche fornito una parte solistica separata, una riduzione per pianoforte e un commento critico ampio e interessantemente illustrato.

L'attenzione e lo sforzo dell'editore non possono essere lodati abbastanza. Il problema, tuttavia, sta nel concetto: che senso ha una parte separata per il pianoforte solo in cui la parte orchestrale è visibile solo di tanto in tanto? Con questo concerto in particolare, si vuole sempre avere una visione d'insieme. E al contrario, nella riduzione per pianoforte, che Martin Schelhaas ha allestito in modo eccellente, la parte solistica è inclusa solo in piccolo, il che è visivamente poco convincente.

Purtroppo, questa nuova edizione non è pratica né per chi vuole imparare la parte solistica né per l'accompagnatore ed è quindi di scarso aiuto nelle lezioni. La partitura, invece, insegna molto su un'opera che si pensava di conoscere già troppo bene...

Wolfgang Amadeus Mozart, Concerto per pianoforte e orchestra in do minore K. 491, a cura di Ernst Herttrich, riduzione per pianoforte, diteggiatura, cadenze e entrate di András Schiff, HN 787/ EB 10787, € 18,50, G. Henle, Monaco/Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2015

Ludwig van Beethoven, Concerto n. 5 in mi bemolle maggiore op. 73 per pianoforte e orchestra, a cura di Jonathan Del Mar; partitura, BA 9025, € 45,50; riduzione per pianoforte di Martin Schelhaas, BA 9025-90, € 24,95; relazione critica, BA 9025-40, € 41,50; Bärenreiter, Kassel 2015

Il libretto Questo è il Vangelo contiene sei nuove composizioni e altrettanti spiritual tradizionali in nuovi arrangiamenti, compreso lo standard gospel Oh Happy Day. La scrittura corale è prevalentemente a quattro voci, ma in alcuni brani viene estesa a cinque voci dividendo il soprano. Come accompagnamento è disponibile una parte scritta per pianoforte. Tuttavia, i simboli armonici aggiunti consentono anche di aggiungere un accompagnamento strumentale (ad esempio, chitarra o basso) o di consentire un accompagnamento semplificato come alternativa. I battiti di mani e di mani sul ritmo off-back sono aggiunti nei punti appropriati della partitura e possono essere modificati se necessario. I solisti possono modificare il fraseggio in base alle loro preferenze o possibilità individuali e aggiungere anche i propri fills.

I ritornelli sono orecchiabili e facili da padroneggiare. Sono un aggiornamento dello stile di canto precedente.

That's Gospel. New Gospel Songs and Traditional Spirituals for mixed Choir (with solo Voice) and Piano, composed and arr. by Peter Przystaniak; EP 11399, with CD, € 24.95; piano part with solo voice, EP 11399a, Fr. 16.80; Edition Peters, Leipzig u.a. 2015

Ernst-Thilo Kalke, che pubblica anche opere per quartetto d'archi e altre formazioni, ha arrangiato qui tre note melodie per violino o viola e pianoforte in modo tecnicamente facile e stilisticamente appropriato. Le chiavi di due brani sono state scelte in modo diverso per le due edizioni, al fine di ottimizzare le possibilità tonali di violino e viola. Le sottigliezze ritmiche - sincopi, terzine, note puntate - sono presentate in modo molto chiaro. Spesso spetta agli esecutori decidere se attenersi allo schema ternario o tornare a quello binario. La parte pianistica offre senza difficoltà le ricche armonie originali e partecipa anche all'azione melodica.

George Gershwin, Promenade (Short Story, Lullaby, Walking the Dog) per violino e pianoforte, arrangiamento di Ernst-Thilo Kalke, BU 8123, € 12,00, Musikverlag Bruno Uetz, Halberstadt 2014

id., per viola e pianoforte, BU 8126, € 12,00

Nato nel 1829, il compositore e celebre pianista Louis Moreau Gottschalk trascorse l'infanzia a New Orleans e la giovinezza a Parigi, dove da giovane entrò in contatto, tra gli altri, con Hector Berlioz, Georges Bizet e Camille Saint-Saëns. Le sue radici familiari affondano in Inghilterra, Spagna e Francia; i suoi nonni vivevano nei Caraibi. Questo background multiculturale si riflette nella sua virtuosa gestione di vari stili nazionali, caratterizzata soprattutto dall'enfasi sul ritmo e che già prefigurava lo sviluppo di elementi tipici del successivo ragtime. Gottschalk morì a Rio de Janeiro nel 1869, a soli 40 anni.

Manchega è un pezzo di bravura dal sapore spagnolo, scritto in una battuta di sei ottavi, che a sua volta può essere scomposta in sedicesimi e tre ottavi per lunghi tratti. Suonato a un tempo elevato, dà luogo a caratteristiche sincopi. L'arrangiamento per due chitarre del musicista, pedagogo ed editore viennese Michael Langer non si attiene pedissequamente all'originale, ma adatta le note in modo significativo e specifico per lo strumento, ad esempio scomponendo le note ripetute nella mano sinistra del pianista in arpeggi adeguati nella parte di chitarra che lo accompagna. Nonostante i registri alti, le corse veloci e alcuni elementi percussivi, il brano rimane facile da suonare e attraente.

L'impeccabile edizione di spartiti consiste in una partitura e in due parti individuali con diteggiatura e segni di tocco. Il fatto che la composizione, fondamentalmente di tradizione "classica", appaia come numero fingerstyle nella stessa serie di brani di musicisti come Paul Simon o Carlos Santana è un po' sorprendente, ma l'editore lo giustifica con i soggiorni di Gottschalk in America Latina e l'affascinante atemporalità della sua musica.

Louis Moreau Gottschalk, Manchega per due chitarre, fingerstyle ed. Michael Langer, D 839, € 9,80, Dux, Manching 2015

Il MIZ si basa sull'esperienza della piattaforma "Musik macht Heimat", lanciata nell'ottobre 2015, che è stata una reazione spontanea ai diversi progetti di aiuto ai rifugiati organizzati spontaneamente e ha reso visibile l'impegno del settore musicale. Come base per il nuovo progetto, verranno raccolte e presentate informazioni complete sull'intera gamma di iniziative, progetti ed eventi relativi al tema "musica e integrazione".

Un'area riservata ai membri fornisce un forum per coloro che sono coinvolti e interessati alla scena per fare rete, scambiare idee e condividere esperienze. Secondo il comunicato stampa del German Music Council, il MIZ risponde alle sfide sociali del presente, in cui si può già osservare uno spostamento da progetti e iniziative culturali di benvenuto a programmi di integrazione sostenibili e a lungo termine.

La nuova piattaforma informativa dovrebbe essere messa online nel corso del prossimo anno.

"(...) e allora faccio quello che mi fa tanto male, 'prendo la penna' per ringraziarti finalmente, finalmente, per tutto quello che mi è arrivato in casa e nel cuore da te il 1° settembre!". (Schoeck a Hesse, 27 settembre 1936) Il compositore amava coltivare ampiamente i contatti personali diretti, ma non amava scrivere lettere. Come molti altri passaggi della corrispondenza tra Othmar Schoeck (1886-1957) e Hermann Hesse (1877-1962), anche questa citazione è nota nella letteratura schoeckiana, ma è la prima volta che viene pubblicata integralmente.

Chris Walton e Martin Germann hanno curato l'edizione integrale delle lettere e le hanno collegate biograficamente perché, come scrivono nell'introduzione, la corrispondenza di Schoeck con Hesse è di gran lunga la più interessante in termini di contenuto (p. 9). Ora costituisce il 105° volume della serie Schwyzer Hefte. In ordine cronologico, le lettere riferiscono principalmente della vita artistica quotidiana; gli eventi politici contemporanei sono appena accennati. Sono organizzate in modo chiaro, annotate con note a piè di pagina e testi esplicativi e, in alcuni casi, integrate da ricordi pertinenti di persone della sua cerchia di amici.

Insieme alle 34 immagini accuratamente riprodotte (foto, illustrazioni e facsimili), esse ripercorrono in modo molto dettagliato questa amicizia artistica. Il volume è completato da alcuni testi di Hesse su Schoeck, dal saluto di Schoeck pubblicato pubblicamente in occasione del 75° compleanno di Hesse e dalle memorie di Fritz Brun sul viaggio in Umbria del 1911. Il volume è una sorta di storia di Schoeck e Hesse di facile lettura e ricco di informazioni. La bibliografia, la documentazione e l'indice ne fanno un'opera di consultazione pratica.

Chris Walton, Martin Germann (a cura di), Hermann Hesse e Othmar Schoeck. Der Briefwechsel, 135 p., 34 ill., Fr. 25.-, Schwyzer Hefte, Vol. 105, Theiler Druck AG Wollerau 2016, ISBN 978-3-909102-67-9, ISSN 1010-3694

In qualità di direttore artistico e amministrativo del Concorso pianistico internazionale Honens di Calgary dal 2004, Stephen McHolm ha diretto il concorso, organizzato un festival e concerti annuali di musica da camera e avviato programmi di educazione musicale nelle comunità canadesi. Due degli ultimi tre vincitori del Concorso Honens erano ex studenti dell'Accademia del Festival di Verbier.

Stephen McHolm succede a Christian Thompson, che ha guidato la Verbier Festival Academy negli ultimi dodici anni. Il VFA basa la sua buona reputazione "sull'impegno per l'eccellenza e la creatività, su un corpo docente eccezionale e su un approccio visionario al modo in cui i giovani musicisti possono costruirsi una carriera nel XXI secolo", così si caratterizza l'istituzione.
 

Il messaggio culturale per il periodo di finanziamento 2016-2020 prevede un cambiamento nel sistema di sovvenzioni operative per musei e collezioni. Secondo la volontà del Parlamento, a partire dal 2018 le sovvenzioni operative federali saranno assegnate tramite una procedura di richiesta. In precedenza, i beneficiari erano determinati direttamente nell'ambito del messaggio culturale del governo federale. La riorganizzazione si baserà su un concetto di finanziamento del Dipartimento federale dell'interno (DFI), che stabilisce i requisiti e i criteri pertinenti.

Il Dialogo culturale nazionale ha espresso un giudizio positivo sull'orientamento della nuova politica museale. Il concetto di finanziamento entrerà in vigore il 1° gennaio 2017. Le richieste di contributi operativi possono essere presentate dall'inizio di gennaio 2017 fino al 31 marzo 2017.

Il programma di lavoro 2016-2020 comprende anche misure nei settori della promozione della letteratura, della conservazione dei monumenti, della partecipazione culturale e delle biblioteche. L'obiettivo è quello di affrontare le sfide comuni attraverso una maggiore cooperazione e coordinamento. Nel 2016 il Dialogo culturale nazionale sarà presieduto dall'Associazione delle città. L'ultimo incontro è stato presieduto da Sami Kanaan, responsabile del Dipartimento Cultura e Sport della città di Ginevra.

Il Dialogo culturale nazionale è stato istituito nel 2011 e riunisce i rappresentanti delle autorità politiche e i rappresentanti culturali dei Cantoni, delle città, dei Comuni e della Confederazione. Il suo lavoro si basa su un accordo del 2011 e sul programma di lavoro 2016-2020 adottato nell'aprile 2016. Le autorità politiche formano l'organo di indirizzo strategico del Dialogo culturale nazionale con il capo del Dipartimento federale dell'interno (DFI), i rappresentanti della Conferenza svizzera dei direttori cantonali dell'educazione (CDPE), l'Associazione svizzera delle città (SSV) e l'Associazione svizzera dei comuni (SGV).

Figlio di due musicisti classici, Marc Perrenoud è cresciuto in un mondo pieno di suoni. All'età di sei anni ha iniziato a improvvisare al pianoforte a casa e presto è stato mandato a lezione di musica. In seguito si appassiona ai Beatles e a Bach, ma anche al blues e al jazz e a pianisti come Scott Joplin e Oscar Peterson. Si è diplomato all'Ecole de Jazz di Losanna nel 2005. Due anni prima era già stato premiato con il Chrysler Award al Montreux Jazz Festival. Solo allora il ginevrino ha capito di voler intraprendere la carriera di musicista.

Nel frattempo, è attivo da nove anni con il suo Marc Perrenoud Trio, che comprende anche il batterista Cyril Regamey e il bassista Marco Müller. La formazione pubblicherà il suo quarto album nelle prossime settimane, Il ragazzo della naturasarà pubblicato. Ma prima di ciò, il 35enne ha voluto realizzare un sogno a lungo inseguito: il suo debutto da solista. È stato pubblicato a giugno e si chiama Hamra - che in arabo significa "rosso". Tuttavia, il titolo si riferisce anche all'omonimo quartiere di Beirut. Il figlio di una donna olandese e di un uomo svizzero ha trascorso diversi mesi nella capitale libanese, dove si è risvegliata la sua curiosità per la cultura del Medio Oriente. Tuttavia, il disco si concentra principalmente sulle tradizioni musicali dell'Occidente.

Mentre l'impressionista Conversazione con Nino con il compositore cinematografico Nino Rota (1911-1979), è dedicato al compositore cinematografico Nino Rota (1911-1979). Quintes gli esercizi al pianoforte: Ben presto l'artista non si preoccupa più di una disciplina rigorosa e si rotola sui tasti in modo fresco, sfrontato ed energico. Nei suoi brani Perrenoud dimostra sia l'audacia che l'arte dell'improvvisazione. L'opera inizia con Tutte le cose che sei, che gioca con le strutture ritmiche emanate dalla batteria, e si conclude con la malinconica e melodiosa Il re e l'ocaio dalla penna di Wojciech Kilar. In mezzo c'è una serie di canzoni non solo poetiche e virtuosistiche, ma anche varie e aggraziate. Perrenoud è riuscito a riempire il suo suono di piano solo con immaginazione, astuzia e vita.

Il quartetto di corni moderni Hornroh è presente nei primi 30 dei 38 brani del doppio CD. Gletsc con brani tradizionali e nuove composizioni per il silenzio e la devozione. Gli ultimi due brani della prima parte Corale delle Alpi di Robert Scotton e l'arrangiamento per corno alpino di Anton Wicky dopo il brano di Schubert Santo è il Signore rivelano inequivocabilmente questa intenzione. Nel testo del libretto, intitolato "Slow listening", Cécile Ohlshausen raccomanda di prendersi il tempo necessario per ascoltare questa nuova uscita.

La lenta esplorazione delle melodie naturalmente prive di tonalità del corno alpino e dei richiami Büchel, a volte tratti da un lontano passato, poi adattati alle moderne abitudini di ascolto da Hornroh, è adatta per la meditazione, per un esercizio di mindfulness personale. E una volta che ci si è calmati da questo ascolto paziente, si è pronti per i depositi glaciali di Misch Käser per un corno alpino ciascuno in La, Sol, Mi e Mi bemolle. Quest'opera, commissionata dal Festival di Lucerna nel 2009 al compositore svizzero nato nel 1959, porta il curioso titolo di Gletsc e si vede come un "ghiacciaio", dal quale le ultime tre lettere si sono già simbolicamente sciolte. A causa della diversa accordatura dei quattro alphorn, il suono è "sbagliato" fin dall'inizio, a differenza di un quartetto di alphorn con strumenti accordati alla stessa altezza. I sei movimenti, intitolati con termini della glaciologia, non hanno perso la loro dolorosa attualità dopo la prima esecuzione e sembrano inquietanti come la copertina di Pierre-Yves Borgeaud del trittico video quella terra. Gli intermezzi percussivi sono opera del percussionista argoviese Pit Gutmann.

Tra i 30 brani del preludio a Gletsc sette richiami tradizionali di Büchel del Canton Svitto hanno un significato documentario. Balthasar Streiff li ha raccolti da registrazioni e musica e li ha arrangiati per ancia di corno. Anche il compositore tedesco Georg Haider fa riferimento alla musica originale svizzera con i dieci richiami intercalati. Marginalia Riferimento. Le miniature per due o tre corni alpini sono state composte durante un mese di vacanza in Prettigovia e alcune di esse sono state eseguite in anteprima con un trio di corni alpini locale.

Questa notevole registrazione, che presenta la diversità delle hornpipes moderne e la tradizione del corno alpino, suona con il suono di Georg Haider. Ninna nanna sovrainciso con tre voci registrate individualmente e sovrapposte.

L'edizione musicale storico-critica contiene non solo le opere che Webern stesso ha portato a stampa, ma anche le loro versioni inedite, composizioni non pubblicate durante la sua vita, composizioni giovanili e di studio, nonché frammenti, schizzi e arrangiamenti.

L'obiettivo della Anton Webern Complete Edition è quello di documentare nel modo più completo possibile la biografia del compositore e la storia della composizione, della pubblicazione e dell'esecuzione delle sue opere. Dopo la compilazione da parte del Dipartimento di Musicologia, l'edizione sarà pubblicata in un'edizione ibrida cartacea/online.

A seguito di una valutazione dei progetti di edizione nuovi e in corso, il FNS ha selezionato 23 progetti da finanziare nel periodo di finanziamento 2017-2020. Le possibilità di elaborazione e pubblicazione digitale saranno utilizzate per l'indicizzazione del materiale. Ciò significa che le edizioni saranno gratuite e facilmente accessibili nello spirito dell'open access, facilitando così il loro utilizzo per ulteriori ricerche.

Il FNS finanzia anche l'edizione critica delle opere dello storico della cultura e dell'arte basilese Jacob Burckhardt, il carteggio Bernoulli, un progetto di edizione "Der späte Nietzsche", il patrimonio letterario di Karl Barth, un'edizione critica di Robert Walser e un progetto di catalogazione dei manoscritti medievali e della prima età moderna in Svizzera.

Secondo un comunicato stampa dell'Austrian Music Council (ÖMR), la cancellazione del round di finanziamento è il risultato di una disputa legale tra i rappresentanti dei diritti d'autore e degli artisti e Amazon. L'azienda statunitense si rifiuta di pagare il compenso per copia privata previsto dalla legge austriaca sul diritto d'autore sui supporti di memorizzazione che consegna direttamente in Austria.

Secondo il Consiglio musicale austriaco, l'incertezza giuridica derivante da questo processo significa che i sistemi di finanziamento di diverse società di gestione collettiva sono in pericolo e i fondi esistenti sono stati congelati. Ciò significa che non sono più disponibili nemmeno per il Fondo austriaco per la musica.

Se le società di copyright perdessero la causa contro Amazon in ultima istanza, cita Harry Fuchs, direttore generale del Musikfonds, ciò avrebbe conseguenze drammatiche per l'intero settore. I sistemi di supporto finanziati dalla remunerazione della copia privata crollerebbero.
 

"We are the robots" è lo slogan che campeggia sui manifesti del festival. Chi sta parlando? Chi siamo noi? Tutti noi? Siamo diventati tutti robot, automi controllati da computer, algoritmi e smartphone? O sono queste macchine a parlare? E che suono ha la musica dei robot? Si tratta di qualcosa di straordinariamente diverso da ciò che abbiamo inteso per musica fino ad oggi? Qualcosa di completamente nuovo, in grado di espandere i nostri "canali di percezione intasati e ottusi", come scrive Philipp Rhensius nel libro "La musica robot". Neue Zürcher Zeitung del 22 luglio 2016 ha scritto?
"Quello che ascolteremo al festival", si legge nel libretto del programma, "non è musica di robot, ma musica umana suonata da macchine". Beh, questo non sembra scandalosamente diverso da tutto ciò che abbiamo ascoltato in precedenza. Piuttosto il contrario. E purtroppo non sembra un confronto con il fatto che siamo diventati tutti robot da tempo. Anche se in questo caso i robot saranno i primi a suonare il campanello d'allarme: Gli esseri umani manterranno comunque il controllo. Che peccato!

Arte grafica: Marion Wörle

Estratto dal manifesto

La scelta del luogo mi riconcilia di nuovo. Mi sembra di immergermi in un romanzo gotico. La ciminiera dell'ex birreria, un edificio industriale in mattoni, si staglia nel cielo scuro della notte, illuminata fiocamente da un faretto rosso. Una scala buia conduce in cantina, da cui si sprigiona un leggero odore di muffa, e non sorprenderebbe trovare il laboratorio di un dottor Frankenstein. Invece, un carillon meccanico risuona dalle profondità, suonando il brano di Erik Satie Vexations suona. Satie compose le numerose ripetizioni per tormentare il pianista. Nell'installazione di Gerhard Kern, questo sgradevole compito è svolto da un automa: che praticità! Altrove, in un'umida stanza della cantina, piccoli punti di luce brillano nell'oscurità, emettendo un cinguettio elettronico. Cicale di Michele Pedrazzi crea un'atmosfera simile a quella dei film distopici di Jean-Pierre Jeunet.

Le macchine per le quali i curatori del festival hanno commissionato delle composizioni sono allestite al piano superiore. Su uno dei due palchi si trovano i robot dall'aspetto scultoreo della Fondazione belga Logos: canne d'organo montate su carretti a mano, strumenti a percussione, imbuti per elicotteri, sottili strisce metalliche oscillanti dotate di tubi, tubature, fili e luci lampeggianti. L'orchestra di robot di Gand è stata creata negli anni '60 e da allora è stata continuamente sviluppata, tanto che l'ensemble di sette robot ricorda allo stesso tempo Star Wars, Alien e Mad Max. Nella prima mondiale, il duo Hacklander/Hatam combina Arruolamento come allineamento gli strumenti percussivi Logos, che hanno nomi evocativi come "Troms", "Temblo" e "Psch", con suoni programmati al computer e la batteria suonata dal vivo da Colin Hacklander. I ritmi dell'uomo e della macchina si combinano per creare una complessità a più livelli. La violoncellista Okkyung Lee utilizza gli stessi strumenti Logos combinati con un violoncello per la sua composizione SoomNoRae. Qui, le percussioni dei robot sembrano monotone e monotone in contrasto con lo strumento suonato da Okkyung Lee; il suono del violoncello ha chiaramente la meglio sulla macchina. Ma i robot contrattaccano. Uno di loro semplicemente non parte nel posto giusto. Gli umani hanno sempre il controllo! Il tecnico deve intervenire e riavviare la programmazione. L'errore imprevisto nel sistema interrompe la rigida sequenza che la macchina impone allo strumentista e, per un attimo, crea una sensazione di vivacità.
I curatori Marion Wörle e Maciej Sledziecki, che lavorano insieme come duo gamut inc, hanno anche composto un pezzo per gli strumenti Logos: Planet Nine. Una palla da discoteca nera gira sotto il soffitto, punteggiando la stanza di punti luminosi. Wörle e Sledziecki siedono davanti ai loro computer portatili come i piloti di un'astronave e osservano le azioni pre-programmate dei robot. Suoni cupi di drone vi trasportano in un ampio arco verso infinite distese musicali. Per un attimo non si percepiscono più i robot come semplici attrazioni da fiera, ma come strumenti, o addirittura come strumentisti.
 

Foto: Christoph Voy

"Troms" dallo strumentario della Fondazione Logos

Il secondo gruppo di strumenti composti per il festival sono le macchine sonore di Roland Olbeter. I suoi "Pollywoggs", allungati e con una superficie di plastica grigia, ricordano le macchine dei capannoni di produzione dell'industria automobilistica, ma il loro suono è modellato sugli strumenti di un quartetto d'archi. Il secondo gruppo di strumenti di Olbeter, chiamati "Sound clusters", assomigliano a fagotti o clarinetti mutati, ma producono suoni simili a quelli di una chitarra. Nel 12 pezzi per macchine OlbetersPiotr Kurek ha composto per diverse combinazioni di strumenti, i suoni dei singoli strumenti sono chiaramente enfatizzati. Purtroppo, i "Pollywoggs" suonano come sintetizzatori economici degli anni '80, per cui il suono non giustifica davvero lo sforzo tecnico. Anche l'impressione scenica delle macchine del suono lascia molto a desiderare, poiché il pubblico non può vedere esattamente come vengono prodotti i suoni. Inoltre, poiché i suoni sono sempre tecnicamente amplificati, cioè escono comunque dagli altoparlanti, ci si chiede quale sia la differenza tra questo e la riproduzione di un backtrack o di un CD.

Dopo tre giorni al Robot Festival, avrete sicuramente voglia di musica di persone per persone, con voci e respiro e una presenza fisica che apra i canali di percezione bloccati e vi faccia sentire la vostra vitalità.