Già nel 1912-1915, l'engadinese Peider Lansel registrò i canti popolari ladini con un fonografo che aveva ordinato appositamente in America. Dal 1896 al 1919, Caspar Decurtins pubblicò un catalogo di canti popolari ladini con il titolo Reto-Romanico Romancio Romagnolo 13 volumi con numerosi testi di canzoni grigionesi. Nel 1930, la Società svizzera di folclore incaricò diversi ricercatori, tra cui il cantante soldato e raccoglitore di canti popolari Hanns in der Gand e l'insegnante e poi etnomusicologo Alfons Maissen, di condurre un'indagine sui canti nei Grigioni di lingua romancia. Nel 1945, in collaborazione con Werner Wehrli, Alfons Maissen pubblicò il volume Consolaziun dell' olma devoziusa (Consolazione dell'anima devota), canzoni sacre, ma centinaia di canzoni profane, registrazioni sonore e fotografiche e manoscritti musicali sono rimasti in gran parte inutilizzati per più di 70 anni.

Una gradita eccezione è costituita da un libretto con 60 canzoni di Bergün, Müstair e Tschlin, che Gian Gianett Cloetta pubblicò nel 1958 con il titolo Chanzunettas populeras rumauntschas nell'idioma originale e in tedesco, mentre il libretto multiforme Canti popolari retoromani di tradizione orale del 2011 perde valore perché gli eccellenti commenti di Iso Albin e Cristian Collenberger non corrispondono ai brani del CD allegato.

Dal 2006 al 2009, l'insegnante della scuola cantonale di Coira e musicista Iso Albin ha preparato 1500 documenti della Collezione Maissen per l'uso digitale. Dal 2011 sono accessibili tramite la piattaforma online della Fonoteca Nazionale Svizzera: una raccolta unica di annotazioni all'orecchio, registrazioni su dischi pilafonici (lamine sonore) e nastri magnetici, appunti, corrispondenza, foto e biografie dei cantanti a partire dai primi anni Trenta (vedi link sotto); materiale di grande valore per la comprensione storica della vita quotidiana nella regione alpina.

Chi preferisce ancora ascoltare le canzoni popolari in forma stampata in un libro e in forma acustica da una registrazione sonora, può prendere questo volume di successo, riccamente illustrato, della Somedia-Verlag, che include anche un CD. Le 40 trascrizioni di canzoni inedite, accuratamente selezionate e annotate a partire da 1500 registrazioni e annotazioni sonore, permettono anche a chi non ha familiarità con l'idioma romancio di distinguere le canzoni storiche e le ballate dalle canzoni d'amore e dalle canzoni tradizionali. Tra queste, le "mintinadas", che vengono cantate alla sposa la sera prima del matrimonio, come ad esempio E pitigot al mitger bab (n. 27, traccia 15) come specialità della cultura popolare dei Grigioni.

Il catalogo di Iso Albin è introdotto da saggi di accompagnamento di Karoline Oehme-Jüngling (Zur Idee des Volkslieds), Dieter Ringli (Zur alltäglichen Praxis des Singens) e, particolarmente significativo, l'articolo di Cristian Collenberg (Zur Sammlung von rätoromanischen Volksliedern in Zeiten der kulturellen Selbstfindung).

Questa nuova pubblicazione, curata nei minimi dettagli e particolarmente espressiva nelle fotografie a tutta pagina, negli spartiti e nei testi, è un prezioso contributo alla memoria culturale della Rumantschia e quindi di tutta la Svizzera, un contributo al patrimonio culturale immateriale di cui i cantori, i ricercatori sul campo e gli editori non possono che essere grati.

La collezione Maisen. Uno spaccato di canzoni popolari retoromanze, 272 pagine con illustrazioni, esempi di spartiti e CD, CHF 56.00, Edition Terra Grischuna, Somedia-Verlag, Coira 2014, ISBN 978-3-7298-1190-4

Catalogo Maissen della Fonoteca Nazionale Svizzera

Le canzoni del Consolaziuns dell' olma devoziusa
(con biografie di cantanti)

Ovunque si guardi nei 54 brevi capitoli di Musica e salutifarete ogni volta delle scoperte che vi stupiranno, vi illumineranno, confermeranno le vostre conoscenze o addirittura provocheranno delle contraddizioni. Non si tratta di un argomento comodo, perché in musica l'addio significa soprattutto morte - e questo è presente nelle opere più diverse della storia della musica. Peter Gülke, che come direttore d'orchestra, musicologo e insegnante ha commentato le opere nel loro complesso in numerose pubblicazioni, esamina anche lo sviluppo dal Medioevo ai giorni nostri da questa speciale prospettiva, riunisce gli esempi con tale abilità e li interpreta in modo così chiaro, spesso con riferimenti incrociati alle opere letterarie, che si ha subito voglia di ascoltare i brani. In molti casi, tuttavia, le partiture o le riduzioni per pianoforte (comprese le partiture corali) sono indispensabili.

Ciò rende evidente che i testi sono rivolti più agli "addetti ai lavori", poiché spesso sono gli sviluppi armonici o le connessioni motiviche non evidenti a fornire la chiave di lettura. Il capitolo "Trascendere il do maggiore" in Gluck, Haydn o Beethoven può aiutare a far luce sull'argomento. Opere da Du Fay a Kurtág sono considerate dalla stessa prospettiva in "Commemorazione dei morti tra i musicisti" o, in modo ancora più crudo, Gesualdo, Froberger e Shostakovich nel capitolo "Musica per la propria morte".

In poche frasi, Gülke riesce a collegare l'ottavo quartetto d'archi di Shostakovich con la prima e la quinta sinfonia, ad esempio, e anche con il motivo re bemolle - si, oppure ad anticipare ironicamente le aspettative con la scelta infallibile dei titoli: "Land, das ferne leuchtet - Fahrkarten nach Orplid" (Terra, che brilla lontano - biglietti per Orplid) o "Tod mit und ohne Verklärung" (Morte con e senza trasfigurazione). L'impostazione parallela di Ferdinand Hodler e Leoš Janáček nel capitolo 47, intitolato "Protocolli di morte", è del tutto sorprendente quando descrive il ciclo di dipinti di Hodler che ritraggono la sua compagna morente Valentine e le notazioni delle melodie vocali di Janáček sulle articolazioni della figlia Olga morente - irrispettosamente, ma dopo essere sopravvissute allo shock, accettate all'esame come esattamente corrette - come risultati di una "voracità creativa". D'altra parte, descrive l'ultimo Adagio di Mahler e gli schizzi per la decima sinfonia con la più discreta indulgenza sotto l'aspetto del "parallelismo tra musica e vita"; la parafrasi con il "passaggio di confine inquietantemente grandioso di questa musica" rende impossibile passare oltre senza sentire le battute 184-212 dell'Adagio nel campione sonoro.

Le formulazioni di Gülke sono sofisticate, le sue spiegazioni sono ricche di citazioni tedesche, latine e francesi, i suoi confronti richiedono una grande conoscenza generale e non sempre è possibile seguire subito il suo percorso di pensiero. Ma solo in pochi casi si ha l'impressione che il linguaggio sia inutilmente complesso rispetto all'argomento - la scrittura di Adorno brilla ancora di tanto in tanto: "Per inciso, l'incoerenza accuratamente mantenuta costituisce l'antitesi strutturale alla complessità quasi corale della 'Trasfigurazione', nella quale si salva l'impeto non proprio moribondo della commedia".

Le dettagliate riflessioni sulla morte, inserite tra i gruppi di capitoli come "soliloqui I-V", sono commoventi e molto personali - del tutto inusuali in un libro specializzato sulle conclusioni musicali: sezioni di riflessione sulla malattia e sulla morte della moglie, con la quale è stato legato per quasi 60 anni; ma non solo, anche riflessioni di più ampio respiro sul lasciarsi andare e sull'essere soli, che spesso si intrecciano di nuovo con la musica, in modo che la musica tecnicamente discussa si avvicini alla comprensione della morte da parte dell'autore man mano che si prosegue nella lettura e possa avere un effetto sottocutaneo.

Peter Gülke, Musik und Abschied, 362 p., con spartiti e indice delle persone e delle opere, € 29,95, Bärenreiter/Metzler, Kassel/Stuttgart 2015, ISBN 978-3-7618-2377-4, disponibile anche come e-book

"Noah, immagina, il mio contrabbasso è sparito", chiede Pauline al suo ragazzo all'inizio della storia. C'è solo una cosa da fare: i due devono andare a cercare lo strumento di Pauline. I due amici vivono avventure musicali di ogni tipo, giocano e risolvono compiti, sempre accompagnati da una lumaca, una rana e un gatto. I tre animali sono nascosti in ogni immagine e raccontano ciascuno la propria storia divertente.

Noah & Pauline alla ricerca del contrabbasso è un libro di immagini musicali per i più giovani contrabbassisti e i loro insegnanti. È illustrato con cura in uno stile contemporaneo. Le immagini sono ricche di dettagli che si ricollegano fortemente al mondo dei bambini. Il libro illustrato può essere raccontato in modo semplice, ma può anche essere utilizzato - con l'aiuto dell'insegnante - nelle prime lezioni di contrabbasso o in quelle più avanzate. La storia contiene molta teoria, che però viene trasmessa in modo molto rapido. I valori delle note e i ritmi vengono spiegati nel corso di diversi episodi. In seguito, entra in gioco il pentagramma e a pagina 25 c'è un primo brano che può essere pizzicato sulla corda vuota di sol. Verso la fine, i bambini incontrano un contrabbassista e a questo punto viene introdotto anche l'archetto. Anche l'ultimo brano del libretto è relativamente complesso. È contrassegnato da colpi d'arco e contiene dei riposi. Per rendere possibile tutto questo in sole 39 pagine, la storia a volte deve fare delle deviazioni.

Questo non ha disturbato affatto la mia cavia di nove anni. Ha cercato con entusiasmo lumache e rane, ha disegnato contrabbassi e battuto ritmi. Ha anche trovato molto pratico il fatto che conoscesse già alcuni segni grazie alle sue lezioni di contrabbasso e si è sentita positivamente confermata.

La storia si conclude con una battuta affascinante: il contrabbasso è stato a casa di Noah per tutto il tempo. Pauline lo aveva dimenticato lì e Noah non aveva osato dirglielo. Per sbaglio aveva estratto completamente la punta e pensava che il contrabbasso fosse rotto.

Song Choi e Eva Lotta Stein, Noah & Pauline. Alla ricerca del contrabbasso, da 4 anni, Fr. 24.00, Gilgenreiner, Winterthur 2015, ISMN 979-0-700268-19-0

Quando ho iniziato a studiare musicologia all'inizio degli anni Novanta, noi studenti ci siamo trovati di fronte alla Atlante della musica DTV nonché le introduzioni della Wissenschaftliche Buchgesellschaft Darmstadt. (Ricordo ancora Feders Filologia musicale e Reidemeister Pratica storica della performance ricordare) Non si conosceva (ancora) un vademecum completo come introduzione all'argomento. Nel 1992, tuttavia, Nicole Schwindt-Gross ha pubblicato un'introduzione di questo tipo per Bärenreiter con il titolo Lavoro musicologicoche è diventato un bestseller dopo diverse nuove edizioni con oltre 20.000 copie vendute. Da allora sono stati pubblicati altri libri con l'obiettivo di fornire una guida pratica allo studio e un'opera di riferimento per i musicologi in erba, come l'antologia curata da Kordula Knaus e Andrea Zeder Studiare musicologia (Herbert Utz Verlag, Monaco 2012). Bärenreiter pubblica ora il successore del libro di Schwindt-Gross.

Solo verso la fine dei miei studi ho sentito dire con un certo scetticismo da mio fratello maggiore che usava quasi ogni giorno un programma di notizie chiamato "Email". Sono soprattutto i profondi cambiamenti che Internet ha apportato alla ricerca e allo studio dal 1992 a rendere necessaria un'opera di approfondimento. Quasi ogni capitolo dell'indice contiene sezioni che rendono giustizia all'era digitale: "Wikipedia - adatto per una prima panoramica?", "Internet come mezzo di informazione", "Fondamenti della ricerca online". I limiti e i vantaggi di Wikipedia, Google Books & Co. sono presentati con sobrietà e senza pregiudizi. Gli esempi forniti dal mondo digitale sono tratti da ricerche attuali, come il software Edirom (www.edirom.de) e il progetto Opera (www.opera.adwmainz.de) nel capitolo "Edizioni di spartiti digitali e digitalizzati".

Oltre alla presentazione completa e contemporanea delle possibilità digitali del lavoro accademico, sono degni di nota anche altri capitoli che si astengono da una fissazione antiquata sulla parola scritta: Le sezioni sui supporti sonori e audiovisivi, le immagini, gli strumenti musicali, persino gli edifici e le stanze come oggetti di osservazione musicologica. Anche il capitolo sulle lezioni orali e le performance è apprezzabile. È invece un po' trascurata la discussione sulle prospettive di carriera dello studio della musicologia, per la quale si rimanda alla letteratura in materia.

I contenuti sono presentati in modo chiaro. I riquadri con sfondo grigio separano i suggerimenti e i riassunti dal testo continuo. Ogni sezione è seguita da utili domande di autoverifica e da brevi riferimenti bibliografici. Un elenco dettagliato dei riferimenti e un indice si trovano alla fine del libro. I due autori Matthew Gardner e Sara Springfeld raggiungono così l'obiettivo di fornire agli studenti un libro pratico di insegnamento e di consultazione. Tuttavia, il libro sarà utile anche per i docenti: aiuta a visualizzare la posizione di partenza dei giovani che hanno già imparato a navigare sul www nella culla.

Matthew Gardner e Sara Springfeld, Musikwissenschaftliches Arbeiten. Un'introduzione, 292 p., € 24,95, Bärenreiter, Kassel 2014, ISBN 978-3-7618-2249-4

Nella ricerca degli eccessi borghesi del termine "canone", entrato in voga qualche anno fa, ci si imbatte rapidamente nella Canone letterario di Marcel Reich-Ranicki. Il fatto che finora (per fortuna?) non si sia trovato un critico o uno studioso che presentasse qualcosa di paragonabile nel campo della musica non è necessariamente dovuto all'argomento o a uno scrupolo generale. Piuttosto, manca una personalità deliziosamente offensiva, competente e di carattere con una presenza mediatica simile e pubblicabile.

Naturalmente, con la pubblicazione di questo manuale, non ci sarà più bisogno di preoccuparsi della teoria e della storia di un "canone musicale" (da non confondere con il canone in musica). 34 testi di 35 autori coprono uno spettro molto ampio: dalla definizione dell'argomento alle specifiche formazioni di repertorio attraverso i secoli, fino agli aspetti mediatici e sistematici. Inoltre, è presente un testo inedito di Ernst Ludwig Gerber del 1805: Sui mezzi per preservare la memoria di artisti discografici meritevoli per i posteri - un articolo che è ancora oggi istruttivo, anche (o soprattutto) quando un editore in esso citato si lamenta che "i musicisti non hanno comprato opere storiche". Presumibilmente poco è cambiato. Ed è proprio per questo che è necessario inserire questo manuale nelle varie liste di lettura pubbliche e private delle università e dei college - anche se, per un motivo o per l'altro, non è stato possibile prendere in considerazione tutti gli aspetti possibili e si può immaginare una nuova edizione ampliata per includere i contributi attuali in qualche momento futuro. In questo caso, però, il "manuale" dovrebbe davvero diventare tale: Con le sue impressionanti 950 pagine, il peso complessivo di 1,716 kg e la superficie liscia della carta fotografica utilizzata, non è né una lettura maneggevole né facile da lavorare.

Il canone della musica. Teoria e storia. Un manuale, a cura di Klaus Pietschmann e Melanie Wald-Fuhrmann, 950 p., € 79,00, edizione testo+kritk, Monaco 2013, ISBN 978-3-86916-106-8

Il famoso violinista belga fu anche compositore e violista. Nel 1860 creò il
5° Concerto per violino e la Sonata per viola op. 36 e decise di presentare quest'ultima in anteprima durante la sua tournée in Inghilterra prima della sua pubblicazione, cosa che gli valse molti elogi. La pubblicazione avvenne solo nel novembre 1862 con il titolo di Sonata per pianoforte e viola o violoncello. Questa prima edizione di Julius Schuberth, Lipsia, è l'unica fonte per la prima edizione Henle Urtext qui presentata, che è molto informativa nella prefazione; nessun manoscritto della sonata è ancora venuto alla luce.

Vieuxtemps ha un'eccellente comprensione di come mettere in mostra la viola. Il primo movimento inizia e termina con una melodia composta da maestose note intere. L'Allegro intermedio è un gioco di esecuzioni da parte dei due strumenti, ripetutamente interrotto da ampie idee retoriche e che conduce alla melodia iniziale con una modulazione audace e delicata. La Barcarolle è famosa per le sue scene mutevoli - scintillanti e ondeggianti sulle onde. Lo scherzando finale si sviluppa a partire da un motivo saltellante e leggero alla fine di una frase melodica accattivante.

Le diteggiature di Tabea Zimmermann sono ben posizionate, anche se spesso non tiene conto della seconda posizione e del quarto dito, e molti numeri delle dita sono superflui perché non indicano un cambio di posizione.

Henry Vieuxtemps, Sonata per viola in si bemolle maggiore op. 36, a cura di Peter Jost, diteggiatura della parte pianistica di Klaus Schilde, con una parte di viola non segnata e una parte di viola segnata da Tabea Zimmermann, HN 577, € 19,00, G. Henle, Monaco 2014

Il Suite di variazioni del compositore e flautista Wolfram Wagner, nato a Vienna nel 1962, contiene una grande diversità stilistica che caratterizza le sue opere in generale. Già durante il periodo in cui studiava a Londra, una struttura chiara e il riferimento a schemi formali ben definiti si sono sviluppati come caratteristiche delle sue composizioni, che spaziano da pezzi solistici a opere corali e teatrali. Il primo movimento, il Preludio, ricorda i movimenti delle suite di Bach, in particolare l'Allemande dalla Partita La minore BWC 1013 per flauto solo. Inizia con un sol, che ricorre regolarmente all'inizio delle battute e da cui si dipartono gli sviluppi armonici. Il compositore sottolinea nella prefazione che la sfida per ogni esecutore è quella di "rendere udibile la polifonia immanente che permea tutti i movimenti e anche di dissolvere il rigore della forma nell'emotività e nel virtuosismo dell'esecuzione".

Le strutture polifoniche sono evidenti anche nel successivo Valzer viennese, che incorpora un passaggio libero, simile a una cadenza preludente, solo nella sezione finale. Anche il Tango si rifà al preludio iniziale, così come il Calipso, che gli è simile e diventa molto virtuosistico attraverso movimenti di terzine cromatiche. Nel Valzer lento vengono utilizzate per la prima volta tecniche esecutive contemporanee come gli armonici. Il pezzo di gran lunga più lungo è la variazione cinque, Blues, Rock and Roll (Passacaglia), che è un riuscito mix di spinta ritmica moderna ed echi neoclassici con polifonia e ornamenti con trilli rimbalzanti.

Il compositore fornisce istruzioni specifiche per l'esecuzione: tutti i movimenti o i primi quattro nell'ordine originale o solo la passacaglia. Questo permette agli esecutori una maggiore flessibilità nella scelta. Il Suite di variazioni di Wolfram Wagner è un'aggiunta di successo al repertorio solistico e può essere suonato già da studenti avanzati.

Wolfram Wagner, Suite di variazioni per flauto solo, D 35 023, € 20,95, Doblinger Vienna 2014

I due quartetti per archi n. 2 (1869?) e n. 5 (1873) sono esemplari del dilemma che le generazioni successive si sono trovate ad affrontare nel decidere quali opere di un grande compositore - soprattutto se già stimato in vita - debbano essere considerate tipiche e riconosciute sulla base del suo giudizio, e quali no.

L'autocritica distruttiva di Johannes Brahms e di altri e le conseguenti - spesso presunte - grandi perdite sono state oggetto di molte speculazioni e discussioni. L'idea che un compositore che ha raggiunto la fama grazie a numerosi capolavori debba essere sempre stato brillante e grande può essere respinta solo con l'aiuto del buon senso. Persino Mozart e Beethoven, garanti di frutti dello spirito apparentemente eternamente validi e in linea diretta con l'ispirazione divina, hanno prodotto materiale musicale banale, non vincolante, dispensabile, che può benissimo cadere nell'oblio generale senza produrre alcun serio sentimento di perdita. Non dovremmo forse supporre che coloro che erano i migliori conoscitori del proprio lavoro fossero anche i migliori giudici del suo valore assoluto? Un quintetto per clarinetto di Dvořák, un ottetto con pianoforte - persi!!! Tendiamo a piangere la perdita di opere dubbie (di transizione o di importanti fasi di sviluppo) piuttosto che intendere la loro distruzione da parte dei loro creatori come un necessario processo di purificazione della loro opera nel suo complesso, il che rende ancora più chiaro il valore delle opere rimanenti. La curiosità ci spinge a cercare ciò che non dovrebbe più essere esplorato.

L'intenso dialogo di Dvořák con Wagner e Liszt, a partire dal 1863, fu così epocale che egli mise la propria opera al servizio di altri grandi compositori senza riuscire a muoversi in modo convincente in questi panni troppo grandi. In questa fase di idolatria furono composti tre quartetti (re maggiore, mi minore, si bemolle maggiore), le cui partiture Dvořák in seguito distrusse, avendo identificato la strada intrapresa come sbagliata. Purtroppo - è quasi il caso di dirlo - sono sopravvissuti dei set di parti in proprietà privata, che hanno portato al trasferimento dei pezzi che non erano più graditi alla massima autorità, l'autore stesso. In particolare, il quartetto in si bemolle maggiore, della durata di 50 minuti, con i suoi infiniti intrecci tematici e la sua incomprensibilità semi-improvvisata, è un mostro acustico e una perdita di tempo di prim'ordine per qualsiasi esecutore. Può essere accettabile come studio di un vicolo cieco compositivo, ma non serve a nulla di più.

Il quinto quartetto del compositore, risvegliatosi da un sonno profondo e diventato lucido, è completamente diverso. Qui Dvořák trova il suo stile individuale, tornando a linee guida formali tangibili, a un'affermazione emotiva, a vigore, verve e sensualità. Naturalmente, nessuno dei capolavori successivi dovrebbe essere accostato a questa opera, ma l'ignoto della partitura dovrebbe essere portato gioiosamente alla luce in concerto, lasciandosi trasportare senza preconcetti e sentendo dove si trovano realmente le origini dell'incontestabile maestria successiva. Dvořák non era un artista precoce, né un bambino prodigio, ma un musicista laborioso la cui lotta per il proprio suono ha prodotto anche beni trascurabili. Il quartetto in si bemolle maggiore dovrebbe rimanere nascosto agli occhi del mondo, ma il quartetto in fa minore dovrebbe essere eseguito più spesso!

Antonín Dvořák, Quartetto per archi n. 2 in si bemolle maggiore B 17, a cura di Antonín Pokorný e Karel Šolc, parti, BA 9540, € 24,95; partitura di studio, TP 540, € 18,95, Bärenreiter, Praga 2014

Antonín Dvořák, Quartetto per archi n. 5 in fa minore op. 9, a cura di Jarmil Burghausen e Anton Cubr Parti, BA 9545, € 17,95; partitura di studio, TP 535, € 16,50, Bärenreiter, Praga 2014

Il pianista e organista francese Charles-Marie Widor (1844-1937) è noto soprattutto per le sue opere organistiche, sebbene la sua opera comprenda anche molta musica da camera. Tuttavia, solo la Suite op. 34 per flauto e pianoforte ha avuto lo stesso successo delle composizioni per organo, perché forse colma una lacuna nelle opere tardo-romantiche del repertorio flautistico.

Uno dei brani più noti è il terzo movimento, la "Romance", che ricorda in qualche modo la "Romance". Tre storie d'amore per flauto e pianoforte di Robert Schumann op. 94. Questo movimento è incluso anche nella suite orchestrale op. 64 e fu arrangiato dallo stesso Widor per flauto solo e orchestra. Il noto flautista Georges Barrère aveva chiesto al compositore di orchestrare l'intera suite, ma questi rifiutò; allora Barrère orchestrò lui stesso lo Scherzo e spesso eseguì entrambi i movimenti con l'accompagnamento orchestrale.

La composizione fu probabilmente pubblicata da Hamelle a Parigi nel 1885 o 1886 e fu poi inclusa nel programma di Heugel nel 1897. L'opera fu successivamente rivista dallo stesso compositore e ampliata nel finale. Mancando la fonte manoscritta, la versione rivista costituisce la fonte dell'edizione Henle Urtext. L'edizione arricchisce anche la gamma delle edizioni precedenti grazie al suo design, ad esempio la musica stampata è chiara e facile da leggere, ed è anche ampliata con pagine pieghevoli per "consentire di sfogliare facilmente", come scrive l'editore. Alla fine dell'edizione, l'editore segnala le incongruenze nel fraseggio, nell'articolazione e nella dinamica delle varie versioni. La parte pianistica è stata fornita con diteggiature da Klaus Schilde.

Charles-Marie Widor, Suite op. 34 per flauto e pianoforte, Urtext a cura di Ernst-Günter Heinemann, HN 1218, € 16,00, G. Henle, Monaco 2014

Un mondo figurativo e altamente virtuosistico si apre nel brano solista di Gerald Resch, nato a Linz nel 1975. "Uno dei miei pezzi ha come titolo del movimento precisione, leggerezza, vivacità, complessità e velocità. Questi termini definiscono lo spazio in cui si muove la mia musica", così il compositore descrive il suo lavoro nelle sue stesse parole. In Cifre per sassofono contralto, un arrangiamento della versione originale per clarinetto di Lars Mlekusch e dello stesso Gerald Resch, gli spazi sono disegnati con segnali, linee, griglie e strati.

La palpabile intuizione artistica suggerisce anche una realizzazione didattica di questa composizione, ma solo in lezioni con allievi molto avanzati: multifonici, quarti di tono, slap-tongue e registri altissimi richiedono un livello che aspira all'alta scuola del sassofono.

Gerald Resch, Figuren, per sassofono contralto, D 05 485, € 12,50, Doblinger, Vienna 2013

Nella collezione Serie di album della canzone di Adrian Adrian Connell ha arrangiato per clarinetto cinque o sei brani ciascuno di Hugo Wolf, Robert Schumann, Gabriel Fauré, Franz Schubert e Felix Mendelssohn Bartholdy per l'edizione tedesca Dohr. L'arrangiatore ha lasciato la parte pianistica originale in ogni caso e anche la parte vocale è stata ripresa quasi uno a uno per il clarinetto. Le chiavi sono state adattate solo occasionalmente per evitare inutili accidentali. L'editore ha aggiunto i segni del metronomo e alcune dinamiche e articolazioni nelle parti vocali e del clarinetto.

Adrian Connell afferma che lo scopo di queste edizioni è "dare anche agli strumentisti l'opportunità di godere di questi brani". La maggior parte dei brani raccolti è liberamente accessibile anche su Internet, ma le edizioni Dohr sono molto curate e già comodamente trasposte per i clarinettisti. Come raccolta, offrono anche l'opportunità di familiarizzare strumentalmente con i brani di questi grandi compositori senza grandi sforzi e di eseguirli in un'occasione o nell'altra.

Hugo Wolf, Wolf Song Album I, arrangiato per clarinetto (Sib) e pianoforte da Adrian Connell, partitura e parte, E.D. 88554, € 10,80, Verlag Dohr, Colonia 2014

Robert Schumann, E.D. 88544, € 9,80

Franz Schubert, E.D. 88534, € 11,80

Gabriel Faure, E.D. 88514, € 10,80

Felix Mendelssohn Bartholdy, E.D. 88504, € 9,80

Sonata agréable è giustamente definita una delle oltre 70 sonate per violino di Vanhal perché, nonostante la sua facile eseguibilità, riserva molte preziose sorprese per entrambi gli strumenti, permette a violino e pianoforte di dialogare alla pari e convince per la maturità delle sue forme. Non c'è paragone con le sonate per violino di Haydn, che sono noiose per il violino; sono più vicine allo stile vocale di Schubert. Il libretto si intitola "Tre Sonate", ma contiene tre normali movimenti di una sonata.

Il boemo Vanhal fu allievo di Carl Ditters von Dittesdorf a Vienna, dove visse indipendentemente dalle sue composizioni e dall'insegnamento. I frontespizi delle sue opere stampate portano i nomi di molte famiglie aristocratiche europee e testimoniano la sua fama all'epoca. Il catalogo completo delle sue opere, compilato da Paul Bryan nel 1987, ha promosso una rinascita delle numerose opere di musica da camera e delle 77 sinfonie, queste ultime alla pari con quelle di Haydn. È auspicabile che gli editori portino alla luce altri tesori del genere.

Johann Baptist Vanhal, Tre Sonate per violino e pianoforte "Sonate agréable" op. 43/2, a cura di John F. e Virginia F. Strauss, DM 1472, € 19,95, Doblinger, Vienna 2013

Klaus Huber, che nel 2013 è stato insignito dalla Gema del Premio degli Autori Musicali Tedeschi per il lavoro svolto in vita, ha influenzato importanti compositori contemporanei come Younghi Pagh-Paan, Brian Ferneyhough e Wolfgang Rihm, che sono stati tra i suoi allievi. Nella sua cerchia c'erano anche flautisti di spicco che hanno rafforzato il suo rapporto con il flauto e ampliato la sua conoscenza delle possibilità sperimentali e delle raffinatezze tonali dello strumento, come Aurèle Nicolet, Pierre-Yves Artaud e Suzanne Huber.

Il doppio CD che è stato pubblicato contiene registrazioni di composizioni per flauto che sono state registrate in un ampio periodo di quasi quarant'anni, tra il 1961 e il 1999, e che quindi hanno anche un valore storico.

Già negli anni Sessanta, Huber intraprende il suo lavoro da solista Chiedere al flautista, interpretato da Suzanne Huber in modo fantasioso, vivace e lirico, esplora nuovi territori strumentali con i multifonici. Il trio composto per Heinz e Ursula Holliger Sabeth per flauto contralto, cor anglais e arpa utilizza sezioni aleatorie per togliere la tangibilità all'ascoltatore e conduce, come dice Heinz Holliger, al "mondo sonoro senza peso di Sabeth, che conduce nel misterioso aperto". Il CD include anche una registrazione dal vivo di quello che è probabilmente il pezzo per flauto più famoso di Klaus Huber: Un tocco di intempestività. Inizia poeticamente con il motivo della passacaglia del flauto, che vaga dal tempo all'intemporalità, incorporando presto morbidi multifonici e fragili terze note. La versione multipla Un tocco di intempestività III realizza, come lo descrive Huber, "uno stato di sospensione tra sonoro e aleatorio", per cui il suono del flauto in "simultaneità fluttuante" con oboe, fisarmonica, soprano e archi accende un effetto più pulsante. Le registrazioni dal vivo con Aurèle Nicolet sono anche affascinanti rarità, come il duo composto in modo strettamente canonico Il pleut des fleurs per due flauti e il trio coloratissimo Oiseaux d'argentin cui i tre flauti cinguettano e si imitano a vicenda. Il CD include anche il brano socio-critico composto in occasione dello sbarco sulla Luna nel 1967. Ascensus per flauto, violoncello e pianoforte e altre opere di musica da camera.

L'accurata selezione di brani musicali offre una panoramica delle composizioni per flauto stilisticamente ricche di un compositore alla ricerca di nuove sonorità, interpretate da Suzanne Huber e dai suoi partner di musica da camera con un suono ricco di colori.

Come continuazione della serie, i due quartetti per archi di Klaus Huber, interpretati dal Quartetto Q3G Three Generations con Egidius Streiff, Daphné Schneider, Mariana Doughty e Walter Grimmer, saranno pubblicati su CD per la prima volta nel 2015 (SC 1501).

Il giovane controtenore solettese Jan Börner ha registrato con l'ensemble basilese Il Profondo cantate e concerti sacri del XVII secolo di raro ascolto nell'area culturale di lingua tedesca. Lo scorso maggio si sono ritirati nell'ex convento dei Cappuccini di Soletta per registrare le loro opere barocche accuratamente selezionate. E non da versioni moderne modificate della musica: Essi suonano direttamente dai manoscritti originali. E non è tutto: le dieci cantate registrate comprendono tre vere e proprie scoperte di Johann Theile, Martin Koler (Colerus) e David Pohle, che sono ora disponibili come prime registrazioni mondiali.

Come spesso accade nei manoscritti del primo barocco, e ancor più in quelli più antichi, non ci sono quasi indicazioni di tempo, dinamica o strumentazione. Ciò si addice molto bene ai musicisti de Il Profondo, tutti diplomati alla Schola Cantorum Basiliensis, con la loro solida conoscenza della prassi esecutiva storica e la loro abile gestione delle strutture compositive. A seconda dell'opera, la voce impeccabile di Jan Börner è accompagnata da violini consort, dulcian, strumenti a liuto o da un organo processionale italiano originale del XVII secolo, preso in prestito appositamente per le registrazioni. Il risultato è un album in cui la musica è eseguita in ampi archi, molto lineare ma ricca di dettagli e in un gesto barocco estremamente autentico.

Su absorta est ... - di beatitudine e fiducia (all'incirca: "superare è..."), il titolo dell'album, sono specialisti di prima classe al lavoro. Fanno grande musica. Anche il repertorio scelto deve essere definito grande, caratterizzato dall'urgenza di scoprire cose nuove. Perla musicale dopo perla musicale. Il libretto, sapientemente progettato e riccamente illustrato in bianco e nero, è un'aggiunta appropriata. Il risultato è una vera opera d'arte che ha qualcosa da dire. Nota bene da un controtenore svizzero di cui sentiremo ancora parlare, anzi, dovremo sentire ancora parlare...

Il totale di 605 nuovi studenti è distribuito tra le aree del Design (110), della Musica (202), dell'Arte e dei Media (95), dell'Educazione artistica e della Transdisciplinarità (89), del Teatro e del Cinema (62), della Danza (17) e dei programmi part-time di Master of Advanced Studies (30).

L'Università delle Arti di Zurigo ha un totale di 2163 studenti, di cui 1236 studiano per un Bachelor e 927 per un Master. 483 persone frequentano uno dei numerosi programmi di formazione continua (MAS, CAS, DAS). Allo ZHdK si applica un numerus clausus, il che significa che i futuri studenti devono prima sottoporsi a una procedura di ammissione.