Seconda conferenza musicale di Heidelberg

La Svizzera è rappresentata in modo significativo alla seconda Conferenza musicale di Heidelberg, che si concentra sul tema "L'innovazione come parte di una strategia olistica per le istituzioni culturali" con il titolo "Creare qualcosa di nuovo invece del copia e incolla".

Foto: conferenza musicale di heidelberg 2013

Tra i partecipanti figurano i direttori di importanti festival e sale da concerto di Germania, Austria e Svizzera - tra cui Martin Engström (Verbier Festival), Michael Häfliger (Lucerne Festival) e Ilona Schmiel (Tonhalle di Zurigo) - e altri esperti. Ogni tavola rotonda sarà introdotta da un intervento di giornalisti musicali di quotidiani nazionali tedeschi, tra cui il critico della NZZ Peter Hagmann.

La società di ricerche di mercato GIM sta inoltre conducendo uno studio esplorativo delle tendenze sul tema "Innovazione nel settore culturale", le cui prime analisi saranno presentate durante la conferenza.

La blogger Ulrike Schmid seguirà l'intera conferenza in diretta su Twitter (#hdmc), e tutti i panel saranno anche documentati in video e pubblicati online qualche giorno dopo su www.heidelberger-fruehling.de da vedere.

Cantone e città di Lucerna con una strategia culturale comune

Il Cantone e la città di Lucerna stanno coordinando le loro strategie culturali. Le grandi organizzazioni culturali saranno finanziate congiuntamente. L'attenzione si concentra anche sulle prospettive per il teatro professionale e indipendente, sul finanziamento dei festival e sui finanziamenti culturali non istituzionali.

Vista della città di Lucerna dal KKL. Foto: Paolo, wikimedia commons

Il Cantone e la città di Lucerna continuano a sviluppare l'associazione speciale di grandi organizzazioni culturali, secondo il comunicato stampa ufficiale rilasciato in occasione dell'orientamento dei media di oggi. Oltre al Teatro di Lucerna, al Museo d'Arte e all'Orchestra Sinfonica di Lucerna (LSO), il Museo Svizzero dei Trasporti, il Festival di Lucerna e il Museo Rosengart saranno ora finanziati attraverso l'associazione speciale.

Grazie al rapporto di finanziamento di 70% cantone e 30% città che si applica all'associazione di scopo, la città ha a disposizione circa un milione di franchi all'anno per l'attuazione di altre misure nell'ambito dell'Agenda culturale 2020.
Inoltre, il Cantone e la città di Lucerna contribuiscono al mantenimento del KKL di Lucerna per il
prossimi 15 anni. Il Cantone pagherà 0,5 milioni di franchi all'anno per la manutenzione, mentre la città continuerà a pagare 4,1 milioni di franchi, che saranno adeguati all'inflazione a partire dal 2019.

Il Cantone e la città effettueranno un pagamento unico di 2,5 milioni di franchi per il mantenimento a lungo termine del valore dell'edificio. Inoltre, il KKL riceverà un sostegno finanziario per la ristrutturazione del tetto sotto forma di garanzie da parte della città (4,5 milioni di franchi) e del Cantone (9 milioni di franchi).

Il Cantone di Lucerna vuole creare migliori condizioni di produzione per i professionisti e gli organizzatori culturali e garantire un'offerta selettiva e competitiva a livello internazionale. Promuove maggiormente la scena indipendente e garantisce l'ulteriore sviluppo delle grandi organizzazioni culturali.

La città, a sua volta, garantisce una produzione culturale ampia e diversificata che attira amatori e
I professionisti sono tenuti in pari considerazione. Il fondo FUKA, finanziato dalla tassa sui biglietti, è il principale responsabile del sostegno individuale.

Il Consiglio della Musica assegna il premio Music Gordi a Kretschmann

Il Consiglio musicale tedesco conferisce oggi alla Fiera della Musica di Francoforte un "Gordi musicale" al Ministro Presidente del Baden-Württemberg, Winfried Kretschmann, perché si è dimostrato immune alle proteste per la prevista fusione delle orchestre SWR.

Foto: © Deutscher Musikrat e.V.

Martin Maria Krüger, presidente del Consiglio musicale tedesco, spiega che le proteste nazionali e internazionali si stanno spegnendo nei corridoi del Ministero di Stato. Il modo di comunicare è "semplicemente di cattivo stile" e "ignora l'ampio fronte di impegno degli artisti e delle istituzioni culturali, nonché la diversità di argomenti senza alcun dibattito sostanziale da parte del Ministro Presidente".

Il "Music Gordi" è stato premiato dalla rivista Forum di musica insieme al nuovo giornale musicale è stato lanciato. La cerimonia di premiazione si terrà giovedì 13 marzo 2014 alle 14.30 nel padiglione 3.1, stand D41 della Musikmesse di Francoforte. Il premio stesso ha la forma di un registratore annodato ed è stato assegnato per la prima volta l'anno scorso ad Harald Augter, Presidente del Consiglio di Radiodiffusione SWR.
 

Tempi difficili per i commercianti di strumenti

L'industria tedesca degli strumenti e delle attrezzature musicali ha subito un calo delle vendite nel 2013. Il rapporto economico della SOMM (Society Of Music Merchants e. V.) ha registrato un leggero calo dell'1,9% rispetto all'anno precedente.

Foto: Tobias Zeller/pixelio.de

Nell'analisi annuale, le statistiche del settore sono diminuite di 18 milioni di euro rispetto all'anno precedente, raggiungendo 897 milioni di euro di vendite a prezzi al dettaglio. I guadagni in settori come l'hardware di registrazione, il sound reinforcement e il software per computer non sono riusciti a compensare il calo del fatturato.

La batteria e le percussioni, gli strumenti a fiato, gli strumenti a corda e a tastiera, i microfoni e le cuffie e le apparecchiature per DJ hanno perso molta forza.

Il debole sviluppo economico del mercato tedesco e paneuropeo è presumibilmente responsabile del crollo. Inoltre, un numero crescente di rivenditori online non specializzati ha fatto il suo ingresso sul mercato, offrendo strumenti musicali e le loro
accessori come un mercato redditizio per loro stessi, scrive SOMM.

Famm al concorso a cappella di Lipsia

Il gruppo vocale femminile Famm è l'unico gruppo svizzero ad essere stato invitato all'8° Concorso Internazionale a Cappella di Lipsia. Il gruppo si confronterà con gruppi provenienti da sei Paesi.

Foto: famm

In base al concorso, i giurati hanno selezionato undici ensemble tra numerose candidature per cantare per il Premio Lipsia a cappella, il premio speciale amarcord e un premio del pubblico il 15 e 16 maggio e per partecipare al workshop a cappella con Matthias Becker. Il gruppo vincitore sarà inoltre invitato a esibirsi in un concerto al Festival di musica vocale a cappella nel 2015.

I membri di Famm si sono incontrati nel Coro Giovanile Svizzero, si sono riuniti per la prima volta come quartetto nell'autunno del 2006 e sono presenti nella loro attuale formazione dall'estate del 2010. Quello che inizialmente era stato pensato come un progetto una tantum ha avuto un riscontro talmente positivo che l'ensemble ha deciso di continuare sulla strada scelta, scrive l'ensemble nella sua auto-caratteristica.

Annunciato il nuovo Premio svizzero di musica per film

La Fondazione Suisa sta accettando le candidature per il premio di musica per film di quest'anno. Il premio è dotato di 15.000 franchi svizzeri e premia i risultati eccezionali nel campo della composizione di musica per film.

Immagine tratta dal pluripremiato film dell'anno scorso "Trapped".

Possono candidarsi composizioni originali per lungometraggi della durata di almeno 60 minuti, usciti o che usciranno nel 2013 o nel 2014. I moduli di candidatura e il regolamento del Premio per la musica da film, nonché tutte le ulteriori informazioni, sono disponibili al seguente indirizzo www.fondation-suisa.ch/filmmusikpreis. Le candidature presentate saranno valutate da una giuria di esperti. Il termine ultimo per le iscrizioni è il 31 maggio 2014.

Il premio è stato assegnato dal 2000; gli ultimi vincitori sono stati Thomas Fischer (2013) per Intrappolato, Michael Sauter (2012) per Maria e JohnnyNicki Reiser (2011) per Il cielo bluDiego, Nora & Lionel Vincent Baldenweg (2010) per 180°, Marcel Vaid (2009) per Amore tandoori e Jérôme Baur (2008) per Le piccole vacanze.

 

Edizioni Leduc in mani britanniche

La storica casa editrice francese Alphonse Leduc è stata venduta al British Music Sales Group. - Uno sguardo al panorama editoriale francese e ai suoi cambiamenti.

Rue Saint-Honoré. Foto: Daniel Stockman, wikimedia commons,SMPV

La più antica casa editrice musicale attiva in Francia, fondata nel 1841 da Alphonse Leduc, ha un catalogo impressionante, che è stato ampliato da due acquisizioni commerciali: le Editions Heugel (fondate nel 1839) sono state aggiunte nel 1980 e Hamelle (1877) nel 1990. I seguenti compositori sono entrati a far parte della base editoriale: Gounod, Fauré, Delibes, Widor, Massenet, Offenbach, Gustave Charpentier, Poulenc, Milhaud, Jolivet, Tournemire, Franck, Messiaen, Honegger, Tomasi. Poi c'erano i contemporanei Henry Dutilleux, Pierre Boulez, Charles Chaynes, Betsy Jolas, Thierry Escaich, solo per citarne alcuni.

Leduc è stato rilevato dal più grande editore musicale europeo, il British Music Sales Group. La sede editoriale tradizionale di Rue Saint-Honoré a Parigi è stata venduta qualche mese fa.

 

In occasione di questo rilevamento, Michèle Worms propone nell'editoriale della rivista La Lettre du Musicien una breve panoramica del panorama editoriale francese e dei suoi cambiamenti (traduzione di Pia Schwab):


Trent'anni fa, in Francia c'erano case editrici che andavano da quelle molto piccole a quelle molto grandi, con una grande varietà di orientamenti. Tra le grandi, i fiori all'occhiello del patrimonio culturale francese, Heugel, la casa editrice di Jacques Offenbach e Reynaldo Hahn, era già stata trasferita alle Editions Alphonse Leduc. Leduc, con sede in Rue Saint-Honoré, deteneva da tempo i diritti delle opere di Fauré ed era una fonte indispensabile di prezioso materiale esecutivo per orchestre e teatri d'opera. Il compito più importante della casa editrice fu senza dubbio la stampa dell'opera di Messiaen. Saint François d'Assise nel 1983, la cui partitura raggiungeva le 2400 pagine!

La casa editrice Durand (1869) troneggiava in Place de la Madeleine, nel salotto del pianoforte a coda su cui Debussy e altri avevano suonato in attesa del loro editore. Nel suo programma c'erano soprattutto i grandi nomi del "Momento 1900" ed era molto invidiato per i diritti sull'opera di Ravel. Boléro. Nel 1986, Durand acquistò la casa editrice Max Eschig (1907), che portò con sé una gamma più internazionale. Il fondatore di origine boema era il re dell'operetta viennese e pubblicava grandi compositori spagnoli e sudamericani, oltre a Martinů e Szymanowski.

Il successo commerciale delle Edizioni Choudens è stato garantito dalla Carmen e l'opera di Gounod Pugno. Salabert, invece, prediligeva le operette, le chansons, ma anche le opere del Groupe des Six e oggi una ricca selezione di opere contemporanee; Henry Lemoine privilegiava i classici della letteratura pianistica fino a Bruno Mantovani. Tutti erano in grado di tenere il passo con i grandi. Altri editori, come Jobert, rilevato da Lemoine nel 2007, si sono dedicati al repertorio contemporaneo.

Mentre Durand-Salabert-Eschig fanno parte di Universal Music da qualche tempo (così come Ricordi, tra l'altro, ndr), l'ultima acquisizione riguarda Alphonse Leduc, che passa sotto l'ombrello di Music Sales Group.

Il panorama editoriale è quindi notevolmente cambiato: Delle case storiche in Francia rimangono Henry-Lemoine (1772) e Editions Gérard Billaudot (1896), che pubblicano compositori moderni o letteratura educativa di alta qualità. Grazie a una miriade di piccoli editori creativi, le indicazioni sembrano puntare alla specializzazione.

In Germania e Austria, i principali editori Schott, Peters, Breitkopf, Bärenreiter, Henle e Universal mantengono la loro posizione. Gli ultimi quattro svolgono un notevole lavoro di ricerca e di redazione di Urtext, che li rende indispensabili. Le case britanniche, invece, hanno in mano lo scettro della musica popolare. E i loro cataloghi comprenderanno ora anche Massenet, Franck, Poulenc, Milhaud, Dutilleux... senza che il loro cuore batta particolarmente per loro. Che peccato!

Testo francese

Si dimette il responsabile della promozione culturale di Zurigo

Dopo 17 anni come responsabile della promozione culturale del Cantone di Zurigo, Susanna Tanner lascerà il suo incarico alla fine di agosto 2014. La Tanner, che quest'anno compie 60 anni, lascia l'incarico su sua richiesta.

Un'esperienza di cultura zurighese in movimento. Foto: Tram sul Quaibrücke, picswiss

Durante il mandato di Susanna Tanner sono state apportate numerose modifiche al programma di finanziamento culturale del Cantone. Ad esempio, i centri culturali di piccole e medie dimensioni ricevono ora un numero significativamente maggiore di sussidi operativi rispetto al passato, scrive il governo cantonale di Zurigo nella sua dichiarazione ufficiale.

Il cambio di direttore artistico al Teatro dell'Opera di Zurigo fu un successo e il Teatro del Cantone di Zurigo ebbe successo artistico. Con il coinvolgimento di Tanner, fu anche possibile fondare e istituire la Fondazione cinematografica di Zurigo e garantire un accordo culturale intercantonale con entrate di otto milioni di franchi per il Cantone di Zurigo.

In questi 17 anni, Tanner ha ristrutturato il centro specialistico più volte, con l'aumento del budget e del personale.

Teoria degli insiemi geigeriana

Una presentazione sistematica di tutti i movimenti del violino in sei volumi che incoraggia nuovi modi di esercitarsi.

Foto: style-photography.de / fotolia.com

Un fiore in quattro parti illustra come i quattro elementi dei soli cambi di arco, corda, dita e posizione possano essere combinati due, tre e quattro volte. Ne risultano le 15 parti della panoramica sistematica della tecnica violinistica, distribuite in sei volumi (ED 21161 - 21166, disponibili anche come set 21161-1). Helmut Zehetmair, professore emerito di violino a Salisburgo, e il suo ex assistente Benjamin Bergmann, ora professore di violino a Magonza, li hanno concepiti come una "cassetta dei medicinali del violinista" per esercitarsi su tutte le componenti della tecnica - un moderno Ševčík, per così dire.

I primi due volumi qui trattati si occupano dei grandi "petali", non comprendendo ancora le combinazioni. Le istruzioni dell'introduzione dichiarano la pratica della tecnica come un'attività artistica, in quanto deve essere combinata in modo creativo con ritmo, articolazione, dinamica, fraseggio, agogica, suono e vibrato: "Il vero virtuosismo trasforma la necessità tecnica in virtù musicale (lvirtus)".

I vari tipi e le articolazioni dei colpi d'arco sono descritti in modo esauriente. Tuttavia, l'arco ha anche a che fare con la fisica: non è dimostrato che l'arco è effettivamente spinto come un traghetto dalle vibrazioni della corda nella direzione dell'angolo ottuso nel caso del "colpo a X" non perpendicolare, che è molto utile per cambiare i punti di contatto. Quando l'arco viene forzato sul punto d'inchino, si crea una miscela di vibrazioni longitudinali ad alta frequenza. Il Sautillé non è causato da una posizione particolare delle dita, ma dal fatto che la direzione dell'arco è più ripida rispetto alla direzione dell'arco grazie al rollio del braccio superiore o all'oscillazione del polso. Mancano anche le relazioni chiaramente descrivibili tra volume, frequenza e posizione dell'arco, che sono un prerequisito per una padronanza consapevole del sautillé.

La consapevolezza dei sette piani delle corde e dei conseguenti cambi di mezza corda e di corda intera è preziosa. L'incoraggiamento ai cambi di corda legati con salto di corda è molto lodevole.

Nel capitolo sui cambi di diteggiatura, vengono consigliate molte dita di appoggio orizzontali per stabilizzare lo spazio della quarta, purtroppo non il modo più efficiente di impostare la spaziatura delle dita in avanti nell'aria. Perché la diteggiatura all'interno della quarta diminuita manca nell'elenco delle diteggiature? Nel flageolet, va sottolineato che bisogna diteggiare un po' più in alto perché la corda è più lenta, cioè suona più bassa, rispetto a una diteggiatura ferma nello stesso punto. I vari esercizi sui cambi di corda delle dita e sulle diteggiature allungate di quinta e sesta sono preziosi.

Il capitolo sull'intonazione è sia informativo che filosofico. Per il controllo dell'intonazione si raccomanda il tono combinato, ma perché non si parla della risonanza delle corde vuote? I diversi tipi di vibrato sono ben descritti, ma non viene menzionato il rullo della parte superiore del braccio come origine della produzione del vibrato.

Il secondo volume è un tesoro di esercizi per il cambio diretto di posizione: esclusivamente con un dito o con le stesse dita per i doppi stop. Il pivoting, spesso dimenticato, cioè il passaggio parziale ad altre posizioni grazie all'ancoraggio del pollice, come pare facesse Paganini, viene spiegato e consigliato.

Se i volumi successivi saranno stimolanti come i primi due, potrebbero ispirare molti violinisti a pensare e praticare in modi nuovi.

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Helmut Zehetmair e Benjamin Bergmann, Tecnica sistematica del violino. Gli elementi costitutivi dell'esecuzione del violino; Volume 1, cambi di arco, corde e dita, ED 21161; Volume 2, cambi di posizione diretti, ED 21162; € 18,99 ciascuno, Schott, Mainz 2013

Libro di canzoni per le future stelle del calcio ...

... streghe intelligenti e tutti gli altri bambini normali di oggi. Con testi e melodie che fanno venire voglia di cantare.

Estratto dal frontespizio di Chasper Würmli

Il titolo è all'altezza della promessa: Abracadabra è ricco di inaspettati colpi di scena musicali, stupisce con ritmi mutevoli ed evoca fantasmi, animali e pirati. Le canzoni sono rivolte ai bambini dai 5 ai 10 anni e fanno riferimento ai loro fantastici mondi immaginari. Il viaggio sulla scopa musicale delle streghe conduce da Ho paura circa E' caldo fino a Vorrei essere una star del calcio, un vero genio del pallone!

Susanne Würmli-Kollhopp ha scritto da sola tutte le trenta composizioni, la maggior parte delle quali in dialetto. Si tratta di musica di uso quotidiano, scritta per i cori di bambini che la Würmli-Kollhopp dirige. Mentre molte canzoni per bambini convenzionali trasmettono una visione del mondo obsoleta o moraleggiano, queste sono piacevolmente semplici. E per questo ancora più orecchiabili. Ma non sempre facili da cantare: I cambi di tonalità e di tempo sorprendono qua e là, dando alle canzoni un nuovo colore.

A proposito di colori: Chasper Würmli, figlio del compositore e paroliere, ha illustrato il libro di canzoni con bellissimi collage di favolosi personaggi animali. Il risultato è un libro progettato con cura e amore che è un piacere tenere tra le mani.

Sul sito web dell'autore è possibile ascoltare tutte le canzoni con semplici accompagnamenti al pianoforte come aiuto per le prove. Inoltre, si possono trovare alcune idee iniziali per realizzarle nelle classi scolastiche o nel coro di bambini che vanno oltre il "cantare insieme".

Susanne Würmli-Kollopp: Abrakadabra, 30 canzoni per bambini con illustrazioni di Chasper Würmli, Fr. 37.00 (+ spese di spedizione), Fr. 39.90 nei negozi, Verlag Singlust (autoprodotto); gli accompagnamenti per pianoforte sono disponibili separatamente presso: www.singlust.ch

Pezzi di carattere ingegnoso

La versione per pianoforte di "Pictures at an Exhibition" è eccezionalmente ricca di annotazioni.

Proposta di Viktor Hartmann per il "Balletto dei pulcini non nati". Fonte: wikimedia commons

"Non esitiamo a descrivere quest'opera come la più importante creazione pianistica dei maestri russi fino ad oggi. Certo, c'è molto da criticare in questa raccolta di dieci pezzi di carattere (...). Ma una forza creativa ingegnosa e originale, di fronte alla quale ogni critica deve tacere, imprime a questi pezzi il timbro dell'unicità assoluta". Klaus Wolters l'ha detto più succintamente di quanto non abbia fatto decenni fa nel suo tuttora ineguagliato Manuale di letteratura pianistica (Atlantis, Zurigo, 5a edizione 2001), il fascino che esercitava il libro di Mussorgsky Immagini di una mostra difficilmente formulare.

In linea con l'importanza dell'opera, Bärenreiter-Verlag ha ora pubblicato un Urtext eccezionalmente ricco di annotazioni. La prefazione del curatore Christoph Flamm, con informazioni sulla genesi dell'opera, riflessioni dettagliate sulle singole immagini e suggerimenti pratici per l'esecuzione, è affascinante da leggere e va ben oltre quanto pubblicato dalle edizioni precedenti.
È ovvio che con tanto materiale ci saranno anche delle contraddizioni, come l'affermazione che l'opera non è adatta all'orchestrazione, sostenuta dalla pungente osservazione di Sviatoslav Richter: "Rifiuto la versione orchestrale di quest'opera e la odio...". Anche la correzione di alcuni "errori" nel testo musicale a volte butta via il bambino con l'acqua sporca. La nuova lettura della battuta 17 della prima Promenade, ad esempio, sarebbe semplicemente troppo assurda anche per l'idiosincratico Mussorgsky (una a sarebbe probabilmente più appropriata). Tuttavia, la scrittura del compositore è ambigua).

Il testo musicale stesso, completamente privo di diteggiature, convince per la sua chiarezza e la sua visione d'insieme. L'appendice contiene alcune illustrazioni in bianco e nero degli originali di Viktor Hartmann, che l'opera intendeva commemorare. Se volete trovare ancora più consigli pratici sull'interpretazione, vi consigliamo l'edizione Urtext di Vienna di Manfred Schandert e Vladimir Ashkenazy. L'esperienza di Ashkenazy con il Immagini di una mostra Sia come pianista che come direttore d'orchestra e redattore della sua versione orchestrale lo predestinano ad andare a fondo delle cose. Questa edizione è anche illustrata, persino a colori.

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Modest Mussorgsky, Quadri di un'esposizione. Ricordo di Viktor Hartmann, per pianoforte, Urtext a cura di Christoph Flamm, BA 9621, € 14,50, Bärenreiter, Kassel 2013

Tecnica della fisarmonica

Esercizi di difficoltà crescente per accompagnare la scuola.

Foto: Kaspar Ruoff

La nuova rivista Nozioni tecniche di base di Heinz Hox per fisarmonica con pianoforte (basso standard) è strutturato in modo molto chiaro e in notazione piuttosto grande - tutto sommato, molto "attraente". Nelle sue osservazioni preliminari, l'autore afferma di averlo compilato per principianti, esordienti e anche per fisarmonicisti avanzati. Gli esercizi sono intesi come supplemento alle scuole di fisarmonica. Alcuni consigli sull'impugnatura della fisarmonica mi sembrano piuttosto azzardati, perché cosa si intende per "ergonomicamente collegato correttamente allo strumento" o qual è la "giusta misura"? Fortunatamente, l'insegnante potrà sicuramente chiarire questo aspetto.

Nelle note sui singoli esercizi, il destinatario troverà molte idee interessanti e preziose per una pratica variata. Si va da diverse articolazioni e cambi di tempo a variazioni ritmiche. Le sfide iniziano con la gamma di cinque note della mano destra, seguite da esercizi simili per la mano sinistra, per poi passare agli allunghi, alle scale maggiori e minori, fino alle diteggiature, agli intervalli, agli accordi, alle armonie jazz e alle cadenze. La progressione ideale e l'ampio supporto sono quindi garantiti.

Da segnalare anche le sequenze video supplementari abbinate su Internet (www.heinzhox.de). Ciò che ho notato, tuttavia, è la guida spesso sfavorevole del mantice in chiusura (sollevamento eccessivo del mantice, che porta a una grande interruzione) e anche la coordinazione talvolta imprecisa tra il cambio di tasto e di mantice. Sono molto soddisfatto della posizione stabile della mano destra. Tuttavia, non riesco a capire perché le dita della mano sinistra colpiscano spesso i tasti a una distanza così grande, il che si traduce in un rumore di tasti molto forte (e il suono è corrispondentemente secco). In ogni caso, l'opera offre molto materiale per gettare solide basi tecniche.

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Heinz Hox, Fondamenti tecnici. Esercizi tecnici per fisarmonica con pianoforte (bassi standard), per principianti e avanzati, VHR 1850, € 13,80, Holzschuh-Verlag, Manching 2013

Amatori - semplicemente amanti della musica

Cosa si cela dietro il termine "dilettante"? Come si possono distinguere professionisti e dilettanti? Cosa ne pensano i nostri lettori, Pro Helvetia e l'Ufficio federale della cultura?

Amateure - Musik einfach lieben

Cosa si cela dietro il termine "dilettante"? Come si possono distinguere professionisti e dilettanti? Cosa ne pensano i nostri lettori, Pro Helvetia e l'Ufficio federale della cultura?

Focus

... come il bodger per l'imbarcazione?
Un omaggio al dilettante e ai suoi predecessori

Esiste una trincea di dilettanti nel mondo della musica?

I lettori rispondono

Condividere il proprio savoir-jouer
Petit panorama des musiciens amateurs en Suisse romande

I dilettanti cantano in modo più bello dei professionisti?
Il direttore del Festival europeo dei cori giovanili è alla ricerca di risposte

Non si può dare un prezzo al riconoscimento
Discussione sul BAK e sul sostegno di Pro Helvetia ai laici.

... e anche

RISONANZA

Sulla morte di Christian Buxhofer: necrologio di Markus Fleck

Pianoforti storici: i segni delle caratteristiche stilistiche del passato

I dilettanti interpretano le canzoni di Schubert nel nuovo film di Bruno Moll

Maria Portens Strega Ke i concerti di Mischa Käser Stregato

Le jeune festival lausannois N/O/D/E

Recensioni Classica/Jazz/Rock & Pop - Nuove uscite libri, spartiti, CD

Carta Bianca con Michael Kube

CAMPUS


Modelli di promozione del talento al Forum Musikalische Bildung

Lettura Concerti sacri di Duke Ellington da parte degli studenti dell'HEMU

Insegnanti di musica indipendenti dai tempi di Zwingli

Recensioni - Recensioni di letteratura didattica

clacson - Pagina dei bambini

FINALE

Indovinello Jean-Damien Humair cerca

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La star dietro le quinte

Christian Buxhofer è morto inaspettatamente il 16 febbraio all'età di 52 anni. La sua morte è una perdita enorme per Arosa, per i Grigioni e per tutta la Svizzera culturale.

Foto: Cultura di Arosa
Der Star hinter den Kulissen

Christian Buxhofer è morto inaspettatamente il 16 febbraio all'età di 52 anni. La sua morte è una perdita enorme per Arosa, per i Grigioni e per tutta la Svizzera culturale.

Nel suo petto battevano tre cuori. Uno apparteneva alla sua famiglia, come marito e padre di un ragazzo di 13 anni, uno al Bündner Tagblatt, che ha plasmato per anni come caporedattore, e uno alla cultura, in particolare alla musica, di cui offriva un'ampia piattaforma ad Arosa. E forse alla fine è stata proprio la sua ardente passione per queste cose a porre fine troppo presto alla sua esistenza mortale.

Ognuna di queste aree della sua vita riceveva così tanta attenzione e cura che è difficile immaginare come tutto questo possa rientrare in una giornata di 24 ore. Christian Buxhofer, tuttavia, era un uomo davvero straordinario. L'ho conosciuto in occasione di un concerto che ho tenuto con i miei colleghi musicisti del casalQuartett ad Arosa nel 2006, in occasione del centesimo compleanno di Hans Schäuble, il compositore nato lì nel 1906. Da quell'incontro è nato il Festival musicale di Arosa, uno dei tanti progetti che Christian Buxhofer ha avviato e che è riuscito a realizzare in modo pragmatico, riunendo partner di ogni tipo. Tra pochi giorni si svolgerà per l'ultima volta sotto la sua direzione.

Dal 1985 è volontario per la cultura, nel piccolo villaggio di montagna di Arosa, a 1.800 metri di altitudine. Non si può passare per questo villaggio, si può solo arrivare e ripartire. È sempre una destinazione, mai una sosta casuale. È un luogo circondato da una natura aspra e selvaggia, ma allo stesso tempo può sviluppare così tanto calore, sicurezza e potenziale di desiderio da far cadere rapidamente in una sorta di trappola dell'attaccamento. Coinvolgersi ad Arosa significa: o completamente o per niente. Le mezze misure non hanno alcuna possibilità.

Christian Buxhofer non era un uomo da mezze misure. Aveva il raro dono di sottolineare costantemente e delicatamente le sue preoccupazioni, anche di fronte alle resistenze e senza alcuna prospettiva di allori personali. Il genuino apprezzamento del suo lavoro lo rendeva felice, ma non lo pretendeva. La sua più grande ricompensa era che ciò che aveva avviato avesse successo e qualità.

Oggi, più di un quarto di secolo dopo aver iniziato a insegnare ad Arosa, la sua ex patria adottiva è il luogo in Europa con il maggior numero di corsi di musica, dall'arpa celtica al coro di bambini, ha un festival d'opera in estate, un festival pasquale con un programma misto di musica classica e folcloristica e, da tre anni a questa parte, un'accademia musicale estiva, una calamita per numerosi studenti di musica provenienti da tutto il mondo. Tuttavia, Christian Buxhofer non era interessato solo ai pesi massimi del programma annuale, ma anche alle piccole e raffinate continuità culturali, come i concerti settimanali nella Bergkirchli, acusticamente meravigliosa e visivamente attraente. Chiunque si trovi ad Arosa sa che ogni martedì alle 17.00 può ascoltare un concerto. Gratuito e spesso dal contenuto sorprendente, nell'intima e arcaica sala della chiesa, con vista sul villaggio e un meraviglioso sfondo montano.

Ma Buxhofer non è stato solo un fornitore di idee, ma anche un lavoratore attivo e un congeniale networker. Aveva in mano tutte le corde, era altamente virtuoso e versatile, carismatico e autorevole, paziente e insistente, competente ed entusiasta. Non si arrendeva mai, per lui c'era una soluzione a ogni problema e di solito era lui a fornirla.

Nel suo lavoro per il Bündner Tagblatt, era particolarmente interessato alle questioni politiche. Sì, avrebbe potuto essere lui stesso un politico. La sua capacità di comunicare e il suo senso della missione, le sue convinzioni e il suo spirito pubblico sarebbero stati requisiti perfetti. Ma probabilmente conosceva troppo bene le insidie. Scendere a compromessi pigri sarebbe stato molto difficile per lui. Christian Buxhofer non poteva essere piegato a scopi che per lui non avevano senso. Il suo atteggiamento di serietà e la sua schiettezza gli garantivano una mente chiara e un chiaro senso dell'obiettivo. Ma anche l'indipendenza e la capacità di prendere decisioni autonome erano troppo importanti per lui. Nel campo della cultura, era in grado di impegnarsi come meglio credeva.

Come organista dilettante, conosceva così bene la musica e la natura spesso esigente dei caratteri artistici e delle idiosincrasie che era in grado di adattarsi perfettamente a loro. Era impossibile per lui non andare d'accordo con un musicista; sapeva riconoscere le sensibilità, vedere e soddisfare le esigenze senza piegarsi. Questo lo rese discretamente e involontariamente popolare e un partner ricercato. Le persone si confidavano con lui, gli affidavano ciecamente le responsabilità, semplicemente perché aveva una natura così vincente. Al contrario, non si poteva rifiutare quasi nulla, era convincente, senza grandi parole o gesti, proprio così.

Noi musicisti siamo felici quando sentiamo che quello che facciamo è accettato. Quando troviamo orecchie che ascoltano, parole che incoraggiano, occhi che si entusiasmano... Naturalmente, Christian Buxhofer non era un ingenuo. Al contrario, era psicologicamente molto raffinato, o meglio: sensibile. Qualsiasi facciata, qualsiasi affettazione poteva davvero scuoterlo. Offendevano il suo senso dell'equilibrio. Il suo servizio all'arte era così sacro per lui che vedeva l'egocentrismo e il nervosismo per quello che erano: superflui. Per lui era importante che le persone fossero entusiaste della causa, sia ad Arosa che alla Carnegie Hall di New York...

C'è una differenza tra mettere a disposizione di un artista un palco e regalarglielo. prepara. Christian Buxhofer poteva farlo come pochi altri. Lascia non solo una famiglia, ma anche un'enorme, costernata e addolorata famiglia di artisti e una vera e propria comunità di fan. Era una star silenziosa dietro le quinte e un amico ampiamente rispettato e apprezzato.

La sua morte è una perdita enorme per Arosa, per i Grigioni e per tutta la Svizzera culturale. Continuare il suo lavoro è un compito enorme e un dovere urgente.

Christian Buxhofer è morto inaspettatamente il 16 febbraio all'età di 52 anni.
 

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Streghe, ninfe e l'eterna Loreley

Dare alle giovani musiciste l'opportunità di esibirsi è lodevole, ma farlo con un programma ben strutturato lo è ancora di più. Un concerto "Hexen" a Zurigo, Sciaffusa e Wetzikon lo ha dimostrato.

Carl Joseph Begas, Lurelei, 1835, foto: Wikimedia Commons
Hexen, Nymphen und die ewige Loreley

Dare alle giovani musiciste l'opportunità di esibirsi è lodevole, ma farlo con un programma ben strutturato lo è ancora di più. Un concerto "Hexen" a Zurigo, Sciaffusa e Wetzikon lo ha dimostrato.

Da sempre, le donne hanno rappresentato un lato minaccioso per il mondo maschile: sinistro, seducente, velenoso e diabolico. Le streghe venivano bruciate in Svizzera fino al 1782. La donna seducente e fatale, la femme fatale, ha ispirato innumerevoli pittori, poeti e compositori; sirene e ninfe erano particolarmente popolari nella letteratura e nell'arte durante la fin de siècle. Tempi passati?

Non proprio, perché anche in tempi recenti ci sono stati esempi di roghi di streghe in Africa e in Asia: Il compositore Maria Porten ha colto l'occasione per organizzare il concerto Streghe in cui, secondo le sue stesse parole, ha voluto presentare "vari aspetti della magia e dell'incanto". La serata ha spaziato da una romantica canzone in versi alla prima mondiale dell'opera processo alle streghe di Porten, tutti interpretati in modo superbo dai giovani musicisti.

Le prime canzoni erano dedicate alla Loreley, che attrae gli uomini con il suo canto e li fa precipitare nella sventura. È innocuo il modo in cui Friedrich Silcher mette in musica questa storia nella sua famosa messa in scena dell'altrettanto famosa poesia di Heine; come se la creatura elfica non riuscisse a trattenere una goccia d'acqua. Una dimostrazione di bellezza romantica, cantata da Anna Herbst con un'ammaliante cantilena. Più abissale l'ambientazione di Franz Liszt, che interpreta il testo, drammatizza ed enfatizza la sfortuna dei barcaioli.

Rusalka incarna l'immagine del desiderio femminile. Anna Herbst ha cantato la famosa aria dell'omonima opera fiabesca di Dvořák in lingua originale con una voce fondente, accompagnata con sensibilità da Sarah Tabitha Staehli al pianoforte. Il melodramma di Max von Schilling, composto nel 1903 Il canto delle streghe è stata eseguita da Werner Bärtschi sia come narratore che come pianista. Ambientato nell'atmosfera della fin de siècle, racconta la storia di un monaco innamorato che non riesce a dimenticare la melodia cantata dalla strega amata sul rogo. Un brano suggestivo, leitmotiv, con un potere di attrazione simile a quello delle sirene. Bärtschi ha dato al dramma legato al tempo un carattere ossessionante.

Maria Porten contrappone a queste proiezioni del mondo maschile del XIX secolo la sua visione delle streghe: spiritosa, giocosa, elfica, in altre parole, assolutamente positiva. La sua musica gestuale ha qualcosa di coerente in tutte le sue opere. Il primo pezzo è stato la sua interpretazione della ballata di Brentano Informazioni su Bacharach am Rheine per voce parlante e violoncello, poi il piccolo ciclo Dal cappello di Hermes per soprano, violoncello e arpa su testi di Ariane Braml. Porten gioca con tutti i tipi di suoni e ingredienti. Il dialogo tra il violoncello - suonato in modo drammatico e virtuoso da Ioanna Seira - e la voce cantata (Anna Herbst) è abilmente costruito. Il brano che dà il titolo all'opera è spiritoso, con ritmi di danza, battiti sul corpo dell'arpa o l'uso di un fischietto; nell'ultimo brano, l'arpa ha evocato l'ondeggiare delle Nebbia densa (Corinne Kappeler).

Il programma si è concluso con la prima mondiale del cortometraggio Processo alle stregheun brano per soprano, arpa, violoncello e pianoforte. Secondo Porten, la "visione scioccante dell'esecuzione di un'innocente creatura della natura" mancava di mordente musicale, anche se un piccolo sfogo viene osato alla fine con potenti colpi di violoncello e cluster di pianoforte. Un concerto che non si è concentrato tanto sugli orrori e sulle prospettive maschili della femme fatale quanto sull'offerta di momenti variegati e densi di atmosfera.
I concerti si sono svolti a Zurigo, Wetzikon e Sciaffusa dal 24 al 26 gennaio.
 


Prima mondiale di "Verhext" di Mischa Käser

Il compositore, coreografo e regista definisce la sua ultima produzione "Un campo minato musical-teatrale", che ha debuttato con il tutto esaurito alla Tanzhaus Zürich il 23 gennaio.

Sibylle Ehrismann - Qualunque cosa suoni e accada sul palco, Mischa Käser ha tutto sotto controllo. Anche quando concepisce la musica, questa è sempre legata a idee di movimento e azione, che poi realizza sul palco. Il punto di partenza e l'ispirazione per questo spettacolo è la relazione di Rico Czerwinski Stregatoche racconta di un campo minato emotivo: Figlia, padre, madre.

Le azioni della figlia Tanja (Jelena Dojćinović) fungono da "guida". La regista "coreografa" i ballerini come immagini surreali di ricordi e li lascia liberi di seguire la sua incredibile storia familiare. Il risultato sono sequenze enigmatiche di immagini che fanno sempre riferimento a relazioni fallite.

Lisa Beese, Kilian Haselbeck, Sonja Rocha e Nicolas Turicchia hanno danzato queste coreografie estreme con vigore espressivo e convincente pregnanza. Il contrabbassista Daniel Studer ha suonato e improvvisato con gesti virtuosi ed eloquenti. Studer si trovava alla sinistra del palco, con un quartetto d'archi del Collegium Novum Zürich posizionato alla sua destra, tutti musicisti eccezionali. Le bizzarre idee coreografiche di Käser e la sua musica poeticamente suggestiva si completavano di volta in volta per creare magnifiche "immagini da incubo".
 

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