Con libreo.ch, gli editori di scienze sociali riuniscono i loro libri e le loro riviste in un'unica sede centrale per renderli disponibili ai ricercatori e a un ampio pubblico e per dare loro una maggiore visibilità internazionale. I libri e le riviste digitali sono offerti su libreo.ch in modalità open access o a pagamento, e le edizioni stampate delle riviste e dei libri saranno presto disponibili anche su ordinazione.

Secondo i promotori, Libreo.ch è una delle poche piattaforme in Svizzera che offre libri e riviste in formato xml con importazione automatica. Il formato aumenta la visibilità e favorisce la ricerca. Finora sono disponibili 127 libri e 7 riviste. Nei prossimi mesi il numero di libri e riviste è destinato ad aumentare notevolmente e si prevede che nuovi editori e istituzioni si uniranno alla piattaforma.

libreo.ch è organizzato dall'Associazione svizzera degli editori di scienze umane e sociali (SVGW), che è stata costituita come associazione nell'aprile 2015 e comprende circa 20 editori.

Per saperne di più: https://libreo.ch

Nonostante alcune crisi nel mondo della musica, da alcuni decenni almeno un genere sta vivendo un crescendo impressionante: la musica da film. Non solo nel modo in cui viene vista e valutata (anche dai musicologi e dalla nuova musica), ma anche nella sala da concerto. La 21st Century Orchestra di Lucerna ha svolto un lavoro pionieristico in questo Paese, accompagnando dal vivo film recenti dal 1999 sotto la direzione di Ludwig Wicki. La maggior parte delle orchestre ha seguito da tempo il loro esempio. E questo è un bene. Perché questo movimento compensa ciò che i cinema non riescono più a fare da quando quasi tutte le sale Cinemascope sono state smembrate. La grande esperienza di essere circondati da immagini e suoni con gli occhi e le orecchie spalancate è andata perduta. È così che si recupera un genere.

Ma si può anche andare oltre, come dimostra l'Orchestra Sinfonica di Lucerna. Il risultato è un nuovo film indipendente su una musica vivida ed emotivamente intensa, che non era assolutamente destinata ad accompagnare un film, realizzata da un compositore che ha una vasta esperienza cinematografica, maturata nel corso di decenni in una grande varietà di generi. L'artista sudafricano William Kentridge, un maestro di molte classi, e il suo team hanno creato il film Oh, credere in un altro mondo alla 10ª Sinfonia di Dmitri Shostakovich, che già da giovane pianista accompagnava i film muti a Leningrado.

Come illustrarlo? La Decima, composta nel 1953 dopo la morte di Stalin, è considerata un ritratto amaro del dittatore, soprattutto per quanto riguarda l'esagerato secondo movimento. Secondo il direttore d'orchestra Michael Sanderling, il primo movimento descrive lo stato della società; nel terzo, il compositore parla di se stesso. Si può anche riconoscere la speranza nella tragica bellezza dell'opera. Shostakovich stesso è stato piuttosto vago riguardo al contenuto specifico: "In quest'opera volevo esprimere sentimenti e passioni umane".

Si potrebbe immaginare che questo sia piuttosto suggestivo, o che sia accompagnato da vecchi filmati documentari. Tuttavia, il punto di partenza per Kentridge non era una trama, ma piuttosto la rappresentazione di piccole figure di cartone che recitavano in un "museo sovietico abbandonato", che a dire il vero esiste solo in formato cartonato, in quanto è stato posizionato sul tavolo dello studio. Il film è stato girato con una telecamera in miniatura, nello stile di un film d'animazione. Inoltre, c'erano degli attori, alcuni dei quali ricreavano il gioco delle figure a grandezza naturale: Shostakovich e la sua allieva Elmira Nasirova, il poeta Vladimir Mayakovsky e la sua amante Lilia Brik, nonché i tre rivoluzionari Lenin, Trotsky e Stalin. Il team del film ha sviluppato le scene per la musica a partire dai filmati, anche se non seguono una cronologia precisa.

Gli anni Venti - piuttosto che gli anni Cinquanta, quando la sinfonia fu composta - sono il punto di riferimento storico per Kentridge. E per un motivo importante: non voleva mostrare la depressione che regnava sotto Stalin, ma piuttosto l'ambivalenza dei sentimenti di fronte al risveglio socialista nella giovane Unione Sovietica e alla disillusione che presto ne seguì. Emblematica è la figura del poeta Vladimir Mayakovsky, che accompagnò il movimento con versi entusiasti e sfrontati, ma poi si suicidò nel 1930 per la delusione. Kentridge ha compilato un testo tratto dalle sue poesie e dai suoi drammi, che appare nel quadro e parla con frasi di speranza e disillusione. Anche il titolo deriva da questo Oh, credere in un altro mondo (Oh, se solo potessi credere in un mondo diverso).

Tuttavia, il film fa riferimento anche all'estetica degli anni Venti, al futurismo espressivo e al cinema muto russo dell'epoca. Ci sono diversi richiami al cinema veloce e dal montaggio audace La nuova Babilonia che Grigori Kozintsev e Leonid Trauberg girarono nel 1929 e per il quale Shostakovich scrisse una fantastica colonna sonora. Anche i colori mutevoli, a volte instabili, le superfici graffiate e i titoli un po' traballanti rimandano alla qualità cinematografica dell'epoca. Tra le immagini sono inserite numerose riprese documentarie. Il risultato è un grandioso arco di immagini, un caleidoscopico balletto di figure. Kentridge afferma di non aver voluto degradare la sinfonia a musica da film, ma l'immagine è quasi sovrastante a causa dei numerosi eventi visivi che cambiano rapidamente. È quindi un bene che le emozioni dell'immagine non cerchino di competere con quelle della musica. La trama è solo accennata. È convincente, ad esempio, che il ritratto di Stalin sia stato omesso nel secondo movimento. Si vedono filmati di propaganda dell'epoca (anche con il giovane Shostakovich), ma sembrano allontanati da un effetto scenico. Kentridge ha anche affermato di voler porre delle domande con il suo film. Tuttavia, il modo in cui viene visualizzato il terzo movimento è problematico. Il compositore si ritrae con le sue lettere tonali (D-S-C-H). Kentridge mette a fuoco una presunta storia d'amore con Nasirova, in modo discreto, ma non necessario, perché banalizza la situazione.

La partitura stessa è rimasta in gran parte intatta. Solo il fatto che l'orchestra e il direttore d'orchestra siano costretti a lavorare a un certo ritmo dal film una volta completato può essere visto come una limitazione. Tuttavia, è più probabile che ciò riguardi i futuri esecutori. L'Orchestra Sinfonica di Lucerna, sotto la guida del suo direttore Michael Sanderling, ha affrontato questa sfida a metà giugno presso il Centro Cultura e Congressi di Lucerna (KKL) con enorme brio, cioè con energia e passione.

Tra l'altro, le ultime immagini del film mostrano una sorta di danza satira di tutti i personaggi (compresi i dittatori), come se continuasse all'infinito. Danzano, come dice il testo, su ciò che resta dell'Europa. Tutto questo è tornato improvvisamente di deprimente attualità.

Con questo pezzo, Robin Michel ha creato contemporaneamente un nuovo tipo di strumento e di interfaccia utente che, grazie al suo concetto innovativo, crea "la possibilità di una generazione sonora incredibilmente emozionante". Poiché lo strumento può essere assemblato con l'aiuto di una stampante 3D, di un Arduino UNO e di materiali provenienti da negozi di bricolage, è garantito un approccio altamente democratico e a bassa soglia.

La giuria era composta da: Svetlana Maraš, Roman Brotbeck, Johannes Kreidler e Uli Fussenegger (presidente).

Pagina Youtube su "Stampi":
https://www.youtube.com/watch?v=mg-MFRyyevU

Con questo pezzo, Robin Michel ha creato contemporaneamente un nuovo tipo di strumento e di interfaccia utente che, grazie al suo concetto innovativo, crea "la possibilità di una generazione sonora incredibilmente emozionante". Poiché lo strumento può essere assemblato con l'aiuto di una stampante 3D, di un Arduino UNO e di materiali provenienti da negozi di bricolage, è garantito un approccio altamente democratico e a bassa soglia.

La giuria era composta da: Svetlana Maraš, Roman Brotbeck, Johannes Kreidler e Uli Fussenegger (presidente).

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IG Musik Basel scrive che il fatto che l'iniziativa sia pronta per essere presentata dopo così poco tempo può essere visto come un segnale da parte degli elettori: sono pronti per una discussione pubblica sul fatto che l'attuale distribuzione dei finanziamenti sia ancora compatibile con la società diversificata.

Una discussione fondamentale era l'obiettivo dell'IG Musik Basel fin dall'inizio. Finora non è mai stato realizzato: Gli ultimi 40 anni hanno dimostrato che nell'ambito dei finanziamenti alla cultura non si apre un vero e proprio dibattito se si chiedono semplicemente più fondi. Lo status quo viene messo in discussione solo quando si considera come dovrebbe essere un finanziamento pubblico adeguato con i fondi già disponibili.

IG Musik Basel ha redatto un dossier con tutte le informazioni sull'iniziativa e sulla situazione attuale. Il documento fa anche luce sulla situazione dei finanziamenti in altre città.

Link al dossier:
https://musikvielfalt.ch/wp-content/uploads/2022/03/Musikvielfalt.pdf

Bach per i bambini? Non è esattamente ovvio. Dopo tutto, la musica di Bach è complessa e può diventare rapidamente opprimente. Nei laboratori organizzati nell'ambito di "Discover Bach! - Il Festival di Bach per i bambini", tuttavia, per la responsabile del progetto Sophie Ehrismann è importante coinvolgere i bambini nei laboratori. Sophie Ehrismann ha molta esperienza con i cori di bambini e i laboratori di danza e, in qualità di ricercata insegnante di danza, tiene anche corsi di perfezionamento in "Musica e movimento" presso l'Università delle Arti di Zurigo.

E ora scoprire Bach attraverso il "beatboxing" o l'"action painting". Come dovrebbe funzionare? Una visita in loco - i workshop si sono svolti dalle 10.00 alle 14.00 presso la Scuola di Musica di Schaffhausen - ha aperto approcci interessanti e intuitivamente giocosi. Miguel Camero, che tra l'altro è arrivato ai quarti di finale dei primi campionati mondiali di beatbox a Lipsia nel 2005, era responsabile del beatboxing.

Potete vedere come funziona il beatboxing su YouTube, dove Camero lo spiega chiaramente: "Si emettono suoni, rumori e ritmi solo con la bocca", cioè con la bocca, il naso e il respiro. È così che si imita una batteria. Camero ammette subito all'inizio della nostra conversazione che il beatboxing con la musica di Bach è impossibile e che la sua musica è troppo difficile per i bambini. "Ma ho raccontato loro di Bach e di come lavorava". Bach ha inventato la musica, dice, ed è quello che stanno facendo ora. Dopo il beatboxing, che Camero ha combinato con il pianoforte, una ragazza ha detto spontaneamente: "Mi piace. Ora so che voglio imparare a suonare il pianoforte!".

Un altro workshop ha proposto l'action painting sulla musica di Bach. Per Sophie Ehrismann, la combinazione di musica e movimento è un elemento pedagogico importante. È stato quindi ancora più sorprendente che questo workshop sia stato condotto da Linda Graedel, illustratrice e disegnatrice molto nota a Sciaffusa, che non ha mai fatto action painting prima d'ora e ha la saggia età di 81 anni.

I disegni di Graedel sono appesi nella tromba delle scale della scuola di musica; sono pieni di movimento e mostrano musicisti in azione. Lo studio si trova in soffitta. Al centro della stanza c'è una grande "tavola dei colori", una scatola di vernice sovradimensionata e tre grandi pennelli accanto a ogni barattolo di vernice. Linda Graedel dà istruzioni chiare: "Potete prendere un solo colore alla volta con un pennello e poi dipingere il vostro disegno di fantasia su carta bianca. I colori devono rimanere puri, non devono essere mescolati, un cambio di colore significa anche un cambio di pennello".

I tavoli, sui quali i bambini lavorano in piedi, sono disposti in cerchio. I bambini vanno avanti e indietro tra il tavolo dei colori e il loro foglio bianco e sono completamente liberi di scegliere cosa dipingere. La musica di Bach viene suonata dagli altoparlanti: un pezzo per pianoforte, un concerto grosso, un'opera corale. C'è silenzio, nessuno parla tranne l'insegnante, che di tanto in tanto dà istruzioni tecniche sulla pennellata.

I bambini si muovono intuitivamente al ritmo della musica, anche mentre camminano verso la tavola. Dipingono con grandi pennelli, la pagina si riempie di linee ondulate e tamponi, un ragazzo guida il pennello molto ritmicamente in una linea a zig zag e dice: "Ho assegnato un colore diverso a ogni strumento che sento: Uso il verde per gli archi, il viola per il pianoforte e il blu per il clavicembalo". Le sue linee frastagliate sembrano un contrappunto astratto. È incredibile quanto i bambini siano calmi e coinvolti, il tempo vola.

Il progetto scolastico più elaborato si è svolto una settimana prima del vero e proprio Festival di Bach: "SingBach" presso la scuola elementare Schanz di Stein am Rhein. La direttrice Vreni Winzeler l'ha trasformata in una settimana di progetti per tutta la scuola. Friedhilde Trüün ha lanciato "SingBach" con il sostegno dell'Accademia Internazionale di Bach di Stoccarda e ne è la direttrice artistica. Il suo obiettivo principale è quello di appassionare gli studenti alla musica di Bach.

Trüün ha provato con i 350 bambini per una settimana, con i bambini dalla prima alla terza elementare al mattino e quelli dalla quarta alla sesta elementare al pomeriggio. Nel concerto finale semi-pubblico per le loro famiglie nella chiesa cittadina di Stein am Rhein, hanno poi cantato - insieme ai loro insegnanti e con l'accompagnamento di un ensemble jazz - i brani più noti di Bach, corali e arie accuratamente selezionati dalle Passioni di Bach, oltre a "successi" strumentali con testi. Questi brani sono stati arrangiati per i bambini da Frank Schlichter.

I testi che Trüün ha abbinato ai brani strumentali sono fondamentali per il divertimento e la comprensione dei bambini. Per esempio, nel minuetto hanno cantato: "Suona, mia piccola melodia, oscilla verso l'alto come mai prima d'ora. Bach ti ha inventato e ha creato la canzone che tutti amano. Quindi cantate tutti insieme felici, perché questa canzoncina è un successo...".

Ricercatori dell'Università di Amburgo e dell'Università Logistica di Kühne hanno analizzato l'impatto della pandemia sul consumo e sulla spesa per la musica in Germania. La scoperta sorprendente: non solo il consumo di musica dal vivo è sceso praticamente a zero durante la pandemia, ma i tedeschi hanno anche ascoltato circa tre ore di musica in meno a casa nel 2020/21 rispetto a prima dell'inizio della pandemia.

La radio in particolare ha perso ascoltatori, mentre lo streaming premium ne ha beneficiato. La spesa settimanale per la musica è diminuita drasticamente di quasi la metà. Allo stesso tempo, molte persone sono disposte a spendere soldi per la musica dal vivo in formato online.

Il solo consumo di radio è sceso da circa 10,5 a 8 ore alla settimana. Possibili ragioni di questo fenomeno: per molte persone, l'ascolto di musica sembra essere fortemente legato alla mobilità - ad esempio, il viaggio in auto per andare al lavoro. A ciò si aggiunge la forte concorrenza per l'intrattenimento delle offerte dei social media o dello streaming video a casa.

Riferimento alla letteratura:
Denk J., Burmester A., Kandziora M., Clement M. (2022): L'impatto del COVID-19 sul consumo di musica e sulla spesa musicale. PLOS ONE 17(5): e0267640. https://doi.org/10.1371/journal.pone.0267640

Nato nel 1995 a San Vicente de Tagua Tagua (Cile), Luis Toro Araya ha studiato violino presso la Facoltà di Arti dell'Università del Cile e presso la Scuola Moderna di Musica con Alberto Dourthé Castrillón. Dal 2014 al 2017 è stato membro dell'Orchestra Sinfonica Nazionale del Cile. Nel 2015 ha iniziato i suoi studi di direzione d'orchestra con direttori come Jorge Rotter, Leonidrin, Garrett Keast e Helmuth Reichel Silva, con cui collabora regolarmente come assistente in vari progetti in Cile e in Europa.

È stato finalista dell'Herbert von Karajan Young Conductors Award 2021, dove ha diretto la Camerata Salzburg in occasione del 100° anniversario del Festival di Salisburgo. È stato inoltre appena nominato direttore assistente dell'Orchestra Nazionale Spagnola per la stagione 2022/23.

Il Concorso Internazionale di Direzione d'Orchestra di Rotterdam (ICCR) è organizzato dalla Fondazione International Conducting Competition Rotterdam in stretta collaborazione con l'Orchestra Filarmonica di Rotterdam e De Doelen. In cinque turni con orchestre e temi diversi, dal classico al contemporaneo, i direttori d'orchestra dimostrano le loro capacità.

Una vergine danza fino alla morte durante un rituale sacrificale per poter raccogliere un ricco raccolto in autunno. Il soggetto pseudo-arcaico del balletto Le Sacre du Printemps insieme alle coreografie volutamente primitive di Vaslav Nijinsky, provocò uno dei più noti scandali della storia della musica e rese il compositore Igor Stravinsky famoso in tutto il mondo in un colpo solo. Tuttavia, si tratta di materiale che non attira più nessuno da dietro i fornelli e, soprattutto, nessun giovane sul palcoscenico della danza. La guerra, il clima e i rifugiati sono i temi che smuovono le persone.

Almeno il Musikkollegium Winterthur giungere a questa conclusione. Nel contesto di "Le Grand Rituel"un festival che fa rivivere gli anni Venti e Trenta dal 4 al 18 giugno, fa rivivere proprio quest'epoca insieme all'Orchestra Iberacademy di Medellín e a circa 80 giovani. Sacro sul palcoscenico. Gli alunni di Wetzikon, Zurigo e Winterthur dovevano essere introdotti alla musica classica con questo progetto, per il quale hanno provato per un anno. Sacro. Infatti, se il periodo successivo alla prima guerra mondiale, quello che "Le Grand Rituel" celebra, è stato un periodo di risveglio artistico alla modernità, allora non si può che descrivere il 1913 come un periodo di grande successo. Sacro come una sorta di segnale di partenza per questo sviluppo. Questa musica, che esplora gli estremi, suona ancora oggi più fresca e moderna di molto di ciò che è stato scritto in seguito.

Nel Sacro 2022come il coreografo Josef Eder chiama il progetto di danza comunitaria, le singole parti sono state rinominate ed etichettate con i temi attuali: Germ, Awakening in the Here and Now - Accusation and Self-empowerment - Initiation - Test of Strength... Ma in realtà non c'era bisogno dei titoli per capire di cosa si trattava. Perché già prima dello spettacolo vero e proprio, tenutosi il 10 giugno nel foyer del padiglione 53 dell'ex fonderia Sulzer, il prologo ha chiarito tutto. Mentre il pubblico stava ancora sorseggiando comodamente le proprie birre, figure stracciate con i volti sporchi si sono mescolate alla folla a coppie, accompagnate da uno strumentista della Iberacademye hanno presentato la realtà della vita dei rifugiati e dei bambini rifugiati. Si somministravano acqua vitale goccia a goccia o urla strazianti. Ed è qui, o più chiaramente qui, che ci si è resi conto del problema della serata dovuto alle circostanze esterne. Il pubblico, composto principalmente da famiglie e amici dei protagonisti, non ha permesso che l'urgenza del messaggio li distraesse dalla buona atmosfera e dal Cüpli e si è visibilmente divertito a osservare il trambusto della prole. Con tanta concentrazione sui messaggeri, il messaggio è passato completamente in secondo piano.

È un peccato, perché il messaggio è stato presentato con notevole impegno e abili trucchi. Ad esempio, le figure straccione si uniscono verso la fine del prologo e cantano slogan - "I carri armati rotolano, i bambini muoiono" - ritmicamente accentuati e con gli stessi cambi di enfasi tipici della musica di Stravinskij. La coreografia vera e propria ha abilmente sostituito il rituale sacrificale con scene di massa, facendo apparire la guerra per quello che è: un rito sovradimensionato in cui non singole vergini ma intere masse di persone vengono condotte all'altare. E una semplice rete appesa al soffitto è diventata il simbolo di confini insormontabili e di intrecci irrisolvibili.

La serata è stata convincente anche grazie all'esibizione delle due orchestre. L'Iberacademy, un'orchestra che introduce i giovani latinoamericani alla musica e li prepara alla carriera di musicista, insieme al Musikkollegium sotto la direzione di Roberto González-Monjas, hanno sviluppato la pressione necessaria per trasportare i giovani ballerini durante la serata. Questo era già evidente nel brano di apertura, che si inseriva perfettamente nell'ambientazione La fonderia di ferro di Alexander Mossolow. Forse si sentiva in modo più differenziato, il che era certamente dovuto anche all'acustica della sala industriale, ma la forza selvaggia del momento ha fatto immediatamente dimenticare tali obiezioni. L'esuberante applauso finale è stato parziale, ma non certo immeritato. Ciò che rimane per l'esibizione del giorno successivo e per il Gala di chiusura il 18 giugno L'unica speranza è che anche un pubblico un po' più neutrale sia in grado di apprezzare il messaggio.

Il Teatro delle marionette di Berna e il collettivo Freiraum / Heitere Fahne riceveranno ora un contratto tripartito e il Festival musicale di Berna un contratto comunale. L'Orchestra da camera di Berna non sarà più sostenuta da un contratto tripartito. Insieme al Cantone di Berna, la città intende introdurre un nuovo programma di sovvenzioni per le orchestre. Tutte le orchestre che soddisfano determinati criteri professionali possono richiedere una sponsorizzazione quadriennale in risposta a un bando pubblico.

Il Consiglio comunale si concentra sulla sostenibilità della produzione culturale nella sua promozione della cultura. La diversità e la diversità culturale vengono considerate prioritarie. Per facilitare l'accesso ai finanziamenti, saranno combinati fondi e competenze: Dalle commissioni specializzate esistenti verrà creato un pool di competenze in settori aggiuntivi. La consultazione pubblica sul dispaccio culturale durerà fino al 21 agosto 2022.

Per gli anni 2024-2027, il Consiglio comunale si concentra sulla sostenibilità come tema trasversale nella promozione culturale. L'obiettivo è che la cultura a Berna venga prodotta, presentata e valutata nel modo più sostenibile possibile. Il Consiglio comunale presta particolare attenzione alla sicurezza sociale dei professionisti della cultura, alla promozione culturale orientata ai processi e alla questione di come ridurre l'impronta ecologica della produzione culturale. Il Consiglio comunale intende ampliare l'attuale attenzione del messaggio culturale alla diversità e alla diversità culturale.

Per gli anni 2024-2027 sono disponibili 33.029.534 franchi all'anno per la promozione culturale diretta. Rispetto al periodo precedente, che ha visto una crescita di circa il 10%, ciò corrisponde a una riduzione di circa l'1,8% o 605.000 franchi.

Per saperne di più:
https://www.bern.ch/mediencenter/medienmitteilungen/aktuell_ptk/kulturbotschaft-2024-2027-start-der-oeffentlichen-vernehmlassung

Le sovvenzioni per la categoria musica sono destinate ai seguenti progetti: Fischermanns Orchestra: "Blue Sky Tour 22" (20.000 franchi); Hobo Ho: "Hobo Ho & Guests @ Gewerbehalle" (20.000 franchi); Siselabonga: "Produzione EP + Tour" (20.000 franchi). In totale sono state valutate 13 domande.

Nel secondo bando del 2022 saranno assegnati anche contributi di produzione per progetti musicali. I contributi per il bando "Musica" saranno assegnati per progetti complessivi realizzati a partire da gennaio 2023 e per le relative spese di promozione e distribuzione. È disponibile un importo totale di 60.000 franchi svizzeri.

Per saperne di più:
https://kultur.lu.ch/Ausschreibungen/Selektive_Foerderung
 

Rodolfo Fischer ha iniziato la sua carriera musicale come pianista, specializzandosi poi in direzione d'orchestra. Dopo essersi laureato presso la Facoltà di Lettere e Filosofia dell'Università del Cile, ha proseguito gli studi con una borsa di studio presso il Mannes College of Music di New York, dove è stato allievo del pianista Richard Goode. È stato poi ammesso alla classe di direzione d'orchestra di Otto Werner Muller al Curtis Institute of Music, dove ha conseguito la laurea in direzione d'orchestra.

Johannes Knoll, nato nel 1987 a Linz/Danubio, ha studiato oboe e strumenti storici per oboe nelle classi di Josef Blank, Katharina Arfken e Alfredo Bernardini a Linz, Basilea e Amsterdam. Ha poi studiato educazione musicale a Karlsruhe mentre lavorava. Dal 2010 Johannes Knoll è attivo come musicista in tutta Europa. Nel 2021 ha ricevuto un finanziamento dal German Music Council per lo sviluppo di un gioco di educazione musicale per bambini.

Remo Schnyder ha studiato musica all'Università delle Arti di Berna e all'Accademia di Musica FHNW di Basilea, dove ha poi insegnato sassofono e musica da camera come assistente di Marcus Weiss. Ha vinto premi in vari concorsi, tra cui, insieme alla pianista Sayaka Sakurai, al Concours Léopold Bellan di Parigi, al Concours Nicati e al Migros-Kulturprozent. Dal 2019 è docente presso l'Università delle Arti di Zurigo.

Esther Sévérac ha conseguito il master in esecuzione solistica e pedagogia con l'arpista Sarah O'Brien presso l'Accademia di Musica di Basilea. Oltre a un vasto repertorio classico per arpa da concerto, la musica folk, popolare e contemporanea costituisce parte del suo repertorio solistico. Sperimenta anche con l'arpa e l'elettronica per creare nuova musica per il suo strumento.

Come il Orchestra Sinfonica Giovanile Svizzera (SJSO) perde "un musicista, un insegnante e una persona eccezionale. Kai Bumann ha diretto l'Orchestra Sinfonica Giovanile Svizzera dal 1998 e nel corso degli anni non solo ha creato momenti indimenticabili di felicità musicale, ma ha anche contribuito a plasmare la vita di innumerevoli musicisti".

La cerimonia commemorativa si è già svolta in Polonia, paese d'adozione di Kai Bumann. Un evento commemorativo pubblico è previsto per l'autunno. I dettagli saranno annunciati a tempo debito sul sito web della SJSO.

Nella regione di Biel/Bienne-Seeland-Jura bernois sono stati aggiunti all'elenco il Centre Albert Anker (Ins) e KartellCulturel (Biel e Nidau). KartellCulturel nasce dalla fusione delle tre istituzioni culturali Kultur Kreuz Nidau, Le Singe e Groovesound, la prima delle quali era già presente nell'elenco.

Nella regione di Berna-Mittelland, la Reberhaus (Bolligen) e l'Orchestra da Camera di Berna (Berna) sono state eliminate dall'elenco. Sono stati invece aggiunti il Bären Buchsi (Münchenbuchsee), l'Heitere Fahne (Berna e Köniz), il Teatro delle marionette di Berna (Berna) e il Kulturfabrikbiglen (Biglen, Jaberg, Konolfingen, Landiswil, Muri bei Bern, Oberdiessbach e Oberthal).

L'elenco è stato redatto in un processo partecipativo con i comuni interessati. I contratti di servizio per gli anni 2024-2027 sono ora in fase di elaborazione con le istituzioni culturali di queste due regioni.

Come il Orchestra Sinfonica Giovanile Svizzera (SJSO) perde "un musicista, un insegnante e una persona eccezionale. Kai Bumann ha diretto l'Orchestra Sinfonica Giovanile Svizzera dal 1998 e nel corso degli anni non solo ha creato momenti indimenticabili di felicità musicale, ma ha anche contribuito a plasmare la vita di innumerevoli musicisti".

La cerimonia commemorativa si è già svolta in Polonia, paese d'adozione di Kai Bumann. Un evento commemorativo pubblico è previsto per l'autunno. I dettagli saranno annunciati a tempo debito sul sito web della SJSO.