Flora Papadopoulos ha studiato al Conservatorio di Parma e alla Civica Scuola di Musica "Claudio Abbado" di Milano. Ha inoltre conseguito una laurea presso la Facoltà di Lettere e Filosofia dell'Università di Parma (Conservazione dei Beni Musicali) e un Master in Musicologia presso la Sorbona di Parigi.

Si esibisce regolarmente in duo con Mara Galassi e con la propria formazione "il Caleidoscopio". Nel 2018 ha pubblicato il suo primo album da solista Non scritto. È anche interessata a progetti musicali che vadano oltre i confini più ristretti della musica antica.

Nato nel 1971, Carlos Mena ha studiato al Conservatorio Superior de Música "Jesús Guridi" della sua città natale, Vitoria-Gasteiz, e poi alla Schola Cantorum Basiliensis fino al 1997. Il suo repertorio è molto ampio, dal Medioevo al repertorio centrale dal XVII all'inizio del XIX secolo fino alla musica contemporanea, con particolare attenzione agli spettacoli d'opera.

Insegna, tra l'altro, presso l'Academia de Música Antigua dell'Università di Salamanca e presso la Scuola di Musica dell'Estremadura (Cáceres). Carlos Mena è attivo anche come direttore d'orchestra.

Su iniziativa del Musée de la musique/Philharmonie de Paris e dell'Associazione Talents & Violon'celles di Parigi, sono stati organizzati per la prima volta i concorsi "Talents d'aujourd'hui" e "Talents de demain". Il concorso è aperto sia ai professionisti ("Talents d'aujourd'hui") sia alle scuole di liuteria ("Talents de demain"). La prima edizione di questo concorso era dedicata al violoncello e si è svolta sotto il patrocinio del violoncellista Sol Gabetta.
Lo strumento di Scuola di liuteria Brienzla replica di un violoncello del liutaio veneziano Matteo Goffriller (1659-1742), è stata la chiara vincitrice per le sue qualità tonali ed estetiche.
Il violoncello è suonato dal Museo della Musica di Parigi (MMP), rimarrà nella collezione e sarà messa a disposizione degli studenti di musica in futuro.

Il secondo posto è andato all'Ecole Nationale de Lutherie Mirecourt (F) e il terzo alla International Lutherie School Antwerp (NL).

Il 23 gennaio 2022, i due apprendisti del terzo anno, Lejla Fasler e Adrian Pfeiffer, insieme al loro maestro Olivier Krieger, hanno ricevuto il premio a Parigi.
 

Secondo il comunicato stampa dell'Associazione tedesca delle orchestre (DOV), dal 2018 non si sono verificate nuove fusioni o scioglimenti di orchestre. All'epoca della prima indagine nazionale, nel 1992, le orchestre professionali erano 168.

Sebbene nel 2022 ci saranno 17 posizioni in meno rispetto all'ultimo sondaggio del 2020, ciò è dovuto ai tagli di posti di lavoro presso l'Orchestra Sinfonica della SWR in seguito alla fusione del 2016. La direzione in cui si muove la tendenza sta diventando sempre più chiara. Sempre più orchestre affrontano questioni sociali importanti come la diversità e la sostenibilità.

Articolo originale:
https://www.dov.org/presse_meldungen/lage-bei-berufsorchestern-trotz-corona-stabil

Nato nel 1989, Sebastian Androne ha studiato composizione in Romania, Gran Bretagna e Francia. La sua musica è stata eseguita in tutta Europa e oltre da ensemble e orchestre affermate. Ha completato il suo dottorato nel 2018 presso l'Università Nazionale di Musica di Bucarest con Dan Dediu come supervisore e mentore di lunga data.

L'ICMA ha sostituito i Premi Classici di Cannes (Midem Classical Award), che in precedenza venivano assegnati in occasione della fiera MIDEM, ora soppressa. La giuria è composta da critici musicali provenienti da riviste specializzate internazionali; in Svizzera Musica e teatro Partner.

La sala concerti di Andermatt, inaugurata nel 2019 con un concerto dell'Orchestra Filarmonica di Berlino, aprirà le sue porte per l'anno in corso nel fine settimana dal 4 al 6 febbraio. Musica Adermatt sotto la direzione di Lena-Lisa Wüstendörfer. In media, ogni stagione vengono organizzati 20 concerti. I tre pilastri del programma "Orchestra svizzera - Musica classica svizzera", "Palcoscenico del mondo - Palcoscenico mondiale" e "Radici locali - Suoni di casa" consentono di organizzare concerti di richiamo internazionale e con radici locali.

Il 2018 da Lena-Lisa Wüstendörfer ha fondato l'Orchestra Svizzera è l'orchestra residente di Andermatt e apre la stagione sotto la sua direzione con opere di Mozart e Beethoven e una trouvaille svizzera del compositore lucernese Franz Xaver Joseph Peter Schnyder von Wartensee. La solista del concerto per violino in la maggiore di Mozart è la violinista russo-tedesca Alina Pogostkina. Nella seconda serata, il La pianista francese Hélène Grimaud Opere di Claude Debussy, Erik Satie, Frédéric Chopin, Robert Schumann e Valentin Silvestrov. E infine, il nativo di Andermatt Fränggi Gehrig Il concerto "Stubete" nella sala concerti proporrà musica folk tradizionale e nuova, insieme alla sua formazione Uri "Gläuffig" e a quattro musicisti a lui vicini.
 

È improbabile che il nome di Leokadia Kashperova sia familiare anche a molti appassionati di musica. E se lo conoscono, è al massimo come insegnante di pianoforte di Igor Stravinsky a San Pietroburgo. Eppure, proprio in questa metropoli musicale, la Kashperova era considerata una pianista eccezionale e una compositrice di talento, almeno fino alla Rivoluzione russa, ed era anche un'insegnante molto richiesta. Stravinskij la cita dettagliatamente nel suo Cronache della mia vita e nel Conversazioni con Robert Craft.

Leokadia Kashperova è nata nel 1872 in un villaggio vicino a Yaroslavl. Studia al Conservatorio di San Pietroburgo nella classe di pianoforte d'élite del leggendario Anton Rubinstein e si diploma con il massimo dei voti nel 1893. Due anni dopo, come allieva di Nikolai Solovyov, completò anche gli studi di composizione. Le sue opere più importanti furono eseguite nei vent'anni successivi, tra cui una sinfonia, un concerto per pianoforte, opere corali e molta musica da camera.

Nel 1916 sposò il suo allievo Sergei Andropov, rivoluzionario bolscevico e stretto confidente di Lenin. Questo ovviamente cambiò drasticamente la sua vita. Dopo la rivoluzione, si esibì occasionalmente come pianista, ma la sua musica non fu quasi mai eseguita. E quando morì, nel 1940, la sua persona e il suo lavoro furono completamente dimenticati.

La situazione è cambiata negli ultimi anni, anche grazie all'iniziativa di Graham Griffiths, che ha pubblicato alcune delle sue opere in un'edizione speciale con Boosey & Hawkes. Edizione Kashperova ha pubblicato. Dobbiamo ringraziarlo anche per la nuova edizione della suite pianistica In mezzo alla natura (Au Sein de la Nature) del 1910, che, come in numerose canzoni e opere di musica da camera, manifesta il profondo amore della Kashperova per la natura. I sei movimenti sono abilmente graduati in base alla difficoltà, il che potrebbe indicare che i brani erano destinati anche all'insegnamento.

I primi quattro Deux Roses e Due foglie d'autunno sono semplici e possono essere suonati (quasi) a vista. Tuttavia, questa semplicità è tutt'altro che primitiva. La musica fluisce e respira con una meravigliosa naturalezza, come versi poetici che rimano in modo non forzato. Il quinto pezzo Il mormorio delle nuvole, uno studio sonoro gratificante per dita agili, fa richieste pianistiche maggiori. E la conclusione Battage du blé con il suo martellato martellante mette in gioco una componente sorprendentemente grossolana.

L'editore si complimenta per questa nuova edizione meticolosa e dal design accattivante, non da ultimo per il fatto che la prefazione in inglese, tedesco e francese fornisce numerose e interessanti informazioni su questo straordinario musicista.

Leokadiya Kashperova: In the midst of nature, suite per pianoforte solo in sei movimenti, a cura di Graham Griffiths, BH 13563, € 17,00, Boosey & Hawkes, Londra 2021 (Schott)

Il fondo, congelato dal 2016 nell'ambito di un programma di risparmio, viene riattivato per sostenere la realizzazione di progetti professionali ambiziosi che contribuiscano allo sviluppo del turismo in Vallese. Oltre a promuovere eventi culturali con un impatto sul turismo, il fondo è destinato anche a "sostenere progetti d'impulso che contribuiscono a rafforzare la catena di valore delle industrie creative nel Cantone", secondo il comunicato stampa del Cantone.

Per essere ammessi al sostegno, i progetti devono soddisfare tre criteri principali: contribuire all'attrattiva del Cantone come destinazione turistica nel quadro della politica turistica cantonale; promuovere l'accesso alle produzioni artistiche e culturali e avvicinarle al pubblico locale e ai visitatori; coinvolgere il maggior numero possibile di attori vallesani nella catena di valore delle industrie creative e nelle produzioni di artisti e/o professionisti della cultura vallesana.

Articolo originale:
https://www.vs.ch/de/web/communication/detail?groupId=529400&articleId=14792369

Già nella primavera del 1934 Shostakovich scrisse al suo migliore amico, lo scrittore e musicologo Ivan Sollertinsky, delle reazioni negative alla seconda opera Lady Macbeth di Mtsenskdue anni dopo nel Pravda è stato bollato e rimosso dal repertorio di Mosca e Leningrado. "Le vostre osservazioni formalistiche sono debitamente contrastate. Nel complesso, vengono emessi numerosi rimproveri. Oh, questo è un bene. Mi piace. Riduce lo strato di grasso". (Lettera del 9 luglio 1934). Questo accadeva in un periodo in cui il compositore ventottenne si riteneva ancora libero dalla censura di Stalin.

In seguito fu sconvolto dal brusco cambiamento da giovane compositore ammirato a "nemico del popolo" quando, il 28 gennaio 1936, l'articolo Caos al posto della musica nel Pravda apparve. Due giorni dopo chiese di essere avvertito da Arkhangelsk, dove si era accorto di questo totale tradimento: "Non fate nulla prima del mio ritorno. Vieni il 5". Poi non una parola di più, finché un mese dopo disse all'amico: "Conduco una vita tranquilla qui a Mosca. Sono a casa e non esco. Aspetto una telefonata. Ho poche speranze di essere ricevuto". Nelle note si legge: "DSCH [Dmitri Shostakovich] scrisse a Stalin e chiese un'udienza in relazione alla situazione che si era creata dopo l'apparizione dell'articolo Caos al posto della musica."

Le note precise occupano un intero terzo del libro. Vengono giustamente definite "commenti" e sono indispensabili per comprendere la brevità criptica delle dichiarazioni di Shostakovich a causa della censura. Grazie alle lettere a Isaac Glikman, pubblicate nel 1995, siamo stati in grado di familiarizzare con tali circostanze già nel secondo dibattito sul formalismo del 1948. Tuttavia, non c'era da aspettarsi nuovi approfondimenti dal momento della prima condanna, perché in questa situazione di pericolo era del tutto impossibile per Shostakovich comunicare qualcosa di sostanziale. Maxim, il figlio, fece notare che il padre aveva bruciato molte lettere degli anni Trenta per paura che potessero incriminare i mittenti. Fortunatamente, le sue lettere a Sollertinski si sono conservate. È estremamente rivelatore conoscere le circostanze della vita di Shostakovich dal 1931 al 1944, anno della morte di Sollertinski. Esse costituiscono la preistoria, per così dire, delle lettere di Glikman, che vanno dal 1941 alla morte di Shostakovich nel 1975.

Dmitri Shostakovich: Lettere a Ivan Sollertinsky, a cura di Dmitri Sollertinsky e Lyudmila Kovnatskaya, traduzione dal russo di Ursula Keller, 251 p., € 36,00, Wolke, Hofheim 2021, ISBN 978-3-95593-097-4

Il titolo fa scattare l'attenzione: A cosa potrebbero riferirsi questi "toni spettrali"? Ma non ha nulla a che fare con Amleto, Don Giovanni o Poe. Ci si rende presto conto, un po' disillusi, che si tratta semplicemente di "musica al di là dei confini di genere" - che non devono necessariamente essere ultraterreni, ma molto presenti, come spiega splendidamente l'autore. Christoph Wagner ha già attirato l'attenzione con diversi libri in cui ha esplorato tali aree intermedie. Qui presenta soprattutto musicisti statunitensi: Compositori come Christian Wolff, George Crumb o Morton Subotnik, per esempio, la vocalista Meredith Monk, David Harrington, il violinista principale del Quartetto Kronos, o il compositore e trombonista George Lewis. Il suo concetto di "creolizzazione", una world music senza paraocchi mitteleuropei, è più che degno di considerazione - e uno degli impulsi più importanti di questo libro.

Wagner presenta questa musica tra avanguardia, (free) jazz, minimalismo, elettronica, rock, folk, musica popolare, ecc. soprattutto con interviste e qualche saggio riassuntivo: sapiente, giornalistico, di facile comprensione, senza voler andare a fondo dei fenomeni musicali, ma piuttosto lungo le personalità e i loro sviluppi intellettuali. E lungo il percorso si può seguire come gli strumenti elettrificati ed elettronici abbiano interferito con il mondo del suono a partire dagli anni Sessanta. L'altra avanguardia, che è sempre stata un po' trascurata, se non ridicolizzata, nella musica seria mitteleuropea, viene così svelata. L'impulso per il quartetto d'archi, ad esempio, che proveniva dal Quartetto Kronos, è certamente paragonabile a quello del Quartetto Arditti. Si nota come gli stili si siano influenzati a vicenda e come si compenetrino. Nuovi elementi musicali sono penetrati dai margini. Wagner, con questo libro, guarda ancora una volta con amore a tutto ciò.

Christoph Wagner: Geistertöne. Conversazioni sulla musica al di là dei confini di genere, 172 p., ill., € 29,95, Schott, Mainz 2021, ISBN 978-3-7957-8699-1

In forma in 15 minuti è una raccolta dei noti insegnanti di flauto Elisabeth Weinzierl e Edmund Wächter. Hanno messo a punto una sorta di programma di allenamento per tutte le capacità, con esercizi di base per le diverse esigenze tecniche di esecuzione. Gli studenti, i dilettanti e i professionisti possono comporre la propria sequenza personale nelle aree del tono, dell'articolazione e della tecnica delle dita. L'autore consiglia: "Per il programma di riscaldamento si possono scegliere e combinare due o tre esercizi per ogni capitolo. Tutti gli esercizi sono modelli che possono e devono essere variati". All'inizio del volume, Weinzierl e Wächter raccomandano anche di improvvisare nella tonalità scelta, come era consuetudine nel periodo barocco, e aggiungono un esempio del XIX secolo di Giuseppe Gariboldi.

Gli esercizi tonali sono suddivisi in due piani di pratica nelle quarte e nelle quinte in un intervallo che arriva fino a un Si a tre note, con i passaggi più alti e più bassi per i quali è richiesto un piede B tra parentesi. Per un "buon controllo del suono e del respiro", la tavolozza spazia da lunghi "toni solari" sostenuti a onde sonore che preparano il vibrato, da legami cromatici con crescendo a esercizi con il canto e il suono che rafforzano la risonanza della gola. Un allenamento speciale è il "flute beat boxing", in cui gli "strumenti di conversazione" vengono trasferiti al flauto e utilizzati anche in modo improvvisato. Anche altri aspetti della formazione timbrica, come gli armonici, i grandi intervalli, i bendings e i glissandi sono integrati negli esercizi; i colori e il carattere del timbro sono sviluppati utilizzando esempi tratti dalla letteratura e trasposti nei registri superiori. L'articolazione nel registro inferiore viene sviluppata attraverso lo staccato diaframmatico e le legature nel registro inferiore. L'ampia gamma di esercizi per le dita comprende anche combinazioni di passaggi di scale e sequenze di terze, con particolare attenzione agli accordi di settima, che sono circondati da un'ampia gamma di slalom.

Anche se alcuni dei metodi di pratica suggeriti ricordano gli esercizi per il tono e le dita ulteriormente sviluppati da Marcel Moyse, Paul Taffanael e Peter-Lukas Graf, per esempio, o gli esercizi per il tono con metodi di esecuzione contemporanei, come quelli già raccomandati da Robert Dick o Stefan Keller, tra gli altri, nelle loro opere. In forma in 15 minuti è un compendio di grande successo grazie alla disposizione fantasiosa e variabile degli esercizi, che aiuta a organizzare il tempo di gioco nel modo più vario ed efficiente possibile.

Elisabeth Weinzierl e Edmund Wächter: In forma in 15 minuti, riscaldamento e basi per il flauto, ED 22745, € 18,50, Schott, Mainz

Un grande rispetto va tributato alle Editions Symétrie di Lione. Questo perché si dedicano con grande impegno a rarità di repertorio che non avranno certo vita facile in concerto. Eppure sembrano avere una mano fortunata nella selezione, come in questo caso con i due concerti per pianoforte e orchestra n. 2 e 3 di Louis-Ferdinand Hérold (1791-1833), scritti nel 1811 e nel 1813 e che si collocano alla vigilia del periodo romantico. Le composizioni diventano ancora più notevoli se si considera che il padre di Hérold era stato apprendista di Carl Philipp Emanuel Bach ad Amburgo. Deve aver trasmesso al figlio l'esperienza acquisita lì da bambino, prima che questi entrasse al Conservatorio all'età di sedici anni, dove si perfezionò alla tastiera e vinse infine il Prix de Rome (come allievo di Méhul) all'età di 21 anni. La maggior parte delle sue opere strumentali furono composte in questo periodo, seguite poi da diverse opere liriche con vari gradi di successo.

Dal punto di vista musicale, i concerti sono convincenti, con un tono notevolmente individuale; il movimento lento del n. 3 (segnato solo per pianoforte e un violino solo) può essere eseguito anche su scala ridotta. La notazione musicale è di facile lettura (anche se potrebbe essere meglio presentata graficamente), ma a parte una prefazione di una pagina, mancano le informazioni di base sulle fonti utilizzate (uno standard al giorno d'oggi!), così come un rapporto di revisione o almeno una breve descrizione dell'affidabilità delle fonti analizzate. Chiunque sia alla ricerca di ulteriori informazioni farebbe bene a consultare il libretto della registrazione in CD, molto ascoltabile, pubblicata da Mirare nel 2011 (MIR 127). Tra l'altro, si cita anche una lettera giunta a Hérold nel 1813 a Villa Medici a Roma - un'interiezione conservatrice che involontariamente sottolinea le qualità reali e lungimiranti del maestro, oggi purtroppo quasi dimenticato: "Melodia, melodia! Questo è il ritornello delle persone ragionevoli e della parte incontaminata del pubblico. Le deviazioni armoniche, le transizioni barbare, i cromatismi oltraggiosi appartengono ai pazzi e ai maniaci. [...] [Guarirete] da questa febbre della modulazione, da questo delirio, prodotto dell'entusiasmo cromatico?".

Louis-Ferdinand Hérold: Concerto pour piano et orchestre no. 2 en mi bémol majeur, a cura di Sébastien Espesson, € 30,00, Editions Symétrie, Lyon 2021, ISMN 979-0-2318-0371-6,

Id.: Concerto pour piano et orchestre no. 3 en la majeur, ISMN 979-0-2318-0374-7

Con questo libro l'autore ha creato un vero e proprio viaggio nel tempo, in cui trova spazio anche la nuova musica e la musica antica non si limita semplicemente a Telemann e ai suoi contemporanei. Non ci sono arrangiamenti discutibili di successi classici. Partendo dalla musica strumentale del Medioevo, passando per i brani rinascimentali di John Dowland, ad esempio, e la musica del primo Barocco in Italia, questo libretto per flauto dolce soprano contiene musica barocca di tutti i Paesi che hanno dato il tono all'epoca. Ci sono anche brevi opere originali in stile blues, jazz, latino o d'avanguardia del compositore britannico Alan Davis e due pezzi di improvvisazione. È presente anche Johann Melchior Gletle, compositore barocco svizzero.

Il flautista ceco Jan Kvapil ha selezionato i quasi 70 pezzi; si tratta di brani di media difficoltà, per i quali gli esecutori devono conoscere tutte le accidentali e avere una certa sicurezza ritmica. Per alcuni lavori c'è una parte di basso non figurata o simboli di accordi; quasi un terzo dei lavori sono duetti con una seconda parte al flauto soprano, contralto o tenore.

Il grande vantaggio è rappresentato dalle varie opzioni di download gratuito sul sito web dell'editore. Oltre alle parti di accompagnamento stampate per clavicembalo/pianoforte o chitarra, sono disponibili per il download i file audio di 32 brani, sia in versione integrale che come play-along in vari tempi e con diversi strumenti di accompagnamento (clavicembalo, pianoforte, liuto, viola da gamba, percussioni). Gli esempi audio forniscono una prima impressione delle opere o offrono agli esecutori un supporto di accompagnamento, anche se a volte non sono del tutto convincenti in termini di suono e fraseggio.

Questa raccolta completa offre una buona panoramica della letteratura per flauto dolce e invita a familiarizzare con l'uno o l'altro periodo.

Un viaggio nel tempo dal Medioevo ai giorni nostri, libro per flauto dolce soprano, a cura di Jan Kvapil, BA 11544, € 15,50, Bärenreiter, Praga

Se si parla di romanticismo musicale, il clarinetto non è molto lontano. Il suo tono morbido e corposo ha qualcosa di esuberante, di lussureggiantemente romantico. Lo rivela anche il nuovo CD del versatile clarinettista Bernhard Röthlisberger, pubblicato dall'etichetta Naxos Musiques Suisses. Musica da camera svizzera - Romantici di due secoli presentato.

Questa è la seconda registrazione che Röthlisberger ha affrontato durante l'estenuante serrata del 2020. La sua ricerca per il progetto Musica per clarinetto svizzera (Naxos Musiques Suisses NXMS 7002, SMZ 4/2021, S. 16) ha portato alla luce anche altre partiture che quasi nessuno conosce. Cinque di queste opere, composte da Johann Carl Eschmann (1826-1882), Paul Juon (1872-1940), Richard Flury (1896-1967) e Paul Müller Zurich (1898-1993), possono ora essere ascoltate qui.

Non solo la selezione è sorprendente nella sua sostanza musicale, ma i quattro interpreti trovano anche un'interpretazione impegnata e distinta di queste trouvailles di musica da camera. La violinista Fióna Kraege è secondo concertatore dell'Orchestra Sinfonica di Lucerna, la violoncellista Milena Umiglia è stata l'unica rappresentante svizzera nella Gustav Mahler Youth Orchestra nel 2017 e il pianista Benjamin Engeli ha vinto una volta il Concorso musicale ARD di Monaco come membro del Trio Tecchler.

Il brano più antico di questa registrazione è stato scritto nel 1850-51, composto dalla Due pezzi fantasy op. 9 per clarinetto e pianoforte di Johann Carl Eschmann, nato a Winterthur. Aveva studiato con Mendelssohn a Lipsia ed era amico di Wagner e Brahms. Fu anche una figura molto nota nella vita musicale di Zurigo, ma fu rapidamente dimenticato dopo la sua morte. Oggi, di tanto in tanto, si sente di nuovo parlare di Eschmann; la casa editrice Amadeus lo inserisce nel suo programma. E ogni volta ci sorprende con la sua raffinatezza tecnica e i suoi gesti avvincenti. È possibile percepire la gioia musicale quando Röthlisberger ed Engeli eseguono i suoi pezzi originali.

Il Trio in la minore op. 17 del moscovita Paul Juon, originario dei Grigioni, è il brano più corposo di questo CD e dura quasi 24 minuti. Juon sa intrecciare in modo delizioso i colori tonali del clarinetto e del violoncello, mentre i tre interpreti plasmano con maestria il fraseggio ampio e disteso. Il trio di Richard Flury, scritto 50 anni dopo, invece, enfatizza il lato più popolare e allegro del clarinetto, con una verve da ballo. Röthlisberger ha ancora una volta recuperato pezzi interessanti con un buon istinto.      

Antoine Gilliéron - Un importante rinnovamento all'interno dell'associazione segna il passaggio al 2022. Queste nomine a capo di diverse istituzioni di alta formazione musicale in Svizzera apportano forze vitali a CHEMS, che si trova nella fase di attuazione di una strategia volta ad aprire nuovi orizzonti allo spazio terziario svizzero per l'insegnamento della musica.

La visione del CHEMS costituisce un contributo alla costruzione della nostra società in costante evoluzione, dal punto di vista sociale, culturale e intellettuale, attraverso la diffusione della conoscenza, della ricerca e delle produzioni di alta formazione musicale.

Come definito nel suo statuto, le missioni del CHEMS sono:

- Il coordinamento dei compiti e dei problemi specifici delle università di musica;

- Lo sviluppo della qualità dell'insegnamento musicale e della ricerca;

- Difendere gli interessi delle scuole di musica nei confronti delle università svizzere e della Camera delle scuole specializzate, della Segreteria di Stato per la formazione, la ricerca e l'innovazione (SEFRI) e della Conferenza dei direttori cantonali dell'istruzione pubblica (CDIP), nonché dell'istruzione superiore e universitaria a livello nazionale e internazionale;

- Lo scambio di esperienze tra i Conservatori di musica nazionali e internazionali e la cooperazione con le conferenze dei direttori dei Conservatori di musica e degli Istituti musicali superiori di Germania, Francia, Italia e Austria, l'Associazione europea dei Conservatori, i Conservatori e le Accademie di musica e la Lega europea degli Istituti d'arte;

- L'elaborazione di dichiarazioni e raccomandazioni sulla politica professionale ed educativa, anche diffondendole a livelli di comunicazione specifici o pubblicizzandole attraverso i media;

- Una forte relazione con le organizzazioni musicali professionali e le associazioni di vita musicale svizzere, come l'Association Suisse des Ecoles de Musique (ASEM) e SONART;

- Impegno nella politica culturale ed educativa per gli interessi e la promozione della musica, della creazione musicale, dell'educazione/formazione musicale e della ricerca, nonché per le condizioni appropriate per la promozione dei giovani musicisti e della loro formazione musicale iniziale e pre-professionale.

La Conférence des Hautes Écoles de Musique Suisses è stata recentemente dotata di uno strumento di pilotaggio che le permetterà di sviluppare il suo futuro sviluppo in modo altrettanto armonioso e ambizioso. Articolerà la sua visione e le sue missioni attorno a un credo che rafforzerà anche il suo impatto: coordinamento/previsione/federazione.

Il CHEMS, grazie al suo ruolo di leader nazionale e alla consapevolezza delle importanti sfide da affrontare, può così avanzare nella realizzazione dei suoi obiettivi al servizio dell'arte e del costante miglioramento della società. In questo modo, le scuole di musica svizzere contribuiranno a costruire una società della conoscenza in grado di promuovere la creatività come risorsa chiave della Svizzera.

Per questo motivo, l'eccellente qualità dei programmi di formazione offerti nel campo della musica e la loro articolazione con la produzione, la ricerca e l'innovazione sono gli assi principali della nuova strategia. Essa consiste nel fornire chiare misure d'azione per aumentare la legittimità e la visibilità dell'istruzione musicale superiore in Svizzera e per garantire che le nuove persone con responsabilità al suo interno possano contribuire in proporzione ai loro talenti.

Secondo un comunicato della Kalaidos University of Applied Sciences Switzerland, Michael Bühler ha un'ampia formazione musicale professionale, che ha ampliato con un Executive MBA presso le Università di Zurigo e Stanford (USA) e un dottorato presso l'Università di Gloucestershire (Regno Unito). Per oltre dieci anni è stato direttore artistico e direttore generale dell'Orchestra da Camera di Zurigo, e prima ancora è stato direttore esecutivo della Fondazione del Concorso svizzero di musica per la gioventù e direttore d'orchestra del Teatro dell'Opera di Zurigo. Oltre a fornire una formazione musicale professionale, il nuovo rettore intende preparare gli studenti della Kalaidos University of Music in modo specifico alle "sfide imprenditoriali del mercato musicale moderno".

Nata a Losanna nel 1974, Béatrice Zawodnik è musicista, interprete, insegnante, curatrice e manager con una carriera poliedrica nei settori della cultura, della creazione e dell'educazione. Triplo diploma al Conservatorio superiore di musica di Ginevra in pedagogia musicale, pianoforte e flauto, Béatrice Zawodnik ha completato il suo percorso con diverse formazioni post-diploma in Svizzera (flauto barocco) e in Germania presso professori di fama (flauto), tra cui Heinz Holliger.

Inoltre, nel 2020, ha ricevuto il premio per il miglior Master in Amministrazione Pubblica dall'Institut de hautes études en administration publique de l'Université de Lausanne (IDHEAP). La sua carriera professionale è caratterizzata da una solida e variegata esperienza professionale, che riflette la ricchezza del suo percorso dal punto di vista artistico, pedagogico e manageriale. A livello musicale, Béatrice Zawodnik svolge da oltre vent'anni un'ampia attività con numerose orchestre ed ensemble, sia barocchi che contemporanei, in Svizzera e all'estero, e collabora regolarmente con compositori per i quali ha creato e registrato diverse opere. La sua trentennale carriera di insegnante, in particolare come docente di clavicembalo e didattica presso le scuole di musica di Ginevra, la Scuola di Musica di Ginevra e la Scuola di Musica di Losanna, le garantisce una solida conoscenza del settore dell'istruzione superiore.

Infine, in termini di gestione, Béatrice Zawodnik ha dimostrato le sue capacità anche come responsabile dell'istituzione a capo della sede di Losanna della Haute école de musique de Lausanne (HEMU) negli ultimi sei mesi. Dal 2018 lavora come responsabile del coordinamento didattico presso l'HEM Ginevra - Neuchâtel, dove ha assunto la direzione nel gennaio 2022.

Mentre non è ancora nota la prossima direzione del dipartimento di musica della Hochschule der Künste Bern, CHEMS augura il meglio per il resto della sua carriera a Graziella Contratto, che è stata la prima donna a sedere nell'associazione, e per i loro meritati pensionamenti a Frank-Thomas Mitschke e Philippe Dinkel, ringraziando calorosamente tutti e tre per il loro grande impegno, tanto positivo quanto eminentemente efficace e sostenibile, con CHEMS.

Josquin Desprez, "il maestro della musica", come lo chiamava Lutero, è stato uno dei primi compositori a vietare espressamente ai cantanti di arricchire i propri brani con ornamenti e improvvisazioni. È forse questa autorità smodata il motivo per cui due ensemble sembrano ora sfidarlo in modo irrispettoso? Un CD presenta il famoso ritratto, anche se la testa di Josquin è stata sostituita da un teschio. Josquin il non morto è il titolo della selezione di danze di morte e lamentazioni dell'ensemble belga Graindelavoix (Glossa GCDP32117). La loro esecuzione è sonicamente densa e appassionatamente languida. Ma c'è anche molto rispetto in tutto questo, perché Josquin è un revenant che non può essere ucciso.

Questa vivacità caratterizza anche l'approccio ribelle del CD dell'ensemble basilese Thélème. Il titolo Baisiez moy può essere inteso in modo piuttosto osceno. Ancora più sorprendenti, tuttavia, sono gli arrangiamenti di alcuni brani. Quando La Bernardina è eseguito da due liuti, questo è storicamente giustificabile; se in Qui belles amours il liuto e il Fender Rhodes, quella tastiera quasi leggendaria degli anni Sessanta, si aggiungono alle quattro parti vocali o in Ninfe dei boschiLa decorazione della morte di Ockeghem, anche quella delle Ondes Martenot, è sacrilega. Nessuna informazione storica e nessuna autenticità proteggono un simile allestimento. Ma è proprio questo che la rende così fresca e sfrontata. Si tratta di un approccio contemporaneo che trova continuità nel vivace stile esecutivo, che tende alla fragilità. Entrambi gli ensemble non coltivano uno stile raffinato. Tra l'altro, gli approcci interpretativi difficilmente potrebbero essere più contrastanti: Mentre la chanson in particolare Baisiez moy Mentre la musica di Graindelavoix diventa un flusso sonoro ampio e ornato, quella dell'Ensemble Thélème rimane divertente e diretta. C'est à vous, Maître Josquin, de choisir!