"Il 2 gennaio 1620, una selvaggia tempesta di neve imperversò nell'alta valle della città di San Gallo". Così inizia il resoconto della fondazione del coro in una pubblicazione celebrativa del suo 300° anniversario. L'osservazione romantica e drammatica della natura da parte del cronista dell'epoca, J. Heim, conduce nel salotto riscaldato di Zacharias Büngier, che riceve i suoi sette amici. Accordano i loro strumenti e iniziano con un corale "che porta grande gioia alle cameriere e alle padrone di casa che ascoltano nel corridoio, fa battere i loro cuori e scaccia i pensieri cupi dell'inverno...". Gli otto giovani decidono di incontrarsi ogni giorno per fare musica e darsi delle "leges", che corrispondono all'incirca agli statuti di oggi. Da allora, il coro esiste da più di 15 generazioni di cantori uomini e poi donne.

L'anno dell'anniversario sarà celebrato con vari eventi:

Il 20 gennaio, il libro di 204 pagine straordinario - vivace - ancorato. 400 anni del Coro dell'Oratorio di San Gallo che colloca la storia del coro nel contesto dello sviluppo della musica e dei cambiamenti della città. La presentazione del libro ha avuto luogo nella chiesa di San Lorenzo, dove da oltre 160 anni si tengono i tradizionali concerti della Domenica delle Palme.

I concerti del 4 e 5 aprile vedranno protagonista la Requiem tedesco Il compositore sangallese Alfons Karl Zwicker è stato incaricato dal coro dell'oratorio di musicare due poesie di Nelly Sachs, di cui nel 2020 ricorre il 50° anniversario della morte. L'opera si intitola: Orecchio dell'umanità, vuoi ascoltare?

Dal 7 settembre al 2 ottobre, una mostra nell'edificio Vadiana presenterà una ricca collezione di documenti d'archivio e oggetti accumulati nel corso di quattro secoli. Nell'ambito della mostra, il 18 settembre il musicologo Emanuel Signer parlerà dell'importanza del Coro dell'Oratorio di San Gallo nella storia della musica.

Ecco il frutto di dieci anni di lavoro. Dal 2008, la compositrice e oboista Catherine Milliken organizza ogni anno il "Klangspuren lautstark", un laboratorio speciale nell'ambito del festival Klangspuren in Tirolo, rivolto a bambini e ragazzi dagli 8 ai 18 anni. I ragazzi compongono, improvvisano e si esibiscono in gruppo. Il "best of" degli arrangiamenti è ora disponibile sotto forma di istruzioni e concetti pratici e invita i bambini a giocare. Il punto di partenza del processo di composizione è spesso un'immagine ("Strange Worlds") o un testo ("What I like to do with friends"). Il rumore, rappresentato da notazioni grafiche, si mescola a melodie, sequenze ritmiche e accordi. Ci sono anche canzoni composte. La gamma di temi e forme di presentazione si estende dall'opera ai colori e ai radiodrammi. L'idea di base è sempre quella di lavorare insieme su un pezzo adatto all'esecuzione. Si tratta sempre di trovare nuovi suoni e di espandere l'immaginazione musicale.

Il libro si rivolge agli insegnanti di musica che sono alla ricerca di materiali e concetti per improvvisare e comporre con bambini e ragazzi.

Catherine Milliken: Klangspuren lautstark - Aktives Musizieren und Komponieren mit Kindern und Jugendlichen, 120 p., € 19,90, ConBrio, Regensburg 2018, ISBN 978-3-940768-75-9.

Il Concorso internazionale di violoncello Anna Kull si propone come concorso giovanile e si terrà ogni due anni per tre fasce d'età (nel 2020 gli anni dal 2000 al 2006), alternando gli strumenti violincello e violino. La prima edizione si svolgerà dal 10 al 22 febbraio 2020 presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Graz.

In tre turni, aperti al pubblico, 95 giovani talenti provenienti da 30 nazioni affronteranno nel corso di questi 12 giorni una giuria internazionale, composta in particolare da Julian Arp, David Geringas, Monika Leskovar, Milos Mlejnik, Gergely Mohl, Ditta Rohmann, Wen-Sinn Yang e Anke Schittenhelm (presidente).

Anna Kull nacque il 21 ottobre 1841 a Klausenburg (allora Transilvania, oggi Cluj-Napoca in Romania) e crebbe in una famiglia aristocratica e musicale in Svizzera. Si presume che abbia ricevuto le prime lezioni, insieme al padre, dal violoncellista svizzero Adam Schleich a Zurigo e dal 1855 dal violoncellista solista dell'orchestra di corte di Monaco, Hippolyt Müller. Grazie al suo talento musicale, in giovane età tenne numerosi concerti in tutta Europa, sia come solista che come musicista da camera. Morì a Trento (Italia) nel 1923 all'età di 82 anni. Lasciò il suo strumento in eredità alla città di Graz.
 

Tobias Willi ha studiato pianoforte e organo alla Hochschule für Musik di Basilea e organo al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica e Danza di Parigi. Dal 2010 è docente di organo presso la ZHdK nel Dipartimento di Musica e nella formazione continua.

Tobias Willi lavora da tempo come musicista ecclesiastico e dal 2015 è l'organista principale della chiesa di San Giovanni a Zurigo. Grazie alle sue attività concertistiche, ai numerosi corsi e progetti nel campo della musica da chiesa e dell'organo, è molto ben collegato sia a livello locale che internazionale, secondo il comunicato stampa della ZHdK.

Il soprannome "Hammerklavier" sembra oggi un po' superfluo per questa sonata. Per quale altro strumento poteva essere stata scritta nel 1817/18? In realtà, esso risale al frontespizio della prima edizione viennese del 1819, per la quale lo stesso Beethoven non voleva più tollerare la tradizionale partitura italiana: ".... che al posto di piano-forte, Hammerklawier sarà usato in tutte le nostre opere il cui titolo è tedesco."I posteri non si accorsero o non vollero accorgersi che la Sonata in la maggiore op. 101 era già apparsa a stampa due anni prima con questa indicazione. Tuttavia, è anche possibile che l'uso dell'epiteto rifletta il rispetto per un'opera che per molto tempo è stata considerata inascoltabile a causa delle sue esigenze tecniche e della sua dimensione formale espansiva - o, per dirla con Daniel Barenboim: "La Sonata Hammerklavier non diventa più facile se non la si suona."

A ciò contribuì senza dubbio l'incomprensibile marcatura metronomica del primo movimento (mezza nota = 138), che raddoppierebbe il tempo prescritto nella lettura abituale (un'incisione di Artur Schnabel del 1935 dimostra l'assurdità musicale di una simile realizzazione, ma un saggio di Johann Sonnleitner nella nuova edizione della Wiener Urtext Edition, che vale la pena di leggere, fa maggiore chiarezza sulla questione). In ogni caso, Franz Liszt riteneva ancora che l'esecuzione dell'intera sonata "impiegare quasi un'ora"L'interpretazione di Glenn Gould, piuttosto ponderata, ha richiesto quasi 50 minuti. La monumentalità finora inaudita associata a questo tempo di esecuzione era, ovviamente, qualcosa che Beethoven aveva in mente fin dall'inizio: "Ora sto scrivendo una sonata che sarà la mia più grande" (come riferisce il suo allievo Carl Czerny). Tra l'altro, la sonorità dell'opera, che supera di gran lunga le possibilità dello strumento, spinse Felix Weingartner a scriverne una versione per grande orchestra nel 1925/26.

SMZ - Questa nuova edizione della sonata è stata pubblicata dalla Wiener Urtext Edition con il numero UT 50432. Karl-Andreas Kolly l'ha recensita per la Schweizer Musikzeitung: alla revisione

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"

Secondo il comunicato stampa ufficiale, il governo cantonale onora Regula Mühlemann perché "ha fatto conoscere Lucerna nel mondo più di qualsiasi altra personalità".

Regula Mühlemann è nata ad Adligenswil nel 1986, vi è cresciuta e ha studiato con Barbara Locher all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. I suoi impegni l'hanno poi portata al Teatro La Fenice di Venezia, al Teatro dell'Opera di Zurigo e al Teatro del Festival di Baden-Baden. Nell'estate 2012 ha debuttato come giovane Papagena nell'opera "Das Labyrinth" di Peter von Winter al Festival di Salisburgo.

Da allora, Regula Mühlemann è stata ascoltata in molti importanti teatri d'opera e sale da concerto. È stata letteralmente la voce di Lucerna nel mondo prima di tornare al Teatro di Lucerna nel novembre 2018 come Juliette nel Roméo et Juliette di Gounod, portando in scena per la prima volta un importante ruolo romantico. Nel 2018 ha ricevuto il premio Opus Klassik come "Giovane artista dell'anno".

Blanchard è stato direttore generale e caporedattore della Revue Musical prima di diventare consulente artistico del Théâtre du Châtelet di Parigi dal 1987 al 1992 e direttore generale dell'Opéra de Paris-Bastille dal 1992 al 1994. Dal 1996 al 2001 ha ricoperto la stessa carica all'Opéra de Nancy et de Lorraine e all'Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy. Dal 2001 al 2009, Blanchard è stato direttore generale del Grand Théâtre de Genève e successivamente direttore del Festival Wagner di Ginevra.

Fondata nel 1901, l'Orchestre régional de Cannes-Provence-Alpes-Côte d'Azur è composta da 37 musicisti. Il suo direttore artistico è Benjamin Levy. È finanziata dal Ministero della Cultura, dalla città di Cannes, dal Dipartimento delle Alpi Marittime e dalla Regione Provenza-Alpi-Costa Azzurra.

Gomes ha studiato clarinetto in Portogallo prima di studiare direzione corale e orchestrale a Ginevra. È membro fondatore del Vintage Quartet, che si esibisce regolarmente in Portogallo, Italia, Belgio e Svizzera. Dal 2008 al 2011 è stato direttore principale dell'Orchestre de Chambre de Carouge. In Portogallo è impegnato anche con orchestre giovanili, tra cui l'Orquestra Geração.

Il secondo Concorso di direzione d'orchestra dell'Unione Europea si è svolto in collaborazione con l'Accademia Nazionale di Musica di Sofia e l'Orchestra Sinfonica di Pazardjik a Sofia e Pazardjik. Sono stati assegnati premi in denaro e concerti in Italia, Ungheria, Russia, Turchia e Polonia.

Valentine Michaud, francese, ha studiato inizialmente nella tradizione della scuola francese. All'età di 16 anni si trasferisce in Svizzera e studia con Pierre-Stéphane Meugé alla Haute Ecole de Musique de Lausanne, dove si interessa al repertorio contemporaneo e alla musica antica (barocca, rinascimentale).

Nel 2013 ha conseguito una laurea in sassofono e una laurea in musicologia presso l'Università della Sorbona di Parigi. Dopo un primo Master in pedagogia strumentale, dal 2015 al 2018 ha proseguito la sua formazione con un secondo Master - questa volta specializzato in performance solistica - nella classe di Lars Mlekusch all'Università delle Arti di Zurigo. Dal 2017 al 2018 ha lavorato anche come assistente di Lars Mlekusch.

Il Credit Suisse Young Artist Award promuove solisti di spicco il cui potenziale promette una grande carriera internazionale. Oltre al premio in denaro di 75.000 franchi svizzeri, i vincitori ricevono l'opportunità di esibirsi con l'Orchestra Filarmonica di Vienna nell'ambito del Festival estivo di Lucerna. Il premio è assegnato congiuntamente dal Festival di Lucerna, dai Wiener Philharmoniker, dalla Gesellschaft der Musikfreunde Wien e dalla Credit Suisse Foundation.
 

"... Umilmente dedicato." La dedica del Concerto per pianoforte e orchestra in sol maggiore op. 58 segna l'inizio di una stretta amicizia musicale e umana con il giovane arciduca Rodolfo d'Austria (1788-1831). Beethoven insegnò fino al 1824 a suonare il pianoforte e a comporre al talentuoso arciduca, che a sua volta, insieme ai principi Lobkowitz e Kinsky, si impegnò per contratto a versargli una rendita a vita il 1° marzo 1809. Non è quindi un caso che l'arciduca sia al primo posto tra i dedicatari delle composizioni di Beethoven sia per numero che per peso: Oltre al Quarto Concerto per pianoforte e orchestra composto nel 1805/06, anche il Quinto Concerto per pianoforte e orchestra in mi bemolle maggiore op. 73 è dedicato a lui, come pure il Les-Adieux-Sonata op. 81a, la riduzione per pianoforte dell'opera Fideliola Sonata per violino in sol maggiore op. 96, il Trio per pianoforte in si bemolle maggiore op. 97 ("Trio Arciduca"), le sonate per pianoforte op. 106 e op. 111, la Missa Solemnis op. 123 e infine il Giunto grande op. 133 per quartetto d'archi.

L'opera stessa è ricca di particolarità. Non solo il pianoforte entra con il tema principale nel movimento di apertura prima dell'orchestra. Robert Schumann ha addirittura paragonato l'Andante, spesso di tipo recitativo e costituito da contrasti apparentemente rigidi, a Orfeo che, per raggiungere Euridice, placa le Erinni con la sua lira. Alla prima esecuzione pubblica, il 22 dicembre 1808, Beethoven stesso assunse la parte solistica e "ha cantato veramente sul suo strumento con una profonda malinconia che ha attraversato anche me." - secondo il ricordo di Johann Friedrich Reichardt. Sebbene le entrate e le cadenze elaborate per l'arciduca Rodolfo intorno al 1808/09 siano note fin dal 1865, il ruolo speciale del pianoforte in quest'opera ha tuttavia spinto numerosi compositori concertisti a scrivere le proprie cadenze, tra cui (in ordine alfabetico) Eugen d'Albert, Johannes Brahms, Hans von Bülow, Ferruccio Busoni, Nikolai Medtner, Ignaz Moscheles, Anton Rubinstein, Clara Schumann e Camille Saint-Saëns.

Quasi tutti (98%) coloro che conoscono Beethoven lo classificano correttamente come compositore. Il 41% degli esperti di Beethoven sapeva che il 250° anniversario della sua nascita era il motivo dell'anno di ricorrenza. Il 23% ha citato erroneamente il 250° anniversario della sua morte come motivo. Molti erano a conoscenza della malattia di cui Ludwig van Beethoven soffriva da giovane - il 64% degli esperti di Beethoven lo ha classificato correttamente come sordo.

Il 6% degli intervistati ha pensato erroneamente che Beethoven soffrisse di cecità. La maggior parte dei conoscitori di Beethoven che sono stati in grado di classificarlo correttamente come compositore conoscono le opere del famoso musicista - tre quarti (74%) degli intervistati hanno dichiarato questo.

YouGov è un gruppo internazionale di dati e analisi. Con 35 sedi in 22 Paesi e membri del panel in 42 Paesi, YouGov possiede una delle dieci reti di ricerca di mercato più grandi al mondo.

Articolo originale:
https://yougov.de/news/2020/01/09/ludwig-van-beethoven-und-die-bedeutung-von-klassis/

Il "People's Festival of the Arts" ha celebrato successi artistici quando si è tenuto nel 2018. Tuttavia, secondo il comunicato stampa ufficiale, la continuazione del festival con un profilo forte e indipendente e con la qualità attuale sarebbe possibile oltre il 2020 solo con ingenti risorse finanziarie aggiuntive. Nonostante i grandi sforzi, negli ultimi anni non è stato possibile garantire un finanziamento sostenibile a lungo termine.

Con l'obiettivo di concentrare le risorse finanziarie, il festival è passato inizialmente a un ritmo biennale con una prima rappresentazione nel 2018, in risposta a "cambiamenti sociali fondamentali come la diversificazione della società, l'accresciuto bisogno di offerte partecipative e la necessità di svolgere un ruolo più attivo e creativo nel plasmare il proprio futuro".

Questo riorientamento è stato accolto molto bene dal pubblico, riassume il direttore generale Alexander Keil. Allo stesso tempo, però, la disponibilità degli sponsor a investire nelle istituzioni culturali è diminuita drasticamente.

Come mostra un'analisi speciale di GfK Entertainment in collaborazione con l'Associazione tedesca dell'industria musicale (BVMI), l'anno scorso il numero di stream musicali ha superato per la prima volta la soglia dei 100 miliardi con 107 miliardi di download. In confronto, i tedeschi hanno generato 79,5 miliardi di stream l'anno precedente e circa 56,4 miliardi nel 2017.

All I Want For Christmas Is You di Mariah Carey è ora in testa alla classifica delle canzoni più ascoltate in streaming del giorno. L'orecchiabile brano ha raggiunto 3,2 milioni di visualizzazioni il 24 dicembre. Anche Last Christmas degli Wham! ha sfiorato i 3 milioni di visualizzazioni la vigilia di Natale dell'anno scorso e ora si trova al quarto posto nella classifica delle canzoni più ascoltate in streaming nelle 24 ore. Tra i due classici natalizi ci sono due brani rap: Ronin di Bushido & Animus e Tilidin di Capital Bra & Samra.

L'analisi si basa sui flussi musicali basati su pubblicità e a pagamento con una durata pari o superiore a 31 secondi.

Secondo la Schola Cantorum Basel (SCB), Schröder apparteneva alla giovane generazione che alla fine degli anni Sessanta si avventurò in un nuovo ed epocale percorso nella musica antica nei Paesi Bassi e in Belgio. I contatti con Frans Brüggen, Gustav Leonhardt e altri protagonisti della sua generazione approfondirono i suoi approcci artistici.

Dal 1975 al 1990 è stato docente di "violino in scala antica" presso la Schola Cantorum Basiliensis. Tra gli studenti della sua classe vi erano Dana Maiben, Trix Landolf ed Emilio Moreno. Quest'ultimo ha conseguito il primo diploma di violino in scala antica della SCB. Jaap Schröder gettò le basi per la più recente formazione del "violino in scala antica" presso l'SCB e rimase sempre in rapporti di amicizia con l'istituto.

Schröder ha insegnato anche al Conservatorio di Amsterdam e come ospite nelle università americane, dove è stato membro della facoltà della School of Music dell'Università di Yale (New Haven, CT).

Oltre alla riflessione teorica, il progetto si concentra sulla ricostruzione della pratica strumentale, vocale, linguistica e scenica del periodo wagneriano.

Secondo Kent Nagano, sebbene il Ring sia una delle composizioni più studiate, non c'è ancora stato un approccio sistematico alla tetralogia da una prospettiva storicamente informata. Ciò rende ancora più importante affrontare questo compito e mettere in discussione abitudini di ascolto del repertorio romantico che prima sembravano irrevocabili. I primi risultati saranno presentati in sala da concerto il prossimo febbraio.

Per saperne di più:
https://wagner-lesarten.de