Il brano slow swing Blues in due è stato scritto da Mike Cornick (*1947) nel 1994 e da allora gode di grande popolarità. Proprio questo brano apre il nuovo volume Blues in due e piùe sono state aggiunte undici nuove composizioni in vari stili jazz. Vorrei raccomandare questa raccolta a tutti coloro che a volte hanno il blues e desiderano una varietà musicale, sia quando insegnano che quando suonano da soli.

Le dodici accattivanti composizioni coprono stili come il blues, lo swing, il ragtime, il latino e il calypso. Non sono forse più difficili di molti brani del livello intermedio classico, ma richiedono uno stile esecutivo completamente diverso in termini di armonia e ritmo. Alcune sequenze armoniche e schemi ritmici spesso risultano sconosciuti a chi ha un orientamento prevalentemente classico e richiedono una grande attenzione. Proprio per questo vale la pena di esplorare questi brani freschi e leggeri. Sono stimolanti, istruttivi, divertenti e allontanano il blues e non solo.

Mike Cornick, Blues in Two and More, per esecutori di livello intermedio, per pianoforte solo, UE 21777, € 15,95, Universal-Edition, Vienna 2019

La prassi esecutiva storicamente informata si è affermata da tempo nelle sale da concerto, tanto che anche i cori amatoriali eseguono spesso i popolari oratori barocchi di Handel, Bach e altri maestri con orchestre che suonano strumenti d'epoca. Tuttavia, ciò che è standard per i professionisti con una formazione adeguata è ancora difficile da apprendere per i dilettanti, sia come musicisti esecutori che come spettatori di concerti.

Il libro pubblicato da Bärenreiter Compatto per la pratica della performance di Cornelius Frowein, che però si limita alla musica strumentale del XVIII secolo. Da decenni Frowein si è fatto un nome come direttore d'orchestra di musica di questo secolo, soprattutto di Mozart e dei suoi contemporanei, per i quali ha studiato intensamente i testi contemporanei sull'argomento. Ora ha riassunto queste diverse conoscenze in un volume pratico e chiaramente strutturato. In questo modo è riuscito a fornire ai principianti del settore storico - siano essi dilettanti o moderni orchestrali - delle nozioni fondamentali.

Il suo libro illustra i temi centrali di "Affektenlehre-Tonarten-Rhetorik", "Tempo-Rhythmus-Agogik", "Dynamik-Akzentuierung", "Artikulation-Tongebung" e "Verzierungen-Manieren". Il punto di partenza per la discussione sono le fonti dell'epoca, che vengono costantemente citate. Tra gli autori rilevanti figurano Quantz, Walther, Türk, C. P. E. Bach e Leopold Mozart - la bibliografia in appendice fornisce informazioni dettagliate. Il merito di Frowein è quello di spiegare in anticipo i testi di partenza, a volte di difficile comprensione, per poi proseguire con i propri commenti. Il risultato è un'introduzione molto leggibile.

L'unico aspetto fastidioso è che Frowein sottolinea molti dei suoi commenti in grassetto, dando l'impressione di essere eccessivamente pedagogico. Inoltre, tali aiuti all'interpretazione rendono difficile per il lettore formarsi una propria opinione e stabilire le proprie priorità. In questo modo, il modo di pensare di Frowein viene imposto in modo eccessivo e la capacità di fare le proprie interpretazioni viene diminuita.

Cornelius Frowein: Pratica esecutiva compatta. Interpretare la musica strumentale del XVIII secolo in stile, 196 p., € 24,95, Bärenreiter, Kassel 2018, ISBN 978-3-7618-2453-5

Uli Führe è molto conosciuto, tra l'altro, per i suoi eccellenti canoni di formazione vocale, pubblicati in volumi come Musical vocale 1+2 sono raccolti e possono arricchire ogni sessione di canto. Bosse-Verlag ha ora pubblicato la raccolta Compratevi un palloncino colorato con i successi dei film degli anni Trenta, Quaranta e Cinquanta. Quello che accade oggi online attraverso provider come Vimeo o YouTube è avvenuto a partire dagli anni '30 con la combinazione di immagine e suono nei film cinematografici: un'enorme divulgazione.

La collezione spazia dal lascivo valzer Sono dalla testa ai piedi sulla canzone da marcia scattante Un amico, un buon amico al disinvolto foxtrot Bel ami. Uli Führe rende giustizia alle diverse partiture dei film in modo molto sensibile, elaborandone le caratteristiche e trasformandole in movimenti facilmente realizzabili e accattivanti per coro misto (SATB) senza divisioni di parti. Un vero arricchimento per questo tipo di repertorio con un grande fattore di divertimento per i cori.

Compratevi un palloncino colorato. Canzoni pop dai film degli anni '30, '40 e '50, arrangiate per coro SATB da Uli Führe BE 921, € 17,50, Bosse Verlag, Kassel

La sua terza collaborazione con il pianista statunitense Marc Copland è anche la più matura, come afferma il bassista Daniel Schläppi nella documentazione del loro CD congiunto. Il paese delle meraviglie di Alice sapere. Anche il compagno di duo Copland è pieno di elogi: "Suonare con Daniel mi ricorda le cose che amo di più del jazz: il calore, la comunicazione e il tentativo di condividere un'esperienza con l'ascoltatore".

Il presente lavoro ha anche lo scopo di documentare come si è sviluppata la musica dei due. Marc Copland (*1948), che si è esibito sul palco anche con luminari del jazz come John Abercrombie e Ralph Towner, si dimostra ancora una volta un maestro dell'accordo e sa come far scaturire dal suo pianoforte un fluido etereo con un tocco raffinato. Nel frattempo, il suo partner, Daniel Schläppi, di 20 anni più giovane, si distingue come un bassista curioso con un'inclinazione per i suoni groove. - Gestisce anche un'etichetta discografica ed è ricercatore associato presso l'Istituto Storico dell'Università di Berna.

L'incontro di 49 minuti e nove canzoni tra il duo su Il paese delle meraviglie di Alice inizia con una cover di Cole Porter Tutto ciò che amo. La versione di Schläppi e Copland è ben temperata, attinge a un'ampia tavolozza di colori tonali ed è piena di forza emotiva. Sebbene il brano risulti essere stilisticamente di tendenza per il resto dell'album, i due musicisti riescono sempre a sorprendere con il loro modo di suonare intimo e leggero, con l'improvvisazione e con un tempismo superbo. Questo è anche il caso di Blu in verdeche proviene dal canzoniere di Miles Davis. Conclusione: l'elegante collaborazione tra Schläppi e Copland sa come ispirare, dalla A alla Z.

Da oltre 250 anni, il quartetto d'archi non è solo il genere di musica da camera esteticamente più nobilitato, ma anche il genere che è sopravvissuto a tutte le tempeste e le rivoluzioni della storia della musica fino al XXI secolo, intatto e indenne. Le ragioni sono varie: il corpus internazionale quasi ingestibile di opere con l'enfasi simultanea su un repertorio di base esteso già nel XX secolo; i numerosi cambiamenti stilistici con punti di riferimento chiaramente tradizionali e intertestuali; la precoce istituzione di ensemble permanenti e la professionalizzazione delle esigenze compositive. A ciò si aggiungono gli aspetti di tecnica compositiva, ancora validi sotto varie forme, che Ludwig Finscher aveva già elaborato e registrato per l'op. 33 di Haydn. E così il quartetto d'archi corrisponde ancora oggi a un intero cosmo in cui ci si può immergere: con stelle luminose che indicano la strada, ma anche con una fascia sfocata e scintillante in cui ci si può perdere come nella Via Lattea. Le prospettive sono inesauribili, tanto che studi e libri sul quartetto non solo riempiono gli scaffali, ma c'è sempre qualcosa di nuovo da scoprire. Quattro libri pubblicati negli ultimi anni mostrano quanto diversi possano essere gli aspetti.

Hermann Walther adotta un approccio enciclopedico al genere. Tenendo conto dei dati e degli elenchi disponibili su Internet, il suo Elenco del quartetto d'archi sembra a prima vista anacronistico (così come l'infelice titolo). Eppure le sue informazioni, condensate all'essenziale, offrono molto: oltre 11.000 opere, i compositori elencati in ordine alfabetico, con i dati dell'editore. Un tesoro come un vecchio elenco telefonico, che si vorrebbe avere anche come insieme di dati ordinabili per ulteriori analisi.

Una parte praticamente sconosciuta della storia del genere è oggetto di un volume di quasi 1000 pagine sul quartetto d'archi in Spagna, con 24 contributi in tedesco, inglese, francese e spagnolo, tra cui quattro panoramiche complete e ulteriori studi specializzati. Una raccolta che invita a sfogliare e suscita curiosità per le opere sonore.

Il costoso ma ben progettato volume pubblicato da Christian Speck presso Brepols ha un focus completamente diverso, documentando (con alcune aggiunte) le lezioni di un convegno del 2013 a Lucca. Vengono analizzati casi di studio del genere tra il fare musica in privato e l'esecuzione pubblica, oltre ad approfondimenti su singole opere.

John W. Barker, invece, dedica al Quartetto Pro Arte, fondato a Bruxelles nel 1912 e tuttora esistente dopo molti cambi di formazione, uno studio che non solo racconta la storia a volte travagliata dell'ensemble, ma anche un pezzo di storia della musica stessa. Nelle dettagliate appendici, gli appassionati di informazioni discografiche trovano pane per i loro denti; tuttavia, sarei stato più felice di vedere un elenco di tutte le opere mai eseguite.

Hermann Walther: Repertorio del quartetto d'archi. Composizioni per quartetto d'archi dal 1700 ai giorni nostri, 596 p., € 39,99, Schott, Mainz 2017, ISBN 978-3-95983-542-8

Il quartetto d'archi in Spagna, a cura di Christiane Heine e Juan Miguel González Martínez, 982 p., fr. 115.95, Peter Lang, Berna 2017, ISBN 978-3-0343-2853-1

Il quartetto d'archi. Dalla sfera privata a quella pubblica, a cura di Christian Speck, XXX + 388 p., € 110,00, Brepols, Turnhout 2016, ISBN 978-2-503-56800-3

John W. Barker: Il Quartetto Pro Arte. Un secolo di avventure musicali in due continenti. 368 p., € 29,50, University of Rochester Press, Rochester 2017, ISBN 978-1-58046-906-7

Il violinista ceco František Drdla (1868-1944), studente di teoria di Anton Bruckner al Conservatorio di Vienna, scrisse oltre 200 opere di musica leggera: oltre a due operette e a un concerto per violino, molti brani di genere per violino e pianoforte. Uno dei più noti, questo piccolo tomo melenso e armonicamente affascinante, è stato ora arrangiato anche per viola. È altrettanto bello sulla viola, nella stessa tonalità, che sul violino.

Franz Drdla: Souvenir, per viola e pianoforte arrangiato da Heinz Bethmann, partitura e parte di viola, BU 8194, € 11,00, Musikverlag Bruno Uetz, Halberstadt 2019

Nel 2015 Evelyn Glennie ha festeggiato il suo cinquantesimo compleanno, per il quale il compositore cinematografico islandese Áskell Másson le ha scritto questo regalo, composto esattamente da cinquanta battute.

Come il titolo Mazze Fo(u)r l'opera è suonata con quattro mazzuoli. Il ritmo e il tempo dell'esecuzione sono annotati in modo molto preciso, così come l'esecuzione è descritta con precisione centimetrica all'inizio e tra un brano e l'altro: "... portare le mani a metà del viso e colpire i due mallet l'uno contro l'altro circa un centimetro dietro le teste ...". Dalle terzine di quarti alle figurazioni di 32° e alle combinazioni 2:3, tutto è richiesto all'esecutore dal punto di vista tecnico.

Il compositore lascia la massima libertà allo strumento. La superficie su cui viene eseguita la musica deve essere scelta liberamente, ad esempio può essere il pavimento del palco o la pedana del direttore d'orchestra. L'esecutore può stare in piedi o seduto come desidera. "Non suonate questo brano su quattro superfici diverse e assolutamente non su blocchi di legno o tempio...". Le quattro mazze devono avere tutte una durezza diversa, che aumenta da sinistra a destra.

Il brano presenta molti cambiamenti dinamici, è ritmicamente piuttosto impulsivo e suona complesso grazie alle suggestioni singole e triple ripetutamente intrecciate: un fuoco d'artificio un po' insolito ma molto interessante! Grazie alla possibilità di selezionare liberamente lo "strumento", il brano si presenta come un suono unico per ogni artista.

Áskell Másson: Fo(u)r Mallets, per 4 mallet solisti, perc 42, fr. 12.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

Il volume 7 della Studi sulla musica per organo pubblicato da Butz-Verlag, contiene 17 articoli e 4 appendici che esaminano vari aspetti delle opere organistiche di uno dei compositori per organo più eseguiti del XIX secolo. La prima parte è dedicata al rapporto biografico di Mendelssohn con l'organo, al contesto estetico delle sue opere, a una breve descrizione della sua prassi di registrazione e alla gestione generale dell'organo come strumento all'epoca.

Le successive e dettagliate analisi delle opere organistiche centrali (Sonate op. 65, Preludi e Fughe op. 37) forniscono preziose informazioni sulla loro concezione formale e armonica e spunti talvolta sorprendenti sulle connessioni tra i singoli movimenti delle sonate, che a un esame più attento appaiono meno eterogenei di quanto si possa pensare a prima vista. Purtroppo, le conseguenze pratiche delle osservazioni generali o dell'analisi delle singole opere sono del tutto assenti, e aspetti molto discussi del testo musicale (che riguardano l'arco di Mendelssohn, spesso incoerente, e questioni di articolazione e fraseggio), che sarebbero rilevanti per l'interpretazione, non vengono purtroppo affrontati qui.

Una terza sezione - oltre a una panoramica delle trascrizioni esistenti di altre opere di Mendelssohn fino ai giorni nostri - fa luce sull'impatto del suo esempio sulla sonata per organo tedesca, ma anche sulla musica per organo in Inghilterra e nei Paesi Bassi, dove la sua musica per organo fu accolta con particolare favore ed ebbe un effetto formativo. Ciò dovrebbe suscitare in alcuni lettori la curiosità di esaminare più da vicino le opere citate. Particolarmente degna di nota è l'appendice con un catalogo dettagliato delle opere e alcune recensioni molto differenziate e sottili della musica organistica di Mendelssohn da parte di Robert Schumann, August Gottfried Ritter e altri critici del XIX secolo.

Conclusione: una raccolta di testi che, senza dare alcun consiglio interpretativo concreto, fornisce una grande quantità di informazioni e può quindi contribuire a una migliore comprensione di questa musica e del suo ambiente.

Sulla musica organistica di Felix Mendelssohn Bartholdy. Studies in Organ Music, Volume 7, a cura di Birger Petersen e Michael Heinemann, 253 p., circa € 19, Dr J. Butz-Musikverlag, Colonia 2018, ISBN 978-3-928412-26-1

Robert Lindley (1776-1855) fu considerato il violoncellista più importante d'Inghilterra per oltre 50 anni e fu nominato primo professore di violoncello alla Royal Academy of Music di Londra nel 1822. Scrisse principalmente per il suo strumento, tra cui quattro concerti per violoncello e musica da camera. I suoi dodici studi, pubblicati nel 1826, sono tra le opere più importanti per i violoncellisti. Capricci ed esercizi per violoncello op. 15 non fa parte del repertorio standard, a torto, come rivela subito un'analisi più attenta.

I capricci di Lindley sono per lo più in due movimenti e, ad eccezione dei numeri 1 e 2, affrontano diversi problemi tecnici in un unico brano. I numeri da 1 a 4 sono nelle posizioni dalla prima alla quinta, mentre dal numero 5 in poi è richiesto l'attacco del pollice. Particolarmente istruttivi sono i diversi e variegati passaggi in doppio stop, che si estendono fino agli stop decimali.

L'edizione Urtext, curata da Valerie Walden e basata su fonti contemporanee, contiene le diteggiature e le bombature originali. Le diteggiature alternative sono collocate coerentemente sotto il pentagramma, le legature aggiunte sono stampate in linee tratteggiate. La notazione delle chiavi è adattata allo standard odierno senza ottave. L'edizione, di dimensioni generose, contiene anche pagine pieghevoli per rendere più comodo sfogliarla.

Purtroppo il compositore non compose una seconda parte per violoncello, che avrebbe ulteriormente valorizzato i melodiosi Capricci per l'uso concertistico.

Robert Lindley: Capricci ed esercizi per violoncello, op. 15, a cura di Valerie Walden, BA 10936, € 16,95, Bärenreiter, Kassel 2019

La flautista svizzera Ursula Büttiker ha attirato l'attenzione già con i suoi primi CD. Ultima allieva di André Jaunet, ha preso anche lezioni di canto. Non c'è quindi da stupirsi che il suo modo di suonare il flauto sia principalmente orientato alla cantabilità espressiva.

Il musicista si fa promotore di opere poco conosciute con la passione di uno scopritore che cerca di prendere posizione. Realizzato il CD Cartoline musicali con rarità di Pál Járdányi o Bryan Kelly, la produzione successiva, ricca di opere per flauto solo, si è distinta con lavori di Jindřich Feld e Saverio Mercadante.

Il CD realizzato in occasione del 150° anniversario della morte di Hector Berlioz si colloca interamente nella tradizione francese, caratterizzata dal flautista e compositore Theobald Boehm Élégie - Rêverie - Capriccio con la pianista Minako Matsuura, appassionata interprete. Jules Mouquet, vincitore del Premio Roma e ispirato alla mitologia greca, è al centro della scena. Nel suo La Flûte de Pan Nella sua sonata del 1906, che porta lo stesso titolo, gli stati d'animo impressionistici si alternano alla brillantezza e al virtuosismo di stampo classico con la stessa frequenza dei contrasti dinamici. Sebbene se la cavi con un minimo di vibrato, Ursula Büttiker sviluppa un'impressionante espressività anche nei registri molto bassi. La sua bravura nella tecnica di respirazione giova a corse fortemente cromatizzate; il tocco delicato della pianista esalta la magia sonora dei numerosi e delicati effetti di eco.

L'eleganza tipicamente francese soddisfa sia la Cinq Pièces brèves da Mouquet, Chanson et Badinerie di Pierre Camus e il Eleganza op. 47 di Theobald Boehm e la musica coronata da una tarantella Tre sketch musicali di Wilhelm Bernhard Molique, che condivide lo stesso anno di morte di Berlioz. In Rêverie e Capriccio op. 8, l'unica opera concertante di Berlioz, grazie al sottile arrangiamento per flauto e pianoforte di Hans-Wolfgang Riedel, è impossibile dire che era originariamente segnata per violino e orchestra ed è basata sugli schizzi per la cavatina di Teresa dall'opera Benvenuto Cellini basato.

Il premio comprende anche un incarico di due anni come direttore assistente di Hallé e la posizione di direttore musicale della Hallé Youth Orchestra.

Nel 2019, Lazarova ha vinto il primo concorso di direzione d'orchestra della Radio Nazionale d'Albania e il James Conlon Conducting Prize dell'Aspen Music Festival. Attualmente sta studiando per un master in direzione d'orchestra con Johannes Schläfli presso la ZHdK (Zurich University of the Arts). Ha già conseguito un master in violino presso l'Indiana University (USA), dove si è laureata con lode.

I suoi impegni attuali includono la direzione dell'Orchestra Sinfonica della Radio Nazionale Ungherese, dell'Orchestra Sinfonica della Radio Televisione Albanese e dei Solisti Aquilani. I suoi studi alla ZHdK includono anche un debutto con Carmen al Teatro di Stato di Meiningen in Germania.

A partire dall'anno accademico 2020/21, Gebert si unirà allo Zurich Violin College con Ilya Gringolts, Andreas Janke, Rudolf Koelman, Sergey Malov e Alexander Sitkovetski. La violinista polacco-finlandese ha completato i suoi studi presso accademie musicali in Europa e negli Stati Uniti. È richiesta a livello internazionale sia come insegnante che come musicista in orchestre rinomate e in numerosi festival. La sua profonda conoscenza della prassi esecutiva storica e della musica contemporanea arricchisce l'esperienza della ZHdK.

Sono probabilmente non più di una dozzina le composizioni di musica classica che hanno trovato un posto permanente nella coscienza pubblica. Le ragioni sono estremamente varie e vanno dal loro frequente utilizzo in occasioni ufficiali, alla radio, al cinema e alla televisione, fino a tradizioni talvolta non proprio locali. Perché, mano sul cuore, chi non ha mai sentito un'esecuzione più o meno festosa della Nona di Beethoven a San Silvestro o a Capodanno, al termine della quale il canto sembra eclissare tutto ciò che è sinfonico? Almeno in questo momento sublime, è come se - a dispetto di molte esperienze quotidiane - tutti gli uomini fossero davvero fratelli. Inoltre, questo "Inno alla gioia" non è mai stato un cattivo sostituto quando nessun inno nazionale era disponibile o sarebbe stato adatto (ad esempio in Rhodesia, in Kosovo o in occasione dell'ingresso di squadre interamente tedesche ai Giochi Olimpici). In tutti questi casi, tuttavia, i versi visionari di Friedrich Schiller non sono stati cantati, forse nemmeno presi in considerazione. Lo stesso vale (purtroppo) per il suo uso ufficiale come inno europeo (dal 1985). senza parole arrangiato da Herbert von Karajan nelle versioni per pianoforte, orchestra di fiati o orchestra.

Gli arrangiamenti non mancavano nemmeno nel XIX secolo. Anche allora, la questione cruciale era come trattare il testo e le parti vocali. La trascrizione virtuosa per pianoforte a due mani di Franz Liszt (1853), ad esempio, divenne una riduzione per pianoforte nel finale. Anni prima, Carl Czerny aveva già avuto delle riserve su una simile esecuzione in occasione del suo arrangiamento per pianoforte a quattro mani: Dove avrebbero dovuto essere inserite le parti vocali, dal momento che (come si usa ancora oggi) ai due esecutori sono assegnate le pagine sinistra e destra dell'edizione aperta? Così l'editore Probst di Lipsia pubblicò finalmente un volume per pianoforte in formato orizzontale, mentre le parti vocali furono allegate separatamente in formato verticale. In una lettera del 3 settembre 1828, Czerny fu ancora più pragmatico (e come sappiamo oggi: con capacità quasi chiaroveggenti): "Il futuro apprezzerà così tanto la grandezza della composizione musicale da dimenticare le parole".

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

La cantante e cantautrice di origine irlandese Shirley Grimes contribuisce da decenni alla vita culturale della regione di Berna. Ha contribuito con la sua versatilità musicale a vari gruppi, ma ha anche realizzato molti progetti propri.

Negli ultimi dodici anni, la violinista bernese Meret Lüthi ha costruito l'orchestra bernese di musica antica "Les Passions de l'Ame" e l'ha posizionata sulla scena musicale internazionale. Ha scoperto ed eseguito pubblicamente o registrato numerose opere barocche.

Dal 1992 la Fondazione Bürgi-Willert assegna ogni due anni un premio culturale. Il premio viene assegnato a persone che hanno arricchito la vita culturale di Berna per molti anni.

Lo statuto del 1913 dell'associazione Wiener Konzerthausgesellschaft, fondata nello stesso anno, prevedeva già la possibilità di nominare membri onorari. La prima volta che se ne fece uso fu nel 1937, quando Felix Stransky, responsabile finanziario e membro della direzione della Wiener Konzerthausgesellschaft, fu nominato primo membro onorario; il secondo fu Richard Strauss nel 1938.

La violinista di origine moldava Patricia Kopatchinskaja ha inizialmente studiato violino con Michaela Schlögl, allieva di David Oistrakh. Nel 1989 la sua famiglia è emigrata a Vienna, dove ha proseguito gli studi presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Vienna. All'età di 21 anni si trasferisce al conservatorio di Berna con una borsa di studio. Si è laureata con lode nel 2000.

Dopo essere stata partner artistico della Saint Paul Chamber Orchestra negli Stati Uniti dal 2014 al 2018, alla fine del 2018 ha assunto la direzione artistica della Camerata Bern, con cui ha messo in scena i progetti "War and Chips" e "Time and Eternity".