Inoltre, 35 archivi di fondazioni sono presentati in modo più dettagliato, tra cui la vasta collezione sulla storia della danza nell'archivio della Fondazione John Neumeier e l'archivio musicale di Horst Lippmann e Fritz Rau con opere di Benny Goodman e dei Rolling Stones.

In qualità di organizzazione ombrello indipendente, l'Associazione delle Fondazioni Tedesche rappresenta gli interessi delle fondazioni in Germania. La più grande associazione di fondazioni in Europa conta oltre 4000 membri; più di 7000 fondazioni sono affiliate ad essa attraverso le amministrazioni delle fondazioni. L'associazione rappresenta quindi circa tre quarti del patrimonio delle fondazioni tedesche, per un totale di oltre 100 miliardi di euro.

Info:
Associazione Federale delle Fondazioni Tedesche (a cura di): Archivio nelle Stiftungen. Una guida. Berlino 2015. 280 pagine. ISBN 978-3-941368-73-6. La pubblicazione è disponibile gratuitamente in formato cartaceo e digitale.

La prima passeggiata organistica di Basilea, svoltasi il 15 agosto 2015, ha riunito da 110 a 260 persone interessate in quattro chiese del centro storico di Basilea. È stata organizzata dall'associazione KVOB: L'abbreviazione sta per "Organizzatori di concerti a Basilea"che nel 2013 hanno costituito un'associazione per organizzare un festival organistico di Basilea di due settimane nel 2014. La passeggiata organistica di Basilea non è solo un'imitazione del modello bernese o zurighese, ma un tentativo di sfruttare il grande successo del festival organistico su scala ridotta. Entrambi i tipi di eventi - festival e passeggiata - saranno organizzati regolarmente in futuro.

La passeggiata organistica non ha solo lo scopo di permettere ai visitatori di conoscere il variegato panorama organistico di Basilea, ma anche di attirare l'attenzione sulla ricchezza spirituale e artistica delle chiese, offrendo così una combinazione di architettura, arte, musica e storia della città. La storica dell'arte Helene Liebendörfer ha spiegato in modo competente e divertente la storia e il significato delle quattro chiese selezionate per la prima edizione della passeggiata.

Nella Predigerkirche, dove si svolgono le funzioni della Christkatholische Gemeinde e molti eventi della Schola Cantorum Basiliensis, si possono ammirare quattro organi fondamentalmente diversi e molto caratteristici. Jörg-Andreas Bötticher, ospite musicale e professore della SCB, ne ha presentati tre: L'organo Schwalbennest sopra il paravento, l'organo storico italiano, per il quale i partecipanti sono entrati nella sala del coro, in modo che una breve passeggiata d'organo avesse già luogo all'interno della chiesa, e l'organo Silbermann, ricostruito dalla ditta Metzler nel 1978, sul quale Bötticher ha improvvisato nello stile del classicismo francese.

Oltre a opere di Johann Sebastian Bach, Max Reger e Charles-Marie Widor, l'organista della cattedrale Andreas Liebig ha suonato anche due composizioni contemporanee sull'organo Mathis a quattro manuali della cattedrale: Un suo arrangiamento corale meditativo su una melodia norvegese e - in occasione dell'ottantesimo compleanno del compositore - la Ciaccona di Aulis Sallinen, un brano ricco di contrasti in cui l'ampiezza dello spazio tardo romanico o gotico è vissuta in modo particolarmente impressionante attraverso gesti concisi e prolungate pause generali.

Nel pomeriggio erano in programma due ex chiese monastiche, entrambe notevolmente ridimensionate nel corso della loro lunga storia. Oggi la comunità serbo-ortodossa celebra le sue funzioni nella chiesa di Sant'Albano. L'organo Metzler, costruito nel 1966, viene suonato raramente in pubblico, ma è a disposizione della scuola di musica di Basilea per scopi didattici. Lo strumento è stato revisionato quest'anno dall'organaro basilese Michael Klahre, che ha mantenuto inalterato il carattere sonoro molto diretto, su richiesta del committente. Nicoleta Paraschivescu ha suonato la nota Toccata e fuga BWV 565, il Volontario in re minore op. 5/8 di John Stanley, ispirato a Vivaldi, e la Symphonie Concertante di Guillaume Lasceux, contemporaneo della Rivoluzione francese.

Dal 1994, la Chiesa dell'Orfanotrofio e dei Certosini di Basilea ospita una copia fedele di un organo costruito esattamente 300 anni prima da Arp Schnitger per la Chiesa dell'Orfanotrofio di Amburgo, poi trasferita a Grasberg, vicino a Brema. Opere di Samuel Scheidt, Andreas Kneller, Peter Mohrhart, Matthias Weckmann e Dietrich Buxtehude, eseguite da Stefan Beltinger, sono state suonate qui in vero stile e in modo molto colorato.

Al termine della passeggiata organistica, Tobias Lindner, presidente dell'associazione KVOB, ha giustamente sottolineato il grande successo dell'evento e ha ringraziato i numerosi partecipanti, alcuni dei quali provenienti da Alsazia, Baden e Baviera, per il loro interesse. Sono già in corso i preparativi per la seconda Passeggiata organistica di Basilea, che si terrà il 13 agosto 2016, ancora una volta l'ultimo sabato delle vacanze estive. L'associazione KVOB organizzerà inoltre un altro Festival organistico di Basilea nei mesi di agosto e settembre 2016, con un focus tematico sulle opere organistiche di Max Reger (1873-1916), che aveva stretti legami con Basilea.

Come ogni estate, il Orchestra Sinfonica Giovanile di Winterthur (WJSO) del conservatorio è partita per la sua tradizionale tournée orchestrale. Tuttavia, pochi avrebbero potuto immaginare che questa volta si sarebbero recati sull'isola di Mauritius, nell'Oceano Indiano, e che la tournée sarebbe durata tre settimane. Per un progetto locale di rilancio della cultura musicale e operistica, la WJSO, sotto la direzione di Simon Wenger, è stata invitata a Mauritius a metà luglio per eseguire la parte orchestrale dell'operetta Orphée aux Enfers di Jacques Offenbach. Chi pensava che l'orchestra si fosse messa comoda sulle spiagge mozzafiato era ben lontano dalla verità. Il programma prevedeva sei rappresentazioni dell'operetta, oltre a un programma sinfonico supplementare con tre concerti e prove giornaliere.

La messa in scena del Orphée - il cui pezzo più noto è senza dubbio Can-Can in the Underworld - era di carattere multiculturale. Il coro era composto da cantanti locali, i solisti provenivano dalla Nuova Zelanda, dalla Germania e dalle Mauritius, il direttore d'orchestra Martin Wettges ha viaggiato dalla Germania e l'orchestra svizzera si è recata alle Mauritius, a 9.000 chilometri di distanza. Questi progetti offrono ai giovani musicisti un'ottima opportunità per farsi un'idea della futura vita quotidiana di un musicista professionista, visto che a volte suonavano per più di sette ore al giorno. La movimentata attività operistica - dal primo incontro con il coro, alle prove delle parti solistiche, all'integrazione nella drammaturgia, fino alle rappresentazioni stesse - è stata impegnativa e impressionante.

Poiché i concerti sinfonici classici sono una rarità a Mauritius, la WJSO ha deciso di viaggiare con un programma sinfonico in aggiunta alla musica dell'operetta. Durante le serate senza teatro, la Sinfonia n. 1 di Beethoven, la Le vie dei gitani di Pablo de Sarasate con il giovane e virtuoso violinista bernese Danilo Oliviera come solista, e la Suite su sei canzoni popolari svizzere del compositore svizzero Rolf Liebermann. Questi spettacoli sono stati un momento speciale per la popolazione di Mauritius, i concerti sono stati molto seguiti e le recensioni successive sono state entusiastiche.

Lo scambio con le scuole di musica locali di Mauritius è stata un'esperienza straordinaria. Per un concerto unico, ad esempio, l'orchestra giovanile del Conservatorio François Mitterand è stata riunita con la WJSO, dando vita a un'orchestra di 80 elementi. Questa formazione ha eseguito un brano di un giovane compositore di Mauritius e il coronamento del concerto, il Danze Polovtsiane del compositore russo Alexander Borodin. Alcuni orchestrali di Winterthur hanno anche potuto visitare la scuola privata di musica Vent d'un rêve per bambini provenienti da ambienti poveri, dove i musicisti hanno presentato i loro strumenti e suonato alcuni brani. Per i bambini, che conoscevano molti strumenti solo dalle immagini e non avevano mai visto un oboe dal vivo, questa visita è stata qualcosa di straordinario. Ma i membri della WJSO si sono anche resi conto, durante questo suggestivo pomeriggio, di quanto siano fortunati a poter vivere e studiare in un Paese come la Svizzera, che promuove e coltiva la musica classica.

Nonostante il programma rigoroso, c'è stato anche il tempo di godersi le bellissime spiagge e l'impressionante paesaggio dell'isola. Sono state proposte diverse escursioni - che si trattasse di una gita in catamarano per osservare i delfini, di snorkeling, nuoto e barbecue, di una visita a un giardino botanico o di un'escursione in uno dei grandi parchi nazionali dell'isola - per alleviare la mente dei musicisti dallo stress delle prove e delle esibizioni. Ma è stato il contatto personale con la gente di Mauritius che ha portato a esperienze meravigliose e durature. Tutti i musicisti sono stati ospitati da famiglie locali e, dopo aver conosciuto per la prima volta i membri del coro dell'operetta, si sono incontrati sulla spiaggia o in un bar e hanno goduto del breve tempo che hanno potuto trascorrere insieme. Non c'è dubbio che tutti, sia i musicisti svizzeri che gli stessi partecipanti mauriziani, abbiano potuto raccogliere esperienze e avventure indescrivibili. Possiamo solo sperare che questo momento - "l'esperienza mauriziana" - risuoni in tutti per molto tempo a venire.

La giuria ─ composta da tre membri interni e due esterni ─ è stata molto colpita dal concetto, secondo un comunicato stampa della città. La giuria è stata particolarmente colpita dall'unicità del programma e dal fatto che la casa venga nuovamente utilizzata dai bambini.

È previsto che i concerti del coro dei ragazzi di Zurigo e i concerti scolastici del coro femminile o degli ensemble strumentali si tengano nella Haus Sonnenberg. In questo modo l'edificio sarà accessibile anche a un pubblico più vasto. Il "Cantaleum Zurich" si inserisce bene anche nell'edificio tutelato; il nuovo utilizzo richiede solo pochi adeguamenti strutturali.

L'obiettivo della scuola, gestita privatamente, è "fornire un supporto educativo e musicale di alta qualità e orientato ai bambini dai 4 ai 16 anni". Si basa sul programma di studi del Cantone di Zurigo. La scuola sarà bilingue (tedesco e inglese) e organizzata come scuola a tempo pieno. È progettata per un numero di alunni compreso tra 50 e 120.

La Haus Sonnenberg è stata costruita nel 1911 come orfanotrofio ed è stata utilizzata dalla Fondazione per le case dei bambini e dei giovani di Zurigo (zkj) fino al 2015. La città ha indetto una gara d'appalto per il nuovo utilizzo e la nuova gestione nel novembre 2014. A marzo 2015 sono state presentate cinque candidature. L'obiettivo della gara d'appalto era quello di trovare un operatore e un utilizzo autosufficiente e a lungo termine per l'intero edificio Sonnenberg.
 

Entrambi i contratti hanno una durata di cinque anni, scrive il Lucerne Festival. Pierre Boulez, il fondatore dell'Accademia, rimarrà in stretto contatto con Wolfgang Rihm, Matthias Pintscher e il team del festival in qualità di presidente onorario. L'Accademia del Festival di Lucerna funge da campus di formazione nel campo della musica del XX e XXI secolo da dodici anni. Offre una formazione continua a circa 120 strumentisti di età compresa tra i 18 e i 32 anni, nonché a giovani direttori d'orchestra e compositori. Matthias Pintscher ha contribuito a dare forma all'accademia quest'estate per la terza volta come docente e direttore d'orchestra, anche in occasione della "Giornata per Pierre Boulez".

Il cambio di gestione sarà accompagnato anche da modifiche al programma: dal 2016 si terrà un nuovo seminario di composizione, in cui i giovani compositori potranno lavorare direttamente sulle loro opere con giovani musicisti internazionali. In questo modo, in futuro la promozione dei compositori sarà oggetto di un'ulteriore attenzione da parte dell'Accademia.

Wolfgang Rihm aveva già assunto la direzione artistica delle Roche Young Commissions quest'anno: Due giovani compositori riceveranno commissioni per opere che saranno sviluppate nell'arco di due anni nell'ambito dell'accademia e presentate in anteprima durante il festival estivo. Inoltre, sono ancora previste masterclass per direttori d'orchestra e ensemble come parte integrante dell'accademia.

Nell'estate 2016, il direttore principale Matthias Pintscher e l'Orchestra dell'Accademia proveranno l'Uccello di fuoco di Stravinskij, "hij 1" di Mark Andre e "San Francisco Polyphony" di György Ligeti e presenteranno le opere in un concerto conclusivo.

Pintscher dirigerà anche l'Ensemble intercontemporain nel concerto di apertura dell'Accademia. Anche la direttrice d'orchestra finlandese Susanna Mälkki e il direttore americano Alan Gilbert dirigeranno l'Orchestra dell'Accademia. Il percussionista Martin Grubinger e la violinista Anne-Sophie Mutter si esibiranno come solisti con l'Orchestra dell'Accademia.

A Malpensa, Adina e Nemorino (cantato da Vittorio Grigolo) flirtano nel ristorante dell'aeroporto Rossopomodoro. Per una sera Adina è la proprietaria e Nemorino il cameriere. Dulcamara arriva in aereo e, con un po' di fortuna, lo vediamo atterrare con il suo aereo. Il coro si muove tra ristorante, sky lounge e cancello di sicurezza. I presentatori Annette Gerlach e Neri Marcorè accompagneranno lo spettacolo.

Lo spettacolo potrà essere vissuto sul canale culturale Arte Concert lo stesso giorno. Inoltre, dall'inizio di settembre sarà disponibile la nuova tecnologia a 360°, che inviterà gli spettatori ad avere una visione panoramica di Milano, della Scala e dell'aeroporto. Un video a 360° molto elaborato mostrerà agli spettatori il meglio dell'evento lirico ben due settimane dopo le rappresentazioni.

Qualche anno fa, la televisione svizzera (anche con Vittorio Grigolo) ha realizzato produzioni simili nella stazione centrale di Zurigo, in un sobborgo di Berna e nel centro di Basilea.
 

Quarant'anni fa, Gerd Albrecht, all'epoca direttore principale dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo, chiamò la Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW) nella vita. Questo evento sarà celebrato il 13 settembre con una matinée alle 11.00 nella sala piccola della Tonhalle di Zurigo. Si esibiranno i premiati di quattro decenni. Fabio di Càsola, Thomas Grossenbacher, Benjamin Engeli, Anne-Laure Pantillon, Salomo Schweizer, Nathalie Blaser, Florian Abächerli, il Quartetto Bazar e Jean-Sélim Abdelmoula daranno vita alla musica classica. Non mancherà il jazz con Tapiwa Svosve e Leandro Irarragorri e, infine, il rock & pop con la band "The Pixel" nel foyer.

Nel frattempo, interverranno Andreas Wegelin, presidente della Fondazione SJMW, André Helfenstein, in rappresentanza del partner principale Credit Suisse, e Bobby Keller, presidente onorario della Fondazione SJMW. Al termine, alle 13.00, si terrà un aperitivo per brindare all'anniversario.

Radio SRF 2 Kultur trasmetterà il servizio di Andreas Müller-Crepon sulla matinée dell'anniversario il 22 ottobre tra le 20.00 e le 22.00.

Negli ultimi anni, il Cantone di Basilea Città ha constatato che la domanda del pubblico per i sei spettacoli pomeridiani del Basel Tattoo è diminuita, in quanto considerati meno attraenti rispetto agli spettacoli serali. Ora il concetto di evento deve essere ottimizzato senza gravare ulteriormente sul quartiere o sui residenti locali, come afferma il Cantone.

Il Consiglio di Governo ha accolto la richiesta degli organizzatori di avere due giorni aggiuntivi di evento ciascuno nel 2016 e nel 2017. In cambio, il numero di spettacoli pomeridiani è stato ridotto da sei a tre, con una conseguente riduzione del programma di uno spettacolo in totale. Sono previsti un massimo di undici spettacoli serali (in precedenza erano nove). I precedenti sei spettacoli pomeridiani saranno ridotti di tre. Uno dei tre spettacoli rimanenti, la domenica pomeriggio, sarà organizzato appositamente per i bambini.

Con circa 120.000 visitatori e un totale di 1000 partecipanti provenienti da tutti e cinque i continenti, il Basel Tattoo è il più importante festival all'aperto di Basilea. Oggi è il secondo tatuaggio più grande del mondo.
 

Smirnov ha ricevuto anche il premio del pubblico. Il russo ha conquistato la giuria e il pubblico con le sue interpretazioni della difficile composizione "Le mani del violonista" di Hugues Dufourt e del secondo concerto per violino di Dimitri Shostakovitch.

Yuliia Van ha ricevuto anche il Premio dei giovani giurati. Dmitry Smirnov ha ricevuto anche il premio per il miglior pezzo obbligatorio. La giuria era composta da Enzo Restagno (presidente), Hugues Dufourt, Dong-Suk Kang, Tsugio Tokunaga, Raimund Trenkler (in sostituzione di Natalia Gutman, che ha dovuto rinunciare per motivi di salute), Pavel Vernikov e Milan Vitek.

Nato a San Pietroburgo nel 1994, Dmitry Smirnov è allievo di Elena Zajtseva al Conservatorio Rimsky-Korsakov della sua città natale. Dal settembre 2011 studia all'Accademia di Musica di Losanna. Ha debuttato alla Carnegie Hall di New York nel 2007.

Daria Korotkova, studentessa dell'Università delle Arti di Berna, si è qualificata per il concerto finale nel cortile del Castello di Murten in un'eliminatoria interna e in due prove di concorso pubblico, impressionando la giuria. Alla successiva cerimonia di premiazione le è stato consegnato il primo premio, un concerto da solista al festival Murten Classics 2016 e un premio di 2.000 franchi svizzeri. Il secondo premio è andato a Nataliia Shaposhnyk dall'Ucraina e il terzo premio a Shintaro Kawahara dal Giappone.

Secondo gli organizzatori, 29 pianisti hanno partecipato al Valiant Forum Piano 2015. Possono partecipare cittadini svizzeri o stranieri iscritti a un'università svizzera. La promozione dei giovani musicisti è un obiettivo importante del festival Murten Classics. In collaborazione con la Valiant Bank, in passato si sono esibite al Valiant Forum orchestre e cori giovanili. Quest'anno si è svolto per la prima volta un concorso per giovani pianisti.

www.murtenclassics.ch

Dopo 45 anni, la Künstlerhaus Boswil necessita di adeguamenti strutturali, scrive il Cantone di Argovia. La fondazione sta anche progettando di costruire un foyer della chiesa per offrire al pubblico strutture moderne per i visitatori (compresi i servizi igienici) in caso di maltempo. La conversione della storica Boswiler Sigristenhaus, che risale al 1675, prevede la creazione di due sale prove e studi musicali, uffici, magazzini e archivi e cinque camere per gli ospiti. 

Con il contributo del fondo Swisslos, il governo cantonale di Argovia sostiene l'impegno di privati e fondazioni, che stanno contribuendo a finanziare la modernizzazione in misura significativa: Circa 2,5 milioni sono già stati raccolti attraverso fondi personali, fondazioni e privati. L'edificio dello studio, precedentemente utilizzato, verrà venduto alla comunità locale di Boswil per la creazione di un museo del villaggio.
 

La necessità di un sostegno selettivo nello sviluppo strutturale è stata espressa da varie parti nei dialoghi culturali del Cantone di Berna del 2013/14. Con il lancio del programma di finanziamento 2015 "Contributi d'impulso", l'Ufficio bernese per la cultura risponde a questa esigenza. Le istituzioni culturali hanno tempo fino al 14 dicembre 2015 per presentare i loro progetti strutturali o strategici.

La selezione dei progetti vincitori e l'ammontare dei rispettivi contributi di impulso sono determinati da una giuria con un'ampia gamma di competenze. Al fine di rafforzare la diversità culturale nel Cantone, viene data la preferenza a progetti di impulso di istituzioni culturali al di fuori dei centri urbani.

Con la Giornata della cultura del Cantone di Berna, il Dipartimento dell'educazione ha proseguito il dialogo culturale che negli ultimi anni si è svolto in tutte le regioni. Il dialogo regolare tra i politici e l'amministrazione con i professionisti della cultura, le istituzioni culturali e gli interessati alla cultura si basa sulla "convinzione che le giuste priorità possano essere stabilite nella politica culturale solo attraverso un processo congiunto", scrive il Cantone. Oltre 200 persone provenienti da tutti i settori culturali hanno accettato l'invito e hanno discusso l'ulteriore sviluppo della politica culturale presso la Volkshaus Biel.
 

Con l'opera di Joseph Haydn Creazione La terza edizione della "Grande Festa della Musica" si è svolta alla fine di agosto con un'entusiasmante esibizione sotto la direzione di René Jacobs. Festival di musica antica a Basilea alla fine. Era iniziato otto giorni prima con il Primo Concerto Brandeburghese di J. S. Bach con gli ensemble Café Zimmermann e Ripieni Festivi. Bach e Haydn sono stati anche i capisaldi del festival, che è stato dedicato ai decenni tra il periodo barocco e quello classico viennese in numerosi concerti, conferenze e visite alle città.

Peter Reidemeister, ex direttore di lunga data della Schola Cantorum Basiliensis (SCB), ha organizzato il festival per la terza volta in qualità di direttore artistico insieme all'energico impresario Renato Pessi e ha messo insieme con intelligenza e competenza un programma di qualità eccezionale. Il festival è stato sostenuto dall'Associazione per la promozione dei laureati di Basilea nel campo della musica antica. Circa un terzo del programma è stato finanziato con fondi pubblici e due terzi da fondazioni e sponsor privati.

Reidemeister ha concepito le tre edizioni del festival come una trilogia di periodi di transizione musicale, sempre con riferimento a Basilea. Il primo festival, nel 2011, si è concentrato sulla musica del Consiglio di Basilea e sulla transizione dal Medioevo al Rinascimento. Due anni dopo, ha mostrato la giustapposizione tra polifonia tradizionale e monodia "moderna" intorno al 1600. Dal barocco al classico ha fatto luce su un'epoca a lungo trascurata. Solo negli ultimi decenni studiosi e musicisti hanno rivolto la loro attenzione a questo periodo appassionante, ricco di contraddizioni interne, in cui gli audaci esperimenti armonici e formali dei figli di Bach e di altri compositori burrascosi e turbolenti e i toni più semplici e intimi dell'Empfindsamkeit si affiancavano allo stile "galante" del rococò, in cui i generi esistenti, come l'opera, venivano riformati e ne nascevano di nuovi, come il quartetto d'archi e il melodramma.

Durante la conversazione, Reidemeister ha sottolineato che questo cambiamento non era una rottura, che il vecchio viveva accanto al nuovo. Lo si è potuto sperimentare in un concerto del Quatuor Mosaïques con quartetti per archi di Matthias Georg Monn, Haydn e Ludwig van Beethoven, che contengono fughe e integrano così la forma barocca per eccellenza nel nuovo genere. I quattro musicisti hanno suonato in modo altamente differenziato e con grande intensità; particolarmente avvincente è stata la sottile realizzazione del Capriccio dal quartetto in do maggiore 20/2 di Haydn.

Un altro momento saliente è stato offerto dall'Orchestra Barocca di Friburgo e dal clavicembalista Andreas Staier con luminose esecuzioni di suite e concerti; l'accostamento di opere del padre Johann Sebastian e del figlio Carl Philipp Emanuel Bach ha reso immediatamente evidente il cambiamento di stile. Al clavicordo, uno degli strumenti preferiti dell'epoca, è stato dedicato un concerto con il tastierista Dirk Börner e la recitalista Roswitha Schilling.

Anche l'opera non è mancata nel variegato programma: sotto la direzione di Daniela Dolci, l'ensemble barocco basilese Musica fiorita ha eseguito la Buffa di Domenico Cimarosa. L'Impresario in angustie con leggerezza e molto umorismo. La rappresentazione del melodramma è stata un viaggio nel tempo Arianna su Nasso di Georg Benda, un successo teatrale del suo tempo. Sigrid T'Hooft, specialista in pratiche sceniche storiche, l'ha messa in scena nello stile dell'epoca, con una declamazione più musicale che psicologico-realistica e una dilagante gestualità barocca. Franziska Ernst nel ruolo di Arianna e Meinhardt Möbius in quello di Teseo non solo erano eccellenti oratori, ma avevano anche interiorizzato il linguaggio dei segni a tal punto che non c'era nulla di innaturale nella loro elegante interpretazione.

I talentuosi diplomati della Schola Cantorum si sono presentati in una serie di concerti all'ora di pranzo. La violinista Plamena Nikitassova si è distinta in sonate altamente virtuose del ginevrino Gaspard Fritz, mentre l'arpista Giovanna Pessi ha suonato musiche morbide e soul del boemo Johann Baptist Krumpholtz, che puntano già molto avanti nel periodo romantico.

Un'attenzione particolare è stata riservata alla vita musicale di Basilea nel XVIII secolo. Al centro c'era la collezione musicale del mercante Lucas Sarasin (1730-1802), di cui purtroppo è sopravvissuto solo un terzo. Nel suo palazzo barocco di città, la "Casa Blu" sulla Rheinsprung, si tenevano regolarmente concerti a cui egli stesso partecipava. Alcuni di questi sono stati ascoltati durante il concerto. E il CD del festival di quest'anno pubblicato dall'etichetta ARS Productions Un ospite della Casa Blu con il giovane ensemble Der musikalische Garten, formatosi alla Schola Cantorum, presenta musiche dalla collezione di Sarasin.

Con la fine della sua trilogia, Reidemeister si è dimesso da direttore artistico. L'esistenza del festival è quindi incerta. Fortunatamente, Pessi è disposto a continuare la serie - probabilmente su scala ridotta - ed è in contatto con possibili successori.

Dettagli sul festival
festtage-basel.ch

"Suoni sismografici - Visioni di un nuovo mondo" è il nome della mostra allestita presso lo Schlossplatz Forum di Aarau. Il titolo è all'altezza della prima porta: aprendola, ci si trova di fronte a una parete LED di quasi due metri di larghezza su cui si susseguono in rapida successione scene africane, sequenze di tavole da surf e labbra che si baciano - e in modo piuttosto rumoroso. È un primo sguardo dietro le quinte dell'attuale creazione musicale globale.

L'idea di "Seismographic Sounds" è nata un anno e mezzo fa, su suggerimento di Anna Bürkli, co-curatrice della Künstlerhaus S11 di Soletta. Inizialmente la mostra avrebbe dovuto essere inaugurata lì, ma: "L'idea ha continuato a crescere e presto ha avuto bisogno di uno spazio più ampio di quello che l'S11 poteva offrire", spiega Thomas Burkhalter, che ha sviluppato la mostra insieme a Theresa Beyer e Hannes Liechti - in collaborazione con la loro rete internazionale Norient.

Al centro della mostra, che si estende per ben 200 metri quadrati, ci sono video musicali, brani e sound art appuntiti, stridenti e controversi provenienti da oltre 50 Paesi. Si tratta di opere audaci, create al di fuori delle comuni norme sociali, spiega Burkhalter. "Il risultato è una miscela del nostro punto di vista e di quello di 250 giornalisti, blogger e scienziati". Gradualmente è stato inviato sempre più materiale da Paesi diversi come la Bolivia, Israele e il Ghana, a volte anche non richiesto. La qualità degli invii è stata sorprendentemente alta, dice Burkhalter e Beyer aggiunge: "Il progetto ha confermato la nostra sensazione che ci sono innumerevoli musicisti in tutto il mondo che si esprimono in nuovi formati artistici con grande consapevolezza e urgenza".

Per creare "Seismographic Sounds", i creatori hanno dovuto superare i loro limiti personali e combinare i loro ruoli di project manager, curatori, raccoglitori di fondi e redattori. "Fino a 100 e-mail al giorno erano la norma", ricorda Beyer. Sforzi che hanno dato i loro frutti e che si sono tradotti in un collage che ha scavato sotto la superficie e ha rivelato nuove tendenze musicali. "Per esempio, dobbiamo abbandonare l'immagine che gli artisti africani vogliano assolutamente sfondare nel mercato anglo-americano", sottolinea Burkhalter. Oggi per molti musicisti è più redditizio affermarsi in patria.

Basandosi sui sei temi del denaro, della solitudine, del desiderio, dell'esotismo, della guerra e dell'appartenenza, i visitatori hanno l'opportunità di vivere la mostra come una composizione audiovisiva complessiva. Secondo Beyer, questi punti di forza tematici si sono cristallizzati durante la visione dei circa 2000 filmati. Tuttavia, il fatto che il motivo dell'amore romantico sia apparso meno frequentemente di quelli citati ha sorpreso gli stessi due curatori.

Se si volesse assaporare ogni frammento di "Seismographic Sounds", ci vorrebbero circa otto ore per vedere e ascoltare tutto. Un'abbondanza che permette al visitatore di immergersi nei dettagli. Video come quello dei Bad Copy possono essere visti in diversi box cinema che offrono spazio a una manciata di spettatori. I serbi fondono il rap duro con immagini che mostrano bambini afflitti dalla guerra civile con grandi pistole e facce dure. La Bala" dei messicani Los Tigres Del Norte non è così evidentemente incentrata sulle battaglie con le armi. Il loro clip inizia in modo familiare, ma termina con la morte di una band. "Allblackblackkat" del sudafricano Simiso Zwane offre qualcosa di più leggero, con immagini mistiche che emergono da una piscina.

Mentre nella lounge si possono ascoltare vari collage audio e mixtape come "Aarau negli anni '80", numerosi podcast offrono approfondimenti sulla vita quotidiana di musicisti al di fuori del mainstream. Ad esempio, la sound artist israeliana Meira Asher racconta il suo confronto musicale con la militarizzazione del suo Paese. In una stazione d'ascolto accanto, la band hard rock indonesiana Burgerkill si lamenta: "È difficile per gli artisti guadagnarsi da vivere qui". Un'affermazione che si ripete in varie forme. Ancora più spesso, però, ci si trova di fronte all'atteggiamento di chi fa di tutto per mantenere una presenza pubblica con le proprie canzoni.

La mostra, accompagnata dall'omonimo libro, illustra quanto siano diverse e al tempo stesso simili le varie scene musicali del mondo. Seismographic Sounds" incoraggia in particolare i visitatori a intraprendere un viaggio di scoperta alla ricerca di nuovi suoni e impressioni, sia all'interno che all'esterno della mostra.

La Costiera Amalfitana, come dicono giustamente le guide turistiche, è considerata una delle coste più belle del mondo. In nessun altro luogo si trovano panorami più mozzafiato. Da sempre gli artisti vi si recano per trovare ispirazione per le loro opere. La Società Flautistica Italiana, sotto la direzione artistica di Salvatore Lombardi, ha organizzato il grande evento musicale nel campus dell'Università di Salerno dal 2 all'8 agosto. L'estrosa parola d'invenzione "falaut" è una combinazione giocosa di flauto e alcune sillabe di solmisazione, che risale a Guido d'Arezzo.

Stimolare le conversazioni
Una delle idee centrali del festival è quella di invitare artisti rinomati del settore a esibirsi in programmi variegati con i partecipanti ai corsi, coinvolgendo anche le nuove generazioni. Quest'anno, allievi, studenti, insegnanti e docenti sono arrivati da paesi come Russia, Cina, Corea, Giappone, Stati Uniti, Spagna, Italia, Polonia, Danimarca, Norvegia e Svizzera. Il programma dimostra la flessibilità dello strumento e l'ampiezza del repertorio. C'è il jazz e la musica contemporanea, la musica dal barocco al periodo romantico. Sono stati organizzati anche corsi di chitarra, arpa, violino e contrabbasso. Ce n'era per tutti i gusti, dai flautisti dilettanti ai semi-professionisti e ai professionisti. Uno degli obiettivi principali della Flute Society è quello di far dialogare tra loro il maggior numero possibile di persone interessate.

Docenti personali
Questo campo estivo ha un concetto interessante: al momento dell'iscrizione viene scelto un istruttore personale. È il primo punto di contatto per tutta la settimana. Le lezioni sono organizzate dagli istruttori in modi molto diversi. Alcuni insegnanti sono a disposizione degli studenti per l'intera giornata, altri hanno lezioni individuali e di classe distribuite nell'arco della giornata o lezioni concentrate. I partecipanti hanno la possibilità di assistere e ascoltare tutte le lezioni. Su richiesta, sono possibili anche lezioni individuali con altri insegnanti.
Ci sono anche tre masterclass pubbliche al giorno. I docenti insegnano in una grande aula di fronte a un pubblico interessato. Gli argomenti sono di solito scelti liberamente. A volte, però, vengono trattati argomenti speciali, come l'ottavino, la tecnica Alexander, la scrittura orchestrale, ecc. In questo modo si circola per l'intera giornata e si sceglie ciò che interessa di più. Inoltre, i numerosi docenti presentano le loro impressionanti capacità in concerti all'ora di pranzo e alla sera. Il livello è solitamente vertiginosamente alto.

La passione come chiave del successo
Come potete immaginare, c'è un concentrato di conoscenze, esperienze e competenze. L'atmosfera è rilassata e amichevole. Il primo giorno di corso c'era ancora una confusione generale su chi fosse al posto giusto. Era anche facile perdersi nel grande campus dell'università. Così ci si univa a un gruppo di persone e, quasi per magia, studenti e insegnanti apparivano al posto giusto. Prima di rendersene conto, da ogni stanza provenivano flauti, violini e pizzichi. Nel pomeriggio del primo giorno è stato distribuito un libretto di programma con tutte le informazioni necessarie sul festival. Da quel momento in poi c'è stato ordine e organizzazione. Un capolavoro organizzativo.

Il campo estivo, così come è oggi, è cresciuto lentamente. Tutto è iniziato 10 anni fa con un normale corso estivo. La sede è sempre cambiata, ma si è sempre svolta nel salernitano. Lentamente, l'evento è cresciuto fino alle dimensioni attuali. L'anno scorso si è tenuto per la prima volta all'Università di Salerno. Vi hanno partecipato 70 flautisti. Quest'anno erano già presenti 200 flautisti e 50 altri musicisti strumentali. Di questi, 40% erano stranieri. In questo modo viene mantenuta e ampliata una rete mondiale. Il feedback è stato sempre positivo. L'organizzatore del festival Salvatore Lombardi è convinto che la chiave del successo nel suonare il flauto sia la passione.

www.falaut.it