L'autore, che ha diretto cori a Sciaffusa e lavora come recensore di concerti, vuole avvicinare le persone alla musica classica con questo piccolo libro colorato. I termini musicali elencati, da "intonazione assoluta" a "magia", sono conditi con commenti umoristici, 14 compositori speciali, da Hildegard von Bingen a John Cage, hanno una pagina speciale, 350 sono elencati con le date di vita e lo stile musicale e gli strumenti orchestrali sono disegnati e nominati.

A ogni pagina, i vivaci disegni di Linda Grädel raffigurano la dedizione dei musicisti. Utile e stimolante per i giovani studenti di musica e per i frequentatori di concerti.

Gisela Zweifel-Fehlmann: La musica classica è grande! Il glossario musicale con un elenco di compositori per principianti, con disegni di Linda Grädel, 160 p., Fr. 10.00, Edition ABCDEF..., Diessenhofen 2023, ISBN 978-3-03858-732-3 (stampa)

Il motivo per cui ci mancherà è stato evidente anche al momento della sua partenza. Per oltre 30 anni, il Fondazione Orpheum giovani musicisti. Al concerto del 21 ottobre, che ha segnato anche il passaggio di consegne alla direzione artistica, Howard Griffiths ha dimostrato in un breve discorso di commiato cosa serve per una carriera artistica di successo oltre al talento. Ha descritto la sua Orpheum Supporters Orchestra come un'"orchestra di dottori", un termine che non suonava affatto irrispettoso detto da lui, ma che non faceva che sottolineare la malizia e l'entusiasmo della sua personalità.

Trovate quelli unici

Oltre alle qualità musicali, Griffiths ha sottolineato nella precedente conversazione telefonica che la personalità è il criterio principale che cerca come "talent scout". Negli ultimi anni, il numero di persone tecnicamente dotate è aumentato, ma le "personalità artistiche molto speciali" rimangono più rare che mai. Una valutazione condivisa dal suo successore Oliver Schnyder. In un'intervista scritta, ha sottolineato che le interpretazioni dei giovani artisti si avvicinano sempre più a uno "standard ampiamente accettato" a causa della mancanza di tempo per uno sviluppo organico, e conclude con una frase notevole: "Non sono affatto sicuro che personalità musicali come Fritz Kreisler, Edwin Fischer, Clara Haskil o Pablo Casals si affermerebbero ancora oggi in modo paragonabile".

Quindi i due sono d'accordo sulla questione. La Fondazione Orpheum si occupa di selezionare personalità uniche dal grande serbatoio di talenti. Un compito che finora è stato portato a termine con successo, come dimostra uno sguardo all'archivio: Truls Mørk, Renaud e Gautier Capuçon, Yuja Wang, Alisa Weilerstein e Nikolaj Znaider, solo per citarne alcuni, hanno tutti beneficiato del sostegno della fondazione. Si può quindi parlare di una storia di successo. E tutto lascia pensare che questa storia continuerà con Schnyder. Schnyder, che in passato è stato lui stesso un "allievo", si considera innanzitutto un nuovo membro di una squadra forte. Continuità è quindi la parola magica, ci si aspetta solo la definizione di alcune nuove priorità.

Sfruttare il potenziale di sviluppo

In base a questo nuovo orientamento, il concerto del 21 ottobre può essere definito programmatico. La violinista danese-ucraina Anna Agafia Egholm, nata nel 1996, non si è presentata come solista di grido, ma ha suonato il Triplo Concerto di Beethoven insieme all'ex solista dell'Orpheum Maximilian Hornung al violoncello e a Oliver Schnyder al pianoforte. Il concerto ha quindi indicato la strada da seguire: lo scopo e il modello di finanziamento della Fondazione Orpheum è quello di far incontrare giovani solisti con orchestre e direttori famosi. "Ora trasferiremo questa idea anche alla musica da camera e inviteremo grandi mentori a provare ed esibirsi con i giovani musicisti", afferma Schnyder, descrivendo la sua visione per il futuro.

Per questo motivo, non ha avuto importanza che nessuna "orchestra di punta" abbia suonato durante la serata. Anche se l'Orpheum Supporters Orchestra, composta da dilettanti e alcuni professionisti, ha fatto un buon lavoro, non è un ensemble nel senso delle linee guida della fondazione. L'interazione con i due solisti affermati, invece, è stata sicuramente una prestazione di alto livello. Il confronto con Hornung, in particolare, ha rivelato il potenziale di sviluppo di Egholm. Il suo fraseggio più conciso e vivido ha dimostrato in modo impressionante cosa si può ottenere nel Triplo Concerto, spesso giudicato male.

A proposito di potenziale di sviluppo: nonostante tutti gli elogi per i risultati ottenuti dalla Fondazione Orpheum, essa potrebbe anche sfruttare alcune nuove opportunità. Non dal punto di vista di coloro che sono soddisfatti dello status quo del settore dei concerti classici: Esecutori famosi eseguono il noto repertorio del XVIII e XIX secolo. Per tutti gli altri, invece, sarebbe bello se la tradizione di 800 anni di musica classica, che viene costantemente sviluppata, si riflettesse maggiormente anche nella promozione dei giovani talenti.

Howard Griffiths ha cercato di farlo con l'introduzione, tra l'altro, dei Composers in Residence, ma durante la conversazione ha menzionato l'enorme sforzo richiesto, che una piccola fondazione difficilmente potrebbe affrontare in termini organizzativi. Oliver Schnyder ha fatto esplicito riferimento allo scopo della fondazione in questo senso, ma non ha escluso un certo ampliamento del repertorio dovuto ai nuovi formati di musica da camera. Certo, non è compito di una sola fondazione riformare il settore della musica classica. Ma è forse presuntuoso riporre un po' di speranza in una fondazione che ha stabilito un concetto di finanziamento rivoluzionario poco più di 30 anni fa?

Fondazione Orpheum

L'Associazione Culturale Argovia è relativamente nuova. Nel novembre 2019, diverse istituzioni culturali e liberi professionisti del Cantone di Argovia hanno unito le forze. Il consiglio direttivo dedicato copre vari settori e si è posto l'obiettivo di aumentare la visibilità delle attività culturali nel Cantone di Argovia e, soprattutto, di renderle più visibili negli ambienti politici. uno voce di lobby per la cultura. È stato appena eletto un nuovo direttore generale, Daniel Hertli.

Sotto il suo primo direttore generale, Michael Schneider, l'associazione non solo ha preso una posizione chiara sulle decisioni del Gran Consiglio e sul Concetto culturale argoviese 2023-2028, ma ha anche cercato di informare meglio i membri del Gran Consiglio sulle difficili condizioni quadro per la cultura. Grazie al Gran Consigliere Markus Lang, è stato creato un gruppo culturale con circa 40 membri provenienti da diversi partiti. Per questo gruppo vengono organizzate visite guidate che permettono di dare uno sguardo dietro le quinte.

L'importanza della cultura

Nel suo discorso di benvenuto all'apertura del forum, il sindaco Markus Schneider ha sottolineato che Baden è una città culturale sicura di sé e vivace, di cui è orgoglioso. Il consigliere cantonale Alex Hürzeler, conversando con la moderatrice Monika Schärer, ha affermato che la cultura è importante per la coesione della società e l'attrattiva di una località, soprattutto in questi difficili tempi geopolitici.

Come filosofa politica, Katja Gentinetta ha riflettuto sul concetto di cultura nel suo discorso di apertura. La cultura è l'ulteriore sviluppo delle forze intellettuali e morali, tutto ciò che rende migliore la nostra vita. A suo avviso, la cultura non è meno rilevante a livello sistemico dell'agricoltura o della sanità. Una buona cultura aziendale può non essere misurabile, ma è indispensabile.

Dopo ogni presentazione si è svolta un'interessante tavola rotonda: per il fisico Christian Brönnimann, fondatore e presidente del Consiglio di amministrazione di Dectris, la cultura ha molto in comune con la scienza. Entrambi i settori comportano una grande quantità di sforzi e di passione, e il denaro non è l'obiettivo principale. La sua azienda sostiene la cultura con una parte dei suoi profitti. Tuttavia, questo è possibile solo se l'azienda ha successo.

Per Maja Wanner, moglie di Peter Wanner, presidente del consiglio di amministrazione della società di media CH-Media, la cultura è il lubrificante della società e un baluardo contro la brutalizzazione. Lo stare insieme, l'esperienza condivisa dal vivo, sta diventando sempre più importante. L'autrice, che è molto impegnata nella raccolta di fondi per la cultura, considera un problema il crescente anonimato delle aziende. Mancano imprenditori indipendenti ed entusiasti che possano essere contattati personalmente.

Per Christine Egerszegi, ex membro del Consiglio degli Stati e ambasciatrice culturale, l'arte non è un'opera di beneficenza, ma una professione da prendere sul serio. Un problema in Argovia è che qui ci sono poche fondazioni. Ha anche sostenuto con veemenza che una parte dei profitti di ogni azienda dovrebbe essere spesa per la cultura. Se si considera ciò che il Percento culturale Migros ha realizzato finora, non si può che essere d'accordo con Egerszegi.

Quali valori genera la cultura? E per chi?

Christoph Weckerle, direttore dello Zurich Center for Creative Economies presso lo ZHdK, ha relativizzato il concetto di valori nella sua presentazione, adottando una visione globale. Nicola Forster, presidente della Società svizzera per il bene comune, ha sottolineato che la Svizzera, con le sue quattro culture linguistiche, è una nazione di volontà. Non ha uno Non si tratta della cultura dominante, ma piuttosto del bisogno di origine e di casa.

Antonina Businger, una giovane artista che ha fondato con successo una propria società a responsabilità limitata, ha partecipato alla tavola rotonda. Al Badenfahrt di quest'estate è stata la più giovane organizzatrice e direttrice artistica del festival. Il forum ha offerto anche un intrattenimento originale e le acrobazie linguistiche dell'autore Simon Libsig sono state ben accolte. Quando Monika Schärer ha chiesto se tra il pubblico ci fossero donne d'affari e politici, si sono alzate diverse mani. Era presente anche Georg Matter, responsabile della Divisione Cultura del Dipartimento Argovia per l'Educazione, la Cultura e lo Sport, al quale Schärer ha chiesto alla fine quale sia il ruolo delle imprese nella promozione della cultura. Ha giustamente commentato che anche questo forum si trovava in una bolla di sapone. Secondo la sua esperienza, molte persone non hanno idea della cultura. Per questo è ancora più importante parlarne pubblicamente e renderla più visibile. La sala gremita ha dimostrato che l'Associazione culturale argoviese e il Forum Pro Argovia hanno dato il via a questo evento.

Associazione culturale argoviese: agkv.ch/

Silvia Conzett e il suo team hanno riunito una quarantina di strumenti musicali provenienti dalla collezione del museo, da diversi musei locali dei Grigioni e dalla Haus für Instrumente di Kriens, recentemente inaugurata, integrandoli con numerose foto e campioni sonori. In ogni sala espositiva sono inoltre disponibili piccole biblioteche di riferimento con canzonieri, libri di musica e letteratura secondaria per uno studio approfondito.

L'importante tradizione vocale grigionese - cantata in cinque idiomi romanci, in tedesco, in italiano e nel grischun rumantsch - viene presentata attraverso immagini, spartiti, stazioni audio e pubblicazioni, tra cui le edizioni dell'importante raccolta di canti popolari di Alfons Maissen. Le sagome a grandezza naturale di un gruppo di sette cantanti invitano i visitatori a cantare insieme a una delle sette melodie. Invece di un catalogo, i testi della mostra sono disponibili gratuitamente come dispense.

Dal Tiba allo Schüblöt da marmel

Come la musica tradizionale di tutta la Svizzera, la musica popolare dei Grigioni corrisponde a una musica popolare alpina di forma locale, che tuttavia riflette le influenze dei Paesi vicini. Le valli meridionali hanno la bandella, una piccola banda di fiati, con il Ticino, la Lombardia e il Piemonte. Nella Bassa Engadina, il raffele tirolese, una cetra a forma di raschietto salisburghese, veniva ancora pizzicato all'inizio del XX secolo.

La mostra al Museo Retico mette in evidenza anche le specialità sonore dei Grigioni. Mentre la tiba, uno strumento conico di tono naturale in legno o latta, era quasi dimenticata cinquant'anni fa, questo corno alfa sta tornando in auge nella Surselva. Viene costruito, suonato come strumento amatoriale e ha portato a un nuovo utilizzo, le tibadas. I suonatori si allineano nel paesaggio e rispondono a turno a un suonatore di tibada centrale.

Oltre ai campanacci e ai corni, uno strumento di segnalazione unico in Svizzera, lo Schüblöt da marmel, faceva parte della musica dei pastori della Münstertal. È ricavato dalle pietre di gesso che cadono nel Rambach a Santa Maria Müstair. Il piccolo flauto a vascello, che si appoggia completamente sulla lingua per essere suonato, si sarebbe estinto se un brillante ragazzo delle vacanze alsaziano non avesse copiato il metodo di fabbricazione e di esecuzione da un vecchio pastore.

Lo stile grigionese raggiunge tutta la Svizzera

Le scuole di violino della Safiental sono una delle particolarità della tradizione musicale dei Grigioni. Già nel XIX secolo, diversi insegnanti insegnavano agli scolari come costruire e suonare gli strumenti a corda e riunivano i giovani che vivevano lontani in insediamenti sparsi per formare gruppi musicali. Recentemente, i manoscritti di danza della Safiental sono stati editati e pubblicati.

Prima della standardizzazione della banda Ländler, nei villaggi della Svizzera tedesca si formavano complessi da ballo composti da suonatori locali di archi e di fiati che prendevano il nome del rispettivo capobanda. La Fränzlimusik, che prende il nome dal leggendario violinista cieco Franz Waser, ha dato origine alla tipica formazione engadinese del Fränzlis da Tschlin (Rosso. vedi SMZ 11/2022, pag. 19 e segg.).

Solo negli anni Trenta del Novecento la strumentazione della Ländlerkapelle si consolidò, a seconda delle principali regioni di musica popolare, nel cosiddetto stile bernese (diversi Schwyzerörgeli e basso), nello stile della Svizzera centrale (clarinetto, Schwyzerörgeli, contrabbasso e pianoforte) e nello stile dei Grigioni., con due clarinetti, due Schwyzerörgeli o fisarmonica e basso. Questo stile Ländler, diffuso inizialmente da musicisti grigionesi con esibizioni nei club grigionesi delle città, in seguito come membri di bande svizzero-tedesche, ma soprattutto attraverso Radio Beromünster e i dischi, divenne musica nazionale svizzera durante l'esposizione nazionale del 1939, entrando così a far parte della difesa spirituale del Paese. Questo spiega perché lo stile dei Bündner è conosciuto e amato in tutta la Svizzera.

Senza limiti, lüpfig. Sulla musica popolare dei Grigioni. Mostra speciale al Museo retico (vicino alla chiesa di San Martino) di Coira, fino al 3 marzo 2024, mar-dom 10.00-17.00

Oltre ai sette famosi brani sugli animali, in questo libretto potrete scoprire 14 opere poco conosciute. Si tratta di brani facili (dalla prima alla terza posizione) o moderatamente difficili (fino alle posizioni alte) da suonare. L'accompagnamento pianistico è ben scelto nello stile dei rispettivi originali (XVII-XX secolo e sudamericano); qua e là anche il violino si occupa dell'accompagnamento. Le tonalità variano tra due si bemolle e due diesis, di cui un terzo in tonalità minore. Il libretto potrebbe essere adatto a un recital di classe.

Animals in Music, 21 opere originali per violino e pianoforte, arrangiate da Wolfgang Birtel con diteggiature e archi di Barbara Leichtweis-Birtel. ED 23524, € 19,50, Schott, Mainz

Cosa c'è di peggio di un registratore? Due! - Una delle cose affrontate in questa battuta è il fatto che l'intonazione sul flauto dolce è difficile e complicata con due, perché c'è sempre qualcosa che "ronza, gorgheggia, cinguetta o ronza", come si dice nella prefazione alla Trii per due viene chiamato. Una ragione di ciò è da ricercare nello specifico spettro dei toni del flauto dolce. Quando due flauti dolci (soprattutto alti) suonano insieme, si produce almeno un cosiddetto tono combinato. Mentre di solito si cerca semplicemente di intonare i due flauti dolci ragionevolmente bene insieme, Adrian Wehlte utilizza proprio questo principio. I suoi duetti annotati, se intonati in modo completamente puro, producono un tono di combinazione che corrisponde esattamente alle due note suonate; il duo diventa un trio.

Il libretto, con un livello di difficoltà progressivo, vuole essere una guida pratica alla sicurezza dell'intonazione attraverso il riconoscimento consapevole delle note combinate. Queste sono quindi annotate in un ulteriore pentagramma come terza voce virtuale, che corrisponde alle due voci superiori in termini di tecnica compositiva e risulta in un vero e proprio trio di due. Quando il duo viene registrato, diventa udibile che la terza voce non esiste solo come fenomeno acustico nelle orecchie dei musicisti, ma è effettivamente presente nel suono. Tre dei duo presentano un puzzle in cui l'invisibile combinazione della terza voce produce una melodia familiare.

Le spiegazioni delle serie di overtone e dei toni di combinazione e differenza completano l'opuscolo; se volete saperne di più, potete andare su forum.floeno.de o discutere di questo fenomeno sulla piattaforma di discussione.

Il Trii per due è disponibile in un'edizione per due flauti dolci soprani (oboi o clarinetti) e per due flauti dolci contralti (flauti traversi), i cui libretti contengono gli stessi esercizi e composizioni originali.

Adrian Wehlte: Trios zu zweit; edizione per 2 flauti dolci soprano: EFL 1221; per 2 flauti dolci contralto o flauti traversi: EFL 1220; € 12,50 ciascuno; Edition Floeno, Dinkelsbühl

Harald Feller (*1951) insegna organo presso l'Istituto di musica sacra dell'Università di Musica e Teatro di Monaco. Diverse sue composizioni sono state premiate con riconoscimenti. È noto anche per la sua interpretazione della famosa parte d'organo nel film Fratello addormentato. Il suo catalogo di opere comprende composizioni per coro a cappella, musica vocale con ensemble o orchestra, musica per strumenti a tastiera, musica da camera e brani orchestrali.

Il presente lavoro in quattro movimenti Sonata da Chiesa per violoncello (viola) e organo è basato sul materiale musicale dell'opera di Feller del 2006 Fiera di Feldafinger per coro misto a 7 voci, archi, arpa, percussioni e organo. I titoli dei movimenti della sonata corrispondono alla struttura della messa: Kyrie eleison - Calmo, espressivo; Gloria in excelsis Deo - Vivace, molto ritmico; Sanctus - Benedictus - Calmo, solenne; Communio - Adagio. Lo stile compositivo di Feller ricorda talvolta Maurice Duruflé, Flor Peeters o persino la musica da film.

La parte del violoncello offre compiti prevalentemente gratificanti e lirici, anche se nel terzo movimento ci sono alcuni impegnativi passaggi in doppio stop nel registro acuto (gamma: G-f2). Secondo il compositore, "gran parte della parte organistica deve essere suonata su due manuali, poiché le mani spesso si sovrappongono. Bisogna prestare attenzione a quando una voce deve essere enfatizzata o quando le due mani possono essere suonate ugualmente su due o addirittura su un solo manuale. È importante che la parte organistica rimanga sempre varia e trasparente".

La sonata è adatta come musica liturgica nelle funzioni religiose, ma può essere utilizzata anche come pezzo da concerto. Questa composizione tecnicamente impegnativa è un'aggiunta originale al non troppo ricco repertorio di letteratura originale per violoncello e organo. Come supplemento è disponibile anche una versione trasposta per viola.

Harald Feller: Sonata da chiesa per violoncello (viola) e organo, EW 1229, € 19,80, Edition Walhall, Magdeburg

In occasione dell'anniversario di Beethoven, il pianista viennese Rudolf Buchbinder ha registrato il suo 33 Variazioni su un valzer di A. Diabelli di nuovo e per la terza volta. Ha trovato qualcosa di molto speciale: Combinò il gigantesco ciclo di Beethoven con le ambientazioni dei suoi contemporanei, che all'epoca scrissero anche variazioni sul tema dato per l'editore Diabelli, tra cui le versioni di Franz Schubert, Franz Xaver Mozart e dell'undicenne Franz Liszt. Ma Buchbinder incoraggiò anche i compositori contemporanei ad affrontare il valzer di Diabelli. L'elenco è impressionante e comprende undici nomi, da Lera Auerbach a Jörg Widmann.

Alcune di queste opere sono state ora pubblicate da Schott, come ad esempio l'audace opera di Christian Jost Vai alla grande, Rudi! (ED 23535) o il Variazione su un tema di Anton Diabelli di Rodion Shchedrin (ED 23536). Quest'ultimo si rivela un pezzo intelligente e pieno di piroette e sorprese e dovrebbe essere suonato interamente senza pedale (anche se il pedale centrale potrebbe essere utile qua e là).

Il contributo di Toshio Hosokawa va più in profondità. Il compositore, nato a Hiroshima nel 1955, non sembra ispirarsi solo all'opera di Beethoven. Cambiamentima anche sulla variazione che Franz Schubert contribuì al lavoro comune dell'epoca. La variazione Diabelli di Hosokawa con il titolo Perdita è anch'esso nella tonalità di do minore e presenta altri tratti affini. È una meditazione i cui suoni tranquilli sono ripetutamente interrotti e messi in discussione da brusche interiezioni. Questo "Adagio, sostenuto, con sentimento ed espressione" permette al tema di Diabelli di risplendere chiaramente in ogni momento e, ad eccezione di una veloce cadenza, non richiede molto al pianista. Verso la fine, tuttavia, Hosokawa si concede anche un favorito del tardo Beethoven con due trilli più lunghi ...

Questo brano, accattivante nella sua semplicità, è stato eseguito in prima assoluta insieme agli altri contributi di Rudolf Buchbinder al Musikverein di Vienna nel marzo 2020 ed è disponibile nel CD Il progetto Diabelli (Deutsche Grammophon 00028948377077).

Toshio Hosokawa: Verlust/Loss, Diabelli-Variation per pianoforte, SJ 1211, € 7,50, Schott, Mainz

Non capita spesso di aspettare quaranta (40) anni per un libro. Ho conosciuto la biografia di Martin Staehelin del musicista zurighese Hans Georg Nägeli (1773-1836) nella primavera del 1983. Opus ultimum del rispettato musicologo svizzero, che ha passato la vita a studiare Nägeli e la sua cerchia zurighese. Si sapeva che Nägeli era un "padre cantante", compositore, editore, ammiratore di Bach, esteta della musica e corrispondeva con Beethoven, ma che Nägeli, uomo di idee, si cimentava anche in temi pedagogici, filosofici e teologici, scriveva poesie, teorizzava e interveniva in politica - ma non era il compositore di Gioire della vita era - questo è ciò che apprendiamo dallo studio completo di Staehelin.

Il testo si basa interamente su fonti scritte, provenienti principalmente dalle tenute di Nägeli a Zurigo e Winterthur, ma comprende anche una vasta quantità di scritti contemporanei e di letteratura secondaria remota. Il testo, di 640 pagine, è di facile lettura, dettagliato ma mai prolisso, e l'autore sa come guidare il lettore con sicurezza nel labirinto dei suoi pensieri di ampio respiro. I testi inediti di Hans Georg Nägeli sono disponibili in un volume digitale II, scaricabile gratuitamente.

Il fatto che questo doppio monumento di Nägeli abbia potuto essere pubblicato solo grazie all'esperto supporto di aiutanti a causa della malattia del suo autore è poco evidente nel libro. Tuttavia, sembra che Martin Staehelin e i suoi coautori rimpiangano di non aver potuto soddisfare personalmente le sue varie richieste di studi più dettagliati. È valsa la pena aspettare: il libro non è solo il lavoro di una vita, ma anche una pietra miliare della storiografia musicale svizzera.

Martin Staehelin: Hans Georg Nägeli (1773-1836). Approfondimenti sulla sua vita e la sua opera, Volume I, 789 p., Fr. 90.00, Schwabe, Basilea 2023, ISBN 978-3-7965-4746-1

Gli esperimenti fai-da-te di ispirazione anarchica, le sonorità fusion multiculturali e il rap d'atmosfera rappresentano oggi una sorta di ortodossia stilistica di Ginevra (vedi SMZ 11/2023, Il suono degli squat). Ma la città ha anche tutti i tipi di "outlier". A un'estremità dello spettro c'è la band di metal estremo Rorcal, la cui ricerca dell'"inesprimibile" li ha portati in una tempesta sonora nera come la pece. All'altro, troviamo i Quiet Island, un quartetto di quattro voci - una donna e tre uomini - e uno strumentario di chitarre pizzicate, violoncello, flauto e un tocco di synth. spingere/tirare è il suo terzo album.

In passato hanno vinto la categoria "Pop" alla Demotape Clinic del festival m4music. Tuttavia, la loro musica elegante e finemente cesellata è lontana dalla spuma pop di tutti i giorni. Leggere come una garza, le armonie vocali a quattro voci sono adagiate su ritmi alla Bossanova, lasciando ampio spazio ai riff non agitati o al delicato pizzicare di una chitarra discreta e jazzata. Curiosamente, la band ha il suo pezzo più bello, Lago ghiacciatosepolto proprio alla fine di questo incantevole album nebbioso. L'uso improvviso dei fiati è un vero e proprio momento di splendore.

Paragoni? Forse gli Swingle Singers, o i Fifth Dimension e Simon & Garfunkel. Tutto eseguito al rallentatore e trasmesso da un altro firmamento.

Quiet Island (Julien Dinkel, voce, batteria, chitarra; Julien Henchoz, voce, chitarra, pianoforte; Louise Meynard, voce, basso, violoncello; Laurent Zito, voce, chitarra, flauto traverso): push/pull. Red Brick Records

In un articolo su Heinrich Sutermeister, in cui lo caratterizza chiaramente come collaboratore del nazismo, la musicologa Antje Müller scrive che quando si considera la musica "conformista" della Germania tra il 1933 e il 1945, non è la "musica, che è comunque per lo più scadente, a dover essere esaminata", ma la ricezione, poiché la musica da sola difficilmente riuscirebbe a trasmettere tutti gli accessori associativi. Questo non rende giustizia alla musica del compositore, nato vicino a Sciaffusa nel 1910 e morto nel 1995 nella sua casa d'adozione sul lago di Ginevra.

Il fatto è che Sutermeister, che aveva studiato a Monaco di Baviera con Walter Courvoisier e l'arci-conservatore Hans Pfitzner, tra gli altri, e tra i cui amici c'erano Carl Orff e Werner Egk, molto vicini al regime nazista, sembrava cieco alla vita e alla politica in Germania. Due delle sue opere furono rappresentate con successo a Dresda nel 1940 e nel 1942, mentre una terza, scritta per Berlino, non poté essere eseguita a causa degli eventi bellici. Sembra strano che il libretto del nuovo CD di Toccata Classics non faccia menzione di questo problema, dato che Othmar Schoeck viene regolarmente criticato per la sua mancanza di distanza dallo Stato nazionalsocialista.

Il CD contiene i grandi cicli vocali di Sutermeister, oltre a un'aria dall'opera Romeo e Giulietta (1940). Non c'è dubbio che il compositore capisse il suo mestiere e fosse anche in grado di sviluppare uno stile personale basato sul tardo romanticismo tedesco, rimanendo fedele alla tonalità e alla strumentazione convenzionale, con il clavicembalo che aggiungeva qualche tocco di colore insolito. È sorprendente che il Sette lettere d'amore per tenore e orchestra del 1935 non ha un suono molto diverso da quello della Sei lettere d'amore per soprano e orchestra del 1979. La scelta dei testi è in realtà originale: si tratta di lettere d'amore del XVI e XVIII secolo di personaggi e poeti per lo più noti che descrivono stati d'animo molto diversi. Il problema è l'abbondanza del testo, che non è sempre comprensibile, almeno senza un libretto in mano, e appare anche un po' prolisso. Lo stesso vale per il Consolatio philosophiae per voce acuta e orchestra su testi latini del filosofo romano Boezio, scritto in memoria di Ernest Ansermet ed eseguito per la prima volta da Peter Schreier a Ginevra nel 1979.

Nonostante le interpretazioni competenti del soprano Juliane Banse, del tenore Benjamin Bruns e della Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz sotto la direzione di Rainer Held, il CD non è un'ardente richiesta di rinnovate esecuzioni concertistiche di queste opere.

Heinrich Sutermeister: Musica orchestrale Vol. 2, Opere per voce e orchestra. Juliane Banse, soprano; Benjamin Bruns, tenore; Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz; Rainer Held, direttore. Toccata Classics TOCC 0608

Che cosa hanno in comune la musica africana, orientale e caraibica? Niente di meno che la "formula del ritmo mondiale". Essa recita:Solo l'intonazione e l'enfasi dei singoli battiti fanno la differenza tra la sensazione africana, orientale o latina. Nella versione africana, la formula ritmica è

in Orientenei CaraibiInoltre, ci sono gli strumenti che compongono il suono specifico. Le tecniche di esecuzione del djembe (africano), della conga (caraibica), della darabukka (orientale) e di altri strumenti a percussione sono spiegate in modo conciso e chiaro e dimostrate nei video, disponibili tramite l'app Helbling Media.

I motivi rock e pop, invece, sfidano il senso ternario del ritmo e sono dritti. A seconda della canzone, tuttavia, si adattano meglio. La batteria è poi distribuita su più strumenti a percussione e quindi si presta bene alla creazione di musica in classe. Il choro brasiliano o la samba hanno un'impronta diversa, per non parlare dei ritmi bizzarri dei Balcani. Tutti questi stili, ognuno con i propri accenti e colori tonali, hanno il loro posto speciale in classe. Ritmo senza confini ingresso trovato.

La formula ritmica di due crotchets punteggiati più un crotchet costituisce la base degli arrangiamenti che accompagnano le canzoni campione. Quindi, per una volta, è il contrario: non sono i playback ritmici ad accompagnare le canzoni, ma le melodie e le armonie che sostengono i ritmi suonati nell'ensemble. Nell'applicazione è possibile visualizzare sia le versioni complete dei brani che le versioni di riproduzione senza strumenti ritmici.

Ritmi con o senza canzoni

L'autore Gerhard Reiter è, da un lato, un musicista che ha viaggiato molto e che ha imparato gli stili e i loro ritmi sul posto. Dall'altro, è un insegnante e conosce bene le tecniche didattiche di successo. Tra queste, il linguaggio ritmico, che non solo descrive i ritmi stessi, ma anche le altezze degli strumenti ritmici - un ottimo aiuto per sviluppare gli accenti e i colori timbrici degli strumenti a percussione. Gli arrangiamenti sono disponibili in una versione base e in una versione estesa; la versione semplice è pienamente sufficiente per un accompagnamento emozionante delle undici canzoni. Tuttavia, gli arrangiamenti ritmici possono essere suonati anche indipendentemente dalle canzoni.

Conclusione: pochi ingredienti ben fondati e ben miscelati: questa è la ricetta per l'autentica sensazione di grandi tradizioni musicali. Cosa si può volere di più?

Gerhard Reiter: Ritmo senza confini. Modelli di percussioni per accompagnare canzoni di tutto il mondo, per la scuola secondaria, 56 pagine, esempi audio e 90 video, Fr. 39.60, Helbling, Berna 2020, ISBN 978-3-99069-315-5

Già nella prefazione di Colpo di ditonato da una riflessione nell'ambito del suo master in educazione presso l'Università delle Arti di Zurigo, l'autrice Anna-Barbara Rösch si riferisce all'obiettivo di "lavorare sulla tecnica delle dita con i bambini piccoli (dalla scuola materna alla terza elementare) senza menzionare specificamente il tema della tecnica delle dita".

La prima parte contiene dodici storie con i personaggi Flurina e Niels, che alla fine di ogni storia si esercitano con gli elementi elementari della tecnica flautistica, come suonare le scale, cambiare le diteggiature e improvvisare. Ad esempio, nella seconda storia, "A scuola", i due salgono le scale della scuola e viene chiesto loro di salirle con il flauto alla fine (scala). Allo stesso tempo, nella stessa pagina, c'è un brano musicale della letteratura che si adatta al tema, in questo caso un estratto di scala da un maestoso di Franz Anton Hoffmeister. Questi esempi musicali di vario grado di difficoltà possono essere semplificati per esercitarsi. Le illustrazioni colorate di Jasmin Céline Baumann rendono le storie musicali ancora più vivaci per i bambini. La seconda parte contiene una serie di esercizi che promuovono la mobilità e la destrezza delle dita, anche senza uno strumento, alcuni dei quali provengono dalla terapia occupazionale. Si tratta, ad esempio, di esercizi di riscaldamento, di esercizi per la motricità fine e per la postura.

Questo libretto vario, che costituisce un arricchimento per le lezioni di musica con i bambini piccoli e che esercita in modo giocoso gli elementi tecnici senza nominarli, è stato originariamente concepito per il flauto traverso, ma con un po' di creatività può essere utilizzato anche per esercitarsi con altri strumenti.

Anna-Barbara Rösch: Fingerflink - Esercizi musicali per le dita sotto forma di storie, illustrato da Jasmin Céline Baumann, 130 p., Fr. 35.00, autoprodotto anna-barbara.com/fingerflink

Le lezioni di musica nelle scuole primarie sono in cattivo stato. Perché? Come si può rivitalizzare adeguatamente la materia scolastica della musica? Il 23 settembre, il sindacato del servizio pubblico VPOD Zurigo/Musica ha organizzato una tavola rotonda pubblica e ben frequentata su questo tema, moderata da Esther Girsberger.

Maja De Luca del comitato VPOD Zurich.music ha esordito affermando che il governo federale e i cantoni si impegnano per lezioni di musica di alta qualità. Il Cantone di Zurigo ha una legge sulle scuole di musica e, grazie all'iniziativa popolare jugend + musik (giovani + musica), l'ampia promozione della musica è sancita dall'articolo 67a della Costituzione federale. Nel Curriculum 21, le lezioni di musica nella scuola primaria sono state notevolmente migliorate. Prevede due lezioni settimanali di musica dal 1° al 6° anno.

Perché?

Ma oggi, dieci anni dopo l'introduzione dell'articolo costituzionale, la realtà nel Cantone di Zurigo fa riflettere. Esiste effettivamente una "educazione musicale di base" nelle classi inferiori della scuola primaria. Tuttavia, è impartita da un insegnante specializzato ed è volontaria; non è inclusa nel Curriculum 21. In seguito, le lezioni di musica dipendono dall'insegnante. Per alcuni la materia musicale è importante e la insegnano con un impegno corrispondente. Altri non lo fanno, e le loro lezioni di musica non hanno quasi mai luogo. Questo non viene monitorato da nessuno. Inoltre, la musica non è più una materia obbligatoria presso l'University College of Teacher Education, ma viene offerta su base volontaria. Pochissimi studenti scelgono la musica come materia artistica.

In risposta alla domanda di Esther Girsberger su quanto sia realmente grave la situazione, l'insegnante di musica di base Sibylle Dubs ha detto: "È grave. Il motivo è solitamente individuale: gli insegnanti hanno spesso paura di insegnare musica. Non hanno la fiducia necessaria per farlo, soprattutto non cantando. Spesso questo ha a che fare con un trauma infantile. A molti è stato detto che non potevano cantare e che non avevano voce".

Ci sono vie d'uscita?

Per Simone Kramer, direttrice di una scuola elementare nella città di Zurigo, la qualità delle lezioni di musica dipende dalla direzione della scuola. Poiché lei stessa ha avuto un'infanzia musicale, la musica è per lei una parte importante dell'educazione. Così, in collaborazione con la scuola di musica, è stata creata una scuola diurna con un profilo musicale. Concretamente, ciò significa che i bambini devono avere un contatto intensivo con la musica a tutti i livelli: educazione musicale di base, canto corale e produzione di musica in classe. A questo scopo sono previste due lezioni settimanali. Al 5° e 6° anno possono entrare a far parte di un coro o di una band. E se un bambino ama il proprio strumento, può continuare a suonarlo.

L'idea che gli insegnanti della scuola primaria partecipino a queste lezioni di musica è interessante. Poiché la scuola elementare di Kramer si trova di fronte al Toni-Areal, si aiuta con gli studenti di musica. Ben presto si è capito che era meglio coinvolgere persone artistiche per le lezioni di musica. Lo ZHdK offre un programma corrispondente, il BA Musica e Movimento. Tuttavia, questo corso di laurea non ha un campo di lavoro sicuro. Anche se ci sono posti di lavoro, sono le autorità locali a decidere i finanziamenti per coprire tali posizioni. Questi insegnanti specializzati formati allo ZHdK non potrebbero insegnare nelle scuole elementari?

Ciò che è già possibile in altri cantoni sembra molto lontano nel cantone di Zurigo. Myriam Ziegler, direttrice del Dipartimento di Scienze della Formazione Primaria, ha chiarito la situazione politica: "Quando le scuole universitarie professionali si sono sviluppate, circa 20 anni fa, si è discusso se gli insegnanti specializzati dovessero o meno essere autorizzati a insegnare nelle scuole elementari. La conclusione è stata che non era ciò che si voleva per mantenere l'insegnante di classe come persona di riferimento". Oggi sono autorizzati al massimo 3 insegnanti specializzati a livello di scuola primaria.

Cosa frena? Le finanze!

Dove si possono trovare soluzioni? La ZHdK sta attualmente discutendo un programma di formazione per gli insegnanti della scuola primaria sul tema "Fare musica in classe". Secondo Bernhard Suter, docente di didattica specialistica presso il PH di Zurigo, sarebbe importante anche una migliore collaborazione tra musica e scuole elementari, ma ciò richiederebbe maggiori finanziamenti. A suo avviso, la seguente opzione sarebbe promettente: "Si potrebbe assumere una persona responsabile della musica in una scuola. Questa persona potrebbe essere chiamata dagli insegnanti di classe per le lezioni di musica". Sembra una soluzione sensata, ma deve essere realizzata e adeguatamente retribuita.

Versione dal 23 ottobre 2023

Nel profondo della Leventina, l'autostrada del Gottardo è trafficata, ma a Sobrio, a 1100 metri di altezza, non si vede e non si sente nulla. Dopo aver percorso una strada in ripida salita con innumerevoli tornanti, ci si ritrova in un mondo diverso: un appartato villaggio di montagna, situato su un pendio soleggiato tra prati e una zona boschiva, con le case rivestite in pietra naturale. Una chiesa del XIV secolo, un ristorante con una bella terrazza. La vista sulle montagne di fronte è mozzafiato.

Come la maggior parte dei villaggi di montagna in Ticino, Sobrio ha perso un gran numero di abitanti nel corso del XX secolo; nel 2016 se ne contavano appena ottanta. Ma ora è tornata una nuova vita. Ora è conosciuto come "Villaggio della Musica" e all'ingresso del paese, su una ringhiera, è appeso uno striscione: Sobrio Festival. Da luglio a metà ottobre, qui si tengono corsi strumentali per studenti e giovani professionisti, con docenti provenienti, tra gli altri, dall'Orchestra Filarmonica di Berlino e dall'Orchestra del Teatro alla Scala di Milano.

Ci sono prove ed esercitazioni, concerti e il concorso pianistico Elizabeth Tchaikovsky - una lontana discendente del compositore russo ha prestato il suo nome all'evento. Le attività sono suddivise in due eventi complementari: l'accademia estiva con le sue masterclass e il Sobrio Festival. Oltre a concerti di artisti internazionali, quest'ultimo offre ai migliori partecipanti ai corsi l'opportunità di esibirsi e, viceversa, alcuni solisti ospiti insegnano nei corsi. Il Villaggio della Musica costituisce il tetto comune.

Un villaggio cambia

A Sobrio è avvenuta una metamorfosi. Molte case sono state ristrutturate in modo sostenibile, ma l'esterno è rimasto intatto. Sulle pareti delle case ci sono piccole targhe di ottone con i loro nomi: Casa Gioacchino Rossini, Casa Héctor Berlioz, Casa Franz Schubert. Circa cinquanta case antiche sono state "musicalizzate" in questo modo. La maggior parte di esse appartiene a privati che contribuiscono alle attività musicali in vari modi, tra cui musicisti praticanti ed ex musicisti.

Due di queste case sono di proprietà degli organizzatori: una è la grande Casa Francis Poulenc, con camere doppie per i giovani musicisti e una spaziosa cucina dove possono cucinare e riunirsi in autogestione. Nel vasto parco sono presenti numerosi giovani alberi; per ogni vincitore del concorso pianistico ne viene piantato uno nuovo. L'altra casa è la Casa Mahler, perfettamente arredata. Con una piccola sala per concerti da camera, workshop e masterclass, costituisce il fulcro dell'azienda. Una sala da concerto più grande, con circa centosessanta posti a sedere, è la chiesa di San Lorenzo, mentre per i concerti all'aperto c'è un'area sostenuta da vecchie mura direttamente dietro Casa Mahler.

La realizzazione di un sogno

L'ideatore e la mente creativa del Villaggio della Musica è Mauro Harsch, pianista e docente al Conservatorio della Svizzera Italiana di Lugano. Con questo progetto ha realizzato un vecchio sogno e ha trovato la sede ideale nel piccolo villaggio di Sobrio, che conosce fin dall'infanzia. "Ci sono masterclass e concerti ovunque, ma Sobrio è unico, non solo per il paesaggio, ma anche perché un intero villaggio è coinvolto nella musica qui". Harsch parla con entusiasmo dell'atmosfera che si respira qui: "Non troverete questa pace e questa armonia da nessun'altra parte. Qui, a contatto con la natura e al riparo dalle banalità della vita quotidiana, i giovani musicisti possono svilupparsi liberamente". Questo non è possibile in un ambiente più turistico o urbano.

Dal punto di vista istituzionale, il villaggio musicale si regge su due gambe. L'associazione Ars Dei, fondata da Harsch e da lui stesso diretta, è responsabile delle questioni artistiche e organizzative, mentre la fondazione Amici del Villaggio della Musica si occupa di tutti gli aspetti istituzionali. Queste due organizzazioni, più una cerchia di amici con oltre duecento membri, garantiscono anche la sicurezza finanziaria. Il villaggio della musica è in gran parte autofinanziato, ma le donazioni da parte di terzi sono benvenute.

Perché il villaggio e la musica vincano

Il villaggio musicale è un progetto di sviluppo a lungo termine. Si tratta soprattutto dell'ampliamento delle strutture. Sono appena iniziati i lavori di riconversione di un vecchio albergo alla fine del villaggio, e forse già dal prossimo anno sarà disponibile un piccolo albergo per accogliere gli ospiti del festival con il nome di "Hotel Symphony". Si sta già pensando a un progetto residenziale per musicisti anziani e a nuovi alloggi per i partecipanti ai corsi.

Ma tutto è stato fatto con ordine, niente è stato affrettato. Anche perché i responsabili sanno che l'iniziativa musicale rappresenta un'intrusione nel tessuto sociale consolidato del villaggio, con problemi anche per le infrastrutture. La considerazione per la sensibilità degli abitanti del luogo e la rigorosa sostenibilità sono quindi la prima priorità. Le tensioni sociali non possono essere sempre evitate, ed è per questo che le singole fasi di sviluppo sono realizzate in collaborazione con il Comune di Faido, di cui Sobrio fa parte politicamente dal 2016.

Ad esempio, ci sono state difficoltà con il progetto di costruire una piccola sala da concerto sul prato di fronte al villaggio. L'architetto Mario Botta era stato incaricato di progettare l'edificio e aveva già consegnato un progetto. Ma alcuni residenti si opposero. Temevano che la vita del villaggio potesse essere stravolta dal crescente turismo culturale e il progetto è stato accantonato per diversi anni. Ora è stato raggiunto un accordo ed è iniziata la ricerca di sponsor per i costi di costruzione di 3,5 milioni.

Il villaggio musicale di Sobrio è un'avventura socio-culturale senza pari. Qui si può osservare come un'idea originariamente puramente culturale possa avere un impatto che va ben oltre il proprio ambito e cambiare profondamente la realtà sociale. Si tratta di un processo dall'esito aperto. Ma se l'entusiasmo per la causa e la responsabilità sociale vanno così vicini, come sembra essere il caso, allora c'è motivo di credere che il futuro sia appena iniziato per entrambe le parti, la musica e il villaggio.

www.sobriofestival.com