Joachim Raff (1822-1882) ha lasciato diverse opere per violoncello e pianoforte: le due Romanze op. 182, i Pezzi fantastici op. 86 e il Duo op. 59. L'opera più vasta, tuttavia, è la Sonata per violoncello in re maggiore op. 183, in quattro movimenti. Non ci sono quasi informazioni affidabili sulla sua genesi. Fu presentata per la prima volta nel dicembre 1873 in occasione di un concerto di novità alla Singakademie di Berlino e pubblicata da C. F. W. Siegel. Le recensioni furono prevalentemente critiche. Le aspettative dopo la trionfale prima berlinese della Quinta Sinfonia di Raff erano apparentemente troppo grandi. Lenore il 29 ottobre dello stesso anno.

Tuttavia, il giudizio della critica dell'epoca non rende giustizia al brano. Si tratta di un'opera divertente e brillantemente virtuosistica: il violoncello e il pianoforte sono partner alla pari e gli esecutori devono dimostrare una grande abilità tecnica. Quindi una cosa non sarà mai trascurata nelle esecuzioni: il piacere di suonare! La sonata ha forse un carattere più "eclatante" rispetto alle sonate di Felix Mendelssohn, ad esempio. L'accattivante linguaggio tonale dei quattro movimenti è molto pittorico, tanto da far ricordare a tratti le opere sinfoniche di Raff con riferimenti programmatici extra-musicali.

Il 200° anniversario della nascita del compositore, nel 2022, ha dato luogo a numerose esecuzioni e nuove edizioni. La sonata per violoncello di Raff è stata ora pubblicata in un'edizione critica Urtext da Breitkopf & Härtel in collaborazione con l'Archivio Joachim Raff di Lachen.

Joachim Raff: Sonata per pianoforte e violoncello op. 183, a cura di Claus Kanngiesser, EB 9406, € 28,50, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Il DrumBook di Toni Schilter è simpatico, colorato ed estremamente accattivante. Questo strumento didattico orientato alla pratica è pensato per bambini dai cinque ai nove anni. L'idea dell'autore di associare i singoli componenti della batteria a un colore nella prima parte è di grande aiuto per i principianti.

Dopo una breve introduzione, inizia il primo riscaldamento, seguito da una breve teoria delle note, il "confronto della pizza". I progressi di questo libretto non si concentrano sulla struttura ritmica con le figure, ma sul groove, sull'espressione e sulla coordinazione. Il DrumBook ha una struttura chiara e getta le basi su argomenti come i rudimenti, la teoria musicale, l'indipendenza e la conoscenza generale del drumset e dei suoi componenti.

Le combinazioni con i piedi e gli esercizi con gli accenti sono introdotti fin dall'inizio. C'è anche un piccolo suggerimento per lavorare con i ritmi delle parole. Dopo poche pagine, i bambini si scatenano sull'intera batteria. Man mano che il libro procede, viene illustrata la struttura di una canzone e vengono spiegate le parti che la compongono.

Con numerosi esercizi, immagini pratiche e illustrazioni, nonché diversi assoli e duetti in vari livelli di difficoltà, l'autore combina e illustra l'apprendimento, la pratica e il fare musica in modo vario in 122 pagine. La libertà di sviluppare le proprie idee garantisce lo sviluppo individuale e creativo degli allievi, che anche gli insegnanti possono aiutare a plasmare. L'autrice è convinta: "Con il libro di batteria di Toni, i bambini celebrano costantemente i piccoli successi e rimangono quindi motivati". Siete curiosi? Alcune pagine di esempio sono disponibili sul sito web, dove il libro può anche essere ordinato.

Toni Schilter: DrumBook "Tonis Trommelbuch", libro di lavoro per batteria con una trama chiara, primo aiuto didattico per giovani batteristi, Fr. 35.00, autoprodotto www.drumbook.ch

Balbettii, grida, sussurri, schiamazzi, canti: "la voce, il nostro primo strumento musicale". Questo è l'approccio all'educazione musicale nel La canzone fa scintille per le lezioni di musica del 1° ciclo, per bambini di età compresa tra i quattro e gli otto anni. Le lezioni di musica non sono inserite nelle lezioni di musica, ma compaiono in vari momenti della vita scolastica quotidiana: al momento del saluto e dell'arrivederci, in occasione dei compleanni dei bambini, in relazione all'apprendimento dei fenomeni naturali o in relazione ai temi delle scienze della vita. In generale, i presenti arrangiamenti di canzoni prestano grande attenzione a un riferimento alla vita quotidiana adeguato all'età. Un capitolo è intitolato "La vita quotidiana dei bambini" e una canzone in esso contenuta si chiama Cerotti, pomate o tè? Gli altri capitoli sono intitolati "Grüezi und Adieu", "Draussen unterwegs", "Winterzeit" e "Nachtstimmung". Essi organizzano il contenuto delle canzoni.

Un'attenzione particolare è rivolta a "versi e modi di dire" e quindi al rapporto tra linguaggio e musica. I "versi con le dita" combinano la parola con la motricità e il ritmo in modo divertente - "Chömed all' zu mir zum Znacht, ich han us Schnee e Pizza gmacht!" - anche per i bambini con il tedesco come seconda lingua, per i quali i versi aiutano ad acquisire la lingua in modo fantasioso.

Inserendo le canzoni e i giochi linguistici nell'interazione sociale, la musica diventa uno strumento che utilizza l'esperienza personale e il potere di costruzione della comunità della musica per promuovere competenze specifiche e interdisciplinari: esprimersi cantando, ballando e facendo musica o ascoltandosi a vicenda promuove l'espressione musicale, l'indipendenza e la capacità di cooperare. Le 24 canzoni del libro fanno riferimento in modo esplicito e dettagliato alle competenze indicate nel Curricolo 21. Tuttavia, l'attenzione si concentra sui modi diversi e giocosi di sviluppare le canzoni composti dall'autore - spiegati in modo semplice e chiaro.

Christina Schnedl: Scintille di canto. Cantare, ballare, fare musica, 127 pagine, Fr. 51.00, Verlag LCH, Zurigo 2021, ISBN 978-3-908024-31-6

In occasione del suo centesimo compleanno, viene pubblicato un lavoro inedito del grande organista, didatta e compositore viennese Anton Heiller. La piccola partita corale fu composta all'inizio del 1975 come lavoro commissionato per una raccolta di musica d'organo per le funzioni religiose; tuttavia, furono pubblicati solo l'intonazione, il movimento corale e la variazione 1, mentre le due restanti variazioni non furono incluse a causa delle loro complesse armonie e quindi appaiono qui in stampa per la prima volta. Secondo un commento online del figlio di Anton Heiller su una registrazione dell'opera da parte dell'editore, il brano sembra riflettere lo stato mentale del compositore, caratterizzato da malattia e crescente stanchezza.

Una breve intonazione (manualiter) introduce un movimento corale, che in questo paese dovrebbe essere adattato ritmicamente alla versione dell'innario riformato per un'esecuzione alternatim con strofe cantate. Una prima variazione, molto espressiva, accompagna la melodia con una controvoce in frasi di sospiro espressive e talvolta molto distese. La seconda variazione è un movimento un po' strano, simile a una danza, in tempo 6/8, che integra le prime due battute del corale. Si conclude con un movimento corale corposo e armonicamente robusto in un potente forte. Grazie alle sue richieste tecniche non particolarmente elevate e alla sua adattabilità a strumenti piccoli con uno o due manuali e pedale, la breve opera di Heiller è un'aggiunta pratica e quindi molto gradita al repertorio. Permette un (ri)incontro con un artista che ha avuto un'influenza duratura sul mondo organistico svizzero e la cui opera compositiva è stata ingiustamente messa in secondo piano.

Anton HeillerIntonazione, corale e tre variazioni sulla melodia "Aus tiefer Not schrei ich zu dir", a cura di Lukas Frank, D 02 542, ca. € 12,00, Doblinger, Vienna

Nadia Boulanger, la grande dama, è stata insegnante e interlocutrice pionieristica di Leonard Bernstein, Yehudi Menuhin, Igor Stravinsky e di molti compositori che non sono così saldamente ancorati nel museo immaginario della storia della musica. La Boulanger, come dimostra in modo impressionante questo libro, proveniva dall'estetica d'ispirazione romantica, ma rimase di mentalità aperta fino alla vecchiaia. Non è mai stata sprezzante o addirittura scettica nei confronti del nuovo, anche se la sua attenzione era rivolta all'estetica e alla storia francese.

Bruno Monsaingeon ha pubblicato il suo libro Mademoiselle. Incontri con Nadia Boulanger pubblicato nel 1981, è ora disponibile in tedesco, ottimamente curato e tradotto da Joachim Kalka. Nella prefazione, Monsaingeon osserva che Boulanger non amava "fare dichiarazioni confidenziali". Questo spiega probabilmente lo stile un po' parcellizzato del libro, che si basa su conversazioni degli ultimi anni della sua vita. La Boulanger non è una filosofa della musica, né una scienziata o una teorica. I suoi pensieri sono erratici, ma non improduttivi.

Nadia parla a lungo di sua sorella Lili, del suo talento e della scintilla di genio di Lili, che lei stessa non ha mai avuto. Il libro ruota spesso intorno a temi come il talento, la creatività e l'impulso creativo - vedi "estetica romantica dell'ispirazione". A pagina 97, Boulanger afferma che:

"Quando si parla di genio o di capolavoro, devo ammettere il mio imbarazzo. In effetti, non so nulla... So e non so perché ho una certezza che non si basa sulla ragione. Si comincia, naturalmente, con una certezza che è in parte ragionevole, nella misura in cui mi rendo conto che la musica è ben scritta, ben orchestrata, ben costruita. Ma nel momento in cui si tratta di qualcos'altro, si entra nel mistero. Poiché sono un credente, tutto mi sembra un mistero".

Si può chiamare rispetto, rispetto per l'arte, rispetto per la musica. Tuttavia, più ci si immerge nel pensiero della Boulanger, più si insinua la sensazione di un misticismo colto, che si pone in posizione stranamente obliqua rispetto a idee piuttosto concrete di artigianato musicale e a intuizioni profonde e tangibili di importanti opere della storia della musica. È proprio quest'impressione che probabilmente spiega il successo pedagogico della Boulanger: ella trasmetteva le nozioni di base, in modo consapevole e rigoroso allo stesso tempo. Ciò che i suoi allievi facevano, ciò che accadeva nei processi inconsci, lei lo rispettava e lo taceva. Questa è probabilmente anche la conclusione di questo libro dalle molte sfaccettature: ci sono molti impulsi. Ma è compito del lettore riflettere ulteriormente.

Bruno Monsaingeon: Penso in toni - Conversazioni con Nadia Boulanger, 176 p., € 28,00, Berenberg, Berlino 2023, ISBN 978-3-949203-50-3

Il padre cantore Hans Georg Nägeli, nato 250 anni fa, ha fatto cantare la Svizzera. È ironico che nel giorno del suo compleanno sia stato pubblicato un CD che mostra un'immagine completamente diversa del panorama musicale svizzero: La Svizzera oscilla.

La quinta puntata della serie "20th Century Foxtrots" presenta una serie di rarità di dodici compositori svizzeri, oltre al tedesco José Berr, che visse per molti anni a Zurigo, e alla compositrice ginevrina Marguerite Roesgen-Champion, che ebbe maggior successo a Parigi. Il musicologo Mauro Piccinini, che è anche il supervisore accademico di questa collana, ha rintracciato i brani di danza, per lo più inediti. Scrive di come il foxtrot, scambiato per jazz, si sia affermato negli alberghi di St. Moritz, ad esempio, grazie a un "Tschetzpend". In quest'ultima puntata, i brani sono interpretati con accattivante verve e umorismo anche dal pianista viennese Gottlieb Wallisch. La copertina del libretto, brillantemente disegnata da Alastair Taylor in tipico stile Art Déco, mostra una coppia che balla davanti a uno sfondo di montagne innevate. Anche il CD, registrato nello studio radiofonico SRF di Zurigo e prodotto in Germania, emana un'atmosfera internazionale, prevalentemente americana.

Dodici registrazioni in prima assoluta presentano fox trot e tanghi di compositori che, nati tra il 1865 (Emile Jaques-Dalcroze) e il 1941 (Urs Joseph Flury), hanno tutti perso brevemente il loro cuore per il jazz e i balli di moda americani. Oltre ad Arthur Honegger, Conrad Beck, Paul Burkhard, Peter Mieg e Julien-François Zbinden, questo progetto include anche compositori meno conosciuti come René Gerber, Walter Lang e André-François Marescotti.

Albert Moeschinger esordisce in modo avvincente con molto swing e una visione particolarmente sensibile del jazz. Tallula è il titolo della sua fantasia sincopata di foxtrot del 1930, a cui si aggiunge un autentico Blues d'addio segue. Questi due brani dal profilo nitido fungono da modello per tutto ciò che segue. L'allievo di Rheinberger José Berr si diverte curiosamente con un passo unico sulla canzone jodel Sono un ragazzo svizzero e il Canzone della Turgovia.

20th Century Foxtrots, Vol. 5. Svizzera. Gottlieb Wallisch, pianoforte. Pianoforte a coda GP 922

In un elenco dei più importanti oboisti della storia della musica, il nome di Gustave Vogt (1781-1870) non dovrebbe mancare accanto a quelli dei fratelli Plà, Carlo Yvon, Antonio Pasculli, Léon Goossens, Evelyn Rothwell e Heinz Holliger. Nella prima metà del XIX secolo, ha formato due generazioni di suonatori per quasi 50 anni e ha avuto un'influenza fondamentale sulla scuola parigina di oboe. Solo il 2° movimento di un concerto in tre movimenti per cor anglais e orchestra è sopravvissuto nell'originale. La stessa musica appare in una versione trasposta nel suo 2° concerto per oboe, il che ha spinto l'oboista ed editore Michel Rosset a trasporre allo stesso modo il 1° e il 3° movimento per cor anglais. La sua lodevole ricostruzione è molto convincente.

I tre movimenti direttamente consecutivi seguono un gesto romantico e il tono operistico ricorda a tratti quello dell'opera di quasi 20 anni prima. Scène per cor anglais e orchestra di Antoine Reicha. L'alto livello di virtuosismo è ben presente, i passaggi vocali sono sempre finemente e riccamente ornati, e la composizione, che dura un buon quarto d'ora, è anche formalmente convincente nel modo più bello.

L'originale concerto in do maggiore di Domenico Cimarosa fu pubblicato per la prima volta dalla stessa casa editrice. Fu scritto nel 1781, tre anni dopo il famoso contributo di Mozart a questo genere. Sebbene vi siano certamente echi del grande modello, i due concerti non sono paragonabili. Cimarosa compone in modo molto più sintetico - riesce a scrivere un vero e proprio rondò in soli 2 minuti nel 3° movimento, ad esempio - e combina i movimenti con una scrittura "attacca". Il fulcro del concerto è un Andante sostenuto vocale in la minore: qui Cimarosa si dimostra un ispirato compositore d'opera.

Pēteris Vasks' ha appena pubblicato un nuovo concerto. Il suo concerto per corno inglese (1989) è già diventato molto popolare, presumibilmente a causa della sua smaccata vicinanza stilistica con il concerto di Jean Sibelius. Cigno di Tuonela. Il suo concerto per oboe, che ora è stato pubblicato (come riduzione per pianoforte con parte solista), probabilmente troverà spazio anche nelle sale da concerto, poiché il suo linguaggio tonale semplice e modale si rivolge ai gusti musicali del pubblico degli abbonati. Due pastorali melodiche (Pastorale del mattino e Pastorale della sera) fanno da cornice a un vivace movimento centrale, in cui varie danze e un arioso si uniscono e fanno da cornice a un'ampia cadenza solistica. La fragile riduzione per pianoforte difficilmente sarà soddisfacente per un'esecuzione, ma serve solo come preparazione per una prova con orchestra.

Gustave Vogt: Solo de Concert pour le Cor anglais, per cor anglais e grande orchestra, prima edizione e ricostruzione di Michel Rosset; partitura: EW 1216, € 32,50; riduzione per pianoforte: EW 1208, € 18,50; Edition Walhall, Magdeburg

Domenico Cimarosa: Concerto in do maggiore per oboe solo, 2 corni, 2 violini, viola e basso, prima edizione di Sandro Caldini; partitura: EW 1200, € 23,50; riduzione per pianoforte: EW 1194, € 14,90; Edition Walhall, Magdeburg

Pēteris Vasks: Concerto per oboe e orchestra, riduzione per pianoforte di Claus-Dieter Ludwig, ED 23365, edizione a stampa € 32,00, Schott, Mainz

Una foto della leggendaria Nelly Melba durante una registrazione radiofonica nel 1920 adorna la copertina del secondo volume dell'"Handbuch des Gesangs" (Manuale di canto) pubblicato da Laaber-Verlag. Questa foto cattura un momento grande e decisivo che ha aperto una nuova strada per lo sviluppo dell'arte del canto e della sua storia di ricezione.

Uno dei curatori di questo libro, Thomas Seedorf, ha pubblicato il suo libro solo nel 2019. Manuale di pratica esecutiva per il canto solista che contiene una grande quantità di informazioni per il canto della musica antica e moderna (Bärenreiter). È dedicato alla pratica vocale dal 1600 a oggi, ai tipi di voce, all'estetica vocale, all'ornamentazione e alla declamazione, ma si concentra sui secoli XVII, XVIII e XIX. Gli sviluppi del XX e XXI secolo sono solo sfiorati con un capitolo sulla nuova musica e la notazione moderna.

Il nuovo manuale si conclude con il titolo Voci - Corpi - Media, Il canto nel XX e XXI secolo Il contenuto del libro si basa sul lavoro esistente. Apre una nuova prospettiva sulla voce e sul corpo in scena, in particolare nella canzone e nella chanson del teatro musicale popolare e dell'opera, ed è dedicato al canto come pratica culturale e al canto corale come fenomeno globale. L'esame dei media moderni e della trasformazione della voce cantata attraverso i supporti sonori, la tecnologia di studio e la digitalizzazione è ormai indispensabile. L'estetica del canto popolare del XX e del XXI secolo pone esigenze diverse e nuove alla voce del cantante, dove il parlare, l'urlare e il gridare non sono ammessi solo nel canto pop e jazz, ma servono anche all'espressione vocale delle emozioni, dove gli interpreti sono microfoni e ingegneri del suono.

Un ampio capitolo è dedicato alle questioni di pedagogia e terapia. La diversità dell'estetica sonora e dell'espansione stilistica non è mai stata così grande come oggi. Basti pensare al pop, al rock, al soul, al jazz e al canto musicale, al tango e ai gruppi indie, al canto overtone e allo jodel, al rumorismo sperimentale e alle creazioni sonore della nuova musica - accanto all'ideale del canto classico, che ovviamente non ha perso nulla del suo fascino; basti vedere le cifre delle iscrizioni alle università...

Il caleidoscopio della diversità vocale si riflette in una gamma estremamente pluralistica di lezioni di canto, che sono l'oggetto del libro, e che vanno dalla formazione vocale corale al lavoro funzionale sulla voce, dalle varie scuole di canto pop alla cosiddetta tecnica del bel canto, fino al lavoro vocale combinato con l'allenamento del corpo e della respirazione. La varietà di metodi diventa un'attraente caratteristica qualitativa dell'insegnamento tecnico vocale; la parola magica è rete anziché separazione.

Il manuale si conclude in modo filosofico: il canto rende felici? "Sì", è la risposta! La domanda è perché... Perché suonare, far risuonare la propria voce, lasciarla libera di esprimersi, ha un effetto euforico?

Voci - Corpi - Media: il canto nel XX e XXI secolo, a cura di Nils Grosch e Thomas Seedorf, (= Handbuch des Gesangs 2), 396 p., € 98,00, Laaber, Lilienthal 2021, ISBN 978-3-89007-906-6

Le band svizzere hanno tradizionalmente avuto difficoltà a fare rock e a produrre brani orecchiabili oltre che dinamici. Il quartetto zurighese Annie Taylor - che prende il nome dall'insegnante sessantatreenne che, nel 1901, fu la prima a precipitare dalle cascate del Niagara in un barile e a sopravvivere all'avventura - non ha di questi problemi. In termini di competenza strumentale, Gini Jungi (voce, chitarra), Tobias Arn (chitarra), Michael Mutter (basso) e il batterista Daniel Bachmann, che si è recentemente unito alla band dai post-krautrockers di Winterthur Klaus Johann Grobe, potrebbero certamente servire anche un virtuoso rock neo-progressivo. Grazie a Dio non vogliono farlo. Al contrario, nel loro secondo album sono rimasti fedeli alla miscela organica di post-grunge, garage e pop rock che ha reso così vivace il loro debutto di tre anni fa. Dolce mortalità graffiò le classifiche svizzere degli album dell'epoca e fece guadagnare alla band una lunga serie di partecipazioni a festival nazionali e internazionali. La fiducia in se stessi acquisita in questo modo trasuda da ogni solco di Sorriso interiore.

Per le registrazioni si sono trasferiti a Bristol, dove hanno trascorso le giornate nello studio del produttore Ali Chant, che ha lavorato anche con PJ Harvey, Yard Act, Katy J Pearson (una delle preferite di Jungi) e Aldous Harding. La sera si sono ritirati nella villa e hanno affinato le idee delle ore precedenti. Il suono è diventato molto più versatile. Numeri pop-punk dal ritmo esuberante (Scolaretta) si contrappongono a canzoni orecchiabili, in cui la dinamica forte/tranquillo sviluppata dai Pixies è abilmente applicata (Spingimi). Cavalcare in alto è il "sunshine pop" californiano, per così dire, anche Fottuto sconvolgimento trova spazio per alcuni momenti di riflessione, e Sorella vive non da ultimo dal glorioso riff di basso. La talentuosa cantante, autrice e front woman Jungi domina il processo con aplomb. Conclusione: una formidabile band dal vivo, abilmente conservata su vinile.

Annie Taylor: Inner Smile. Taxi Gauche Records TGR 037 (Vinile)

I bambini reagiscono spesso in modo sorprendentemente positivo alla musica country. Ciò rende ancora più deplorevole il fatto che non ci sia quasi nessuna letteratura per principianti disponibile per l'insegnamento. La casa editrice Müliradverlag di Altdorf vuole porre rimedio a questa situazione con una nuova collana che si apre con due libretti. Marion Suter e Claudio Gmür, due luminari del pianoforte country di due generazioni diverse - Suter è stata a lungo allieva di Gmür - presentano ciascuno un libretto con 16 semplici pezzi di danza. Le composizioni di Suter sono originali, quelle di Gmür sono per metà pezzi originali e per metà arrangiamenti di classici del genere.

I brani sono facili e piacevoli da suonare e allo stesso tempo trasmettono le basi formali e armoniche della musica di danza popolare svizzera. Le nuove composizioni seguono gli schemi e le sequenze tradizionali, ma sono originali e spiritose. È chiaramente riconoscibile che l'autore ha una grande familiarità con l'argomento trattato. Le forme più importanti - ländler, valzer, polka, schottisch, ma anche una mazurka nel caso di Suter e una ländler fox nel caso di Gmür - sono presentate in modo semplice ed esemplare.

Se questo è troppo semplice per voi, potete usare i due libretti come base per avventurarvi nella pratica delle variazioni e delle ornamentazioni della musica dei Ländler e, nello spirito dell'antica tradizione, modificare e ampliare i brani secondo i vostri gusti. I libretti sono quindi una valida introduzione alla musica popolare svizzera non solo per i principianti, ma anche per i più esperti di altri generi.

Musica country svizzera per pianoforte,

Vol. 1: 16 nuove composizioni di Marion Suter, n. 1211;

Vol. 2: Eine Tasten-Bike-Tour, 16 danze nuove e tradizionali composte e arrangiate da Claudio Gmür, n. 1212;

Fr. 25.00 ciascuno, Mülirad, Altdorf 2021

Chi insegna la musica come un allenatore ha successo. Questo non vuol dire che la musica sia uno sport, ma nel libro di Ulrich Menke Metodo di navigazione Gli aspetti di medicina sportiva e psicologia dello sport aiutano a raggiungere più rapidamente risultati positivi. Il concetto di pratica è completato dal concetto di allenamento. L'uso alternato di tutti i sensi permette al cervello di raggiungere la vera forma: Kurzweil fa dimenticare il "tempo della pratica" e porta al flusso. L'insegnante risponde agli allievi con domande piuttosto che con critiche, aiutandoli così a sviluppare capacità di lavoro più indipendenti.

In 18 capitoli, illustrati con esempi musicali istruttivi tratti dalla letteratura violinistica, viene fornita un'ampia gamma di compiti per superare le difficoltà. Eccone una selezione:

1° riscaldamento, a partire dal corpo: postura, sensibilità muscolare e delle dita, auto-osservazione allo specchio.

2. esercitarsi su un nuovo brano in modo impeccabile fin dall'inizio grazie allo Slow Motion; prima introdurre, poi suonare.

3. looping: incorporare pause di respirazione nelle sequenze difficili e ripetere le parti della sequenza; semplificare i grandi salti come oscillazioni sonore e ascoltarli. e sentire; nel caso di doppie prese, determinare il dito guida il cui percorso è più facile da eseguire e da memorizzare; isolare i fattori di errore e consolidare con il loop.

4. time-out: prolungare i passaggi veloci con ritmi punteggiati o note ripetute.

5. supervisione: osservatevi mentre giocate a turno con i diversi sensi.

7. il ritmo è tutto! Eseguire prima i passaggi ritmicamente difficili su una nota o su una scala; eseguire prima il movimento di cambio corda dell'arco di un passaggio a più corde sulle corde vuote; trovare la curva ottimale della mano dell'arco per i passaggi legati.

8. porre gli accenti: In un brano che scorre in modo uniforme, ponete gli accenti sulla seconda nota a gruppi di quattro sedicesimi, ad esempio, e sulla terza e quarta nota nelle ripetizioni, o addirittura su ogni terza nota (contro il metro) del brano. In questo modo, ogni nota viene messa a fuoco una volta.

9. auto-allenamento: come un giornalista, osservate il gioco della vostra "squadra interna" e valutate ciò che deve essere migliorato. Concentratevi su un dito troppo debole, su un timbro poco espressivo, su un cambio di posizione che avviene troppo tardi; "guardate la disposizione scenica delle situazioni di gioco".

10. suonare lontano. Acquisire sicurezza: passaggi su altre corde, in altre posizioni, camminando, suonando back to back in un ensemble.

11. banco di missaggio. Provare diverse variazioni dinamiche di un passaggio (cercando con i crescendo e i decrescendo la giusta enfasi) porta a una comprensione più consapevole della composizione.

12. lieto fine. Se si colloca una fermata su una nota problematica e la si vive in modo più consapevole, perde l'aspetto di "punto di paura".

13° Chiamata - Richiamo: cantare un brano - ripetere suonando. Chiamata - Risposta: cantare una domanda musicale - suonare la risposta. In questo modo si capisce più rapidamente come deve essere organizzato musicalmente un brano.

Finalmente il 18° spettacolo! Qui spieghiamo come evitare la paura del palcoscenico e del fallimento, ma anche come incoraggiare il flusso musicale.

In una sezione esplicativa conclusiva, viene spiegata in dettaglio l'importanza della mindfulness, del coaching sapiente, dell'allenamento mentale, di un nuovo rapporto tra insegnanti e allievi e del campo di allenamento come luogo di benessere. Nel complesso, un prezioso tesoro di idee!

Ulrich Menke: Das Methoden-Navi, Routenplaner zu einem erfolgreichen Instrumental- und Ensembleunterricht, 192 p., € 22,95, Schott, Mainz 2023, ISBN 978-3-7957-3092-5

Rümlingen si è rimesso in viaggio alla fine di luglio. Dopo la Bassa Engadina nel 2019 e l'Appenzello nel 2021, il festival ha esplorato una parte particolarmente interessante del Ticino. Il punto di partenza è stato l'ex paradiso degli abbandoni Monte Verità sopra Ascona. Poi è stata la volta di un'escursione in Valle Onsernone, la piccola Arcadia della borghesia culturale svizzero-tedesca, e di un'escursione in battello alle isole subtropicali di Brissago, sempre con composizioni, installazioni sonore e altre performance acustiche accuratamente adattate al paesaggio - a volte come un concerto ben strutturato, a volte alla maniera di una borsa delle meraviglie per il ristoro sonoro del pubblico in viaggio.

Con i suoi festival estivi, l'associazione Neue Musik Rümlingen, che esiste dal 1990, prende costantemente una strada secondaria tra i cespugli che costeggiano il mainstream dell'avanguardia. Il manipolo di media, compositori e mediatori musicali provenienti dalla Germania e dalla Svizzera è ben collegato musicalmente in entrambi i Paesi e può contare anche sull'interesse di sponsor amici. Un'abile cooperazione istituzionale consente di mantenere bassi i costi. I partner locali in Ticino sono stati l'Associazione Olocene (che prende il nome dalla storia scritta da Max Frisch nella Valle Onsernone). L'uomo compare nell'Olocene) e il Teatro del Tempo. Il compositore e fondatore del festival Daniel Ott Da vero svizzero, ha anche una buona conoscenza del Paese e una predisposizione per gli emarginati.

Ticino, la fine del mondo?

"Finisterre", la fine del mondo, era il motto associativo dell'evento di cinque giorni. Come espressione di un romantico desiderio di natura, questo motto aveva perfettamente senso e si adattava anche al remoto Onsernone, caratterizzato dalla migrazione. Tuttavia, come è noto, il limite della percezione, la "fine del mondo", coincide sempre con il proprio orizzonte. E questo, a quanto pare, è arrivato solo ora fino al Lago Maggiore. Associare gli hotspot turistici di Ascona e Brissago e il Ticino industrializzato in generale, con i suoi oltre ottantamila pendolari italiani al giorno, all'idea della fine del mondo è un po' ingenuo. Nel libro di programma, gli organizzatori si sono cimentati in ogni sorta di tirate ideologiche, apparentemente ispirate al genius loci del Monte Verità. Le torbide speculazioni su altre realtà si combinano con aneliti turistici di stampo nordico e con un tocco di colonialismo culturale del tipo "Ora esportiamo la nostra avanguardia nel sud musicalmente incolto".

Al di là di queste contraddizioni concettuali, l'impresa è stata sicuramente un successo. Tutti erano soddisfatti, gli artisti che avevano raggiunto il festival, gli organizzatori e il pubblico. Si trattava di una folla di fedeli fan del festival che si stavano godendo qualche giorno di vacanza all'insegna dell'avventura, di curiosi turisti giornalieri e di qualche professionista del settore; pochi erano gli abitanti del luogo. Erano una grande famiglia, che si abbandonava alla magia del paesaggio e seguiva con curiosità gli eventi sonori in esso ambientati. Naturalmente, tutto questo non era possibile senza il contributo personale. Per esempio, per il giorno dell'Onsernone erano previste tre ore di escursione, e chi non era bravo a camminare doveva passare. Grazie alla sicurezza finanziaria, il festival può permettersi il lusso di un numero ridotto di partecipanti. Il concerto sull'Isola di Brissago è stato soggetto a un numerus clausus a causa del ridotto numero di passeggeri sulla nave.

Punto focale Monte Verità

"Rümlingen" è un festival esperienziale; non si tratta tanto dell'eccellenza artistica di ciò che viene offerto, quanto della sua percezione non convenzionale e anche di una più intensa percezione di sé. Così con il gruppo Trickster-pche non offriva alcun suono, ma solo biglietti della lotteria con le istruzioni: "Scegliete un suono che suonate nella vostra testa. Suonalo con il seguente accompagnamento: Foresta in primavera alle 5.00 del mattino". La gag concettualista faceva parte della giornata inaugurale del Monte Verità. L'installazione offriva un'esperienza simile a quella del film muto Grazie di Lukas Berchtold, in cui una danzatrice si muove in cerchio su ghirlande di carta che si srotolano delicatamente dall'alto.

C'è stato un intervento con una battuta critico-culturale nel Elisarium è visibile. L'interno di questo edificio circolare simile a un tempio è popolato tutto intorno da ragazzi nudi, che l'aristocratico baltico Elisar von Kupffer dipinse sul muro in una posa paradisiaca negli anni Trenta. Il norvegese Trond Reinholdtsen - un ironista di talento che ha attirato l'attenzione a Darmstadt nel 2014 con la bella frase "O vecchia Europa malata, ti amo!" - ha fornito un contrappunto sgargiante a questo omoerotismo un po' stantio con un video in cui lascia strisciare i suoi noti troll dai colori sgargianti e declama allegre sciocchezze pseudo-filosofiche.

La foresta invita gli ascoltatori a origliare

Nell'ampio territorio collinare si potrebbe trascorrere una giornata alla scoperta dell'ignoto, del sorprendente e talvolta dell'accidentale. Sullo scoglio della Valchiria - nome coniato dai fondatori del Monte Verità - una cantante, supportata da un'elettronica, ha scandito l'ambiente circostante con una Laurie Anderson-Verschnitt. Da qualche parte tra i cespugli si trovava un vibrafono solitario, sul leggio "Der kranke Mond" dall'opera di Schönberg. Pierrot lunaire.

In una radura del bosco c'erano alcune sedie a sdraio su cui gli escursionisti potevano sedersi. Poi, a una certa ora del giorno, la scena ha preso improvvisamente vita. Gli studenti del Conservatorio di Lugano si posizionarono dietro le persone rilassate e sdraiate con i loro strumenti e fecero loro un dolce massaggio sonoro con toni e rumori soffici. E quando i rami degli alberi circostanti hanno iniziato a ondeggiare a un comando segreto, accompagnati dal suono di campane lontane, è stato come se la foresta incantata stesse pacificamente chiamando le persone. Gli alberi da Manos Tsangaris La situazione sonora, precisa e sottile, è stata una delle migliori della giornata.

L'impresa è valsa a far uscire dall'ombra della politica i due compositori, l'inglese Benjamin Britten (1913-1976) nel periodo del declino di un impero mondiale, e il russo Dmitri Shostakovich (1906-1975) nella terrificante era sovietica. La loro conoscenza, nata per caso nel 1960 e sviluppatasi in un'amicizia attraverso il confine quasi invalicabile della Guerra Fredda, è ritratta nelle più diverse sfaccettature dei rapporti artistici e umani. Nonostante le avversità, i due riuscirono a incontrarsi sei volte, sia ad Aldeburgh che a Mosca e durante il loro viaggio comune in Armenia (estate 1965).

L'autore si sforza di inserire nelle discussioni sullo sviluppo della Nuova Musica eventi politici importanti come la crisi dei missili di Cuba nel 1962, l'invasione della Cecoslovacchia da parte degli Stati del Patto di Varsavia nel 1968 e l'acceso dibattito in Gran Bretagna sul festival di musica sovietica del 1972, senza trascurare l'attenzione per i due artisti come esistenze minacciate. In questo senso, sono stati giudicati come compositori in modo del tutto controverso prima e dopo il crollo dell'Unione Sovietica, e le discussioni a Est e a Ovest continuano senza sosta ancora oggi, poiché entrambi non potrebbero quasi mai essere classificati come avanguardisti e le loro opere sono state quindi spesso giudicate e scontate al di sotto del loro valore.

Un'abbondanza di citazioni da fonti inglesi e russe - elencate in oltre mille annotazioni - sostituisce spesso le dichiarazioni previste dall'autore. La sua preoccupazione principale, tuttavia, non è quella di rivalutare le opere, ma di gettare nuova luce sulle circostanze, a volte relativamente difficili, in cui le opere furono composte. Poiché entrambi i compositori hanno avuto a che fare con gli eventi politici e quindi spesso, ma non sempre, sono stati involontariamente coinvolti, ciò ha richiesto un'ampia ricerca sulla loro vita privata. Il "Changing Meanings of Values and Words" o i dettagli dell'accordo di scambio culturale tra la Gran Bretagna e l'URSS nel 1959 vanno ben oltre, ma spesso forniscono una visione di eventi dimenticati durante la Guerra Fredda.

Tuttavia, tali panoramiche comportano il rischio che gli aspetti geopolitici, intesi da una prospettiva culturale ristretta, non sempre reggano a una valutazione storica complessiva. D'altra parte, è lodevole che l'autore cerchi di far luce anche sugli aspetti problematici degli individualisti costretti a ruoli di outsider.

Meinhard Saremba: Tenere aperta la porta della cultura. Britten e Shostakovich. Eine Künstlerfreundschaft im Schatten der Politik, 518 p., € 28,00, Osburg-Verlag Hamburg, Eimsbüttel 2022, ISBN 978-3-95510-295-1

Sembra quasi impossibile riassumere un'epoca come il XVIII secolo, che in realtà non è affatto un'epoca, in un solo libro. L'arco politico, ideologico, artistico e musicale che copre è troppo ampio. Elisabeth Schmierer - che fa ricerca e insegna all'Università delle Arti Folkwang di Essen - non si concentra quindi su singole personalità, ma segue piuttosto gli sviluppi di vari generi, che a sua volta illumina sullo sfondo sociale rispettivo. Come si è sviluppata la musica da chiesa durante l'Illuminismo e l'emergere del business dei concerti? Come appare la canzone di fronte allo "specchio della cultura musicale borghese"? E soprattutto, ancora e ancora: a che punto è il teatro musicale? Il tutto è molto istruttivo, perché Schmierer raccoglie anche una grande quantità di materiale su settori collaterali come la pantomima del balletto o la musica da programma.

A volte quasi troppo, tanto che si rischia di perdere la visione d'insieme durante la lettura. L'assenza di note a piè di pagina (ci sono invece molte parentesi) rende il testo ancora meno leggibile. Immagini ed esempi musicali sono quasi del tutto assenti. Anche se un glossario in appendice spiega i termini più importanti, ciò non impedisce al libro di essere piuttosto poco chiaro.

Ne citerò un esempio preferito, il poema della Passione dello scrittore e consigliere comunale di Amburgo Barthold Heinrich Brockes, che fu musicato da alcuni dei più importanti compositori come Handel, Telemann e Stölzel, e di cui si servì anche Bach. Questi nomi e altri ancora vengono citati, così come il fatto che Brockes reintrodusse il testo evangelico nell'oratorio della Passione, anche se con qualche rima. E questo è tutto. Nulla sulle soluzioni individuali ed emozionanti che il testo altamente espressivo ha ispirato ai musicisti. No, l'enumerazione prosegue a rotta di collo.

In definitiva, il volume, che presenta in copertina tre donne che fanno musica, rafforza l'impressione che la composizione femminile non abbia avuto alcun ruolo in quell'epoca. Solo Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre compare come compositrice donna. Mancano Juliane Reichardt e Madame de Montgéroult, una delle prime insegnanti donne del Conservatorio di Parigi. Nonostante queste omissioni, il volume offre una buona panoramica ed è certamente utile per tutti coloro che insegnano storia della musica e desiderano collegarla a un quadro più ampio.
Elisabeth Schmierer: La musica del XVIII secolo, 345 p., € 32,80, Laaber, Lilienthal 2022, ISBN 978-3-89007-858-8

L'autore di questo podcast, Matthias Droll, è a sua volta un viaggiatore poliedrico: dopo aver studiato percussioni classiche ed educazione musicale elementare, ha conseguito un master in jazz e suona in un trio che fa musica elettronica. Si dedica anche all'arrampicata. Vorrebbe anche diversificare la sua carriera futura. Ecco perché sta cercando di esplorare questa versatilità. Come parte della sua tesi di master all'Università delle Arti di Berna, ha creato una serie di ritratti acustici che possono essere ascoltati online. In x-voce parla con musicisti che suonano diversi strumenti, in diversi generi, in diversi ruoli, dall'esecutore al docente universitario, e che spesso sono anche attivi nello sport o nelle organizzazioni. Chiede loro come sono arrivati a questa moltitudine di attività, a partire dall'infanzia, e vuole sapere se hanno mai dovuto rinunciare ad aree di interesse, come hanno dovuto decidere come conciliare tutto e come sono riusciti a trovare fasi creative in questa diversità.

Ascoltando i contributi, che hanno una durata compresa tra i 39 minuti e poco più di un'ora, si avverte una piacevole tensione tra la calma della conversazione, che ha anche il tempo per le domande di approfondimento e le spiegazioni più lunghe, e la quantità a volte vertiginosa di attività a cui gli intervistati si dedicano. Questo approccio paziente e attento è una delle risposte? In ogni caso, non si tratta di capire come le diverse attività possano essere gestite l'una accanto all'altra, ma se e come siano reciprocamente vantaggiose.

Chiunque abbia domande sulla propria versatilità o voglia semplicemente conoscere la vita di musicisti ispirati (anche se, in linea con la versatilità, si possono anche preparare o lavare le verdure) dovrebbe ascoltare. Finora sono stati realizzati nove episodi, a cui ne seguiranno altri in autunno.

x-stimmig - (non) solo musica