Divano o sedia imbottita?

Ascoltare musica privatamente è molto comodo al giorno d'oggi, ma una vera esperienza musicale può avvenire solo a un concerto. Queste due forme di consumo musicale non devono necessariamente escludersi a vicenda.

Friederike Schmiedl (traduzione: IA) - 30 novembre 2016

Ascoltare musica privatamente è molto comodo al giorno d'oggi, ma una vera esperienza musicale può avvenire solo a un concerto. Queste due forme di consumo musicale non devono necessariamente escludersi a vicenda.

Chi non conosce la tentazione di indossare abiti comodi il venerdì sera dopo una dura settimana di lavoro e di accoccolarsi sul divano con un bicchiere di vino o una birra fresca? Non c'è nulla di male nel salutare la fine della giornata lavorativa in questo modo. Ma una volta che ci si è sistemati comodamente, quasi nessuno pensa a come questo atteggiamento influisca sul consumo di musica.

Concerto dal vivo su una poltrona imbottita vs. musica sul divano di casa? Mentre alcuni amano vestirsi eleganti e vivere gli artisti da vicino, altri preferiscono ascoltare la musica dalla vasca da bagno, mentre cucinano o sul già citato divano. Ma le due forme di consumo musicale devono essere messe in contrapposizione?

All'inizio è abbastanza semplice. Si sceglie un concerto e si acquista un biglietto, cosa che oggi è possibile con pochi clic su Internet. A questo punto non resta che vestirsi bene e presentarsi al posto giusto in orario: a tutto il resto ci pensa il personale. C'è personale per ogni compito immaginabile - non dovrete nemmeno applaudire voi stessi, perché in caso di dubbio se ne occuperanno gli ascoltatori. Potete quindi sedervi e lasciare che la musica vi inondi. Tuttavia, la tendenza si sta spostando sempre più verso il consumo privato di musica all'interno delle proprie quattro mura. Perché la partecipazione a molti concerti è in calo quando è così facile?

L'accesso alla musica cambiò in modo significativo nel XIX secolo. Le sale da concerto furono ampliate e la scena musicale fiorì. In questo periodo, l'ascolto mirato era in prima linea nell'esperienza musicale. Dal XX secolo la musica ha subito, o meglio ha dovuto subire, enormi cambiamenti. L'inarrestabile sviluppo della tecnologia ha lasciato il segno anche sulla scena culturale e musicale. Siamo maturati in una vera e propria società dei consumi che deve affrontare il problema del lusso e dell'eccesso di offerta, una società in cui esistono molte sottoculture una accanto all'altra, in cui le persone si isolano sempre più dall'ambiente e vedono la musica più come un'esperienza privata e meno come un'esperienza pubblica. Grazie alle numerose possibilità tecniche di oggi, da iTunes e Spotify alle collezioni private di CD e agli impianti high-tech, non dobbiamo più uscire in pubblico per ascoltare la musica. Possiamo anche portarla nelle nostre case. Siamo altrettanto isolati anche all'interno della società, isolati da piccoli tappi che permettono alla musica di raggiungere le nostre orecchie. È questo il consumatore di oggi? Possiamo parlare di una vera e propria deconcentrazione della musica. A questo punto, però, è necessario sottolineare ancora una volta i due tipi di ascolto della musica: Da un lato, "l'attenzione consapevole alla musica" (nel senso di partecipare attivamente ai concerti), dall'altro, "l'attenzione divisa, in cui la musica viene vissuta solo sullo sfondo e altre attività sono di solito in primo piano", per citare Klaus-Ernst Behne, ex presidente dell'Università di musica, teatro e media di Hannover.

Tuttavia, il progresso tecnico comporta naturalmente anche numerosi vantaggi. Il solo aspetto pratico e conveniente. Possiamo ascoltare la musica sempre e ovunque. Senza limitazioni. Ci circonda in numerose situazioni quotidiane e piove incessantemente sui nostri dispositivi finali. Riprodotta con le tecnologie più recenti, la musica può suonare chiara, ma non è autentica, unica o originale. Il consumo di musica come esperienza dal vivo diventa un momento irripetibile della nostra vita. Si sperimenta qualcosa che non può essere esattamente ripetuto in questa forma. Si sperimentano gli artisti e i suoni da vicino, si può osservare la loro destrezza o la loro abilità respiratoria e tecnica. Si è presenti quando comunicano tra loro senza parole, si coinvolgono gli uni con gli altri, si vedono le perle di sudore che si formano sulla loro fronte a causa dello sforzo e dei riflettori caldi e brillano alla luce. Lasciarsi semplicemente trasportare dall'attrazione della musica dal vivo e lasciare che l'atmosfera che si crea tra il pubblico fluisca su di voi: questo è ciò che rende la musica in concerto un momento tangibile e originale.

Gli studi dimostrano che il consumo di musica è aumentato notevolmente negli ultimi anni grazie alle numerose modalità di accesso. Ma questo risponde alla domanda sul perché le persone preferiscono ascoltare la musica in modo isolato piuttosto che assistere a concerti in compagnia? Secondo l'indagine Forsa condotta dalla Fondazione Körber di Amburgo, l'88% dei tedeschi considera la musica classica un importante patrimonio culturale, ma solo uno su cinque ha assistito a un concerto di musica classica nell'ultimo anno. Tra coloro che hanno meno di 30 anni, solo uno su dieci lo ha fatto. È proprio così: Se non si deve essere attivi, si è generalmente entusiasti di molte cose, ma non appena si deve fare qualcosa in prima persona, l'entusiasmo diminuisce. Questo fatto è ancora più problematico per la musica contemporanea, che è anche associata al luogo comune che in genere si rivolge solo a pochi. Tuttavia, assistere a un concerto è particolarmente importante per il consumo di musica contemporanea, perché spesso non lavora solo con suoni e melodie, ma incorpora anche elementi come immagini o oggetti che non possono essere catturati su un CD. Anche elementi musicali come suoni o nuove tecniche esecutive non hanno lo stesso effetto su un CD che possono avere in un concerto. Solo in concerto il pubblico sperimenta l'essenza originale di questa musica. Vale quindi la pena di considerare la possibilità di condividere il vostro fine settimana con la sedia imbottita della sala da concerto?

Entrambe le forme di consumo sono approcci importanti alla musica. Non devono essere messe in contrapposizione l'una con l'altra, né dipendono l'una dall'altra. Possono semplicemente arricchirsi e completarsi a vicenda. Sarà interessante vedere come si svilupperanno in futuro e cosa significherà per la scena musicale. Forse un giorno sarà comune trasmettere un concerto dal vivo virtualmente su uno schermo nelle nostre stesse quattro mura? In questo modo sarebbe possibile combinare entrambe le cose: l'esperienza del concerto sul divano di casa - e per il senso di comunità con gli altri spettatori del concerto, ci si potrebbe sedere di tanto in tanto sulla sedia imbottita.

Friederike Schmiedl

... è un fan del concerto dal vivo.

Pecore in scena e nei media

Sul marketing della nuova musica in America con l'esempio dell'opera teatrale "De Materie" di Louis Andriessen.

Elaine Fitz Gibbon (traduzione: IA) - 30 novembre 2016

Sul marketing della nuova musica in America con l'esempio dell'opera teatrale "De Materie" di Louis Andriessen.

Alla fine di marzo, le pecore belavano sul palco dell'opera di New York. La loro presenza quasi onnipresente sui giornali, sui social network, persino nelle conversazioni quotidiane di ogni tipo, rendeva quasi impossibile evitarle. Dato che hanno avuto solo un piccolo ruolo nella produzione dell'opera di Louis Andriessen De Matter il loro dominio nei media di New York sembrava sorprendente. Tuttavia, questo esempio è indicativo dell'approccio americano alla nuova musica.

Il fatto che delle pecore si aggirassero sul palco non avrebbe dovuto essere così rilevante. Tuttavia, l'occasione era la riapertura dell'Armory, recentemente ristrutturato. Gli animali recitanti sono apparsi nella produzione di Heiner Goebbels dell'anti-opera, creata per la Ruhrtriennale nel 2014. De Matter è un brano del compositore Andriessen che è stato spesso eseguito negli Stati Uniti e che ha avuto la sua prima americana dieci anni prima. All'epoca, tuttavia, la Filarmonica di New York lo eseguiva in concerto, il che ha reso la nuova produzione dell'opera, scritta tra il 1985 e il 1988, un evento emozionante. Il Park Avenue Armory di New York acquistò la produzione - la seconda messa in scena dell'opera dopo la prima di Robert Wilson al Muziektheater di Amsterdam nel 1989. Goebbels aveva concepito la sua produzione per la Kraftzentrale Duisburg con l'Ensemble Modern Orchestra e il ChorWerk Ruhr sotto la direzione di Peter Rundel. Ora si trattava di valutare come la produzione della Ruhr potesse essere messa in scena all'Armory e adattata a New York e al pubblico newyorkese.

Comprovata commerciabilità

Il ChorWerk Ruhr e il direttore si sono esibiti anche a New York. Tuttavia, il giovane International Contemporary Ensemble, ascoltato quest'anno anche a Darmstadt, ha sostituito l'Ensemble Modern Orchestra. La produzione statica e visivamente ricca di Goebbels e l'altrettanto statica opera in quattro parti di Andriessen si prestavano a una spettacolare campagna pubblicitaria, una perfetta combinazione del potente simbolismo dell'opera di Goebbels con la magnifica grandezza dell'Armory, costruita nel XIX secolo. La Gilded Age si esprime nel 2016 sotto forma di hipster newyorkesi altamente istruiti, per il cui bisogno di spettacolo borghese l'East Side di New York è più adatto del Met, situato dall'altra parte del parco. A questo proposito, un'analisi dello spettacolo nel Wall Street Journal esplicitamente: "Il Park Avenue Armory è diventato anche la casa del biglietto caldo, offrendo produzioni degne di nota, spesso importate da festival artistici europei generosamente finanziati".1 Un elemento fondamentale del mondo dell'opera americano è costituito dalle nuove opere europee che sono richieste e la cui commerciabilità è già stata testata con successo. Tuttavia, un altro elemento cruciale gioca un ruolo in queste rappresentazioni: molto spesso le creazioni artistiche hanno già ricevuto un sostegno finanziario in Europa.

Marketing spettacolare

Poco prima della rappresentazione di De Matter vari giornali di New York pubblicarono una serie di annunci sul futuro evento. L'aspetto notevole era la loro attenzione quasi esclusiva per le 100 pecore che potevano essere ammirate sul palco nell'ultimo atto dell'opera. Che tipo di pecore erano? Da dove provenivano esattamente? (Il libretto di sala riportava semplicemente: "100 pecore della campagna pennese"). Come è stato logisticamente possibile portare le pecore a New York? Come si fa a provare con le pecore? Le pecore sono le ultime prime donne del mondo dell'opera? Le presunte risposte a tutte queste domande si possono trovare in abbondanza nei numerosi ritratti di queste nuove "star" - a volte anche nei ritratti delle "star". New York Times e il New Yorker. Con domande così urgenti, la musica deve ovviamente essere lasciata da parte per la prima volta.

L'altra immagine che dominava la campagna pubblicitaria era un tableau della seconda parte dell'opera, in cui Andriessen metteva in musica la visione della beghina Hadewijch. Hadewijch, vestita con un costume bianco e nero che ricorda un abito da suora, è in piedi davanti alla prima panca, mentre un gruppo di beghine vestite interamente di nero giace accasciato sulle altre panche sparse per la sala. La sala è stata trasformata in una cattedrale e Hadewijch si trova al centro, di fronte al pubblico, con le braccia spalancate in segno di rivelazione e unione. Il pubblico è diventato l'altare, il dio della sua visione mistico-erotica. Sopra questa immagine scarna c'è il nome dell'anti-opera in lettere maiuscole: "DE MATERIE": un'unione trascendentale del forte materiale visivo della produzione con il reparto marketing dell'Armory.

Il potere di un'associazione di questo tipo non va assolutamente sottovalutato, poiché negli Stati Uniti è inimmaginabile ricevere un sostegno statale per progetti artistici. Questo vale soprattutto per i progetti operistici, ovviamente. La costante ricerca di denaro è un'afflizione quotidiana della vita di un musicista, impercettibile al consumatore, ma non per questo meno grave. Da qui la facilità con cui viene presa in giro. Fondamentalmente, però, il rispetto e l'apprezzamento sarebbero appropriati: senza il marketing di cattivo gusto, audace e apparentemente senza fondo di una produzione, essa non potrebbe esistere - un'amara verità che si impara a ingoiare rapidamente.
Nel caso della produzione Andriessen-Goebbels, lo spettacolo del marketing è stato adattato allo spettacolo della produzione. Se questo è il prezzo da pagare per la rappresentazione di un'opera di teatro musicale della fine del XX secolo, particolarmente importante negli Stati Uniti, non c'è quasi nulla di male. Tuttavia, quando ogni rappresentazione di un'opera del XX secolo (per non parlare del XXI) presso un'istituzione affermata viene abitualmente descritta con tono autocelebrativo come una scommessa, ci si stanca presto di questa descrizione e dello spettacolo pubblicitario che l'accompagna. Questo è particolarmente vero quando l'autore di quest'opera è ospite fisso delle università della Ivy League - Andriessen è stato visiting professor a Princeton nel semestre invernale 2015/16 - e ha una lunga lista di studenti di composizione negli Stati Uniti. La musica di Andriessen è, dopotutto, un prodotto consolidato e già consumato da noi americani.

Dibattito critico

Allora bisogna pensare come il già citato autore della Giornali di Wall Street chiedersi perché sia necessaria l'importazione di una produzione europea per vedere la prima rappresentazione di un'opera di quasi 30 anni fa su questa sponda dell'Atlantico. Non che negli Stati Uniti non ci siano prime mondiali di nuova musica, ma raramente si vedono in istituzioni consolidate. Nella prossima stagione, si potrebbe dire, la prima salisburghese di Kaija Saariaho del 2000 di L'amour de loin al Met in una nuova produzione di Robert Lepage. Tuttavia, sulla scia dell'annuncio del New York Times non ha portato ad alcuna discussione seria sulla musica di Saariaho. Al contrario, si è parlato solo del fatto che ora, nel 2016, si trattava della prima rappresentazione dell'opera di una compositrice donna dal 1903. Il titolo era "Il Met mette in scena la prima opera di una donna dal 1903". 2 Questo è senza dubbio un motivo per festeggiare! Tuttavia, il tono autocelebrativo che proclama che due piccioni sono stati presi con una fava: una compositrice donna e un'opera del XXI secolo, è tutt'altro che contemporaneo. Con questa musica contemporanea soft-core, i cui riff vocali costantemente ricorrenti e dal suono esotico fluttuano a ondate sopra un paesaggio sonoro orchestrale ronzante e coloristico, questo "sguardo al futuro" - secondo il direttore del Met Peter Gelb - può ancora essere descritto come mansueto e contenuto.
Questo porta in ultima analisi alla ben nota questione dei soldi. Anche se il potere dei repubblicani dovesse prima o poi diminuire, i finanziamenti statali per le arti non sarebbero comunque un punto di discussione al Senato. Ciò che invece si potrebbe pretendere, nonostante lo stato eternamente precario degli enti lirici e dei media che annunciano e discutono i loro programmi, sarebbe un esame serio e critico o autocritico dei loro contenuti. Ciò richiederebbe innanzitutto l'abbandono di questi ritratti di pecore, che servono solo a riempire le sale da concerto. Al contrario, le pecore potrebbero essere smascherate e descritte come un tentativo fallito di trovare un ripiego. Tuttavia, questo è stato anche il tentativo di Goebbels di intrattenere il pubblico con la sua messa in scena nella prima metà della quarta parte, della durata di 15 minuti, durante la quale due accordi degli strumenti a percussione accordabili (glockenspiel, vibrafono), del pianoforte e dell'arpa vengono suonati in lenta alternanza. Ci si può chiedere se l'immagine statica della messa in scena sostenga o metta in discussione la feticizzazione della scrittura erotico-mistica della beghina Hadewijch nella partitura di Andriessen. Infine, ci si potrebbe anche chiedere se e come l'esame dell'opera di Andriessen da parte di Goebbels insegni al pubblico qualcosa di nuovo sull'opera. In ogni caso, le cento pecore sul palco dell'Armory non erano l'unico evento impressionante da ammirare.

Osservazioni

1 Heidi Waleson, Il volto mutevole dell'opera: "Momenti orfici" e "De Materie" offrono la possibilità di esaminare la natura mutevole delle istituzioni che rappresentano l'opera. in Il Wallstreet Journal, 4 aprile 2016.
www.wsj.com/articles/operas-changing-face-1459806371
2 Michael Cooper, Il Met metterà in scena la prima opera di una donna dal 1903 in New York Times, 17 febbraio 2016.
www.nytimes.com/2016/02/18/arts/music/met-to-stage-its-first-operaby-a-womansince-1903.html

Elaine Fitz Gibbon
... è dottoranda presso il Dipartimento di tedesco dell'Università di Princeton. Scrive di nuova musica, in particolare di opere liriche e di teatro musicale scritte tra l'ultima metà del XX secolo e oggi; si interessa anche della ricezione di queste opere negli Stati Uniti.

Immagine e rappresentazione nello spazio ibrido

Nella sua opera "Mirror Box Extensions", il compositore belga crea un'interpretazione musicale della fusione quotidiana dei nostri mondi reali e virtuali.

Christopher Jakobi (traduzione: IA) - 30 novembre 2016

Nella sua opera "Mirror Box Extensions", il compositore belga crea un'interpretazione musicale della fusione quotidiana dei nostri mondi reali e virtuali.

In genere, ai concerti è vietato fotografare o filmare il pubblico. Tuttavia, nell'era degli smartphone e di altri dispositivi analoghi, non è possibile fermarli. È fin troppo facile estrarre un piccolo dispositivo e catturare un ricordo su una scheda di memoria digitale. E non è raro vedere singoli membri del pubblico filmare interi passaggi o registrare il suono con un registratore per cellulari. Nessuno sembra preoccuparsi del fatto che in questo caso potrebbero essere violati diritti personali e copyright. La digitalizzazione totale è diventata fin troppo diffusa nella nostra vita quotidiana e il progresso tecnologico facilita questo processo rendendo disponibile sempre più spazio di archiviazione. La fotografia e le riprese sono diventate la norma. Il momento, un tempo fugace, viene catturato e può essere rivissuto in qualsiasi momento. Quanto più prezioso era un tempo, tanto più viene consumato dal consumo ripetuto. L'unicità del "live" è diventata un "re-live" permanente. La situazione dei concerti, in particolare, ne risente. Dopo tutto, l'immagine digitale non è identica agli artisti in carne e ossa che si esibiscono sul palco. La misura in cui i confini tra le due cose sono già diventati labili è esplorata dal compositore belga Stefan Prins nella sua opera Estensioni della scatola dello specchio su.

Principio della terapia dello specchio

Il brano è stato eseguito dal Nadar Ensemble al Festival musicale di Donaueschingen nel 2015. Sette strumentisti sono integrati da elettronica e proiezioni video. Si basa sulla composizione Scatola degli specchi In questo lavoro, Prins esplora musicalmente il principio della terapia dello specchio utilizzata dai medici. I pazienti che soffrono di dolore da arto fantasma dopo un'amputazione mettono l'arto sano rimasto in una scatola dotata di specchi. Ogni movimento che fanno è ora duplicato dall'immagine speculare, creando l'impressione ottica di due braccia o gambe funzionanti. Questa illusione può essere utilizzata a scopo terapeutico.

A Prins Scatola degli specchi la terza parte di una serie di opere intitolata Carne+Prostesiain cui si creano ibridi tra uomo e tecnologia. I suoni prodotti strumentalmente sono registrati e trasformati dal vivo elettronicamente, per cui i musicisti possono essere intesi come "carne" e l'elettronica come "protesi". Per Estensioni della scatola dello specchio Questo principio è stato esteso ai video pre-prodotti e proiettati su schermi trasparenti durante il concerto. I video mostrano i musicisti che suonano a grandezza naturale, rendendo difficile distinguerli dall'originale. L'immagine e le sembianze si muovono, si bloccano, scompaiono e appaiono. L'obiettivo del compositore è mostrare fino a che punto il mondo reale e quello virtuale si sono già fusi nella nostra vita quotidiana. Egli chiama "avatar" le copie digitali dei musicisti che si esibiscono sul palco, che svolgono un ruolo importante anche in altre sue opere. Ad esempio, nel ciclo pianistico L'eroe del pianofortela cui terza parte è stata presentata in anteprima al Darmstadt Summer Course for New Music nel 2016. Tuttavia, qui sta emergendo una tendenza contraria. In Piano Hero I (2011), il pianista usa una tastiera digitale per controllare brevi sequenze video che vengono proiettate su uno schermo e che lo mostrano mentre compie varie azioni all'interno di un pianoforte a coda da concerto. I tasti staccati del pianoforte cadono sulle corde, il pianoforte viene graffiato e raschiato. Tutti i suoni provengono dagli altoparlanti; solo raramente penetra il ticchettio ovattato della tastiera digitale. Anche nella seconda parte vengono utilizzati dei video, ma il pianista suona anche un pianoforte acustico ed entra in dialogo con la sua immagine. L'avatar scompare infine nella terza parte del ciclo, in cui solo un'elaborazione elettronica dal vivo dei suoni ha luogo all'interno del pianoforte a coda sul palco. Qui non c'è più il video. Il musicista esce così dallo spazio virtuale per entrare nel mondo analogico, si riappropria della realtà e resta da vedere se Prins continuerà questo sviluppo in altre opere del progetto. L'eroe del pianoforte-serie. In Estensioni della scatola dello specchio D'altra parte, le proiezioni sono un'estensione a livello digitale. Stefan Prins crea una situazione concertistica ibrida composta da musicisti e dai loro avatar che riflette la nostra realtà sempre più tecnologizzata. Il mondo reale e quello virtuale si confondono sempre di più; egli chiama questo stato "realtà aumentata".

Influenza del pubblico

Oltre alla confusione che circonda l'immagine e le sembianze dei musicisti, un ulteriore momento di irritazione si verifica quando, circa a metà dei 30 minuti di composizione, alcuni spettatori iniziano a fotografare il palco con dei tablet. Dai loro posti, tengono i dispositivi in aria, provocando l'indignazione di alcuni spettatori. Ma presto diventa chiaro che fanno parte della composizione. Lo stato ibrido si estende all'auditorium, creando una nuova dimensione di riflessione. Il musicista è riflesso dal video sullo schermo ed entrambi sono riflessi dal tablet del pubblico. Stefan Prins riprende gli onnipresenti smartphone e tablet, che si possono vedere anche ai concerti di nuova musica, integrandoli nel suo lavoro. Fin dai tempi del pezzo "silenzioso" di John Cage 4'33'' c'è la consapevolezza che i suoni non voluti dal compositore, che si creano in qualche modo durante l'esecuzione, sono parte integrante dell'esperienza musicale. Non sono rari i telefoni che vengono cercati nelle tasche, scattano foto e, nel peggiore dei casi, iniziano a squillare. Tuttavia, non solo producono rumori che gli altri spettatori potrebbero trovare fastidiosi, ma qualsiasi immagine dei musicisti che suonano distrugge l'unicità della performance. Stefan Prins mostra quanto questo cambi la situazione del concerto in Estensioni della scatola dello specchio. Nella sua composizione, i tablet del pubblico visualizzano sia le foto scattate sul palco sia sequenze video pre-prodotte degli strumentisti. Il brano si conclude con la scomparsa dei musicisti dal palco e la permanenza sui loro dispositivi. Anche se la performance, con la sua unicità, è finita, un'immagine dell'esperienza rimane nello spazio digitale, dove può essere recuperata e consumata in qualsiasi momento. Ciò che Prins mostra nel concerto vale anche al di fuori di esso. Nel corso della digitalizzazione, siamo diventati sempre più interconnessi con computer, smartphone e tablet. Una parte considerevole della nostra vita si svolge nello spazio virtuale. Con l'abbondanza di schermi che ci circondano ogni giorno e che ci permettono di conoscere altri mondi, a volte è difficile distinguere tra realtà e finzione. Nell'opera d'insieme di Stefan Prins Estensioni della scatola dello specchio lo spettatore si trova costantemente di fronte a delle illusioni. Proprio come i pazienti vengono ingannati sulla funzionalità dei loro arti durante la terapia dello specchio, Prins rende difficile distinguere tra immagine e somiglianza. Lo spazio ibrido che crea riflette artisticamente la realtà delle nostre vite, in cui interagiamo con i media digitali a tal punto che sono diventati le nostre protesi.

Christopher Jakobi

... studia musicologia all'Università Humboldt di Berlino. Attualmente sta scrivendo la sua tesi di master sulla saturazione del suono nella musica di Raphaël Cendo.

Philippe Bischof assume la carica di Presidente della KBK

Philippe Bischof, capo del Dipartimento della cultura di Basilea Città, assumerà la presidenza della Conferenza dei rappresentanti culturali cantonali (KBK) dal 1° gennaio 2017.

Redazione Musikzeitung (traduzione: IA) - 29 novembre 2016

Philippe Bischof. Foto: Juri Weiss © Cancelleria di Stato di Basilea Città

Philippe Bischof è il successore di Roland E. Hofer, Commissario per la cultura del Cantone di Sciaffusa, in carica per otto anni. Philippe Bischof è stato membro della KBK in qualità di responsabile del Dipartimento Cultura di Basilea Città dal 2011.

La Conferenza dei responsabili cantonali della cultura (KBK) è una conferenza specializzata della Conferenza svizzera dei ministri cantonali dell'educazione (CDPE). La KBK assicura lo scambio di politiche culturali tra i Cantoni e partecipa attivamente al dialogo culturale nazionale a livello professionale e politico.

La KBK è suddivisa in quattro conferenze regionali e si riunisce due volte all'anno per le sessioni plenarie. Fornisce consulenza agli organi politici della CDPE su questioni di promozione culturale e politica culturale. Insieme alla Conferenza delle città, all'Ufficio federale della cultura e a Pro Helvetia, contribuisce allo sviluppo e al coordinamento della politica culturale in tutta la Svizzera.

Esamina questioni e richieste di importanza nazionale e formula raccomandazioni ai Cantoni. Il Presidium rappresenta la Conferenza verso l'esterno e gestisce gli affari della KBK.

L'elezione è avvenuta nel maggio di quest'anno e la carica è stata consegnata durante la riunione plenaria del 24/25 novembre.

Vieni, cara piccola cetra

Un volume completo che non solo documenta la collezione Mühlemann, ma delinea anche la storia della cetra in Svizzera.

Brigitte Bachmann-Geiser (traduzione: IA) - 29 novembre 2016

Lezioni di cetra in famiglia 1917. cartolina dall'Austria. Pelle il poeta/flickr.com

Negli anni Settanta, Lorenz Mühlemann, studente della scuola secondaria, si imbatté nella cetra a fisarmonica, allora ampiamente dimenticata, e rimase incantato dal suo suono. Questo amore a prima vista si trasformò in una passione. Nel 2003, ha aperto la sua collezione di circa 250 cetre da montagna e da salotto, sistematicamente costruita, nell'ex Amtsschaffnerei di Trachselwald. Il Centro Culturale Svizzero della Cetra può essere visitato come un museo su appuntamento o la prima domenica del mese nel pomeriggio, ma la domenica mattina il direttore proattivo dimostra le cetre da collo e da tavolo con brevi spiegazioni e brani adatti che egli stesso suona. Queste ore di concerto commentate sono divertenti e istruttive e ricordano un genere musicale tra il folk e la musica d'arte, che ha reso la vita più facile a molte persone in condizioni modeste nella seconda metà del XIX e all'inizio del XX secolo.

Lorenz Mühlemann ha portato il suo modo di suonare gli archi al pubblico in diverse mostre itineranti e in molti corsi e ha anche costruito una piccola casa editrice con spartiti di cetra e fogli di sottofondo.

Ora questo specialista ha misurato e descritto i suoi strumenti a cetra e li ha fatti fotografare da Thomas Reck. Questo lavoro di catalogazione ha dato vita a un volume di circa 400 pagine, che può essere apprezzato come un bel libro illustrato, ma che serve anche come breve storia delle cetre da collo locali dell'Emmental, dell'Entlebuch, del Toggenburg e di Kriens, delle cetre di Glarona e di Svitto e di tutte le cetre da concerto, a corde e ad arco.

Nei suoi commenti, l'autore si rifà a lavori precedenti, ma può anche contribuire alla ricerca sugli strumenti con studi propri. Ad esempio, ha individuato un costruttore di cetre da collo finora sconosciuto, Sebastian Peter di Gontenschwil, nel Canton Argovia, di cui è illustrato uno strumento del 1862 (p. 21/33). Si parla anche di Johann Wegmüller, che costruì un Hanottere nel 1890, apparentemente discendente dei cetrai Niklaus e Samuel Wegmüller di Ursenbach. Un altro indizio prezioso è il chiarimento di un precedente equivoco: a Dürrenroth, vicino a Huttwil, non lavorava solo il costruttore di cetre e zoccoli Abraham Kauer (1794-1870), che da bambino di sei anni difficilmente avrebbe potuto costruire la più antica cetra a collo dell'Emmental del 1800 (Museo della Musica di Basilea), ma anche suo padre Abraham Kauer senior (1762-1844).

Le cosiddette cetre da salotto, cetre in tavole intarsiate decorate con pitture o decalcomanie e prodotte in serie, provenivano generalmente dalla Germania, ma pare fossero prodotte anche a Brienz (A. Aplanalp), Berna (Jakob Klöti, Albin Hostettler) e Zurigo (Otto Schärer). Oltre alle illustrazioni di tutte le cetre della collezione Mühlemann, le foto dei suonatori, della musica e dei dettagli amorosi come le decorazioni floreali, le finiture in alpacca cesellata, le custodie, gli astucci ricamati, le chiavi di accordatura e gli anelli per cetra ricordano i bei tempi andati.

Lorenz Mühlemann, Die Zither - ein Instrument der Volks-, Kunst- und Hausmusik, 376 p., Fr. 65.00, Ufficio federale della cultura, Berna 2014, ISBN 978-3-9523397-3-2
Centro culturale svizzero della cetra: www.zither.ch

Per il piccolo Paganini

Brani di preludio per violino e viola con accompagnamento di pianoforte che favoriscono un'esecuzione gioiosa.

Walter Amadeus Ammann (traduzione: IA) - 29 novembre 2016

Edition Peters ha pubblicato quanto segue con il titolo Piccolo Paganini Sono stati pubblicati 30 rari brani originali per violino in 1a posizione e pianoforte per bambini a partire dal secondo anno di apprendimento, una tavolozza colorata di pezzi sensibili, divertenti e drammatici della durata da un minuto e mezzo a quattro, di autori che vanno da Arcangelo Corelli ad Andrea Holzer-Romberg, che possono essere eseguiti con un'ampia varietà di ritmi e tecniche. La parte del violino è accuratamente segnalata con archi e diteggiature alternative per la seconda e terza posizione. La motivante parte pianistica è facile da eseguire. Il CD di accompagnamento contiene tutti i duetti e incoraggia i bambini a suonare in modo emotivo; tutti i presti sono tenuti a un tempo moderato in modo che i bambini osino presto suonare insieme.

Due fantasie da concerto estremamente istruttive e divertenti per bambine e bambini di tre o quattro anni sono finalmente disponibili in Europa dopo essere state utilizzate con successo in America per oltre un secolo. Nato a Erfurt, Edward Mollenhauer emigrò negli Stati Uniti nel 1853, vi fondò diversi conservatori ed ebbe un'influenza duratura sull'educazione musicale in America. Il bambino Paganini richiede dalla prima alla terza posizione, armonici al centro della corda, pizzicato della corda vuota del Mi con la mano sinistra, spiccato e arpeggio su tre corde. Il ragazzo Paganini passa alla quinta posizione, utilizza i doppi stop, i passaggi cromatici, gli armonici del centro, del terzo inferiore e del quarto della corda, il pizzicato della mano sinistra, gli effetti d'arco delicati e vivaci e l'arpeggio a quattro corde: tutto ingegnosamente elementare e melodioso per un rapido successo.

Questi due libretti sono disponibili anche nella versione per violoncello.

Kurt Sassmannshaus, famoso pedagogo negli Stati Uniti e figlio di Egon, creatore dell'acclamata scuola d'archi. Inizio anticipatopresenta 14 brevi brani di moderata difficoltà per viola. Tra le opere originali, un Andante di Viotti, un emozionante Rêverie di Wieniawski e tre di quelli a colori Notturni dall'op. 186 di Kalliwoda (quest'ultimo è consigliato, tutti e sei sono disponibili nella loro interezza da Peters). Anche l'abbondante La Vergilletta di Ferdinando Bertone, l'emozionante violinoBerceuse op. 16 e il rinfrescante violoncelloSicilienne op.78 di Fauré tra gli arrangiamenti rendono il libro degno di nota. Le diteggiature e gli archi confortevoli possono essere adattati a esigenze più elevate con l'aiuto dell'insegnante.

Piccolo Paganini, 30 pezzi da concerto in prima posizione, Vol. 1, a cura di Christiane Schmidt e Gudrun Jeggle, EP 11381a, con CD, Fr. 25.90, Edition Peters, Lipsia et al. 2015

Edward Mollenhauer, L'infante Paganini per violino e pianoforte, a cura di Kurt Sassmannshaus, Bärenreiter's Concert Pieces, BA 10691, € 8,95, Bärenreiter, Kassel 2015

id., Il ragazzo Paganini, BA 10692, € 8,95

Pezzi da concerto per viola e pianoforte, a cura di Kurt Sassmannshaus, Bärenreiter's Viola Collection, BA 9697, € 19,95, Bärenreiter, Kassel 2015

La Germania promuove sempre più il pop, il rock e il jazz

A partire dal 2017, il Bundestag tedesco fornirà ulteriori 8,2 milioni di euro di finanziamenti per la musica rock, pop e jazz in Germania. L'obiettivo del pacchetto di misure è quello di ampliare i progetti strutturali esistenti, riunirli in termini di contenuti e integrarli.

Redazione Musikzeitung (traduzione: IA) - 25 novembre 2016

Cupola del Bundestag. Foto: Michael Sunke/pixelio.de

Durante le delibere della grande coalizione sul bilancio federale 2017, quindici giorni fa, è stato deciso di mettere a disposizione ulteriori 660 milioni di euro per il finanziamento della cultura. Oltre all'Initiative Musik e alla fiera jazzahead!, il nuovo pacchetto di misure per la musica rafforzerà anche il Reeperbahn Festival di Amburgo, il c/o pop di Colonia, Musicboard Berlin e la German Rock Music Foundation.

Secondo il segretario generale Christian Höppner, il Consiglio musicale tedesco accoglie con favore la decisione, che promette un rafforzamento sostenibile delle strutture di finanziamento. Il finanziamento aggiuntivo rafforza la diversità della musica rock, pop e jazz in Germania e fornisce una buona base per sostenere il miglioramento delle condizioni dei musicisti freelance in futuro, ha continuato Höppner.

Neuchâtel ha un cuore per gli appassionati di vinile

Il popolare negozio di CD e dischi "Vinyl" nel centro di Neuchâtel ha chiuso i battenti alla fine di settembre dopo trent'anni di attività. Ora, con l'aiuto della città, sta nascendo un'alternativa sotto forma di "Espace 032".

Redazione Musikzeitung (traduzione: IA) - 25 novembre 2016

L'"Espace 032" comprende un negozio e spazi di lavoro collettivi per professionisti creativi nell'edificio al 32 di Rue du Seyon. Il nome si basa sia sul prefisso telefonico della regione che sul numero civico. Il negozio vende dischi in vinile, mentre gli uffici sono aperti a professionisti della cultura e imprenditori creativi indipendenti in cerca di un posto di lavoro in città.

I locali consentono inoltre di allestire i cosiddetti "pop-up" - negozi attivi solo per un breve periodo - e di organizzare vernissage, concerti acustici o workshop.

Fine dell'Orchestra della Svizzera italiana?

Come riportato dal quotidiano bernese "Der Bund", i dipendenti dell'Orchestra della Svizzera italiana (OSI) saranno informati a fine novembre che riceveranno un preavviso di licenziamento a fine 2017.

Redazione Musikzeitung (traduzione: IA) - 23 novembre 2016

L'OSI a un concerto scolastico nel LAC. Foto: zvg

Secondo "Der Bund", la SRG annullerà il suo accordo di finanziamento continuo con l'orchestra alla fine del 2017. In futuro, intende acquistare solo servizi individuali dall'orchestra. Dal 2018, inoltre, intende far pagare l'affitto della sala prove utilizzata dall'OSI nello studio radiofonico di Lugano Besso.

Secondo "Der Bund", il Presidente del Consiglio di Amministrazione della Fondazione OSI Pietro Antonini descrive le cancellazioni precauzionali come una semplice "misura precauzionale" dovuta alla mancanza di chiarezza sulle modalità future. Senza nuovi finanziatori, tuttavia, l'OSI rischia di essere sull'orlo del collasso. Ciò sarebbe vergognoso per la vita culturale ticinese, anche perché il LAC di Lugano, inaugurato nel 2015, è una sala da concerto di alto livello appena nata.

Articolo originale:
www.derbund.ch/kultur/klassik/kein-orchester-mehr-im-tessin/story/26729565

Aprire la finestra est

"Dalle Alpi al Caucaso" è il nome di un ampio progetto di scambio e promozione che da anni stringe e approfondisce i legami musicali tra Svizzera e Georgia. È organizzato dalla pianista Tamara Kordzadze e dall'associazione Vivace.

Verena Naegele (traduzione: IA) - 23 novembre 2016

T. Kordzadze, F. Di Càsola e T. Grossenbacher al concerto di beneficenza del 20 novembre Foto: Ralf Kostgeld

Nel novembre 2016, questo progetto è proseguito con una masterclass e un concerto di beneficenza presso l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK). Tra gli eventi precedenti si ricordano i concerti di Berna e Zurigo del novembre 2012, quando bambini di grande talento provenienti dalla Georgia di età compresa tra i nove e i sedici anni hanno entusiasmato il pubblico. Il concerto più recente è stato eseguito da una selezione di docenti e studenti delle università di Tbilisi e Zurigo.

L'evento è stato organizzato nell'ambito dello scambio culturale tra i due Paesi. Da 15 anni la ZHdK accoglie studenti georgiani in diversi corsi di laurea, dagli studi preliminari alle lauree di primo e secondo livello, fino ai diplomi di solista. Il programma di scambio, che permette anche agli studenti di entrambi i Paesi di confrontarsi con la promozione di giovani musicisti di talento, è patrocinato dall'associazione Vivace, fondata nel 2009 dalla pianista georgiana Tamara Kordzadze, che lavora in Svizzera.

Grazie a una borsa di studio della Fondazione Lyra, la pianista è venuta a Zurigo per studiare con Konstantin Scherbakov, dove ha completato la sua formazione con un diploma di solista. Le masterclass l'hanno portata a conoscere, tra gli altri, Rudolf Buchbinder, che oggi forma l'illustre comitato di patronato dell'Associazione Vivace insieme a Daniel Fueter, Peter Stamm e alla georgiana Manana Doijashwili.

Grazie all'impegno di Kordzadze, dalla sua fondazione Vivace ha potuto sostenere un totale di 25 progetti e 70 studenti georgiani con l'aiuto di fondazioni, concerti di beneficenza e donazioni. "A causa dell'instabilità dello sviluppo politico e del declino del sostegno finanziario in Georgia, per molti giovani talenti è difficile o impossibile contare su un sostegno nella loro formazione e carriera musicale", spiega la Kordzadze.

Nuove risposte a domande artistiche

Tra i docenti coinvolti nel progetto a Zurigo c'era il primo violoncellista solista dell'Orchestra della Tonhalle e docente all'università, Thomas Grossenbacher, che, interrogato sulle ragioni del suo coinvolgimento, ha detto: "Penso che sia importante aprire la finestra orientale nella nostra torre d'avorio occidentale. Possiamo vedere che, sebbene molta ispirazione provenga da lì, ci sono anche preoccupazioni materiali che possiamo almeno alleviare un po' con questo evento".

In effetti, non è solo l'aspetto finanziario ad essere importante in Dalle Alpi al Caucaso L'ispirazione artistica e lo scambio reciproco sono altrettanto importanti. Nel giugno 2015, Vivace ha organizzato due concerti internazionali di beneficenza a Tbilisi, ai quali hanno partecipato anche quattro giovani musicisti svizzeri che hanno potuto fare esperienza sulla piattaforma concertistica. In autunno si sono poi tenute masterclass e workshop con i docenti della ZHdK presso il Conservatorio di Stato della capitale georgiana.

L'alto livello di esecuzione era evidente dal programma del concerto di Zurigo: Sono state eseguite opere di Prokofiev, Ysaÿe, Dvořák, Widor, Milstein, Beethoven, Martinů e Scriabin. Oltre agli studenti, hanno partecipato anche i musicisti professionisti Liana Isakadze (violino), Thomas Grossenbacher (violoncello), Tamara Kordzadze (pianoforte) e Fabio Di Càsola (clarinetto). Quest'ultimo spiega come è stato coinvolto in questo progetto per la Georgia: "Forse il mio modo di suonare molto vocale e poco aggressivo è stato il fattore decisivo per cui Tamara Kordzadze mi ha chiesto se volevo partecipare". Ha accettato spontaneamente. "Mi rendo conto che sto invecchiando e sono più ricettivo a progetti come questo concerto di beneficenza. Soprattutto se confronto la situazione in Occidente con quella in Georgia, sono grato di aver potuto completare la mia formazione qui e vorrei quindi trasmettere qualcosa ai giovani georgiani".

Come a Tbilisi, anche a Zurigo sono stati coinvolti musicisti di entrambi i Paesi e viene spontaneo chiedersi cosa significhi in termini educativi questo scambio con un ambiente culturale e musicale diverso: "Gli studenti imparano", dice Thomas Grossenbacher, "a rispondere a domande artistiche in un modo nuovo, forse prima sconosciuto. Questo scambio è rinvigorente e stimolante per loro".

L'organizzatrice, Tamara Kordzadze, ha concluso quasi entusiasta: "La nostra masterclass è stata accolta molto bene dagli studenti. Lo scambio è stato ed è enormemente apprezzato dai musicisti e promuove notevolmente il loro sviluppo artistico". La settantenne Liana Isakadze ha ispirato gli studenti con il suo modo estremamente vivace e con le sue spiegazioni e feedback precisi". Il concerto di beneficenza ha attirato molte persone interessate alla musica. Le grandi performance dei musicisti nella sala da concerto, acusticamente eccellente, sono state premiate dal pubblico con una standing ovation finale".

Sito web dell'associazione Vivace

www.vivacegeorgia.com

Cattedra di Musicologia transculturale

Viene istituita a Weimar la prima cattedra Unesco di musicologia transculturale al mondo. La cattedra è tenuta da Tiago de Oliveira Pinto.

Redazione Musikzeitung (traduzione: IA) - 21 novembre 2016

Tiago de Oliveira Pinto (Foto: Alexander Burzik/zvg),SMPV

L'Unesco ha conferito alla cattedra di Studi musicali transculturali dell'Istituto congiunto di musicologia dell'Università musicale Franz Liszt di Weimar e dell'Università Friedrich Schiller di Jena il titolo di cattedra Unesco di Studi musicali transculturali. Si tratta della dodicesima cattedra Unesco in Germania, che lavora in una rete mondiale con oltre 700 cattedre in 124 Paesi per attuare gli obiettivi dell'Unesco e l'Agenda globale per la sostenibilità.

La Cattedra Unesco, con sede a Weimar, si occupa di ricerche sulle performance musicali nei loro contesti socio-culturali, storici e globali. In linea con la Convenzione Unesco per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale, l'attenzione è rivolta ai musicisti in quanto portatori di arti performative. Verranno analizzate le opportunità e le sfide legate al riconoscimento delle tradizioni musicali come patrimonio culturale immateriale per la trasmissione e la valorizzazione di queste forme di espressione.

Dall'hackathon alla blockchain

La digitalizzazione è ancora una delle maggiori sfide per il settore musicale. Alla conferenza di Berlino "Most Wanted: Music", specialisti di settori molto diversi hanno discusso problemi, opportunità e visioni.

Friederike Kenneweg (traduzione: IA) - 21 novembre 2016

Discussione sul tema "Blockchain". Foto: I più ricercati: la musica

Come possono gli artisti utilizzare Instagram per scopi promozionali? Che ruolo hanno le playlist nel marketing delle nuove canzoni oggi? Come si presenta un evento online senza perdersi nel rumore digitale? Quali sono le nuove tecnologie a disposizione del settore, dalle app e dai nuovi dispositivi digitali ai nuovi metodi di pagamento senza contanti? E il futuro del giornalismo musicale?

Queste e molte altre domande sono state discusse il 10 novembre durante la conferenza I più ricercati: Musica presso la Haus Ungarn, vicino ad Alexanderplatz. A prima vista, il programma poneva alcuni enigmi al visitatore non specializzato. Cosa significa l'abbreviazione VR? Che cos'è un hackathon? E questa blockchain di cui tutti parlano, a cosa serve effettivamente?

Le prime risposte sono state trovate proprio nel corridoio, dove è stato allestito lo "Startup village" di quest'anno, in cui giovani aziende hanno presentato le loro ultime invenzioni tecnologiche e app. I visitatori potevano suonare la batteria in aria con speciali bacchette, senza una vera batteria analogica, o remixare la musica scuotendo e ruotando uno smartphone. Altrove, i visitatori hanno potuto provare gli occhiali 3D che permettevano di immergersi nella realtà virtuale (oh, questo è l'acronimo VR!) per sperimentare la "performance live" di un musicista, virtualmente da vicino.

Il musicista come "utente" o "artista"?

Tali applicazioni e sviluppi tecnologici sono spesso creati nell'ambito di hackathon, come ha spiegato Eric Eitel di Music Pool Berlin in una breve e divertente presentazione. Hackathon è un neologismo composto da hack e maratona e si riferisce a eventi in cui team di programmatori, designer e altri creativi sviluppano software o hardware in una breve e intensa collaborazione. I formati di hack per l'industria musicale, come il Music Hack Day o il Music Tech Fest, portano a risultati molto diversi ed entusiasmanti, dall'app promozionale al guanto con sensore al costume da batterista.

In un pannello dal titolo illustre L'astronave dell'integrazione tecnologica alcuni sviluppatori hanno presentato i loro prodotti e creato scenari per nuove forme di spettacolo in cui i confini tra palco e auditorium sono finalmente eliminati, con i visitatori che modellano attivamente il suono del concerto con l'aiuto dei loro smartphone.

Mark Moebius della start-up Nagual Sounds, che sviluppa applicazioni musicali interattive per cellulari, ha invitato gli artisti ad aprirsi maggiormente alle nuove tecnologie, perché solo così l'arte sarebbe al passo con i tempi. Qualcuno dal pubblico ha chiesto se fare musica con l'aiuto di programmi, loop e applicazioni non sia già diventato troppo facile. Si è quindi ancora un "artista" o un "musicista" o un "utente"? Per Moebius si tratta di una distinzione superflua. Per lui, chiunque voglia può essere un musicista. Tanto meglio se la tecnologia aiuta.

Blockchain contro la burocrazia?

In una tavola rotonda sul tema della blockchain, gli esperti hanno convenuto che la tecnologia da sola non è la soluzione. La blockchain è un protocollo decentralizzato per le transazioni tra diverse parti che registra in modo trasparente ogni cambiamento nell'insieme dei dati, simile a un estratto conto bancario digitale che può essere visualizzato da tutte le parti coinvolte. La blockchain è stata originariamente sviluppata per la valuta digitale Bitcoin, ma potrebbe essere utilizzata anche per semplificare la gestione dei diritti per il download e lo streaming di musica. Tuttavia, finché i principali attori dell'industria musicale non saranno interessati a questa soluzione, che consentirebbe una maggiore diversificazione dell'offerta musicale, e finché la tecnologia non sarà applicata su base ampia, decentrata e trasparente, la blockchain non risolverà i problemi burocratici dell'industria musicale, anche se ne fornirebbe i mezzi.

Reportage sullo stile di vita anziché riflessione?

Il panel sul giornalismo musicale era piuttosto pessimista. Secondo l'autore freelance Stefan Szillus, le percentuali di clic e le statistiche lo dimostrerebbero: Nessuno è interessato a ciò che viene scritto sulla musica. Le analisi o le recensioni musicali non sono più in voga. Szillus vede il futuro nei reportage che si avvicinano all'artista, lo osservano da vicino ed enfatizzano dettagli come le marche di scarpe (Szillus scrive tra l'altro di hip-hop). Ci si chiede, tuttavia, in che misura il giornalista musicale si differenzi ancora dal reporter di lifestyle.
I produttori radiofonici erano molto più tranquilli sul futuro. Il momento dal vivo, la parola, l'essere umano: sono queste le qualità con cui la radio sarà sicuramente sempre in grado di tenere testa a concorrenti come gli algoritmi e le playlist già pronte.

Nonostante l'entusiasmo per le nuove tecnologie, sarebbe certamente utile per l'intera industria musicale concentrarsi nuovamente sulle persone e sull'esperienza dal vivo.

Sito web della conferenza

Un inizio di carriera

Oltre alla scuola, alla pratica e alle lezioni di musica, i giovani di grande talento partecipano anche a concorsi e spettacoli pubblici. Quanto è valido il sistema di sostegno in Svizzera e quanto è possibile pianificare una carriera?

Sibylle Ehrismann (traduzione: IA) - 18 novembre 2016

Un esempio attuale è la violinista Elea Nick, 17 anni, di Meilen. La incontriamo per una chiacchierata all'Au Premier della stazione centrale di Zurigo; è una ragazza semplice, simpatica, dall'aspetto naturale ed è accompagnata dalla madre e manager Cornelia Nick. Per il suo debutto alla Tonhalle, il 1° novembre, ha scelto il Concerto per violino di Tchaikovsky, che eseguirà con l'Orchestra Sinfonica di Zurigo diretta da Mario Beretta. Una scelta coraggiosa, visto che si tratta di uno dei concerti per violino più difficili in assoluto.

La giovane violinista ha imparato il russo dal suo insegnante, il violinista russo Zakhar Bron, con cui ha studiato per sei anni. È stata la più giovane studentessa a seguire le lezioni di Bron all'Università delle Arti di Zurigo, dove il padre Andreas Nick insegna teoria. Dal suo pensionamento nel 2015, Bron ha creato un'accademia musicale per studenti dotati a Interlaken, dove Elea Nick lo va a trovare regolarmente. La sua reputazione di insegnante di violino è leggendaria; stelle come Vadim Repin, Maxim Vengerov, Daniel Hope, Laura Marzadori e David Garret sono state sotto la sua ala. "La scuola russa di violino e il modo di insegnare di Bron mi si addicono", afferma Elea Nick con sicurezza. "È estremamente preciso, ogni nota ha il suo significato e non ti molla finché non l'hai trovato". Il concerto per violino di Tchaikovsky le si addice e lo suonerà per la prima volta in pubblico alla Tonhalle.

Concentrarsi sulla propria carriera

Se si considerano le tappe dell'ancor giovane carriera di Elea Nick, questa ha attirato l'attenzione sulle consuete piattaforme in Svizzera: ha vinto più volte il Concorso svizzero di musica per la gioventù, come violinista e musicista da camera, e ha anche vinto un Premio di studio Migros nel 2015. Ha già avuto successo in due concorsi internazionali: A Novosibirsk nel 2013 è stata premiata con il primo posto e a Lublino al Concorso internazionale Lipinski Wieniawski nel 2015 con un primo premio.

Fin qui tutto bene. "Ma non si può pianificare una carriera da solista come non si può pianificare la felicità, anche se si fa di tutto per ottenerla", dice il pianista svizzero Oliver Schnyder, ricercato a livello internazionale e presidente della giuria che assegna i Premi Migros. La competizione tra i giovani musicisti di grande talento è enorme e i contatti personali nel mondo della musica sono fondamentali per progredire, così come lo sviluppo del proprio profilo artistico.

I concorsi sono ancora un modo importante per attirare l'attenzione. "La preparazione a un concorso è anche molto intensa", dice Elea Nick, "si deve affrontare un programma enorme, e lo si deve fare a memoria. È un'ottima preparazione per la vita concertistica".

Per quanto riguarda la comunicazione, Elea Nick è presente su Facebook e pubblica lei stessa tutti i messaggi. Secondo Oliver Schnyder, le PR svolgono oggi un ruolo importante, "ma solo quando i giovani artisti si rendono conto e sanno esattamente cosa li rende unici. Di conseguenza, devono perseguire progetti artistici che definiscano e consolidino un'immagine in modo tale che un'agenzia di PR possa raccoglierla e utilizzarla. Deve essere autentica, inconfondibile e carismatica".

Secondo Schnyder, oggi le strutture di finanziamento in Svizzera non devono più rifuggire dal confronto internazionale. "In passato, i giovani dovevano lottare come leoni per non essere frenati dalle tendenze egualitarie del sistema". Elea Nick ha avuto la fortuna di poter frequentare la scuola normale a Meilen fino alla terza media e ha ottenuto un carico di lavoro scolastico ridotto. Ora sta studiando per conseguire il livello A in arte e sport all'Akad College. Anche la Svizzera sembra essere diventata più flessibile in termini di istruzione scolastica per i portatori di talento.

I Grigioni rivedono i finanziamenti alla cultura

La legge del Cantone dei Grigioni sulla promozione della cultura è in fase di completa revisione, secondo il mandato del Gran Consiglio del Cantone. Secondo la bozza, tra l'altro, le regioni saranno obbligate a gestire un programma nazionale di scuole di canto e di musica.

Redazione Musikzeitung (traduzione: IA) - 17 novembre 2016

Teatro comunale di Coira. Foto: Roland Zumbühl/picswiss

L'attuale promozione culturale del Cantone dei Grigioni si basa sulla Legge sulla promozione della cultura del 28 settembre 1997 e sull'Ordinanza alla Legge sulla promozione della cultura del 12 gennaio 1998. Il Cantone scrive che la Legge sulla promozione della cultura e l'Ordinanza basata su di essa si sono dimostrate valide in molti settori come base per la promozione culturale cantonale fino ad oggi. Per questo motivo, nel nuovo progetto sono state adottate alcune norme. Secondo la proposta del Governo, anche la Legge sulla promozione culturale, completamente rivista, dovrebbe essere snellita.

La revisione totale della Legge sulla promozione culturale si basa su una richiesta del Gran Consigliere Bruno Claus e dei cofirmatari. Nel corso della revisione totale della Legge sullo sviluppo economico è stata fatta una distinzione tra sviluppo economico e promozione culturale. È stato inoltre necessario chiarire i possibili punti focali della promozione culturale (cultura professionale, cultura amatoriale), le interfacce con la promozione economica e le responsabilità e la selezione della commissione cantonale per la promozione culturale.

Si prevede ora di includere esplicitamente il sostegno alle attività culturali professionali tra gli obiettivi della legge. La bozza prevede inoltre che le regioni siano obbligate a fornire un'offerta completa di scuole di canto e di musica.

Nella preparazione dell'attuale bozza si è tenuto conto anche dei risultati del mandato Caduff relativo a uno stop intermedio nella revisione totale della Legge sullo sviluppo economico e del mandato Montalta relativo allo sviluppo di un concetto cantonale per la promozione e il finanziamento dei musei regionali e dei centri culturali regionali. Sono state accolte anche molte delle preoccupazioni espresse dai 160 partecipanti alla consultazione. Ad esempio, il governo dovrebbe essere obbligato a elaborare un concetto globale per la promozione della cultura nel Cantone dei Grigioni.

Nel paradiso dei compositori

Il Percussion Art Ensemble Bern è in tournée per il suo compleanno con quattro prime mondiali.

Thomas Meyer (traduzione: IA) - 17 novembre 2016

Concerto alla Gare du Nord. Foto: pae-bern.ch

Quando una volta Yvonne Loriod suonò al pianoforte il primo dei suoi pezzi sugli uccelli, Olivier Messiaen le disse con disappunto: aveva fatto tutto bene, ma mancava qualcosa; la mattina dopo la portò nella natura, dove avrebbe potuto ascoltare lei stessa gli uccelli e capire i loro canti. Questa differenza, forse piccola ma decisiva, è rimasta evidente quando il Percussion Art Ensemble Bern ha eseguito il brano alla Gare du Nord di Basilea. Nri/mimicri di Charles Uzor.

In esso, il compositore sangallese ha trasposto i canti degli uccelli in otto ottave, rendendoli riproducibili con gli strumenti. Ora i quattro percussionisti e la suonatrice di ondes martenot Caroline Ehret dovevano imitare questi canti. Questa peculiare giungla sonora, una giustapposizione, un'accozzaglia di voci, collegate da nient'altro che il tutto, uno spazio rituale selvaggio, suonava a tratti molto colorata, ma il pezzo avrebbe potuto sbocciare ancora più meravigliosamente se questa immaginazione sonora fosse stata davvero portata avanti dai musicisti. Qui sembrava più suonato che vissuto.

Questo era tipico della serata: mancava un ultimo accorgimento. Forse i musicisti dovrebbero esibirsi a piedi nudi come Evelyn Glennie, perché anche i tacchi delle scarpe possono facilmente diventare strumenti a percussione, anche se purtroppo per lo più involontariamente. E nei piccoli rumori quando si posano le mazze, si riprende l'archetto o si passa da uno strumento all'altro, si avvertiva anche la mancanza di sensibilità e di immaginazione. Ciò ha distratto in particolare nei brani più difficili e fragili del programma, in Uzor, la cui musica è abbastanza forte di per sé e tuttavia rimane comprensibile, e in Floraison dalla belga Jacqueline Fontyn, che così si sfilacciava ancora di più nell'arbitrio.

L'ensemble di percussioni bernese con Simon Forster, Ferdinand Heiniger, Oliver Schär e il fondatore Daniel Scheidegger festeggia il suo ventesimo compleanno a novembre con una tournée in Svizzera (Uettligen, Basilea, Bienne, Burgdorf, Berna, San Gallo). Sotto il titolo "Dialoghi" sono state eseguite quattro prime mondiali, di cui il brano di Uzor è il più ricco e lungo. Il quartetto ha reso molti servizi alla nuova musica nella capitale, presentando il repertorio sonoro in un'ampia varietà di sfaccettature e svolgendo un prezioso lavoro didattico. Nel 2012 ha ricevuto il premio del Cantone di Berna per l'educazione musicale innovativa per il progetto "Alltagsmusik".

Forse il Percussion Art Ensemble ha semplicemente bisogno di composizioni un po' più robuste, caratterizzate soprattutto dal punto di vista ritmico e che vadano dritte. Gli altri due brani della serata erano regali di compleanno (quelli di Uzor e Fontyn erano stati commissionati dal quartetto) e si adattavano molto meglio alle qualità dei musicisti. Il nuovo pezzo di Urs Peter Schneider Ascoltato per cinque percussionisti a due voci (con Karin Jampen al pianoforte elettrico) "traduce" un testo aramaico in processi sonori. I due vibrafoni, le due marimbe e i due pianoforti si muovono costantemente nella pulsazione e nel volume, senza forzature, ma interrotti da pause negli accordi che cambiano gradualmente. Al di sopra di questo, tuttavia, la gamma spettrale inizia a vibrare "udibilmente" - ogni volta in modo diverso, esplorabile con l'orecchio. E questo ha dimostrato che ancora oggi la musica per percussioni è un sacchetto magico da cui si possono estrarre innumerevoli sfumature di colore. È per questo che il compositore bernese Jean-Luc Darbellay la definisce un "paradiso per i compositori", e da parte sua l'ha esplorata in modo suggestivo con il suo Dialoghi. La musica è scivolata attraverso i minuti, scintillante, vorticosa, con alcune sorprese ed effetti che erano chiaramente impostati, giusti per questo ensemble. Il tamburo di comando rimarrà impresso nella mia memoria.

Altri concerti
Domenica 20.11.2016, ore 17.00, Museo Franz Gertsch Burgdorf
Giovedì 24.11.2016, ore 20.00, Dampfzentrale di Berna
Venerdì 25.11.2016, ore 20.00, Lokremise di San Gallo