A causa dello stress provocato dalla pandemia di coronavirus e dalla guerra in Ucraina, scrive il Music Council, i disturbi mentali e psicosomatici sono aumentati in modo significativo, come hanno dimostrato numerosi studi recenti. La musica può avere un effetto positivo sul corpo, sulla mente e sull'anima e quindi creare una connessione tra le persone senza parole - soprattutto nella musicoterapia professionale che si occupa della sofferenza emotiva dei rifugiati.

Tuttavia, sebbene la Conferenza dei rettori tedeschi abbia riconosciuto la musicoterapia come "materia minore", sottolineando così la sua importanza, la capacità di formazione nel campo della musicoterapia è molto limitata: Attualmente, solo sette università tedesche offrono un programma di musicoterapia con una laurea o un master.

Questo libro ha due titoli, e questo è programmatico. Grazie al suo bilinguismo, si incontrano diverse prospettive su questioni e realtà culturali - in pieno spirito e tradizione della SMZ. Le coautrici Sabine Chatelain e Gabriele Noppeney scrivono addirittura il loro contributo al libro in due lingue. Presentano due diverse sequenze didattiche (acquisizione della lingua attraverso i testi delle canzoni e lezioni di musica bilingue) che, pur basandosi su un modello di riferimento comune (Educazione musicale integrata), sono state realizzate in un centro di formazione per insegnanti di lingua francese e in uno di lingua tedesca.

Ognuno dei dieci articoli è preceduto da un sunto / riassunto / abstract trilingue, particolarmente utile nella lettura di testi in lingua straniera.

In "Le role de la recherche dans le développement de l'éducation musicale scolaire", Madeleine Zulauf ripercorre i quarant'anni di storia dell'educazione musicale nella Svizzera francese e nota che l'interesse dei ricercatori si sta sempre più riorientando verso le innovazioni nella pratica: "La posture des chercheurs passant de rétroactive à proactive". A differenza della Svizzera francese, nella Svizzera tedesca manca una tradizione scientifica nell'educazione musicale. Qui la musica scolastica è vista soprattutto come una disciplina pratica, guidata da professionisti. Ma quali sono le idee concettuali di fondo? Olivier Blanchard esplora questa domanda nel suo articolo "Musica scolastica svizzera. Scuola o musica?". Qui l'orientamento alla performance, là il fare musica, che dà maggior peso agli aspetti emotivi e di costruzione della comunità rispetto ai risultati misurabili.

Jürg Huber pone domande fondamentali: Qual è il significato, lo scopo, il contenuto e la didattica della musica a scuola e come se ne parla? Se negli anni Settanta il "canto" e l'"educazione all'ascolto critico" erano al centro dell'attenzione, oggi la comprensione dell'insegnamento della musica è più ampia, come dimostra un'occhiata al Curriculum 21 o ai materiali didattici attuali. Ma come si chiama la nostra materia, "canto" o "musica"? La materia scolastica è stata rinominata in tutta la Svizzera tedesca nel 2000. Ma la questione della priorità del canto sembra essere ancora virulenta, dice Christoph Marty: il canto deve continuare a svolgere il ruolo centrale nelle lezioni di musica o deve essere semplicemente uno dei vari contenuti delle lezioni, ugualmente importanti? Tre dei dieci articoli di questo libro trattano anche della posizione del canto o della canzone nelle lezioni di musica: "Canto o musica. Ragioni per cambiare il nome di una materia" (Marty), "L'insegnamento di canzoni per bambini a scuola come componente culturale e compito centrale della didattica musicale" (Stadler Elmer) e "Il lavoro corale come contributo all'educazione artistica a livello secondario superiore" (Beat Hofstetter).

Uno studio dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna conferma la popolarità del canto nei licei. La teoria musicale e la storia della musica, invece, hanno ottenuto un risultato molto basso nella classifica degli alunni. Tuttavia, "ascoltare la musica" è ancora più popolare di "cantare/fare musica". Cosa significano questi risultati per l'insegnamento? Una conseguenza ovvia sarebbe: fare musica invece di studiare musica! Dieter Ringli suggerisce un approccio diverso, basato sul primato dell'azione e dell'orientamento all'allievo: "Utilizzate la gioia del canto e combinatela con la teoria musicale!". Come funziona? Gli alunni (SuS) lavorano su una canzone pop: creano il proprio arrangiamento, fanno scorrere i ritmi (body)percussivi, trovano le linee vocali, armonizzano gli accompagnamenti, scrivono i testi - i tentativi di risolvere problemi pratici e tecnici portano intrinsecamente, per così dire, alla teoria musicale, che ora è utile nella pratica. Lo studio dimostra anche che il lavoro autogestito in piccoli gruppi è molto motivante per gli studenti.

Quali conseguenze hanno queste intuizioni di ricerca sul ruolo e sui compiti degli insegnanti di musica? E cosa significano per la loro formazione? Jürg Zurmühle delinea un "modello quadro di concetti didattici per le lezioni di musica nella scuola materna ed elementare", che apre aree produttive di tensione tra apertura e struttura, orientamento al processo e al prodotto, nonché apprendimento costruttivo e ricettivo. Bilanciando le esigenze antinomiche, il modello offre una guida per la pianificazione e l'attuazione delle lezioni di musica e consente di stabilire priorità molto diverse nel triangolo scolastico della musica, dell'insegnamento e dell'apprendimento.

Il libro si conclude con uno sguardo al di là dei nostri orizzonti bilingui, perché: La musica è globale, ma le culture musicali sono locali. E l'educazione musicale? Nel suo contributo, Alexandra Kertz-Welzel sostiene che è proprio nel "contesto dell'internazionalizzazione e della globalizzazione dell'insegnamento della musica e delle culture accademiche" che è necessaria un'educazione musicale culturalmente sensibile che tenga conto delle diverse tradizioni. Concetti di educazione musicale come l'Orff-Schulwerk o i metodi di Suzuki e Dalcroze sono conosciuti in tutto il mondo. Tuttavia, gli approcci più recenti provengono principalmente dal mondo anglo-americano. Kertz-Welzel, che ha trascorso molti anni di ricerca negli Stati Uniti, si chiede se dobbiamo accettare questo predominio nella ricerca sull'educazione musicale. No, perché sebbene l'educazione musicale sia un'area tematica globale e l'inglese sia la lingua franca, il principio fondamentale dello "scambio transnazionale" è la diversità. A questo punto, è utile fare riferimento a https://www.isme.orgdella Società Internazionale per l'Educazione Musicale. Si aggiunga anche quanto segue https://eas-music.orgl'Associazione europea della musica nelle scuole, che organizza interessanti incontri annuali e invita allo scambio di idee.

Le culture della musica scolastica in Svizzera vi offre dieci contributi impegnati e accuratamente studiati - e vi incoraggia a pensare in molte direzioni. Non può mancare nelle aule di musica di ogni scuola.

Kulturen der Schulmusik in der Schweiz - Les cultures de l'enseignement musical à l'école en Suisse, ed. Jürg Huber, Marc-Antoine Camp, Olivier Blanchard, Sabine Chatelain, François Joliat, Regula Steiner, Jürg Zurmühle, 200 p., Fr. 38.00, Chronos, Zurigo 2021, ISBN 978-3-0340-1627-8

A questo Bernd Feuchtner può essere attribuito il sorprendente titolo di L'opera del XX secolo in 100 capolavori È stato giornalista musicale per vent'anni, poi drammaturgo, regista d'opera, docente in varie università e ora è autore freelance. Con Pfitzner Rosa del giardino dell'amore (1901) e di Debussy Pelléas e Mélisande (1902) e continua, del tutto sorprendentemente, con Isaac Albéniz Merlino prima di passare all'opera di Puccini Madama Butterfly (1904), ogni volta con dati introduttivi di base su libretto, durata, ruoli, première, luoghi e lingua.

Egli si attiene coerentemente alla regola di includere solo un'opera di ciascuno dei 94 compositori e delle 6 compositrici nella panoramica del secolo, per cui Ethel Smyth con I demolitori del 1906, è stata l'unica compositrice d'opera donna a essere inclusa prima del 1975. Thea Musgrave, Adriana Hölszky, Meredith Monk, Olga Neuwirth e Kaija Saariaho hanno seguito con i loro capolavori fino al 2000. Othmar Schoeck è l'unico compositore svizzero a essere incluso con le sue opere. Pentesilea (1927), tra Re Roger di Szymanowski e Il miracolo di Heliane di Korngold. L'autore aggiunge che James Joyce era un ammiratore della "colorata cantata orchestrale" di Schoeck. Sepolti vivi" era.

Qui non ci si imbatte in un'arida narrazione della trama e dei numeri delle rappresentazioni, ma in un'esperienza, una valutazione e una classificazione molto personali. Feuchtner ha un talento spiccato nel raccontare le trame delle opere in modo attraente o nel riassumerle in modo conciso, ma anche nello stabilire riferimenti all'ambiente culturale dell'epoca o nello spiegare le difficoltà di ricezione. Con l'opera di Krzysztof Penderecki I diavoli di Loudon Il film ripercorre la graduale liberazione della Polonia da satellite dell'Unione Sovietica, iniziata nel 1956 con la fondazione del Festival d'Autunno di Varsavia. Feuchtner attinge anche alle proprie esperienze di drammaturgo e descrive le sue prime impressioni su un'opera, ma anche le sue delusioni.

Theodor W. Adorno è descritto come il teorico musicale più influente del XX secolo, ma non si nascondono nemmeno i suoi giudizi errati su Sibelius, Britten e Shostakovich. In quattro digressioni ricche di materiale, Feuchtner colloca l'opera nel contesto degli eventi politici contemporanei: "Der Weg der Veristen in die Arme von Mussolini", "Politische Oper in den USA", "Oper in Lateinamerika", "Berlin, Hauptstadt der DDR". Nell'ampia introduzione scrive: "Nel XX secolo sono state composte più di diecimila opere. Ho potuto conoscerne centinaia come giornalista [...] e nella pratica teatrale". Ne è nato questo libro d'opera, che vale la pena di leggere sotto tutti i punti di vista.

Bernd Feuchtner: Die Oper des 20. Jahrhunderts in 100 Meisterwerken, 688 p., riccamente illustrato, € 39,80, Wolke, Hochheim 2020, ISBN 978-3-95593-250-3

Antoine Gilliéron - Così come possiamo formare oggi giovani musicisti di altissimo livello che siano anche artisti in grado di avere un impatto positivo sulla società al di là della loro pratica musicale? Questo articolo intende evidenziare le buone pratiche delle nostre Hautes Écoles of Music su questo tema.

Le idee sopra elencate in relazione alla responsabilità sociale e civica sono esplorate in questo articolo fondamentale nelle loro interazioni con concetti storicamente centrali per l'educazione musicale, ovvero l'eccellenza artistica, l'immaginazione e la creatività, nonché il patrimonio musicale.

Basato sulla particolare nozione etnomusicologica di musicking (vedi inserto), quest'ultimo fornisce risposte dinamiche alle esigenze della società. Essendo quindi il ruolo del musicista definito come creatore nella società, questa visione è supportata da un lato da un'immersione nell'ambiente artistico e dall'altro da un'esperienza pratica sostenuta all'interno della città, con l'intento di garantire una transizione alla vita professionale in grado di rispondere ai problemi incontrati dalle comunità.

Pertanto, tutte le parti coinvolte riconoscono che è necessario un cambiamento di paradigma per rivedere le basi concettuali dello spazio musicale dell'istruzione superiore. L'obiettivo è quello di sostenere e rafforzare le pratiche musicali professionali in questo senso, prestando attenzione a questo cambiamento di paradigma e alle relazioni interdipendenti che esso rivela tra la visione, la maestria e l'arte di un musicista e il suo impegno verso e per la società. Mantenere questo flusso di energia tra l'arte e l'immaginazione da un lato, e la pertinenza e l'impegno sociale dall'altro, è una sfida centrale e crescente per gli HEM del nostro Paese.

"L'HEMU prend ses quartiers" è un progetto di mediazione volto a garantire che gli studenti del Master of Education realizzino un'opera di democratizzazione della musica nei quartieri popolari di Losanna.

"Les concerts du cœur", sostenuto da HEM Genève - Neuchâtel, ha l'obiettivo di portare la musica negli EMS, negli ospedali e nelle carceri, offrendo concerti gratuiti alla popolazione locale.

À Lugano, un'iniziativa della Scuola di musica mira a offrire corsi gratuiti agli studenti ucraini rifugiati e in particolare a quelli di nazionalità russa e ucraina.

A Bâle, la presenza dell'Haute École nella società si manifesta in vari progetti come la mediazione musicale nei musei, nelle istituzioni sanitarie ed educative e persino nella raccolta di fondi per aiutare l'Ucraina negli aiuti umanitari.

"Musica in contesto" a Berna permette di strutturare i programmi di studio attraverso l'organizzazione di corsi di laurea e di laurea specialistica sulla questione centrale della diffusione culturale e su formati di concerti innovativi.

Anche Lucerna, Zurigo e Kalaidos propongono iniziative di questo tipo che, senza ombra di dubbio, contribuiscono enormemente alla coesione sociale, alla rivitalizzazione del ruolo dei musicisti nella società e all'ampliamento delle prospettive professionali degli studenti di musica.

L'essenza della musica non risiede nelle opere musicali, ma nella partecipazione alla presentazione di queste opere e nell'azione sociale. La musica non è quindi solo un nome, ma un verbo: fare musica. Fare musica significa partecipare, in tutte le sue forme, a un'esecuzione musicale e il significato del fare musica risiede nelle relazioni che si stabiliscono tra i partecipanti (compreso il pubblico) attraverso l'esecuzione. La musica fa parte di questo processo iconico e gestuale, che consiste nel dare e ricevere informazioni sulle relazioni che uniscono il mondo vivente. Si tratta infatti di un rituale attraverso il quale i partecipanti non solo imparano, ma sperimentano direttamente il modo in cui si posizionano o dovrebbero posizionarsi rispetto agli esseri umani e al resto del mondo. Queste relazioni ideali sono spesso estremamente complesse, troppo complesse per essere espresse a parole, ma vengono espresse senza sforzo attraverso la performance musicale, permettendo ai partecipanti di esplorarle, affermarle e celebrarle. La musica è quindi importante per la nostra umanità quanto la partecipazione agli atti di parola, e tutti gli esseri umani sono in grado di prendervi parte, non solo comprendendo i gesti esistenti, ma anche creandone di propri.

L'idea è semplice, ma in questo caso accattivante. Invece di tagliare la salsiccia nel senso della lunghezza, la si taglia trasversalmente e si vede cosa viene dopo l'altra. Per esempio, nel 1824, quando fu eseguita la prima della Nona di Beethoven. Fu un anno ricco di avvenimenti, come mostra l'esauriente libretto del CD di Johannes Bosch, ma anche un anno musicalmente emozionante, se non altro per il giovane compositore viennese, che conobbe un'enorme impennata creativa, compose musica grandiosa e si impegnò per trovare nuove forme: Schubert. La sua Sonata Arpeggione potrebbe essere il punto di partenza del programma. Il violoncellista basilese Christoph Dangel, la figura centrale attorno alla quale ruota tutto, la suona insieme al chitarrista Stephan Schmidt - una combinazione logica e distintiva, dato che l'arpeggione era una chitarra a corde.

Accanto a lui compare il più anziano Rossini, che due anni prima aveva acquistato la grinta di Schubert nel mondo dell'opera viennese e che qui è rappresentato con un duetto per violoncello e contrabbasso - che ci si sarebbe aspettati da lui per ultimo. Poi c'è il brillante Johann Nepomuk Hummel con la matura Sonata per violoncello op. 104 - suonata al fortepiano dalla vivace Els Biesemans. Infine, il virtuoso del violoncello un po' dimenticato Bernhard Romberg con un insolito trio per violoncello solo, viola (Katya Polin) e violoncello (qui contrabbasso).

In questo spaccato manca il più grande Beethoven, ma il CD dell'innovativa etichetta zurighese Prospero offre scoperte deliziose e interpretazioni accurate. Prendiamo Rossini, per esempio: Dangel e il contrabbassista Stefan Preyer giocano su ciò che è schematico con fascino, sottile umorismo e fraseggio riflessivo, dimostrando delicatamente il walking bass ed essendo partner alla pari. La musica e il libretto permettono di sognare di nuovo quell'anno, quasi due decenni fa. Il CD è una piccola opera d'arte da leggere e ascoltare.

Il "Libro di accompagnamento al Festival Othmar Schoeck 2021" è più di questo e in un certo senso anche meno. La scelta dei temi e dei compositori trattati si basa sui programmi eseguiti nei concerti del festival. Tuttavia, solo alcuni testi (come i commenti di Heinrich Aerni su Paul Müller-Zürich, Raffaele d'Alessandro e Hans Schaeuble o l'intervista di Katrin Spelinova alla compositrice Cécile Marti) sono vere e proprie introduzioni ai concerti.

Per la maggior parte, il libretto contiene saggi misti che mirano a raggiungere obiettivi diversi: Chris Walton presenta una sintesi del suo libro su Richard Flury, Michael Schneider una breve biografia di Peter Mieg, Cristina Urchueguía un resoconto del suo impegno con Walter Furrer, Anselm Gerhard affronta in tre analisi diverse prospettive del Lied art di Schoeck. Se il neoclassicismo era la stella polare del programma del festival, il libretto non si prende la briga di illuminare pienamente questo riferimento e nemmeno di esplorare nuove interpretazioni di questo difficile concetto storico-musicale. Solo il ritratto di Sibylle Ehrismann del compositore argoviese Werner Wehrli fa riferimento a quest'epoca. Il risultato è piuttosto una raccolta di testi che si uniscono in modo fresco e non agitato per formare un lettore stimolante sulla storia della musica svizzera della prima metà del XX secolo. Le riflessioni sono integrate da interviste, come quella a Marc Andreae su suo nonno, il direttore d'orchestra e compositore Volkmar Andreae.

Tuttavia, i testi di partenza sono delle vere e proprie trouvailles, da un lato l'opera di Arthur Honegger Ricordi su Othmar Schoeckche mostrano il protagonista da angolazioni inaspettate, ma soprattutto le due sensibili osservazioni saggistiche del fratello maggiore di Schoeck, Walter, degli anni '40, che sono di sorprendente attualità anche nel nostro Paese: "La disperazione mi coglie di fronte all'insensatezza della distruzione generale per amore di pochi [...]. Mozart, Bach, Beethoven e gli altri non sono più quello che erano, perché ai distruttori piace mettere il mondo in uno stato di povertà tale che si accontenta della sicurezza e del pane e rende ridicoli coloro per i quali una poesia o una canzone è un'edificazione [...]. Cercherò di esercitarmi un po' di più".

Passé composé. Neoclassicismo in Svizzera, libro di accompagnamento del Festival Othmar Schoeck 2021, a cura di Alvaro Schoeck e Chris Walton, 134 p., Fr. 15.00, Müsigricht, Steinen 2021, ISBN 978-3-9524842-7-2

Il Premio Taurus premia personalità, iniziative, artisti, politici e istituzioni per gli eccezionali servizi e risultati resi all'Europa e ai suoi cittadini. Negli ultimi anni sono stati premiati i tenori Thomas Hampson, René Pape, Piotr Beczala e il soprano Nina Stemme, l'Orchestra Giovanile dell'Unione Europea, l'Opera di Stato di Vienna e il direttore d'orchestra Simone Young.

La serata sarà ospitata dall'Orchestra della Tonhalle di Zurigo sotto la direzione del suo direttore musicale Paavo Järvi. Si esibiranno la violoncellista Sol Gabetta, l'interprete di Wagner e Strauss Camilla Nylund, il basso-baritono Bryn Terfel e il violinista Nigel Kennedy.

Il Premio Taurus premia personalità, iniziative, artisti, politici e istituzioni per gli eccezionali servizi e risultati resi all'Europa e ai suoi cittadini. Negli ultimi anni sono stati premiati i tenori Thomas Hampson, René Pape, Piotr Beczala e il soprano Nina Stemme, l'Orchestra Giovanile dell'Unione Europea, l'Opera di Stato di Vienna e il direttore d'orchestra Simone Young.

La serata sarà ospitata dall'Orchestra della Tonhalle di Zurigo sotto la direzione del suo direttore musicale Paavo Järvi. Si esibiranno la violoncellista Sol Gabetta, l'interprete di Wagner e Strauss Camilla Nylund, il basso-baritono Bryn Terfel e il violinista Nigel Kennedy.

Il moderno centro culturale di Lugano, sede dell'Orchestra della Svizzera italiana (OSI), fa da cornice alla messa in scena e alla visualizzazione di opere molto note. L'OSI ha concesso al violoncellista argentino e svizzero per scelta, che può essere ascoltato al festival anche come interprete, carta bianca per il "Festival Presenza". La durata prevista è di diversi anni.

Il curatore Balthazar Soulier mette in scena le opere programmate dal direttore artistico Sol Gabetta. I concerti per violoncello più noti sono abbinati a brani meno eseguiti. L'obiettivo è quello di rompere con il solito programma di concerti e creare una dimensione teatrale.

"Siamo convinti che anche piccoli aggiustamenti al classico 'rituale del concerto' e al programma possano avere un grande impatto", afferma Sol Gabetta nel comunicato stampa del 22 maggio. "Per quanto riguarda il repertorio, con l'OSI farò rivivere brani per violoncello del XIX secolo. Si tratta di opere ispirate ad arie d'opera popolari, che purtroppo sono cadute nell'oblio e che oggi non vengono quasi più eseguite. Non mi esibirò come solista classico, ma sarò pienamente integrato nell'orchestra e diventerò parte di una nuova esperienza musicale".

https://www.osi.swiss/presenza
 

Foto: Kaupo Kikkas

L'Orchestra della Svizzera italiana davanti al Centro culturale LAC di Lugano

La realtà virtuale (VR) è destinata a portare per la prima volta l'esperienza degli spettacoli culturali dal vivo dal palcoscenico a casa. Un consorzio di progetto sta attualmente sviluppando un'applicazione VR che trasmette i contenuti del palcoscenico in diretta e tridimensionalmente in spazi virtuali per eventi che possono essere visitati dagli interessati come avatar.

Oltre alla Chemnitz University of Technology, sono coinvolti nel progetto di ricerca anche il Fraunhofer Institute for Integrated Circuits IIS di Erlangen, Die Etagen GmbH di Osnabrück, YOUSE GmbH di Berlino e point omega AG di Heidelberg.

Homepage del progetto: www.socialstagevr.de

Lo studente bielorusso della Bern University of the Arts (HKB) vive a Berna dal 2018. Ha completato con lode il programma MA Music Performance nella classe del professor Tomasz Herbut e attualmente studia musica classica nel programma MA Music Pedagogy. Nel corso della sua carriera concertistica, Raman si è esibito in molti Paesi europei e dell'America Latina e ha vinto concorsi internazionali di pianoforte e di ensemble.

Al 30° Concorso Internazionale per Pianoforte e Orchestra Città di Cantù, Raman Kamisarau ha gareggiato nella categoria Concerti del 19° e 20° secolo con il 2° Concerto per pianoforte e orchestra, do minore, op. 18 di Rachmaninov.

I tre vincitori studiano nella classe di Matthias Racz all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK). Il primo premio è andato al fagottista coreano Minju Kim, nato nel 1996, il secondo al giapponese Kenichi Furuya e il terzo al fagottista coreano Minju Kim, nato nel 1999. Tutti e tre hanno ricevuto ulteriori riconoscimenti oltre ai premi principali.

Il concorso si svolge ogni anno a maggio in due categorie strumentali. Possono partecipare musicisti fino a trent'anni. Quest'anno è stato organizzato per clarinetto e fagotto. Oltre ai premi in denaro, sono previste esibizioni concertistiche, tra cui una performance al Festival di Primavera di Praga l'anno successivo.

Il concorso per viola e trombone sarà bandito nel 2023 e quello per violino e corno nel 2024.
 

Nato e cresciuto a Lugano nel 1996, il trombettista, compositore e produttore Quinn si è fatto conoscere grazie alla sua versatilità stilistica e alla sua comprensione del linguaggio jazzistico, si legge nel comunicato stampa. Nolan Quinn ha iniziato a suonare la tromba all'età di nove anni. Dopo aver studiato musica classica, nel 2014 ha conseguito un Master of Arts in Music Performance Jazz a Berna. Da allora ha registrato oltre cinquecento performance dal vivo per diverse produzioni, programmi televisivi e radiofonici, con tournée che lo hanno portato in tutta Europa e negli Stati Uniti.

Si è esibito sul palco con molti strumentisti e cantanti di fama internazionale, tra cui Paul Anka, DJ Bobo, Tony Momrelle, Roberto Blades, Frank Dellé, Rick Margitza, Lutz Häfner e Guillermo Klein. In Svizzera, ha lavorato per molti anni con la Swiss Jazz Orchestra, la Swiss Army Big Band e come prima tromba nelle produzioni musicali del Teatro di San Gallo e del Thunerseespiele.

Lo Swiss Jazz Award, già assegnato a musicisti come Pepe Lienhard, Raphael Jost, Bruno Spoerri, Franco Ambrosetti e, nel 2019, alla compianta Othella Dallas, sarà consegnato anche quest'anno nell'ambito del JazzAscona Festival.