Sono probabilmente non più di una dozzina le composizioni di musica classica che hanno trovato un posto permanente nella coscienza pubblica. Le ragioni sono estremamente varie e vanno dal loro frequente utilizzo in occasioni ufficiali, alla radio, al cinema e alla televisione, fino a tradizioni talvolta non proprio locali. Perché, mano sul cuore, chi non ha mai sentito un'esecuzione più o meno festosa della Nona di Beethoven a San Silvestro o a Capodanno, al termine della quale il canto sembra eclissare tutto ciò che è sinfonico? Almeno in questo momento sublime, è come se - a dispetto di molte esperienze quotidiane - tutti gli uomini fossero davvero fratelli. Inoltre, questo "Inno alla gioia" non è mai stato un cattivo sostituto quando nessun inno nazionale era disponibile o sarebbe stato adatto (ad esempio in Rhodesia, in Kosovo o in occasione dell'ingresso di squadre interamente tedesche ai Giochi Olimpici). In tutti questi casi, tuttavia, i versi visionari di Friedrich Schiller non sono stati cantati, forse nemmeno presi in considerazione. Lo stesso vale (purtroppo) per il suo uso ufficiale come inno europeo (dal 1985). senza parole arrangiato da Herbert von Karajan nelle versioni per pianoforte, orchestra di fiati o orchestra.

Gli arrangiamenti non mancavano nemmeno nel XIX secolo. Anche allora, la questione cruciale era come trattare il testo e le parti vocali. La trascrizione virtuosa per pianoforte a due mani di Franz Liszt (1853), ad esempio, divenne una riduzione per pianoforte nel finale. Anni prima, Carl Czerny aveva già avuto delle riserve su una simile esecuzione in occasione del suo arrangiamento per pianoforte a quattro mani: Dove avrebbero dovuto essere inserite le parti vocali, dal momento che (come si usa ancora oggi) ai due esecutori sono assegnate le pagine sinistra e destra dell'edizione aperta? Così l'editore Probst di Lipsia pubblicò finalmente un volume per pianoforte in formato orizzontale, mentre le parti vocali furono allegate separatamente in formato verticale. In una lettera del 3 settembre 1828, Czerny fu ancora più pragmatico (e come sappiamo oggi: con capacità quasi chiaroveggenti): "Il futuro apprezzerà così tanto la grandezza della composizione musicale da dimenticare le parole".

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

La cantante e cantautrice di origine irlandese Shirley Grimes contribuisce da decenni alla vita culturale della regione di Berna. Ha contribuito con la sua versatilità musicale a vari gruppi, ma ha anche realizzato molti progetti propri.

Negli ultimi dodici anni, la violinista bernese Meret Lüthi ha costruito l'orchestra bernese di musica antica "Les Passions de l'Ame" e l'ha posizionata sulla scena musicale internazionale. Ha scoperto ed eseguito pubblicamente o registrato numerose opere barocche.

Dal 1992 la Fondazione Bürgi-Willert assegna ogni due anni un premio culturale. Il premio viene assegnato a persone che hanno arricchito la vita culturale di Berna per molti anni.

Lo statuto del 1913 dell'associazione Wiener Konzerthausgesellschaft, fondata nello stesso anno, prevedeva già la possibilità di nominare membri onorari. La prima volta che se ne fece uso fu nel 1937, quando Felix Stransky, responsabile finanziario e membro della direzione della Wiener Konzerthausgesellschaft, fu nominato primo membro onorario; il secondo fu Richard Strauss nel 1938.

La violinista di origine moldava Patricia Kopatchinskaja ha inizialmente studiato violino con Michaela Schlögl, allieva di David Oistrakh. Nel 1989 la sua famiglia è emigrata a Vienna, dove ha proseguito gli studi presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna. All'età di 21 anni si trasferisce al conservatorio di Berna con una borsa di studio. Si è laureata con lode nel 2000.

Dopo essere stata partner artistico della Saint Paul Chamber Orchestra negli Stati Uniti dal 2014 al 2018, alla fine del 2018 ha assunto la direzione artistica della Camerata Bern, con cui ha messo in scena i progetti "War and Chips" e "Time and Eternity".

Chi vuole studiare musica contemporanea a Berna beneficia della transdisciplinarità: studio, live electronics, composizione e pratica creativa, ensemble, arti sonore, teatro, arti visive, letteratura, performance, festival - tutti i collegamenti sono possibili e sono supportati da un team internazionale di docenti e da un piano di studi individuale.

Dal 2020, il programma di Master Specialised Music Performance in New Music / Création musicale della HKB farà parte di un'esclusiva rete istituzionale europea: la cooperazione internazionale Master New Music Bern-Dresden-Salzburg. Gli studenti della HKB visiteranno anche una delle altre due università di loro scelta, svilupperanno e realizzeranno progetti e li porteranno in tournée.

L'ORF Vienna Radio Symphony Orchestra avrebbe dovuto effettuare una tournée in Corea del Sud e Cina dal 10 al 21 marzo, ma il tour guidato dal direttore finlandese John Storgards è stato completamente cancellato. Il motivo è la diffusione del coronavirus in Cina, che sta avendo un impatto negativo anche sulla vita culturale della Corea del Sud.

Inizialmente, i due concerti previsti in Cina sono stati cancellati dall'organizzatore all'inizio di febbraio, e una settimana dopo uno degli organizzatori si è ritirato anche dalla Corea. I concerti rimanenti in Corea non possono più essere eseguiti dall'orchestra.

A causa dell'ondata di infezioni, anche il tour di concerti a lungo pianificato dal Festival Strings Lucerne con Midori, che avrebbe dovuto girare in diversi Paesi dell'Asia orientale a marzo, ha dovuto essere cancellato. Anche una tournée ridotta, senza i concerti previsti nella Cina continentale, non è più possibile a causa delle norme più severe in materia di viaggi e dell'interruzione della vita pubblica nelle località previste per il tour, come Hong Kong. I concerti cancellati saranno riprogrammati il prima possibile.

Sono stati programmati concerti a Singapore e Seoul, nonché nelle città cinesi di Shanghai, Changsha e Zhuhai e un'esibizione all'Hong Kong Arts Festival, dove il Festival Strings Lucerne è ospite dal 1978. L'Hong Kong Arts Festival, uno dei festival più rinomati dell'Asia, quest'anno è stato addirittura completamente cancellato con oltre 120 eventi. Un evento unico nei quasi 50 anni di storia del festival.

Inizialmente Dodo Hug ha calcato il palcoscenico con Christoph Marthaler & Pepe Solbach, tra gli altri, e successivamente ha fondato il suo ensemble Mad Dodo. Dal 1994 collabora con il musicista e cantautore sardo Efisio Contini, che è anche il suo compagno. Dal 2004 ha la doppia cittadinanza italiana e svizzera.

I due premi di sponsorizzazione di quest'anno, pari a 30.000 franchi ciascuno, vanno alla rete Bla*sh e al duo di musicisti Eclecta. Bla*sh - abbreviazione di Black She - è una rete di donne nere mediatrici culturali e artiste della Svizzera tedesca, fondata a Zurigo nel 2013. La rete si impegna per l'empowerment delle donne nere in una società in cui la bianchezza e la mascolinità sono ancora considerate la norma.

Eclecta è sinonimo di uno spettacolo pirotecnico musicale decisamente eclettico ed elettrizzante. Ne sono responsabili le musiciste Andrina Bollinger (*1991) e Marena Whitcher (*1990). Esse cantano, rantolano, urlano e sussurrano la loro strada nella musica. Persino glockenspiel rotti, pianoforti difettosi, palloncini o carte perforate trovano spazio nelle canzoni. I musicisti hanno studiato jazz a Zurigo e hanno iniziato a liberarsi dei loro paraocchi musicali fin da subito nelle loro formazioni.

Il Conservatorio statale del Vorarlberg ha ospitato un simposio per professionisti della cultura e della musica il 4 e 5 febbraio. Il tema "Musica e società" ha riunito circa 170 partecipanti provenienti dalla regione dei quattro Paesi nel Montforthaus Feldkirch insieme. Oltre alle presentazioni e ai contributi, si sono svolti vivaci dibattiti nei turni di discussione e il primo formato in assoluto è stato utilizzato per lo scambio di idee.

Martin Tröndle (Università Zeppelin di Friedrichshafen) ha gettato le basi per i dibattiti successivi con la sua relazione sulla "ricerca dei non visitatori": le istituzioni culturali (nel senso stretto di teatri, teatri d'opera e sale da concerto classiche) sono note come luoghi in cui si trova solo una piccola parte della società. Tuttavia, non è ancora chiaro chi si lascia sfuggire le numerose offerte del settore classico e, soprattutto, per quali ragioni. Alcuni risultati di uno studio (condotto a Berlino nel 2019 con circa 1.300 giovani universitari) sono qui brevemente menzionati: le pagine dedicate alla classica sono poco utilizzate come luogo di informazione e preparazione, mentre le informazioni offline e gli amici sono la seconda fonte più importante dopo internet.

La mancanza di tempo e di denaro sono spesso citati come motivi per non partecipare agli eventi tradizionali; tuttavia, non sono determinanti per il comportamento dei visitatori. Tröndle parla di 11 % di cosiddetti "mai-visitatori", che è inutile cercare di attirare; vale più la pena perché è più promettente conoscere i circa 20 % di "non ancora" e "forse-visitatori". Le istituzioni possono chiedersi come offrire "prossimità" a tutti i livelli possibili e come rendere i loro locali e i loro programmi invitanti per tutti coloro che vogliono cultura.

La sala da concerto di Blaibach, nella Foresta Bavarese, un progetto locale che è diventato noto anche al di fuori della regione, è stata finanziata in gran parte da programmi di sviluppo urbano. Anche in questo caso, come per molti altri organizzatori, esiste il ben noto problema dei costi di gestione dei programmi. Nel frattempo, qui si è rinunciato completamente ai finanziamenti pubblici, troppo insignificanti rispetto allo sforzo necessario per ottenerli. Il direttore artistico Thomas E. Bauer sostiene con passione che esiste un diritto alla cultura di primo piano, all'istruzione e alle infrastrutture, anche nelle zone rurali.

La serie di concerti "Montforter Zwischentöne" cerca la rilevanza regionale coinvolgendo le comunità locali, suonando negli spazi urbani e avendo un impatto che va oltre Feldkirch, nella valle del Reno con i suoi 250.000 abitanti. Nelle sue produzioni, i temi della regione vengono ripresi ed elaborati artisticamente in nuovi formati concertistici; la partecipazione significa prendere sul serio la "competenza dell'utente" quanto la competenza.

Christine Rhomberg (Hilti Foundation) ha fornito un esempio di promozione pratica dei talenti con la sua relazione sull'impegno "Musica per il cambiamento sociale" e ha introdotto il secondo tema principale dell'incontro: Come si può dare ai musicisti la possibilità di essere coinvolti in contesti sociali mentre sono ancora in formazione? Sono necessarie persone creative e collaborazioni intelligenti per combinare il business musicale consolidato e le iniziative socio-musicali come JeKi o Superar in modo sostenibile e redditizio.

È un compito urgente avvicinare gli studi musicali e la formazione degli insegnanti per colmare le devastanti lacune nella formazione musicale di base dei bambini. Questo aspetto è stato sottolineato anche da Peter Heiler della Scuola di Musica di Bregenz: "Per una 'scuola di musica nella scuola' sono necessari insegnanti di musica che abbiano in mente l'intero spettro di 'educare - imparare - suonare', dato che il sostegno dei genitori è sempre minore".

Il simposio è stato arricchito da un programma musicale che ha visto esibirsi diversi ensemble del Conservatorio di Stato del Vorarlberg e il coro Superar (diretto da Magdalena Fingerlos). La fase finale del Concorso Hugo - un concorso studentesco internazionale organizzato da Montforter Zwischentöne per nuovi formati di concerto - ha presentato quattro squadre di accademie musicali di lingua tedesca con idee sul tema "Taking detours". Il collettivo XYlit di Lipsia ha conquistato la giuria e il pubblico con il suo progetto "Traumlandschaft"; i vincitori del concorso Hugo hanno ricevuto 1000 euro di premio e potranno ora sviluppare il loro progetto con un budget di produzione professionale per il festival estivo Montforter Zwischentöne.

Il simposio è stato un preludio di successo per ulteriori scambi tra la musica e la società ed è stato collocato in una posizione intelligente: Il Landeskonservatorium ha appena richiesto l'accreditamento come università musicale. Per il direttore artistico, Jörg Maria Ortwein, la sua istituzione e il simposio sono ugualmente importanti come "fonte di ispirazione per approcci innovativi". L'obiettivo è quello di affermare l'emergente università musicale privata come piattaforma ideale per lo sviluppo di personalità artistiche con un impatto multilivello sulla società".

Nato da una famiglia aristocratica nel 1905 e cresciuto nel Castello di Valva, vicino a Napoli, portava il titolo di Conte d'Ayala Valva. "Già da bambino, a tre anni, improvvisava per ore sul pianoforte con i piedi, le braccia e i gomiti e non voleva essere disturbato per nessun motivo", racconta la pianista Marianne Schroeder, che ha conosciuto Scelsi personalmente e ha lavorato con lui.

Come pianista, fu in gran parte autodidatta. In seguito studiò composizione con tre insegnanti: lo specialista di Debussy Giacinto Sallustio a Roma, Egon Köhler, seguace di Scriabin, a Ginevra e la tecnica dodecafonica con l'allievo di Schoenberg Walter Klein a Vienna. Questi studi si svolsero al di fuori del mondo accademico, da cui si tenne deliberatamente a distanza e per cui fu talvolta disprezzato o ridicolizzato. Marianne Schroeder racconta con entusiasmo un concerto del 1979 nella Hans-Huber-Saal di Basilea, in cui Jürg Wittenbach eseguì opere di Scelsi. Era presente anche il soprano giapponese e specialista di Scelsi Michiko Hirayama. Nel 2014, Schroeder ha invitato l'ormai novantenne cantante al suo primo festival di Scelsi alla Gare du Nord. "È stato incredibile: ha cantato un programma di un'ora e mezza con l'opera di Canti del Capricornoche le sono stati dedicati".

Durante la Seconda guerra mondiale, Scelsi ha lottato con problemi nervosi e si è sempre più interessato allo spiritismo, rivolgendosi agli insegnamenti dell'Estremo Oriente e praticando intensamente lo yoga. Credeva di ricevere la sua musica come messaggi dall'aldilà, ad esempio dalle divinità indù: "Sono solo un medium al servizio di qualcosa di molto più grande di me", dice nel ritratto del film. Il primo movimento dell'opera non mossa dall'anno 2018.

Era alla ricerca di microtonalità, sempre alla ricerca di frizioni, seconde minori e settime. Nel 1965 smise di improvvisare al pianoforte e iniziò a lavorare con l'Ondiola, il primo strumento elettronico su cui si potevano impostare le altezze.

Marianne Schroeder, insegnante di pianoforte presso la Scuola di Musica di Basilea all'inizio della sua carriera, afferma: "Mi sono sentita felice solo quando ho iniziato a suonare musica moderna. Ho sempre avuto successo con essa". Ha studiato Bartók, Stockhausen, Feldman e Cage. "Scelsi è stata una conseguenza logica di tutto ciò", è convinta. Dopo l'esperienza iniziale del concerto di Scelsi a Basilea, ci sono voluti altri cinque anni prima che trovasse il coraggio di chiamare il maestro: "Nel 1984 ero a Darmstadt quando è arrivato come un fulmine: ora devo suonare Scelsi". L'anno successivo incontrò il maestro a Roma. Le fece tre domande: "Quanti anni hai? Che tipo di musica suoni? Fai yoga?". Lei non faceva yoga, ma iniziò subito dopo la morte di Scelsi (1988) e ancora oggi lo pratica intensamente: "Scelsi era estremamente gentile e calmo, una persona che voleva solo il meglio per te". Poiché lavorava sempre di notte, lo si poteva incontrare solo dopo le 16.00. Scelsi chiedeva spesso: "Hai improvvisato oggi?". Per lui era estremamente importante che un musicista lasciasse che la musica emergesse da dentro.

Secondo Scelsi, non si poteva ascoltare la sua musica per più di dieci minuti alla volta, perché era troppo eruttiva. Oggi siamo più avanti, dice Schroeder: "C'è qualcosa nella musica di Scelsi che è emotivamente giusto. C'è qualcosa di naturale, fondamentale e non influenzato".

Dopo un concerto a Roma, Schroeder ebbe la sua seconda importante ispirazione: "Ora organizzerò un festival". Ha trovato un project manager in Anja Wernicke e la prima edizione di tre giorni è stata organizzata con successo nel gennaio 2014. Ad eccezione del 2015, il festival è sempre stato ospitato dalla Gare du Nord. Tuttavia, il primo giorno si svolge tradizionalmente al Fachwerk Allschwil, come quest'anno il 2 febbraio. Il programma prevedeva innanzitutto un workshop di canto con Amit Sharma, seguito da una lettura dell'opera autobiografica di Scelsi, Il sogno 101. La musica era interamente dedicata al pianoforte. Sono stati eseguiti Cinque incantesimi (1953), eseguito da Marija Skender. Questi brani sono tra le opere pianistiche più conosciute del compositore. Furono scritti nell'arco di diversi anni in improvvisazioni notturne registrate su nastro. Musica d'azione 1-4 (1955), interpretato da Giusy Caruso, risale al periodo in cui Scelsi si ispirò all'action painting di Jackson Pollock, tra gli altri, a New York. Marianne Schroeder ha concluso il programma con I Capricci di TY, Suite n. 6 (1938-39), che intendono descrivere i capricci della moglie Dorothy.

Altre tre giornate di festival sono previste dal 7 al 9 maggio ad Allschwil (questa volta la Gare du Nord non è disponibile per motivi organizzativi). È stata confermata una masterclass dal titolo "L'arte di cantare Scelsi" con il soprano e allieva di Michiko Hirayama, Maki Ota. Marianne Schroeder è piena di entusiasmo e di idee per il programma, ma si rammarica anche di poter fare solo progetti a breve termine a causa del suo sovraccarico di lavoro: "Le prime opere monumentali di Scelsi sarebbero un sogno che si avvera". La nascita del verbo con orchestra e coro, ma questo richiede almeno due anni di preparazione".

No, Beethoven come persona non compare in quest'opera. Anche la sua musica è citata in modo riconoscibile solo una volta, quando verso la fine, come un commento da fuori scena, il quartetto vocale Mir ist so wunderbar da Fidelio si sente. Ma la figlia di Beethoven è al centro della scena e si chiama Minona. Come può una persona informata anche solo a metà sulla storia della musica pensare che la paternità di Beethoven non sia menzionata da nessuna parte nella letteratura?

Ma è certamente possibile. Almeno questa è la tesi di Jüri Reinvere, autore dell'opera Minonache è stata presentata in anteprima a Ratisbona, in Baviera, all'inizio del cosiddetto Anno Beethoveniano. Il compositore, nato in Estonia nel 1971 e residente a Francoforte sul Meno da diversi anni, prima di scrivere il libretto ha condotto una ricerca meticolosa per avvalorare la sua ipotesi e quindi la trama dell'opera. Tra le altre cose, ha trovato nella sua città natale, Tallinn, dei documenti che forniscono una visione approfondita della storia della famiglia di Minona.

Al centro della storia c'è la persona misteriosa a cui Beethoven dedicò il suo ciclo di canzoni. All'amante lontano del 1816 e che presumibilmente è identica all'"amata immortale" a cui indirizzò una lettera nel 1812 dopo un breve soggiorno a Praga, ma che non inviò mai.

Reinvere sospetta che questa figura, di cui Beethoven custodiva accuratamente l'anonimato, fosse la contessa ungherese Josephine von Brunsvik, sposata con von Stackelberg; era l'allieva di pianoforte di Beethoven e lui si sentiva, come è dimostrato, fortemente attratto da lei. In quei giorni di luglio del 1812, quando Beethoven si trovava a Praga, si dice che l'abbia incontrata segretamente, secondo la teoria di Reinvere, e che sia successo proprio allora. Ma ci sono solo prove circostanziali, nessuna prova che Josephine fosse a Praga in quel momento. Ma c'era anche un'altra donna molto vicina a Beethoven: Antonie Brentano. Probabilmente la nebbia biografica non sarà mai completamente diradata.

La ricerca storica è una cosa, la libertà artistica un'altra. Reinvere, che bilancia sapientemente realtà e finzione, si è attenuto alla variante di Brunsvik e l'ha trasformata in un libretto che si presta perfettamente all'opera: il possibile incontro tra Beethoven e Giuseppina a Praga ha delle conseguenze, che vanno sotto il nome di Minona.

In realtà - e qui entra di nuovo in gioco la realtà - la bambina nacque esattamente nove mesi dopo l'infausta data di Praga e fu battezzata Minona von Stackelberg. Tuttavia, Giuseppina e suo marito, il barone von Stackelberg, avevano già divorziato nel luglio del 1812 e vivevano separati - honi soit qui mal y pense. Nell'opera, la contessa von Goltz, a cui la sconvolta Giuseppina racconta il suo sconveniente passo falso, raccomanda la ben nota ricetta: via a Vienna, al freddo letto matrimoniale! Un figlio da questo solitario amante di Beethoven sarebbe la rovina sociale.

Questo prequel è raccontato nelle prime due scene dell'opera. Il resto dell'opera in due atti descrive la vita della vera Minona. La donna diventa ora il personaggio principale dell'opera. La vediamo da giovane e da vecchia, a volte in entrambe le scene. È un personaggio cosiddetto difficile; come un Kaspar Hauser al femminile, è alla ricerca per tutta la vita della sua identità, una figura tragica stretta tra due padri. Uno, il combattente per gli alti ideali, da cui si sente inspiegabilmente attratta, è presente solo nei suoi geni e nel suo subconscio. L'altro, fanatico protestante ed educatore tirannico, domina la sua esistenza reale con violenza fisica e psicologica. La ragazza perisce tra questi due poli.

Verso la fine, le lettere d'amore di Beethoven a sua madre Josephine le vengono consegnate come ereditiera. Ora sente che i suoi sospetti sono stati confermati e sa chi è. Appare la figura di Leonore, allegoria dell'amore ideale, e si apre un dialogo filosofico sulla vera natura dell'amore. Minona si rende conto che i suoi sentimenti si sono atrofizzati sotto la pressione della sua educazione pia e che non ha mai vissuto la sua vita: "Non sono mai esistita... non so da dove vengo, non so chi mi ha voluta". Minona, letto al contrario, significa "anonimo". Ciò che rimane è la disperazione e il vuoto. Leggermente storditi, sgattaiolate fuori dal teatro.

La commedia in due atti, a metà strada tra un dramma stazionario e un'arguta conversazione, intreccia abilmente tempi e ambientazioni. Le ampie parti dialogiche sono elaborate con grande cura; prevale un tono arioso, che non pregiudica la comprensibilità delle parole. Il canto è sostenuto da un suono orchestrale potente e fluente. Essa risplende di colori ricchi, non sembra mai ponderosa e, sorprendentemente, non affossa mai le voci cantanti, ma piuttosto le trasporta. Diversi commenti orchestrali forniscono climax espressivi, e quello all'inizio dell'ultima scena aggiunge una dimensione apocalittica agli eventi sempre più cupi. La sezione finale si trascina, ma nel complesso il disegno musicale fornisce una tensione interna sia in termini di architettura che di dettagli.

La produzione non era priva di punti deboli. Ciò non è dovuto al palcoscenico di Marc Weeger. Con una struttura metallica che strutturava abilmente lo spazio e il meccanismo del palcoscenico girevole, ha creato le condizioni per rapidi cambi di scena e decorazioni espressive. Il regista Hendrik Müller, invece, ha creduto di dover abbellire lo spettacolo con ogni sorta di ingredienti inverosimili. All'inizio, la nonna pianista del Reich, Elly Ney, attraversa la scena con gesti solenni, ponendo immediatamente la musica di Beethoven sotto il sospetto nazista, oggi uno dei mezzi preferiti della critica culturale progressista.

Nel film di Stackelberg, l'ambiente protestante bigotto è aiutato da un piccolo esorcismo e il personaggio di Beethoven, Leonore, appare alla fine come un medico maligno in camice bianco che dà a Minona pillole suicide e spara rapidamente ai servi ladri al suo passaggio. Con pistole con silenziatore, naturalmente, proprio come i mafiosi. Autorealizzazione creativa in onore, ma per favore sul palcoscenico sperimentale e non alla prima di un'opera completa, dove sarebbe importante prima chiarire i contorni dell'opera e non decostruirla subito.

L'enciclopedia online è il risultato di un'iniziativa della musicologa Irène Minder-Jeanneret. La musicologa ha trovato partner nella Società svizzera di ricerca musicale (SMG) e nel Consiglio svizzero della musica (SMR). Inizialmente il progetto è stato ostacolato dalla mancanza di basi legali e di risorse finanziarie.

Sotto la direzione di Cristina Urchueguía (Università di Berna), Marco Jorio (ex direttore del Dizionario storico della Svizzera HLS), Irène Minder-Jeanneret, Pio Pellizzari (ex direttore della Fonoteca nazionale svizzera), Stefanie Stadler (Università di Zurigo) e Stefano Kunz (responsabile del progetto presso il Consiglio svizzero della musica) hanno lavorato su base volontaria per sviluppare le basi del nuovo Dizionario musicale svizzero (MLS).

La versione beta dell'MLS comprende attualmente i vecchi articoli biografici su 6800 persone apparsi nelle enciclopedie musicali pubblicate finora. Essi costituiscono la base per la seconda fase: lo sviluppo di nuovi articoli sulle biografie dei musicisti, sulla storia della musica nei cantoni e nei comuni più grandi e sugli articoli di argomento storico-musicale.

Il MLS è pubblicato online, è accessibile gratuitamente e in futuro sarà interattivo, multilingue e multimediale. Un ulteriore vantaggio rispetto alle fonti utilizzate è il fitto collegamento degli articoli alle enciclopedie online liberamente accessibili e ai dati bibliografici standard.

Come ha spiegato Cristina Urchueguía in occasione di una conferenza stampa sul progetto, una delle sfide principali della MLS sarà quella di dare visibilità non solo ai tradizionali articoli sulle persone, ma soprattutto alle istituzioni che hanno plasmato la vita musicale svizzera: club, società, fondazioni, locali e così via.

Versione beta dell'MLS: https://mls.0807.dasch.swiss/home

Solo molto raramente (anzi, quasi mai) un pianista oggi osa improvvisare una di quelle cadenze così enfaticamente richieste dall'accordo sei-quattro dell'orchestra in un concerto per pianoforte e orchestra dei decenni intorno al 1800. L'arte di condurre motivi, temi e chiavi in modo interessante, piacevole e, soprattutto, indipendente, che all'epoca era ancora data per scontata, cadde nell'oblio in sole due o tre generazioni. Al contrario, si affermarono elaborate cadenze, che potevano essere scelte liberamente e suonate semplicemente. Persino Beethoven le realizzò su richiesta, e in seguito pianisti e compositori famosi ne seguirono l'esempio: Brahms, Bülow, Busoni, Fauré, Godowsky, Liszt, Medtner, Moscheles, Reinecke, Rubinstein, Saint-Saëns, Clara Schumann, solo per citarne alcuni.

L'antico spirito dell'improvvisazione parla anche dalla Fantasia op. 77 - anche se gli analisti hanno spesso tentato di scrostare i minimi riferimenti motivazionali per difendere il compositore dall'impopolarità dell'opera. Eppure Beethoven non fu solo un compositore dalle intuizioni lungimiranti e profonde, ma anche (e questo viene spesso trascurato) un pianista praticante per la maggior parte della sua vita. Anche Carl Czerny, nel suo L'arte della conferenza (1842) ha fatto esplicito riferimento a questo fatto: "Questa fantasia molto arguta dà un'immagine fedele del modo in cui egli Beethoven era solito improvvisare quando non voleva realizzare un tema particolare, e quindi si lasciava andare al suo genio nell'inventare motivi sempre nuovi". Ciò non è necessariamente contraddetto dal fatto che gli schizzi dell'opera possono essere provati e che l'autografo è stato scritto in una splendida calligrafia domenicale: Ogni buona improvvisazione (anche nel jazz) dovrebbe essere preparata in qualche modo, anche solo mentalmente. Ma se guardiamo al contesto musicale del 1809, l'opera 77 di Beethoven, con la sua combinazione di libera fantasia e di una breve sequenza di variazioni (figurative), che oggi sembra strana, non sembra essere stata altro che all'altezza del suo tempo. Ciò è a sua volta confermato da Czerny, che nel suo Istruzioni per fantasticare (1829) raccomanda un'improvvisazione più lunga e la ritiene consigliabile, "se ci sono echi dell'argomento successivo e l'insieme costituisce un'introduzione adeguata".. Anche numerose opere a lungo dimenticate di altri compositori rivelano questa struttura (Hummel, Steibelt...). Nel caso di Beethoven, tuttavia, la fantasia (stampata), come molte altre, è rimasta singolare.

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È stato un po' sconcertante quando Raphael Immoos ha guidato i cantanti nella sala da concerto, il 9 febbraio, dopo il Gloria dell'opera. Missa "Defensor Pacis nelle prime file della chiesa di San Pietro e Paolo a Zurigo e ha preso il microfono. Ma quello che i Madrigalisti di Basilea hanno presentato quella sera sotto la guida del loro direttore d'orchestra e artistico richiedeva davvero qualche spiegazione. Il compositore dell'opera, il musicista nato a Gersau SZ nel 1904, aveva già bisogno di un commento introduttivo Benno Ammann. Può essere giustamente descritto come un tipico rappresentante di quei profeti che sono più riconosciuti all'estero che in patria. Dopo la seconda guerra mondiale ebbe un certo successo internazionale come direttore d'orchestra, che però ebbe poca risonanza in Svizzera. Non è chiaro perché in seguito non abbia proseguito questa carriera e si sia limitato a dirigere alcuni cori nella regione di Basilea.

È probabile che Ammann avesse bisogno di più tempo per comporre. Alla sua morte, avvenuta a Roma nel 1986, aveva creato una vasta opera di circa 600 lavori, la cui affascinante ampiezza stilistica spaziava dalle armonie tardo-romantiche del suo maestro di Lipsia Sigfrid Karg-Elert alle opere a tonalità libera e dodecafonica e al serialismo. A partire dagli anni Cinquanta si concentrò sulla musica elettroacustica, per la cui realizzazione si recò fino alla fine in studi elettronici da Roma a New York.

L'opera in sé ha poi richiesto ulteriori spiegazioni. Il Missa "Defensor Pacis (Difensore della pace) in onore di Niklaus von Flüe fu composta nell'immediato dopoguerra e fu eseguita in prima assoluta nella Cappella Sistina in occasione della canonizzazione di Fra Nicola, che fece scalpore. Purtroppo, a questo inizio trionfale seguì subito un crollo: l'opera scomparve nell'oblio e solo ora è stata resuscitata - quest'anno riceverà la prima svizzera in otto concerti.

Nell'introduzione, Raphael Immoos ha dichiarato che la riscoperta di quest'opera farà scalpore, che il brano sarà significativo quanto la Messa di Frank Martin, anch'essa rimasta a lungo sconosciuta. Ma anche se Immoos ha una grande esperienza nel trattare pezzi sconosciuti, nella loro ricerca e nel loro rilancio, una previsione così alta non è ancora stata confermata. Tuttavia, il concerto di Zurigo ha dimostrato che l'opera di Ammann Missa "Defensor Pacis" ad 6-12 voces inaequales è un'opera impressionante che non ha bisogno di sottrarsi al confronto con Martin.

Ricordando il Rinascimento fiammingo e lo stile di Palestrina, si muove in uno spazio tonale o modale, lasciando la sua modernità nel Kyrie e Gloria solo in occasionali dissonanze. Nonostante la complessa linearità, le voci si uniscono ripetutamente per formare superfici sonore moderne. A partire dalla metà dell'opera, il Offertoriola preghiera di San Nicola di Flüe, il tono cambia. Ciò che prima era ancora austero in alcuni punti diventa improvvisamente più orecchiabile e sensuale. L'opera è ora caratterizzata da suoni quasi mitici. Le singole voci si innalzano come invocazioni dall'insieme e permettono all'individuo di emergere. Soprattutto il Agnus Dei con il suo fascino, la sua tranquillità e la sua pace. Dona-nobis-pacem-invocazione, ha lasciato una persona commossa.

Il forte effetto è dovuto anche all'esecuzione dei Madrigalisti di Basilea. Hanno padroneggiato la difficile partitura, costellata di molti passaggi difficili, con ritmo e intonazione magistrali, rimanendo chiaramente udibili e comprensibili anche nella polifonia. Con l'aumentare della familiarità, l'uno o l'altro passaggio sarà certamente padroneggiato in modo un po' più agevole.

La seconda introduzione della serata era in realtà dedicata all'opera del compositore Joachim Raff, nato a Lachen nel 1822, di cui è stato presentato in anteprima un frammento. Il discorso di Immoo, tuttavia, si è trasformato in un appassionato appello a favore della musica svizzera, troppo poco apprezzata in questo Paese. L'opera di Raff, ad esempio, che è stata anche eseguita Pater Noster è certamente paragonabile alla controparte verdiana. E anche se non si condivide del tutto quest'ultima valutazione, l'entusiasmo e l'impegno di Immoos per il trascurato patrimonio musicale svizzero sono contagiosi - al di là della serata! L'anno prossimo i Basler Madrigalisten non solo realizzeranno una produzione in CD della Messa di Ammann, ma la ristamperanno anche per Hug Musikverlag e la metteranno a disposizione di altri cori. Sarebbe bello se questa iniziativa di un ensemble di alto livello potesse effettivamente aiutare l'opera ad avere un impatto più ampio. Almeno per i cori amatoriali ambiziosi, affrontare la Missa "Defensor Pacis" potrebbe essere un'impresa degna di nota.

Prima il Orchestra sinfonica sotto la guida del direttore principale Ivor Bolton parti dell'opera di Beethoven Prometeo-Il balletto, che è stato ballato da bambini in età da scuola elementare, è stato seguito da alcuni brevi brani eseguiti dai membri più giovani dell'orchestra della scuola Insel. Infine, l'orchestra sinfonica "Side-by-Side" ha eseguito il brano di Beethoven Musica per un balletto di cavalieri. Il direttore d'orchestra era nientemeno che il pianista di fama mondiale Lars Vogt, che da anni è leader con il suo progetto Rapsodia nella scuola celebra i successi.

La serata nel Musicaltheater Basel, molto frequentato, è stata il risultato di una collaborazione di lunga data tra l'orchestra sinfonica e l'insegnante di musica Dorothee Mariani: sette anni fa ha fondato una scuola d'orchestra nell'edificio scolastico Insel di Kleinbasel, che ospita un variopinto mix di nazionalità. Da allora, i bambini di età compresa tra gli 8 e i 12 anni possono imparare a suonare uno strumento a corda con il sostegno dell'Orchestra Sinfonica di Basilea, che invia regolarmente il suo violinista László Fogarassy alla scuola.

Al concerto, una cinquantina di bambini hanno dato prova di abilità e concentrazione sul palco e poi tra il pubblico. La meticolosità e la sensibilità con cui i bambini si sono esibiti sul palcoscenico, al cospetto di una musica brillantemente eseguita Prometeo-Musica.

Foto: Benno Hunziker / Orchestra Sinfonica di Basilea

La coreografa Rebecca Weingartner, che prova con i bambini dal novembre 2019, ha messo a segno un vero e proprio colpo da maestro. A seconda del livello e dell'età dei bambini, tutti vestiti di nero, c'erano tre gruppi che muovevano la testa, il corpo e le braccia a ritmo di musica o "giravano" intorno al palco. Molto concentrati, seguendo la musica e senza alcun "abbandono", i giovani interpreti hanno portato a termine la coreografia, costellata di entrate e uscite, al ritmo di una musica coinvolgente.

I brevi brani serbi, albanesi, ucraini e scozzesi suonati e cantati in seguito sotto la direzione di Dorothee Mariani hanno mostrato quanto sia difficile il percorso dai principianti agli avanzati e quanto si sia rilassato il fare musica dopo che alcuni musicisti dell'orchestra sinfonica si sono mescolati ai bambini. È stato un buon o un cattivo presagio per ciò che sarebbe seguito?

Il direttore artistico Hans-Georg Hoffmann, che ha condotto la serata in modo rilassato e spiritoso, si è entusiasmato per l'imminente Balletto dei cavalieri. Ha chiacchierato animatamente con due musicisti, il violista Fabian e Chukwu Cherem, la cui sorella Happyness era già nell'orchestra al violoncello, e si è concentrato sull'avventura "fianco a fianco".

Dorothee Mariani ha preparato i bambini più avanzati con l'aiuto di László Fogarassy dall'agosto 2019. "I bambini devono avere un contatto con gli strumenti a corda, soprattutto in una scuola primaria così multinazionale", ha detto Fogarassy a proposito del suo coinvolgimento. "La disciplina necessaria per eseguire concerti di alta qualità rimane nella memoria dei bambini".

Lars Vogt, che ha dato gli ultimi ritocchi alla "Insel-Sinfonieorchester", composta da professionisti e bambini, in due prove, è rimasto entusiasta del lavoro e del risultato. È stato davvero toccante vedere la gioia e l'entusiasmo con cui la variopinta orchestra mista ha eseguito l'opera di Beethoven. Balletto dei cavalieri-musica sotto la sua vivace direzione.

Ma non è finita qui: Vogt ha suonato il 5° Concerto per pianoforte di Beethoven con l'Orchestra Sinfonica di Basilea, avvincente e drammatico, ma anche lirico e sottile. Un finale di successo, che i bambini dell'isola - ora in platea, dove erano seduti anche molti dei loro parenti - hanno ascoltato con sorprendente calma ed emozione. La serata è durata quasi due ore senza pause. Un alto livello di concentrazione e la riuscita combinazione di un progetto educativo con la prova generale dell'orchestra, che poi andrà in tournée con questo programma - senza bambini, ma con l'attore Peter Simonischek come narratore.

Foto: Benno Hunziker / Orchestra Sinfonica di Basilea

Orchesterschule Insel sotto la direzione di Dorothee Mariani

Sostenuta da Renaud Capuçon, direttore artistico del festival, la giuria ha assegnato all'unanimità il Prix Thierry Scherz di quest'anno a Jean-Paul Gasparian. Il giovane pianista registrerà un CD con l'Orchestre de chambre de Lausanne e l'etichetta Claves Records, che si occuperà anche della promozione, nella seconda metà del 2020.

Il Prix André Hoffmann mira a far conoscere la musica classica contemporanea. Ogni anno, un compositore contemporaneo scrive un pezzo per i Sommets Musicaux, che viene eseguito durante il festival. La Fondazione André Hoffmann finanzia la composizione dell'opera, che viene eseguita in anteprima a Gstaad, e il soggiorno del compositore.

Camille Pépin, quest'anno compositore in residenza a Gstaad, ha composto il brano "Number 1" per questa edizione del festival. Aaron Pilsen ha vinto il premio di 5.000 franchi svizzeri per la migliore interpretazione di questo brano contemporaneo.

Si tratta di un interessante progetto avviato dal direttore del Teatro di Lucerna, Benedikt von Peter: Un'opera autenticamente lucernese in cui la Bürgermusik Lucerne brass band, composta da professionisti e dilettanti, siede nella buca dell'orchestra, diretta dal suo direttore Michael Bach. La scenografia è stata creata dall'artista di origami di Lucerna Sipho Mabona e la maggior parte del personale di scena fa parte dell'ensemble.

La musica è stata fornita da Manuel Renggli di Lucerna, che non solo si cimenta per la prima volta nella composizione di teatro musicale, ma presenta anche una "opera di ottoni" in prima mondiale. La sua partitura richiede 25 ottoni, quattro percussionisti e un sintetizzatore. Una formazione audace e "rumorosa" nel piccolo teatro di Lucerna, motivo per cui gli interpreti sono stati dotati di microfoni. Quindi più musical che opera?

Il testo è stato scritto dal bernese Michael Fehr, vincitore del Premio svizzero di letteratura 2018, che si definisce un narratore. Giungla ne è un esempio eloquente: la narrazione è al centro della scena, una favola moderna, una parabola tra la fine della grande città e la distruzione della giungla, che egli racconta con immagini poetiche:

Brahma, una ragazza che vive per strada, trascurata dalla madre alcolizzata Raja, prende una manciata di pillole dal figlio del "Barone Rosso" e sprofonda in un mondo in cui realtà e allucinazione si confondono. Incontra ratti, scimmie, un serpente, formiche e una pantera. È una trama con immagini dai colori forti, raccontata con uno stile linguistico unico che comprende ritmo e ridondanze volute. Ma non è un libretto che porta avanti la serata: nessun dramma, nessun confronto o dialogo tra gli avversari, nessuno sviluppo dei personaggi. Alla fine, Brahma è di nuovo la ragazza stracciona della grande città. L'attenzione è quindi rivolta principalmente alle immagini e ai sentimenti interiori della triste protagonista. Con Ina Langensand, anche lei è interpretata da un'attrice con una performance ammaliante. La storia è raccontata dall'attore Walter Sigi Arnold, che interpreta brillantemente anche Panther.

La scena di Lucerna è dominata dagli oggetti astratti di origami di Sipho Mabona, immagini inebrianti, piene di colori (illuminazione: Clemens Gorzella) e di forme bizzarre, su cui le proiezioni video (Rebecca Stofer) suggeriscono i luoghi degli eventi. E la musica? Dovrebbe sviluppare una propria dimensione, riempiendo le visioni oniriche di colori, drammi o "melodie" elegiache.

Ma di questo c'è ben poco: elaborazione armonica, esplorazione della ricchezza sonora degli ottoni o diversificazione ritmica - non si trovano da nessuna parte. La musica, trasportata da schemi simili che si ripetono all'infinito, si increspa. Tuttavia, questa monotonia musicale è dovuta in gran parte anche al non-libretto, che non offre alcun tipo di mordente drammaturgico.

Cambi come le sincopi jazzistiche durante la danza delle scimmie o il climax trionfale alla fine rimangono un'eccezione. Inoltre, spesso si utilizzano sordine per evitare di annegare i cantanti nonostante il microfono. Giungla ricorda un film, con immagini che sfrecciano accompagnate dalla musica. La Bürgermusik, composta principalmente da dilettanti, suona bene sotto l'abile direzione di Michael Bach, ma non riesce a esprimere tutto il suo potenziale.

Il regista Tom Ryser, insieme all'eccellente ensemble, riesce nell'impresa di tenere il pubblico con il fiato sospeso. L'alternanza tra serietà e slapstick è abile e il cast di cantanti e attori dà il meglio di sé. La scenografia di Birgit Künzler è ingegnosa e gestisce brillantemente l'equilibrio tra un mondo favoloso rappresentato da persone.

C'è Hubert Wild nei panni di un "Uomo piumato" sul modello di Papageno, che passa dalla voce di controtenore a quella di baritono con virtuosismo. Anche l'espressiva Rebecca Krynski Cox nel ruolo dell'ubriaco Raja lascia il segno. E Diana Schnürpel nel ruolo del serpente Atlanta, con la sua coloratura melismatica e sinuosa, ci ricorda quanto sia grande la sua Regina della Notte.

Nel libretto del programma, Manuel Renggli descrive il forte ritmo linguistico dell'arte narrativa di Fehr come il "punto cruciale" del suo lavoro compositivo. In effetti, le parti solistiche mancano ancora di indipendenza. Renggli riesce a creare momenti emozionanti con musica pulsante nelle scene di coro delle scimmie, dei topi e delle formiche. Una serata divertente da guardare. Ma da ascoltare?