A questo Bernd Feuchtner può essere attribuito il sorprendente titolo di L'opera del XX secolo in 100 capolavori È stato giornalista musicale per vent'anni, poi drammaturgo, regista d'opera, docente in varie università e ora è autore freelance. Con Pfitzner Rosa del giardino dell'amore (1901) e di Debussy Pelléas e Mélisande (1902) e continua, del tutto sorprendentemente, con Isaac Albéniz Merlino prima di passare all'opera di Puccini Madama Butterfly (1904), ogni volta con dati introduttivi di base su libretto, durata, ruoli, première, luoghi e lingua.

Egli si attiene coerentemente alla regola di includere solo un'opera di ciascuno dei 94 compositori e delle 6 compositrici nella panoramica del secolo, per cui Ethel Smyth con I demolitori del 1906, è stata l'unica compositrice d'opera donna a essere inclusa prima del 1975. Thea Musgrave, Adriana Hölszky, Meredith Monk, Olga Neuwirth e Kaija Saariaho hanno seguito con i loro capolavori fino al 2000. Othmar Schoeck è l'unico compositore svizzero a essere incluso con le sue opere. Pentesilea (1927), tra Re Roger di Szymanowski e Il miracolo di Heliane di Korngold. L'autore aggiunge che James Joyce era un ammiratore della "colorata cantata orchestrale" di Schoeck. Sepolti vivi" era.

Qui non ci si imbatte in un'arida narrazione della trama e dei numeri delle rappresentazioni, ma in un'esperienza, una valutazione e una classificazione molto personali. Feuchtner ha un talento spiccato nel raccontare le trame delle opere in modo attraente o nel riassumerle in modo conciso, ma anche nello stabilire riferimenti all'ambiente culturale dell'epoca o nello spiegare le difficoltà di ricezione. Con l'opera di Krzysztof Penderecki I diavoli di Loudon Il film ripercorre la graduale liberazione della Polonia da satellite dell'Unione Sovietica, iniziata nel 1956 con la fondazione del Festival d'Autunno di Varsavia. Feuchtner attinge anche alle proprie esperienze di drammaturgo e descrive le sue prime impressioni su un'opera, ma anche le sue delusioni.

Theodor W. Adorno è descritto come il teorico musicale più influente del XX secolo, ma non si nascondono nemmeno i suoi giudizi errati su Sibelius, Britten e Shostakovich. In quattro digressioni ricche di materiale, Feuchtner colloca l'opera nel contesto degli eventi politici contemporanei: "Der Weg der Veristen in die Arme von Mussolini", "Politische Oper in den USA", "Oper in Lateinamerika", "Berlin, Hauptstadt der DDR". Nell'ampia introduzione scrive: "Nel XX secolo sono state composte più di diecimila opere. Ho potuto conoscerne centinaia come giornalista [...] e nella pratica teatrale". Ne è nato questo libro d'opera, che vale la pena di leggere sotto tutti i punti di vista.

Bernd Feuchtner: Die Oper des 20. Jahrhunderts in 100 Meisterwerken, 688 p., riccamente illustrato, € 39,80, Wolke, Hochheim 2020, ISBN 978-3-95593-250-3

Henri Vieuxtemps (1820-1881) fu un talento precoce. Il Air varié n. 3 scrisse all'età di 13 anni: "Faccio ogni giorno un'aria variata come una pagnotta di pane!". L'introduzione del brano per violino e quartetto d'archi o orchestra d'archi presenta drammatiche ascese punteggiate e sospiri a doppia battuta. Il semplice tema viene sviluppato cinque volte in ritmi diversi e in doppi stop e interrotto da potenti tutti di quattro battute. Una coda chiude brillantemente il brano.

La versione per violino e pianoforte qui presentata è un interessante materiale di studio per giovani violinisti con diteggiature per lo più accettabili; il pianoforte ha solo una funzione di supporto. La prefazione tratta della biografia e dell'opera ed è stimolante, mentre la relazione critica lascia all'interprete la libertà di prendere le proprie decisioni. Negli ultimi mesi, l'editore svizzero Kunzelmann ha pubblicato lodevolmente una serie di altri brani per violino e orchestra di Henri Vieuxtemps come riduzioni per pianoforte.

In seguito, Vieuxtemps tenne concerti in America, Europa e Russia, fu un insegnante di talento (Ysaïe, Hubay) e (ancora) un compositore diligente. Oltre ai concerti per violino e ai quartetti per archi, scrisse anche per violino e pianoforte.

Il libretto di selezione Henri Vieuxtemps repertorio I pezzi che si distinguono per me sono i 3 Romances sans paroles: Chant d'amour, Désespoir e Souvenirche durano tra i tre e i quattro minuti. Il carattere del titolo è chiaramente espresso ed è rafforzato da ricchi ritmi pianistici e sorprendenti svolte armoniche. Gli altri pezzi più lunghi sono costellati di virtuosismi, in cui è coinvolto anche il pianoforte. Il terzo Morceau de salon è divertente: La Chassein cui la corda di sol deve essere accordata in si b, in modo che le note annotate suonino una terza più alte. La prefazione descrive la vita e i successi di Vieuxtemps e caratterizza le opere contenute nel libretto. Friedemann Eichhorn ha fornito la parte del violino con diteggiature e archi. Nella parte del pianoforte, la parte solista è stata lasciata come nella prima edizione e nelle prime edizioni.

Henri Vieuxtemps: Air varié No. 3, edizione per violino e pianoforte, prima edizione, a cura di Olaf Adler, GM-1954a, Fr. 14.00, Edition Kunzelmann, Adliswil

Repertorio di Henri Vieuxtemps. I più bei pezzi per violino e pianoforte, a cura di Wolfgang Birtel e Friedemann Eichhorn, ED 22603, € 28,00, Schott, Mainz et al.

È passata mezza apocalisse dall'ultimo album dello strano trio di Losanna. In questi undici anni, i gusti di Honey for Petzi hanno ovviamente subito una revisione completa. All'epoca, Sami Benhadj Djilali, Philippe Oberson e Christian Pahud si affidavano ancora completamente alla potenza di una formazione convenzionale di chitarra, basso, batteria e tre voci. La usavano per creare modelli sonori post-rock costellati da sincopi simili a petardi e salti intricati, che piacquero così tanto al pionieristico produttore Steve Albini di Chicago da indurlo a produrre un album per loro (Guarisci tutti i mostri, 2001). Il gruppo ha pubblicato otto LP nel corso della sua prima fase creativa e ha raggiunto una fama internazionale.

Il primo brano del loro gioioso album di ritorno dimostra che le menti degli Honey for Petzi hanno fermentato negli anni di silenzio. Ecoute prende alcuni vecchi elementi - finte ritmiche, pattern ripetitivi di chitarra - e li dota di una tavolozza sonora completamente nuova. La batteria convenzionale è ora affiancata da percussioni simili a quelle di Mbira, probabilmente generate da un computer, e si riconoscono anche altri suoni "preparati". La chitarra è stata chiaramente dotata di corde più morbide rispetto al passato e il basso grintoso ha una funzione di trasporto della melodia. A ciò si aggiunge una melodia vocale rilassata in registri insolitamente alti, e ancora più insolita per i Petzi: il canto è in francese.

Il calore della produzione dettagliata di Ecoute è tipico dell'umore conciliante, persino allegro, dei brani successivi. Né i nuovi ingredienti elettronici né il ritmo significativamente meno frastagliato sminuiscono le qualità tradizionali della band o addirittura il suo dinamismo - al contrario: la complessità finemente filata dei pattern è ora meglio enfatizzata. "Abbiamo ripreso da dove avevamo lasciato con Pensieri e gusti generali si è fermato", si legge nel testo della PR. "Era un album che conteneva già formati più 'pop' di quanto avessimo fatto prima". Se per "pop" intendete band elettroniche intelligenti e leggere come gli Hot Chip, allora va bene. Altrimenti Osservazioni + descrizioni in tutta la sua abbagliante diversità di idee è lontano dai soliti schemi pop. Ha molti punti di forza, forse il sognante Infini con i suoi modelli di chitarra sferici. Meraviglioso.

Miele per Petzi: osservazioni + descrizioni. Due Signori TWOGTL 093

Nel marzo 2021 ho recensito la nuova edizione del primo concerto per corno op. 11 di Richard Strauss (SMZ 3/2021), ed è un piacere avere ora davanti a me la nuova edizione del secondo concerto per corno del 1942 nell'Urtext e in un'edizione altrettanto lussuosa. Secondo l'editore, la riduzione per pianoforte è stata semplificata, a differenza dell'edizione Boosey & Hawkes, che è una corsa a perdifiato per gli accompagnatori.

Sono trascorsi sessant'anni di ricca creatività dalla composizione dell'Opus 11 e il secondo concerto, dopo l'ultima opera Capriccio appartiene insieme al concerto per oboe, al Metamorfosie il Quattro ultime canzoni alle opere degli ultimi anni di vita del compositore. Il corno solista dell'Opera di Stato Bavarese, Josef Suttner, che aveva suonato le parti di corno nelle opere di Strauss sotto la direzione del compositore, aveva richiesto un secondo concerto per il suo strumento. Per la prima mondiale al Festival di Salisburgo sotto la direzione di Karl Böhm nell'agosto del 1943, tuttavia, la direzione del festival scelse il corno solista della Filarmonica di Vienna, Gottfried von Freiberg, al posto del sessantenne Suttner.

Tutte queste storie, alcune delle quali provenienti dalle voci del festival, sulla partenza prematura di Richard Strauss da Salisburgo dopo una prova del Concerto per corno e sulla prima esecuzione dell'opera in Svizzera con il solista Hans Will e il direttore Hermann Scherchen a Winterthur nel 1944, che richiese un avventuroso reperimento di spartiti, sono raccontate dal curatore Hans Pizka nella sua emozionante prefazione.

A titolo di curiosità, il curatore, egli stesso ex allievo di Gottfried von Freiberg, ha incluso una parte di corno con i nomi delle diteggiature delle valvole del corno doppio comunemente usato oggi, confrontandola con il corno fa viennese presumibilmente suonato alla prima: un compito sisifanico per i suonatori di corno interessati che vogliano farsi strada attraverso tali geroglifici. Il secondo concerto per corno, che Richard Strauss stesso definì "opera di polso", si è imposto nel mondo del corno come l'opera solistica centrale per questo strumento.

Richard Strauss: Concerto per corno n. 2 in mi bemolle maggiore, a cura di Hans Pizka, riduzione per pianoforte, HN 1255, € 23,00, G. Henle, Monaco di Baviera

A causa dello stress provocato dalla pandemia di coronavirus e dalla guerra in Ucraina, scrive il Music Council, i disturbi mentali e psicosomatici sono aumentati in modo significativo, come hanno dimostrato numerosi studi recenti. La musica può avere un effetto positivo sul corpo, sulla mente e sull'anima e quindi creare una connessione tra le persone senza parole - soprattutto nella musicoterapia professionale che si occupa della sofferenza emotiva dei rifugiati.

Tuttavia, sebbene la Conferenza dei rettori tedeschi abbia riconosciuto la musicoterapia come "materia minore", sottolineando così la sua importanza, la capacità di formazione nel campo della musicoterapia è molto limitata: Attualmente, solo sette università tedesche offrono un programma di musicoterapia con una laurea o un master.

Anche le strutture di Anicia Kohler sono crollate durante la serrata della primavera 2020. Per questo la pianista bernese si è imposta dei compiti a casa, come spiega nella prefazione al volume che accompagna il suo nuovo album Canzoni dal tetto scrive: "In tempi normali, la mia vita è caratterizzata da incontri con una grande varietà di persone". Le mancava molto questo scambio, che ha ispirato l'artista ad avere 27 conversazioni, ad esempio con un contadino, un sindaco e una cantante d'opera. In seguito ha documentato queste conversazioni sia per iscritto che musicalmente.

Il libretto di 150 pagine con il titolo Su per le pareti fino al tetto e il disco sono due uscite che si completano a meraviglia, ma che funzionano anche da sole. A questo punto, vorremmo concentrarci sul disco, pubblicato dalla nuova etichetta basilese "Clap Your Hands", fondata di recente dalla sassofonista Sarah Chaksad e dal produttore Patrik Zosso. I nove brani per pianoforte a coda, pianoforti campionati e rumori domestici sono basati sul jazz solitario. Mentre l'apertura Forse diverso si presenta come uno studio sulla contemplazione e sulla malinconia, il successivo Sistemazione come una ricerca frizzante e allo stesso tempo sostenuta di apertura. Secondo Anicia Kohler, le canzoni parlano delle regole d'oro della convivenza. Non rivela quali siano nel dettaglio, ma lascia intendere che il disco parla di ascolto, coraggio e rispetto.

Di conseguenza, la musica su Canzoni dal tetto non solo enfaticamente armonioso, ma anche aperto, curioso e sempre alla ricerca di una strada percorribile. Anche se brani come Di più, di più sono in grado di estendere i loro artigli, la maggior parte della musica emana un'atmosfera di impegno e riconciliazione. Che il Canzoni dal tetto Il suono maturo e rilassato al tempo stesso, si inserisce perfettamente nel puzzle sonoro creato da Anicia Kohler.

Anicia Kohler: Songs vom Dach. 9 pezzi per pianoforte a coda, pianoforti campionati e rumori domestici. Batti le mani CYH 0003B

id.: Die Wände hoch aufs Dach. 27 conversazioni su natura, arte e casa (libro), 150 p., CYH, ISBN 978-3-033-08988-4

L'Inselschulhaus si trova in uno dei quartieri socialmente più svantaggiati di Basilea. La percentuale di stranieri e il numero di beneficiari di assistenza sociale sono tra i più alti del cantone. Otto anni fa è stato avviato un entusiasmante progetto di musica di classe. Nel secondo e terzo anno della scuola primaria, tre volte alla settimana si impara a suonare uno strumento a corda. Sei anni fa Dorothee Mariani, violoncellista e responsabile del progetto musicale di classe, ha fondato l'associazione Orchesterschule Insel per offrire ai bambini l'opportunità di fare esperienza musicale in un'orchestra di professionisti. L'associazione si è espansa oltre la sede scolastica tradizionale e ora conta circa 50 bambini che fanno musica. Il venerdì pomeriggio ricevono lezioni di gruppo specifiche per ogni strumento sotto la guida di musicisti professionisti. Le lezioni sono gratuite e i bambini ricevono gratuitamente uno strumento che possono portare a casa per esercitarsi. In cambio, è richiesta una regolare frequenza alle prove e una preparazione adeguata", scrive il musicista sul sito web. I livelli di prestazione sono quattro. Un principio importante delle lezioni è che gli studenti avanzati aiutano i principianti a imparare. Oltre al repertorio classico per archi, la scuola d'orchestra esegue musica popolare dei vari Paesi d'origine dei bambini.

La rappresentazione dell'opera per bambini I tre puzzle dimostra che l'apprendimento strumentale in gruppi eterogenei nella scuola primaria può essere una valida alternativa alle lezioni strumentali convenzionali nelle scuole di musica. Le lezioni strumentali integrate nell'orario raggiungono bambini che non frequenterebbero mai una scuola di musica, non solo per motivi sociali, ma soprattutto per motivi economici. Lavorare in un'orchestra con una guida professionale, come quella offerta dalla scuola d'orchestra, sembra motivare enormemente i bambini. Circa 100 bambini e ragazzi della Scuola Orchestrale dell'Insel, del Coro Femminile e Maschile di Basilea, della Scuola Primaria dell'Insel, delle scuole di musica e alcuni membri dell'Orchestra Sinfonica di Basilea hanno partecipato a questa performance di successo. Ai 20 strumentisti più avanzati della scuola d'orchestra si sono aggiunti gruppi di strumenti provenienti da varie scuole di musica di Basilea, tra cui flauti, chitarre, strumenti a fiato e percussioni. È stata un'esperienza meravigliosa vedere i molti bambini più piccoli e più grandi seduti sul podio per un'ora e mezza, concentrati e attenti a seguire le indicazioni del direttore. Gli altri bambini della scuola d'orchestra hanno suonato, cantato e ballato sul palco insieme ai giovani ed eccezionali professionisti del canto, oppure hanno aiutato dietro le quinte. Alla rappresentazione del 13 maggio, Yannick Köllner, 11 anni, ha interpretato il ruolo principale di Lasso. Frequenta la scuola di musica di Liestal e il suo insegnante era presente sul palco come solista. Con una voce bella e sicura, si è mosso con sicurezza e ha padroneggiato senza problemi le insidie ritmiche del suo ampio ruolo. - Chapeau!

Sotto la chiara direzione di Stefano Mariani, la partitura di Detlev Glanert, varia, coloratamente orchestrata e ritmicamente impegnativa, è stata interpretata in modo convincente. Nonostante le avverse condizioni spaziali e acustiche - lo Stadt-Casino non è semplicemente adatto come spazio teatrale - è stata realizzata una divertente serata d'opera. La regia di Maria Riccarda Wesseling si concentra su movimento, umorismo e simbolismo. I personaggi sono messi in risalto in modo teatrale e vivido. La casa dei genitori senza amore del piccolo Lasso è personificata dalla madre isterica (Christina Campsall), che brandisce aggressivamente il suo aspirapolvere, mentre il mondo degli adulti si nasconde dietro uniformi e maschere minacciose. Lasso fugge dal suo mondo stazionario e sogna di diventare una principessa alla corte reale. Tuttavia, i suoi sogni non sono così facili da realizzare. Durante la fuga, viene quasi ucciso dalla torta avvelenata della madre e a corte incontra un re imbranato (Robert Koller) e ogni sorta di personaggi bizzarri. La principessa (Sophia Schwendimann) è fragile e si protegge con una crinolina troppo grande. Lui può conquistarla solo se le pone tre indovinelli che lei non può risolvere. Il piano funziona. Il re pensa che gli indovinelli siano tutti sciocchi e che nessuno a corte conosca le risposte. Gli viene concesso di passare una notte con la principessa senza toccarla. Durante questa innocente festa in pigiama, la principessa sboccia, la corte reale va in rovina e la giovane coppia si affaccia alla vita insieme all'uccello della forca (Akinobu Ono), un buon amico.

Antoine Gilliéron - Così come possiamo formare oggi giovani musicisti di altissimo livello che siano anche artisti in grado di avere un impatto positivo sulla società al di là della loro pratica musicale? Questo articolo intende evidenziare le buone pratiche delle nostre Hautes Écoles of Music su questo tema.

Le idee sopra elencate in relazione alla responsabilità sociale e civica sono esplorate in questo articolo fondamentale nelle loro interazioni con concetti storicamente centrali per l'educazione musicale, ovvero l'eccellenza artistica, l'immaginazione e la creatività, nonché il patrimonio musicale.

Basato sulla particolare nozione etnomusicologica di musicking (vedi inserto), quest'ultimo fornisce risposte dinamiche alle esigenze della società. Essendo quindi il ruolo del musicista definito come creatore nella società, questa visione è supportata da un lato da un'immersione nell'ambiente artistico e dall'altro da un'esperienza pratica sostenuta all'interno della città, con l'intento di garantire una transizione alla vita professionale in grado di rispondere ai problemi incontrati dalle comunità.

Pertanto, tutte le parti coinvolte riconoscono che è necessario un cambiamento di paradigma per rivedere le basi concettuali dello spazio musicale dell'istruzione superiore. L'obiettivo è quello di sostenere e rafforzare le pratiche musicali professionali in questo senso, prestando attenzione a questo cambiamento di paradigma e alle relazioni interdipendenti che esso rivela tra la visione, la maestria e l'arte di un musicista e il suo impegno verso e per la società. Mantenere questo flusso di energia tra l'arte e l'immaginazione da un lato, e la pertinenza e l'impegno sociale dall'altro, è una sfida centrale e crescente per gli HEM del nostro Paese.

"L'HEMU prend ses quartiers" è un progetto di mediazione volto a garantire che gli studenti del Master of Education realizzino un'opera di democratizzazione della musica nei quartieri popolari di Losanna.

"Les concerts du cœur", sostenuto da HEM Genève - Neuchâtel, ha l'obiettivo di portare la musica negli EMS, negli ospedali e nelle carceri, offrendo concerti gratuiti alla popolazione locale.

À Lugano, un'iniziativa della Scuola di musica mira a offrire corsi gratuiti agli studenti ucraini rifugiati e in particolare a quelli di nazionalità russa e ucraina.

A Bâle, la presenza dell'Haute École nella società si manifesta in vari progetti come la mediazione musicale nei musei, nelle istituzioni sanitarie ed educative e persino nella raccolta di fondi per aiutare l'Ucraina negli aiuti umanitari.

"Musica in contesto" a Berna permette di strutturare i programmi di studio attraverso l'organizzazione di corsi di laurea e di laurea specialistica sulla questione centrale della diffusione culturale e su formati di concerti innovativi.

Anche Lucerna, Zurigo e Kalaidos propongono iniziative di questo tipo che, senza ombra di dubbio, contribuiscono enormemente alla coesione sociale, alla rivitalizzazione del ruolo dei musicisti nella società e all'ampliamento delle prospettive professionali degli studenti di musica.

L'essenza della musica non risiede nelle opere musicali, ma nella partecipazione alla presentazione di queste opere e nell'azione sociale. La musica non è quindi solo un nome, ma un verbo: fare musica. Fare musica significa partecipare, in tutte le sue forme, a un'esecuzione musicale e il significato del fare musica risiede nelle relazioni che si stabiliscono tra i partecipanti (compreso il pubblico) attraverso l'esecuzione. La musica fa parte di questo processo iconico e gestuale, che consiste nel dare e ricevere informazioni sulle relazioni che uniscono il mondo vivente. Si tratta infatti di un rituale attraverso il quale i partecipanti non solo imparano, ma sperimentano direttamente il modo in cui si posizionano o dovrebbero posizionarsi rispetto agli esseri umani e al resto del mondo. Queste relazioni ideali sono spesso estremamente complesse, troppo complesse per essere espresse a parole, ma vengono espresse senza sforzo attraverso la performance musicale, permettendo ai partecipanti di esplorarle, affermarle e celebrarle. La musica è quindi importante per la nostra umanità quanto la partecipazione agli atti di parola, e tutti gli esseri umani sono in grado di prendervi parte, non solo comprendendo i gesti esistenti, ma anche creandone di propri.

Un arrangiamento del Quintetto per corno K. 407 di Mozart come trio per violino, corno e pianoforte è giustificato solo come complemento di programma al famoso Trio per corno op. 40 di Johannes Brahms, anche se sono disponibili alternative originali a questa combinazione: Lennox Berkeley, Don Banks, Charles Koechlin e altri. A parte il fatto che una trascrizione del quintetto mozartiano per trio di Carl Ernst Nauman (1832-1910) è già disponibile presso la casa editrice Breitkopf.

La particolare miscela di suoni scuri dell'originale, corno, violino, 2 viole, violoncello, parla chiaramente a favore della versione originale.

Wolfgang Amadeus Mozart: Trio in Mi bemolle dopo il Quintetto per corno KV 407, per violino, corno e pianoforte arrangiato da Michael Töpel, EM 2157, € 24,00, Edition Merseburger, Kassel

Il Premio Taurus premia personalità, iniziative, artisti, politici e istituzioni per gli eccezionali servizi e risultati resi all'Europa e ai suoi cittadini. Negli ultimi anni sono stati premiati i tenori Thomas Hampson, René Pape, Piotr Beczala e il soprano Nina Stemme, l'Orchestra Giovanile dell'Unione Europea, l'Opera di Stato di Vienna e il direttore d'orchestra Simone Young.

La serata sarà ospitata dall'Orchestra della Tonhalle di Zurigo sotto la direzione del suo direttore musicale Paavo Järvi. Si esibiranno la violoncellista Sol Gabetta, l'interprete di Wagner e Strauss Camilla Nylund, il basso-baritono Bryn Terfel e il violinista Nigel Kennedy.

Il Premio Taurus premia personalità, iniziative, artisti, politici e istituzioni per gli eccezionali servizi e risultati resi all'Europa e ai suoi cittadini. Negli ultimi anni sono stati premiati i tenori Thomas Hampson, René Pape, Piotr Beczala e il soprano Nina Stemme, l'Orchestra Giovanile dell'Unione Europea, l'Opera di Stato di Vienna e il direttore d'orchestra Simone Young.

La serata sarà ospitata dall'Orchestra della Tonhalle di Zurigo sotto la direzione del suo direttore musicale Paavo Järvi. Si esibiranno la violoncellista Sol Gabetta, l'interprete di Wagner e Strauss Camilla Nylund, il basso-baritono Bryn Terfel e il violinista Nigel Kennedy.

Il moderno centro culturale di Lugano, sede dell'Orchestra della Svizzera italiana (OSI), fa da cornice alla messa in scena e alla visualizzazione di opere molto note. L'OSI ha concesso al violoncellista argentino e svizzero per scelta, che può essere ascoltato al festival anche come interprete, carta bianca per il "Festival Presenza". La durata prevista è di diversi anni.

Il curatore Balthazar Soulier mette in scena le opere programmate dal direttore artistico Sol Gabetta. I concerti per violoncello più noti sono abbinati a brani meno eseguiti. L'obiettivo è quello di rompere con il solito programma di concerti e creare una dimensione teatrale.

"Siamo convinti che anche piccoli aggiustamenti al classico 'rituale del concerto' e al programma possano avere un grande impatto", afferma Sol Gabetta nel comunicato stampa del 22 maggio. "Per quanto riguarda il repertorio, con l'OSI farò rivivere brani per violoncello del XIX secolo. Si tratta di opere ispirate ad arie d'opera popolari, che purtroppo sono cadute nell'oblio e che oggi non vengono quasi più eseguite. Non mi esibirò come solista classico, ma sarò pienamente integrato nell'orchestra e diventerò parte di una nuova esperienza musicale".

https://www.osi.swiss/presenza
 

Foto: Kaupo Kikkas

L'Orchestra della Svizzera italiana davanti al Centro culturale LAC di Lugano

La realtà virtuale (VR) è destinata a portare per la prima volta l'esperienza degli spettacoli culturali dal vivo dal palcoscenico a casa. Un consorzio di progetto sta attualmente sviluppando un'applicazione VR che trasmette i contenuti del palcoscenico in diretta e tridimensionalmente in spazi virtuali per eventi che possono essere visitati dagli interessati come avatar.

Oltre alla Chemnitz University of Technology, sono coinvolti nel progetto di ricerca anche il Fraunhofer Institute for Integrated Circuits IIS di Erlangen, Die Etagen GmbH di Osnabrück, YOUSE GmbH di Berlino e point omega AG di Heidelberg.

Homepage del progetto: www.socialstagevr.de