Antoine Gilliéron - Gli studenti come autori dei loro corsi. Questo è il tema attorno al quale sarà organizzata la giornata pedagogica che si terrà venerdì 21 ottobre 2022 a Losanna. Per mettere in discussione questa idea, saranno presenti una ventina di ospiti provenienti da ciascuna delle otto scuole superiori di musica che costituiscono il panorama dell'istruzione superiore in Svizzera.

Partendo dal fondamentale postulato umanista secondo cui l'uomo è artefice del proprio destino, i corsi di studio della musica trarrebbero vantaggio dall'essere ancora più incentrati sull'allievo, affinché quest'ultimo possa diventare sempre più attivo. fonte della sua formazione.

In questo modo, un'accentuata individualizzazione dei curricula permette di rafforzare la logica profonda degli studi musicali terziari, che mirano in ultima analisi a far sì che i musicisti investano la società attraverso la loro arte e la loro sensibilità al valore della società.

Trovare un equilibrio tra questa nuova visione dell'educazione, con le sue implicazioni organizzative, e le vecchie forme di strutturazione dei programmi di studio è una delle sfide del momento.

Al di là della durata degli studi, questo nuovo modo di concepire i corsi in modo più flessibile, in linea con gli obblighi curriculari del sistema Bachelor-Master introdotto dalla riforma di Bologna, ha un impatto molto positivo sull'occupazione.

È vero che nel contesto delle grandi trasformazioni sociali in corso, in particolare nell'era digitale, la maggior parte dei posti di lavoro del futuro non sono ancora noti e che è necessaria una diffusione trasversale delle competenze da acquisire (invece della creatività, adattamento o intelligenza sociale) per trasformare la società e rispondere ai suoi bisogni.

L'impatto desiderato è quello di migliorare l'occupabilità degli studenti durante gli studi, infondendo loro il desiderio e la capacità di entrare nel mondo del futuro.

Inoltre, questa conferenza esplorerà i legami tra le scuole di musica svizzere e le persone che vi abitano, concentrandosi sulle questioni e sulle potenziali sinergie che tali riforme potrebbero avere a tutti i livelli istituzionali.

Non c'è dubbio che la qualità dei relatori e dei partecipanti a questa giornata di scambio e riflessione creerà le condizioni per un impatto positivo sul futuro degli studenti di musica nel nostro Paese.

Gli artisti creativi possono presentare le loro candidature sul sito web aarau.ch alla voce "Promozione culturale". Le informazioni sui criteri di presentazione sono disponibili sul sito web della città. Oltre alla descrizione del progetto, i creativi devono presentare anche un budget e un piano di finanziamento.

Le domande di finanziamento possono essere presentate solo tramite il modulo online. Le prossime scadenze sono il 1° ottobre 2022, il 31 gennaio 2023 e il 31 maggio 2023.

Nell'ambito del progetto di ristrutturazione e ampliamento del "MAB Campus 2040", l'Accademia musicale di Basilea ha organizzato un contratto di studio selettivo. La commissione di valutazione, presieduta da Pierre de Meuron, ha selezionato quattro team tra 37 candidature in un processo di pre-qualificazione aperto. Alla fine, la commissione di valutazione ha raccomandato all'unanimità la proposta di progetto di Architecture Club per un ulteriore sviluppo, sia per l'ampliamento strutturale che per la ristrutturazione degli edifici esistenti.

Da un lato, il progetto prevede l'urgente necessità di ristrutturare l'insieme di edifici di valore storico. Dall'altro, si tratta di soddisfare l'urgente necessità di spazio in relazione ai requisiti funzionali e tecnici di oggi. Secondo il comunicato stampa, l'aggiunta di una Salle Modulable è essenziale per gli scopi educativi odierni. Solo una Salle Modulable di questo tipo sarebbe in grado di rendere giustizia alla diversità stilistica della vita musicale attuale e futura, con la crescente inclusione di tecnologie multimediali e digitali e i numerosi approcci artistici interdisciplinari.

Per saperne di più:
https://www.musik-akademie.ch/de/news/detail/campus-2040-die-musik-akademie-der-zukunft.html

"Ci sono davvero suoni di un altro mondo, non ho mai sentito nulla di simile", scrisse il compositore Fritz Brun a proposito della nuova opera. Era il 1923, un'epoca in cui si respirava un'aria di modernità, sia a Parigi che a Vienna. L'opera sembrò audace anche agli zurighesi, ma Brun non disse "nuova", bensì "dell'altro mondo", il che descriveva abbastanza bene la situazione. Othmar Schoeck si trovava su una soglia. Anche con il Venere aveva suonato una nota diversa, poco dopo sarà Pentesilea tra i più moderni per un breve periodo - e lasciarsi andare un po'. Perché qui è più unico e più personale, nella Elegiaun ciclo di 24 canzoni orchestrali dopo Eichendorff e Lenau.

Audacia: la parola può sorprendere in questa musica in gran parte calma e malinconica, che non è affatto ipercromatica, né neoclassicamente sfacciata né espressionisticamente esagerata, ma che tuttavia si spinge oltre i confini. Certo, appartiene ancora al periodo tardo-romantico tonale, ma non è sovraccarica come in Mahler, Strauss o il maestro Reger, bensì purificata, grandiosamente condensata e quindi pronta per l'età moderna. Le melodie girano su se stesse - un segno di malinconia. Si parla costantemente di addio. L'audacia risiede nello stato d'animo profondamente triste ma pieno di luce e in un linguaggio tonale molto originale, che è particolarmente evidente nella versione orchestrale. Qui si ottiene molto con poco. Un capolavoro fenomenale.

Il nome di un poeta, Lenau, ricorderà ad alcuni l'ultima opera di Heinz Holliger Lunea e qui è davvero al timone, alla guida dell'Orchestra da Camera di Basilea e dell'altrettanto fenomenale Christian Gerhaher in questa nuova registrazione. La musica è eseguita con grande amore e attenzione. E il suono è incredibilmente differenziato. L'aspetto sorprendente: L'allestimento di Schoeck richiede un certo stile, molto tipico, da parte dei cantanti. Leggero, per lo più non invadente, a volte quasi parlato, senza pathos pesante, ma estremamente espressivo e prorompente in alcuni punti. Gerhaher, che ha cantato Lenau anche in Lunea sang, colpisce nel segno.

Othmar Schoeck: Elegia op. 36 per voce e orchestra da camera. Christian Gerhaher, baritono; Orchestra da camera di Basilea; direzione di Heinz Holliger. Sony Classical 19439963302

Anche se Camille Saint-Saëns è stato in grado di promuovere la diffusione del suo Carnaval des Animaux durante la sua vita: Oggi la "Grande Fantaisie Zoologique" è senza dubbio una delle sue opere più eseguite ed è diventata una delle preferite nei concerti per famiglie e bambini. In occasione del centenario della morte del compositore, l'organista sudcoreano Shin-Young Lee, che lavora in Francia, presenta una trascrizione per organo solo che offre una nuova prospettiva dell'opera del compositore. Carnaval consentito. Il ciclo è disponibile in commercio in almeno altri due arrangiamenti completi per organo, oltre a numerosi arrangiamenti del Cignicompresa la trascrizione storica di Félix Alexandre Guilmant.

L'arrangiamento di Lee (che interpreta anche in una suggestiva registrazione su Youtube) è relativamente vicino all'estetica della trascrizione di Jean Guillou, ed è quindi orientato verso un approccio altamente virtuosistico (trilli di pedale, doppio pedale in movimenti come il Acquario o il Voliera) ad esecutori sicuri di sé. L'arrangiatore ipotizza inoltre (purtroppo senza fornire alternative) uno strumento moderno con una gamma manuale di 61 tasti e un pedale che arriva fino a g' (ad esempio per il Cigno), e le registrazioni colorate proposte suggeriscono anche un organo dalla partitura sontuosa. Senza entrare nel merito della difficile questione dell'ambiente in cui tali arrangiamenti possono trovare posto: Con una tecnica esecutiva appropriata e su uno strumento adatto, il Carnaval non mancherà il suo effetto in questa versione!

Camille Saint-Saëns: Le Carnaval des Animaux, arrangiamento per organo di Shin-Young Lee, ED 23492, € 16,00, Schott, Mainz

Il festival è organizzato dall'associazione Berner Seefestspiele sotto la direzione artistica di Olivier Darbellay. Si svolge nel quartiere Obstberg-Ostring-Zentrum Paul Klee di Berna, intorno al lago Egelsee, e porta la musica dalla classica al jazz alla world music in formazioni cameristiche in luoghi quotidiani e insoliti. Secondo un comunicato stampa, il Festival del Lago di Berna mira a essere a bassa soglia e sostenibile portando la musica direttamente al pubblico. Invece di musicisti che hanno viaggiato da lontano, si esibiranno musicisti di fama internazionale e giovani talenti che vivono a Berna e nei dintorni. Le sedi possono essere raggiunte con i mezzi pubblici, in bicicletta o a piedi e sono "allestite, suonate e smontate come pop-up effimeri".

Lo chiama Manuale delle verandeIl libro è curato da Freia Hoffmann, direttrice dell'Istituto Sophie Drinker di Brema, che insieme al suo team ha raccolto le prime informazioni complete sugli inizi dell'istruzione musicale professionale nei Paesi di lingua tedesca. Sulla base di 16 istituti selezionati, il team dipinge un quadro emozionante della prima storia dei conservatori. Il risultato è un panopticon in tre volumi in cui è possibile sia leggere con interesse sia trovare informazioni specifiche, giustificando il termine "manuale".

Non è stato certo facile trovare un denominatore comune per la presentazione dei vari sviluppi di queste istituzioni educative. Il primo compito è stato quello di raccogliere tutte le fonti disponibili: corrispondenza e inventari d'archivio, articoli di giornale, biografie del personale docente e opuscoli. Le fonti a stampa alla fine del terzo volume, come vari articoli, forniscono una panoramica Informazioni sui conservatori musicali nel Nuova rivista per la musica del 1841, parti dell'opuscolo di 46 pagine di Franz Joseph Kunkel La condanna dei conservatori come asili per il proletariato musicale ... o l'articolo di Luise Adolpha Le Beau Sull'educazione musicale delle giovani donne dal 1878.

Nonostante le grandi differenze, è stato possibile raggiungere una coerenza metodologica nella presentazione dei singoli conservatori. Gli articoli coprono aspetti della storia, del finanziamento e del contenuto dei programmi di studio, comprese le materie complementari e le attività concertistiche nelle sale disponibili all'epoca. La maggior parte delle istituzioni doveva finanziarsi attraverso le tasse scolastiche, ma riceveva anche sovvenzioni da principi o re, come nel caso del Conservatorio Stern di Berlino.

Interessanti sono anche le statistiche sugli studenti in termini di rapporto tra i sessi e per nazione. Ci sono studenti svizzeri in tutti i conservatori e in tutti gli anni di studio, il che dimostra chiaramente la mancanza di istituzioni educative svizzere all'epoca. Il Conservatorio di Lipsia, così strettamente associato all'opera di Felix Mendelssohn e che nel 1868 contava ben 46 studenti svizzeri, era particolarmente noto e ricercato.

Per la prima volta viene dato un volto scientifico alla condizione delle donne del XIX secolo, che non erano nemmeno ammesse all'università. Per Vienna, ad esempio, si dice che furono emanati regolamenti "che limitavano notevolmente l'accesso delle donne ai dipartimenti strumentali". Naturalmente furono fatte eccezioni per le cantanti donne, che non potevano essere sostituite. Raccogliere informazioni sugli insegnanti - non c'era quasi nessuna donna - è stato certamente un compito erculeo, ma fornisce ulteriori indicazioni sulla natura del corpo docente.

L'unico peccato è che non ci sia un indice delle persone, che avrebbe permesso di incrociare le istituzioni e mostrare chiaramente quali nomi noti erano già coinvolti in compiti educativi all'epoca. D'altra parte, questo costringe a una lettura intensiva di tutti e tre i volumi, il che è molto utile.

Manuale dei conservatori: Institutionelle Musikausbildung im deutschsprachigen Raum des 19. Jahrhunderts, a cura di Freia Hoffmann, 3 volumi per un totale di 871 p., € 198,00, Laaber, Lilienthal 2021, ISBN 978-3-89007-911-0

Mirjam Skal è nata nel 1996 ed è cresciuta a Wetzikon. Nel 2021 si è laureata al corso di "Composizione per film, teatro e media" dell'Università delle Arti di Zurigo. Oltre agli studi, lavora come compositrice freelance per il cinema e i media. Mirjam Skal compone colonne sonore per film d'animazione, documentari e musica per SRF. Attraverso l'Alliance for Women Film Composers, Mirjam Skal ha ricevuto un tutoraggio con il compositore hollywoodiano e premio Oscar Mychael Danna. 2021 è stata invitata alla Berlinale Talents.

Cédric Joël Ziegler, nato nel 1996, è un compositore, produttore, polistrumentista e cantante. Durante gli studi di composizione e musica per film alla ZHdK, che ha completato nel 2019, ha lavorato con vari ensemble e ha acquisito esperienza pratica in diversi ambiti che vanno dalla composizione classica a quella contemporanea, dal jazz al sound design. Come cantante e autore, Cédric Ziegler aljas JODOQ si muove tra l'elettropop e la musica neoclassica.

Il Premio d'arte Zollikon della Fondazione Dr. K. & H. Hintermeister-Gyger sarà assegnato a rotazione nel 2022 nella categoria composizione. I premi sono dotati di 5000 franchi svizzeri ciascuno. Il premio sarà assegnato per l'ultima volta quest'anno. Il lascito si esaurirà dopo l'assegnazione dei due premi di sponsorizzazione.

Nel 2021, il Ministero federale per le Arti, la Cultura, il Servizio Civile e lo Sport (BMKÖS) ha avviato il processo di elaborazione di una strategia federale per l'arte e la cultura e sta concludendo la prima fase di indagine e partecipazione di artisti, gruppi di interesse e società civile. Le prossime tappe della strategia artistica e culturale saranno annunciate in occasione di un forum di dialogo che si terrà all'inizio dell'autunno 2022.

In un processo interno con la partecipazione attiva di molte organizzazioni musicali del mondo dell'istruzione, delle arti e dell'economia, sono state sviluppate posizioni e richieste sui seguenti temi: Cultura come obiettivo nazionale, diversità culturale, finanziamenti/premi e concorsi, musica amatoriale e ensemble semiprofessionali, situazione sociale dei musicisti e retribuzione equa, inclusione, educazione musicale (scuole/scuole di musica), università musicali, formazione musicale, industria musicale/sicurezza della posizione, professionalizzazione, diritto d'autore/contratto d'autore, radiodiffusione, networking internazionale, esportazioni musicali, politica di sviluppo.

Nella foto, il coordinatore della strategia per l'arte e la cultura Lorenz Birklbauer (BMKÖS), il segretario generale dell'ÖMR Günther Wildner e il presidente dell'ÖMR Harald Huber durante la consegna del documento di sintesi a Wiener Neustadt.

Documento di posizione dell'ÖMR:
https://oemr.at/wp-content/uploads/O%CC%88MR_Kunst-und-Kulturstrategie_Positionspapier_2022.pdf

Come baritono, Christian Hilz è presente nei centri musicali d'Europa e d'America. È specializzato nel repertorio tardo barocco, romantico e liederistico del XIX e XX secolo.

Ha studiato canto e teatro musicale all'Università Folkwang di Essen. Ulteriori studi in teatro e management musicale presso la LMU di Monaco, un'ulteriore formazione e un lavoro di consulenza artistica per vari festival hanno ampliato la sua visione della vita musicale.

Conosce bene il panorama accademico musicale svizzero: come professore di canto e musica da camera, dal 2009 insegna all'Università delle Arti di Berna e allo Studio dell'Opera Svizzera. Dal 2015 è anche direttore artistico dell'Austria Baroque Academy.

Haas succede a Detlef Heusinger. Haas lavora per l'Experimentalstudio dal 2001 e da allora è regolarmente coinvolto nella creazione e nell'esecuzione di partiture elettroniche dal vivo di importanti compositori contemporanei.

Joachim Haas desidera porre nuovi accenti, tra l'altro, con la nomina di nuovi Artisti Associati, il cui impegno dovrebbe aprire ulteriormente le prospettive artistiche dell'SWR Experimentalstudio e renderle più diversificate. Patricia Kopatchinskaja assumerà questo ruolo per i prossimi due anni (stagioni 2022/2023 e 2023/2024).

Joachim Haas è nato a Stoccarda nel 1968, si è formato in flauto e sassofono e ha studiato elettroacustica, ingegneria delle comunicazioni e delle telecomunicazioni presso l'Università Tecnica di Berlino. Dopo aver completato gli studi, ha svolto attività di ricerca presso l'Università Pompeu Fabra di Barcellona nell'ambito di una borsa di studio dell'UE, specializzandosi in analisi e sintesi del suono. Joachim Haas è stato cofondatore di FREQ-Laboratories e ha sviluppato software audio e musicale per Native Instruments.

Dal 2001 lavora come direttore del suono e informatico musicale presso l'SWR Experimentalstudio di Friburgo. È stato coinvolto in modo significativo nella creazione e realizzazione di live electronics - in opere di Karlheinz Stockhausen, Chaya Czernowin, Mark Andre, José Maria Sánchez-Verdú, Vinko Globokar, Elena Mendoza e altri. Dal 2007 è vice direttore artistico dell'SWR Experimentalstudio.

Haas succede a Detlef Heusinger. Haas lavora per l'Experimentalstudio dal 2001 e da allora è regolarmente coinvolto nella creazione e nell'esecuzione di partiture elettroniche dal vivo di importanti compositori contemporanei.

Joachim Haas desidera porre nuovi accenti, tra l'altro, con la nomina di nuovi Artisti Associati, il cui impegno dovrebbe aprire ulteriormente le prospettive artistiche dell'SWR Experimentalstudio e renderle più diversificate. Patricia Kopatchinskaja assumerà questo ruolo per i prossimi due anni (stagioni 2022/2023 e 2023/2024).

Joachim Haas è nato a Stoccarda nel 1968, si è formato in flauto e sassofono e ha studiato elettroacustica, ingegneria delle comunicazioni e delle telecomunicazioni presso l'Università Tecnica di Berlino. Dopo aver completato gli studi, ha svolto attività di ricerca presso l'Università Pompeu Fabra di Barcellona nell'ambito di una borsa di studio dell'UE, specializzandosi in analisi e sintesi del suono. Joachim Haas è stato cofondatore di FREQ-Laboratories e ha sviluppato software audio e musicale per Native Instruments.

Dal 2001 lavora come direttore del suono e informatico musicale presso l'SWR Experimentalstudio di Friburgo. È stato coinvolto in modo significativo nella creazione e realizzazione di live electronics - in opere di Karlheinz Stockhausen, Chaya Czernowin, Mark Andre, José Maria Sánchez-Verdú, Vinko Globokar, Elena Mendoza e altri. Dal 2007 è vice direttore artistico dell'SWR Experimentalstudio.

Un trio di Mendelssohn appena scoperto? O un quintetto del dimenticato Heinrich von Herzogenberg? Chi non avesse a portata di mano il libretto di sala e non conoscesse il contesto dell'esecuzione potrebbe chiedersi da quale compositore del XIX secolo possano provenire i due pezzi per archi, sconosciuti ma artisticamente attraenti. Compositore? Nessuna risposta. Le due opere sono state scritte da una donna, l'inglese Ethel Smyth.

Il suo Quintetto per archi op. 1 del 1883, come il famoso Quintetto in do maggiore di Schubert, utilizza due violoncelli invece delle solite due viole. Anna Mikolášek, Nevena Tochev (violini), Meredith Kuliew (viola), Elodie Théry e Lidewij Faber (violoncelli) hanno usato tutta la loro ambizione interpretativa e hanno illuminato la composizione dal suo lato migliore. Tutti e cinque i movimenti del quintetto sono caratterizzati da una riuscita combinazione di comprensibilità e maestria; occasionalmente si può notare una certa ridondanza nella melodia.

Ethel Smyth, che studiò a Lipsia contro la volontà dei genitori e che divenne nota non solo come compositrice ma anche come attivista per i diritti delle donne, incarna perfettamente il messaggio del nuovo festival musicale FemaleClassics: In un genere musicale in cui il 98% delle composizioni sono eseguite da uomini, l'obiettivo è quello di attirare l'attenzione del pubblico sulla musica trascurata delle donne. Tre concerti da camera al Kunstraum Walcheturm e alla Photobastei di Zurigo hanno realizzato questo obiettivo in modo invitante.

Meredith Kuliew è l'iniziatrice e la direttrice artistica del festival. Dopo aver studiato viola a Zurigo e Lucerna, oggi si esibisce in varie formazioni. È assistita dalla musicologa Eva Ruckstuhl come co-direttrice. Lavora nell'ambito dell'organizzazione di concerti e della comunicazione, fino a poco tempo fa presso la Società Tonhalle di Zurigo. Nella loro vita professionale, entrambe le direttrici hanno riscontrato che le compositrici hanno un ruolo trascurabile nei programmi della maggior parte degli organizzatori di eventi.

"Non volevo passare la mia vita a suonare le due sonate per viola di Brahms. Con pochi clic su Internet, sono rimasta stupita nel trovare in un colpo solo molte opere emozionanti di compositrici donne", spiega Kuliew, e Ruckstuhl aggiunge: "Si parla sempre di rispolverare la scena della musica classica, ma il repertorio rimane sempre lo stesso. Oggi la programmazione femminista potrebbe essere usata anche come argomento di vendita". Oltre a rendere visibili le compositrici, le due sono anche interessate a sensibilizzare il pubblico e, al di là del festival, a lanciare un segnale alle istituzioni musicali.

Oltre alla serata Smyth, si è tenuto un concerto con l'accostamento di un trio per pianoforte di Fanny Hensel e di un quintetto per pianoforte della compositrice afroamericana Florence Beatrice Price. Anche un programma contemporaneo ha accostato un compositore noto a uno sconosciuto. Nel 1988, l'ormai novantunenne Sofia Gubaidulina ha scritto un trio d'archi che richiede al pubblico una certa variabilità tonale e intricate progressioni formali. La violinista Nevena Tochev, la violista Meredith Kuliew e la violoncellista Elodie Théry, che insieme formano il Trio d'archi TriOlogie, non hanno avuto paura di mostrare i lati inquietanti dell'opera.

Questo programma contemporaneo ha ricevuto un tocco speciale dalla prima mondiale del trio d'archi Più vicino al corpo della compositrice trentenne Asia Ahmetjanova. La lettone vive a Lucerna e ha studiato composizione, tra gli altri, con Dieter Ammann. Lo "scherzo" del brano è che gli esecutori suonano senza arco. I crini dell'arco sono attaccati ai gomiti e ai polsi degli esecutori, trasformando le loro braccia in archi, per così dire. Ne derivano suoni dal carattere molto etereo e non radicato, non sempre esattamente prevedibili. L'impossibilità di ottenere un'interpretazione "perfetta" è proprio l'idea di base del pezzo, ha spiegato il compositore in una conversazione con la musicologa Viviane Nora Brodmann, che aveva precedentemente tenuto un'introduzione alla serata.

Il festival FemaleClassics si svolgerà nuovamente in futuro, ma la data è ancora aperta. Per la seconda edizione, si spera che sia meno pesante per gli archi, che le introduzioni ai concerti siano un po' più raffinate dal punto di vista retorico e che una maggiore pubblicità possa attirare un pubblico più vasto. La qualità interpretativa degli esecutori e l'espressività dei programmi lo meritano. E la visibilità e l'ascolto delle compositrici è appena iniziata.

Nonostante alcune crisi nel mondo della musica, da alcuni decenni almeno un genere sta vivendo un crescendo impressionante: la musica da film. Non solo nel modo in cui viene vista e valutata (anche dai musicologi e dalla nuova musica), ma anche nella sala da concerto. La 21st Century Orchestra di Lucerna ha svolto un lavoro pionieristico in questo Paese, accompagnando dal vivo film recenti dal 1999 sotto la direzione di Ludwig Wicki. La maggior parte delle orchestre ha seguito da tempo il loro esempio. E questo è un bene. Perché questo movimento compensa ciò che i cinema non riescono più a fare da quando quasi tutte le sale Cinemascope sono state smembrate. La grande esperienza di essere circondati da immagini e suoni con gli occhi e le orecchie spalancate è andata perduta. È così che si recupera un genere.

Ma si può anche andare oltre, come dimostra l'Orchestra Sinfonica di Lucerna. Il risultato è un nuovo film indipendente su una musica vivida ed emotivamente intensa, che non era assolutamente destinata ad accompagnare un film, realizzata da un compositore che ha una vasta esperienza cinematografica, maturata nel corso di decenni in una grande varietà di generi. L'artista sudafricano William Kentridge, un maestro di molte classi, e il suo team hanno creato il film Oh, credere in un altro mondo alla 10ª Sinfonia di Dmitri Shostakovich, che già da giovane pianista accompagnava i film muti a Leningrado.

Come illustrarlo? La Decima, composta nel 1953 dopo la morte di Stalin, è considerata un ritratto amaro del dittatore, soprattutto per quanto riguarda l'esagerato secondo movimento. Secondo il direttore d'orchestra Michael Sanderling, il primo movimento descrive lo stato della società; nel terzo, il compositore parla di se stesso. Si può anche riconoscere la speranza nella tragica bellezza dell'opera. Shostakovich stesso è stato piuttosto vago riguardo al contenuto specifico: "In quest'opera volevo esprimere sentimenti e passioni umane".

Si potrebbe immaginare che questo sia piuttosto suggestivo, o che sia accompagnato da vecchi filmati documentari. Tuttavia, il punto di partenza per Kentridge non era una trama, ma piuttosto la rappresentazione di piccole figure di cartone che recitavano in un "museo sovietico abbandonato", che a dire il vero esiste solo in formato cartonato, in quanto è stato posizionato sul tavolo dello studio. Il film è stato girato con una telecamera in miniatura, nello stile di un film d'animazione. Inoltre, c'erano degli attori, alcuni dei quali ricreavano il gioco delle figure a grandezza naturale: Shostakovich e la sua allieva Elmira Nasirova, il poeta Vladimir Mayakovsky e la sua amante Lilia Brik, nonché i tre rivoluzionari Lenin, Trotsky e Stalin. Il team del film ha sviluppato le scene per la musica a partire dai filmati, anche se non seguono una cronologia precisa.

Gli anni Venti - piuttosto che gli anni Cinquanta, quando la sinfonia fu composta - sono il punto di riferimento storico per Kentridge. E per un motivo importante: non voleva mostrare la depressione che regnava sotto Stalin, ma piuttosto l'ambivalenza dei sentimenti di fronte al risveglio socialista nella giovane Unione Sovietica e alla disillusione che presto ne seguì. Emblematica è la figura del poeta Vladimir Mayakovsky, che accompagnò il movimento con versi entusiasti e sfrontati, ma poi si suicidò nel 1930 per la delusione. Kentridge ha compilato un testo tratto dalle sue poesie e dai suoi drammi, che appare nel quadro e parla con frasi di speranza e disillusione. Anche il titolo deriva da questo Oh, credere in un altro mondo (Oh, se solo potessi credere in un mondo diverso).

Tuttavia, il film fa riferimento anche all'estetica degli anni Venti, al futurismo espressivo e al cinema muto russo dell'epoca. Ci sono diversi richiami al cinema veloce e dal montaggio audace La nuova Babilonia che Grigori Kozintsev e Leonid Trauberg girarono nel 1929 e per il quale Shostakovich scrisse una fantastica colonna sonora. Anche i colori mutevoli, a volte instabili, le superfici graffiate e i titoli un po' traballanti rimandano alla qualità cinematografica dell'epoca. Tra le immagini sono inserite numerose riprese documentarie. Il risultato è un grandioso arco di immagini, un caleidoscopico balletto di figure. Kentridge afferma di non aver voluto degradare la sinfonia a musica da film, ma l'immagine è quasi sovrastante a causa dei numerosi eventi visivi che cambiano rapidamente. È quindi un bene che le emozioni dell'immagine non cerchino di competere con quelle della musica. La trama è solo accennata. È convincente, ad esempio, che il ritratto di Stalin sia stato omesso nel secondo movimento. Si vedono filmati di propaganda dell'epoca (anche con il giovane Shostakovich), ma sembrano allontanati da un effetto scenico. Kentridge ha anche affermato di voler porre delle domande con il suo film. Tuttavia, il modo in cui viene visualizzato il terzo movimento è problematico. Il compositore si ritrae con le sue lettere tonali (D-S-C-H). Kentridge mette a fuoco una presunta storia d'amore con Nasirova, in modo discreto, ma non necessario, perché banalizza la situazione.

La partitura stessa è rimasta in gran parte intatta. Solo il fatto che l'orchestra e il direttore d'orchestra siano costretti a lavorare a un certo ritmo dal film una volta completato può essere visto come una limitazione. Tuttavia, è più probabile che ciò riguardi i futuri esecutori. L'Orchestra Sinfonica di Lucerna, sotto la guida del suo direttore Michael Sanderling, ha affrontato questa sfida a metà giugno presso il Centro Cultura e Congressi di Lucerna (KKL) con enorme brio, cioè con energia e passione.

Tra l'altro, le ultime immagini del film mostrano una sorta di danza satira di tutti i personaggi (compresi i dittatori), come se continuasse all'infinito. Danzano, come dice il testo, su ciò che resta dell'Europa. Tutto questo è tornato improvvisamente di deprimente attualità.

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