Stefan Müller-Altermatt, presidente del Gruppo parlamentare per la musica PGM, è stato raggiunto dai consiglieri nazionali Estelle Revaz, violoncellista, e Vroni Thalmann-Bieri, musicista folk, in occasione dell'ultimo incontro del gruppo per discutere della discriminazione dei musicisti svizzeri sulle piattaforme di streaming.

La Svizzera è al sesto posto nel mondo per la spesa pro capite in musica registrata: nel 2023 i clienti svizzeri hanno speso 234 milioni di franchi, di cui l'88% in streaming. A questa enorme cifra si contrappone lo zero: nessuno dei fornitori di servizi digitali (DSP) ha un solo dipendente che si occupi principalmente di musica svizzera, e nessuno ha una filiale in questo Paese. I curatori lavorano a margine del mercato svizzero, nel caso del leader di mercato Spotify da Berlino, come "bis" del mercato tedesco, dieci volte più grande. Non conoscono la scena locale e non hanno il tempo di occuparsene. Gli artisti della Svizzera francese e del Ticino ricevono ancora meno attenzione. Di conseguenza, la musica svizzera non compare quasi mai nelle loro playlist. Questa sottorappresentazione è aggravata dalle altre playlist create dagli algoritmi su questa base. Si tratta di una chiara discriminazione nei confronti di brani provenienti da Paesi analoghi.

Le precedenti iniziative delle associazioni in materia non hanno avuto successo. Ora Stefan Müller-Altermatt ha presentato una mozione che chiede che i DSP di una certa dimensione abbiano una redazione svizzera con sede in Svizzera. La mozione sarà discussa dai consiglieri in una delle prossime sessioni.

Rapporto dettagliato sulla musica svizzera nel mercato dello streaming

Sul treno a due piani c'è chi siede sempre in alto e chi in basso. Ci sono bambini Migros e bambini Coop. Anche il lupo ha amici e nemici. Dividiamo molti aspetti della nostra vita in "o" o "o". Eppure un po' più di diversità ci farebbe un gran bene. Non solo come società, ma anche quando si suona il basso elettrico. Sono le piccole cose che ce lo fanno capire. In questo caso, la piccola cosa ha una dimensione di circa 3 x 3 centimetri e si chiama plettro.

La maggior parte dei bassisti suona esclusivamente con le dita o con un plettro. L'altra tecnica viene semplicemente ignorata, se non addirittura svalutata. Per me, questa impronta ha portato a un vero e proprio risveglio quando ho trascorso un po' di tempo con il plettro. Non è solo un mondo diverso, è un'aggiunta meravigliosa al mio modo di suonare. Ma come funziona esattamente? Come posso praticarlo correttamente e chi può darmi qualche consiglio su come iniziare?

Come sempre, potete provare voi stessi. A un certo punto prenderete confidenza con il fuoco e allora non sarà più così difficile con il plettro. Ma con il libro Basso a plettro di Christoph Herder, il successo arriva un po' più velocemente. E non lo rende complicato. Fa luce sul mondo del plettro con un approccio serio, dà consigli, organizza gli aspetti tecnici e fornisce materiale per la pratica. Gli esercizi, fondamentalmente semplici, si basano l'uno sull'altro e aiutano sia i principianti sia coloro che hanno appena iniziato. La pratica sarà ricompensata da affascinanti (nuovi) paesaggi sonori e da un solido know-how tecnico.

L'unico svantaggio: i sussidi didattici per il basso a plettro sono ancora affascinanti prodotti di nicchia. È il caso anche di questo, che risale al 2020 e viene fornito con file MP3 su CD. Ma se riuscite ancora a trovare un lettore di dischi da qualche parte, potete anche utilizzare i nitidi solchi per il play-along.

Christoph Herder: Basso a plettro per quattro e cinque corde, Tutto ciò che serve per il Tecnica del plettro deve sapere!, con CD e Plettro, 128 p., n. d'ordine 20287G, € 23,95, Alfred Music, Colonia

I compositori svizzeri hanno scritto innumerevoli quintetti per fiati per il Quintetto Stalder, fondato nel 1955, ma non quelli che il Quintetto Art'Ventus ha registrato nel suo nuovo CD. L'ensemble, composto da alcuni dei migliori giovani musicisti portoghesi, suona insieme solo da tre anni, ma ha già raggiunto un livello molto alto. Il flautista e l'oboista hanno studiato in Svizzera. Per il loro programma Tesori svizzeri hanno scelto opere di Peter Mieg, Paul Huber, Paul Juon e Gion Antoni Derungs; le prime due sono registrazioni in prima assoluta. Il CD, graficamente accattivante, contiene anche un interessante libretto di Dominik Sackmann.

Quando Goethe diceva del quartetto d'archi che si sentono quattro persone sensate che parlano, in realtà questo dovrebbe valere anche per un quintetto di fiati, nonostante la strumentazione un po' più ampia. Nel quintetto di Peter Mieg, completato nel 1977, si ha la sensazione che tutti parlino in continuazione e che nessuno lasci la parola agli altri. Uno sguardo alla partitura mostra che per la maggior parte del tempo tutti e cinque gli strumenti suonano contemporaneamente, il che è davvero un punto debole della composizione. Gli inizi dei movimenti sembrano promettenti, ma l'interesse svanisce rapidamente perché la musica è incredibilmente ripetitiva.

I quintetti di Paul Huber, che durante la sua vita fu un'istituzione musicale a San Gallo, e di Gion Antoni Derungs, che fu un importante rappresentante della musica grigionese, sono decisamente migliori. Entrambi i lavori, composti rispettivamente nel 1963 e nel 1977, aderiscono alla tonalità, ma dal punto di vista odierno questo non può essere un segno di mancanza di apertura mentale o di qualità. Il quintetto portoghese si identifica udibilmente con i brani e garantisce esecuzioni ideali. Il lavoro di Huber consiste in un Adagio espressivo e malinconico e in uno Scherzino virtuosistico, nel cui trio la canzone popolare di Ferdinand Fürchtegott Huber Luegid vo Berg und Tal è facilmente riconoscibile. Derungs DivertimentoIl brano, un po' più moderno rispetto agli altri pezzi del CD e difficile da classificare stilisticamente, non è, contrariamente al titolo, un pezzo particolarmente allegro e potrebbe non essere evidente al primo ascolto.

I pasticceri del Cantone dei Grigioni ebbero successo in tutta Europa e spesso raggiunsero una notevole ricchezza, come testimoniano le ville dei rimpatriati a Poschiavo e in Val Bregaglia. Paul Juon, nato a Mosca, era figlio di un pasticcere grigionese di Masein. Ricevette una solida educazione musicale e studiò composizione con Anton Arenski e Sergei Taneyev. In seguito insegnò egli stesso all'Accademia di Musica di Berlino, prima di trascorrere gli ultimi sei anni della sua vita a Vevey. Si cercheranno invano tracce svizzere nella sua musica, ma i contatti con la vita musicale svizzera non mancarono. Il Quintetto per fiati op. 84 del 1928 qui registrato è dedicato a Jakob Vogel, che fu per molti anni presidente dell'Associazione orchestrale di Berna.

Alcuni dei quintetti per fiati più noti e più frequentemente eseguiti sono stati scritti negli anni Venti, come quelli di Paul Hindemith, Carl Nielsen, Hanns Eisler, Arnold Schönberg e Jacques Ibert. Il quintetto di Juon può facilmente reggere il confronto con queste opere. È realizzato in modo impeccabile, potente e fantasioso, spesso armonicamente audace e sfida ogni strumento. La nuova registrazione del Quintetto Art'Ventus è molto energica, ma il primo movimento è suonato sensibilmente troppo lentamente, il che gli conferisce un'eccessiva terrosità. La dinamica avrebbe dovuto essere rispettata meglio in alcuni dei passaggi più tranquilli, in quanto avrebbe dato all'interpretazione un po' più di rilievo.

In generale Tesori svizzeri un CD che vale la pena di raccomandare, in quanto documenta opere di compositori svizzeri un po' meno conosciuti.

Tesori svizzeri. Musica da camera per quintetto di fiati. Quintetto Art'Ventus (Paula Soares, flauto; Tiago Coimbra, oboe; Horácio Ferreira, clarinetto; Nuno Vaz, corno; Raquel Saraiva, fagotto). Prospero PROSP0081

Nella sua musica, il compositore tedesco Johannes Schöllhorn (*1962) ha ripetutamente esplorato la musica di altri, trascrivendola e trasformandola, facendo musica sulla musica, come Bach e Ravel, Purcell e Satie e, meravigliosamente, Gabriel Fauré. Diversi di questi brani si trovano nel doppio CD Sérigrafie (bastille musique 20).

Schöllhorn stesso è quindi un esperto di appropriazione e trasformazione. La dialettica di questo approccio è anche l'oggetto del suo libro di 500 pagine, una raccolta di testi più brevi, in parte sciolti ma internamente coerenti. La conquista del mondo è al centro, così come la musica che l'accompagna, che è sempre stata un'appropriazione, persino un furto - e un ordinamento: ecco perché mappa, orologio e spartito giocano il ruolo principale nel titolo.

La nostra cultura europea ha fatto proprio il globo con l'aiuto di questi strumenti. Schöllhorn segue queste tracce, fino alla stampa e attraverso i mari, nella pittura e nella tecnica compositiva, nel passato e nel futuro. E poiché ha un orizzonte ampio, c'è molto da imparare da lui. Il libro sembra scritto in fretta e si legge anche velocemente. Questa spontaneità è rinfrescante, piena di brio, a volte l'autore è preso dalla rabbia, a volte i pensieri corrono selvaggi e confusi, perché Schöllhorn si avventura in territori sconosciuti con l'aiuto di una buona letteratura secondaria.

L'intera opera non è sistematica, non raggruppa le cose, ma espone dei fili che possono essere ricondotti a un punto centrale. Ci sono alcune lacune che si vorrebbero colmare, altre che si vorrebbero conoscere meglio, e spesso si hanno obiezioni durante la lettura, molte in realtà, ma dovrebbero andare bene. Perché il libro è stimolante e, nonostante i dubbi e la disperazione, non ci lascia senza speranza, perché "la musica può sempre fare una cosa: confortarci".

Johannes Schöllhorn: Mappa, orologio e partitura. Variationen und Volten über Eroberung und ihre Begleitmusik, a cura di Rainer Nonnenmann, 512 p., € 24,00, MusikTexte, Colonia 2022, ISBN 978-3-982467-0-2

Niklaus Keller non teme il contatto. Il catalogo delle opere dell'insegnante di percussioni, che ha studiato composizione sotto la guida di Hans U. Lehmann a Zurigo e di Paul Glass al Conservatorio di Lugano, inizia nel 1994 con una Ländler-Fox per marimba, chitarra elettrica, batteria, vibrafono, melodica e basso elettrico. I suoi ultimi tre lavori, disponibili via Bandcamp, spaziano da canzoni corali ecclesiastico-misteriose a un'allegra e ruspante Sicerto per orchestra d'archi e persiflage country & western Caffè bianco.

Chrome Shuffle - un ciclo di undici pezzi per un nontetto con vibrafono, basso elettrico, chitarra elettrica, batteria, tromba/flicorno, sassofono tenore, trombone e due sintetizzatori/campionatori (uno dei quali azionato dallo stesso Keller) - è un altro "gioco" completamente diverso. L'idea alla base era quella di scrivere brani che non richiedessero grandi esigenze in termini di tecnica esecutiva, "per potersi dedicare alla musica in quanto tale il più rapidamente possibile senza che le difficoltà tecniche interferissero con l'esecuzione", spiega il compositore, che lavora a Bologna. Allo stesso tempo, però, ha anche annotato gli assoli, "perché gli assoli improvvisati di solito suonano standardizzati e standardizzabili".

I risultati - ogni pezzo è un racconto sonoro - sono incredibilmente difficili da descrivere. Vibrafono e corni caratterizzano l'atmosfera costantemente calda, i ritmi rocciosi e funky, le pause e gli hook ti trascinano, il melodismo ricorda a questo orecchio, per ragioni piuttosto inspiegabili, la musica di eccentrici britannici come Kevin Ayers, Lol Coxhill o Art Bears. Conclusione: musica per contrabbasso e triplo basso che ricorda molte cose, ma che rimane senza compromessi.

Niklaus Keller: Chrome Shuffle. Bandcamp

Il chitarrista, insegnante di musica ed editore austriaco Michael Langer ha arricchito la serie "Saitenwege" di Edition Dux con altri due libri di musica, questa volta con un totale di 88 pezzi per due chitarre. La struttura degli album corrisponde esattamente a quella delle edizioni L'ingresso molto semplice e La facile introduzione al mondo della chitarra classica Ogni volume presenta da cinque a undici brani più o meno rappresentativi degli stili rinascimentale, barocco, classico, romantico, multiculturale e pop. L'unica differenza, a parte la formazione in duo, è che i due volumi sono classificati come "facili" e "medi" anziché "molto facili" e "facili".

Michael Langer gestisce liberamente il materiale musicale, con un buon senso per una sensata via di mezzo tra fedeltà all'originale e interpretazione tecnicamente facile da realizzare. La maggior parte dei brani è stata arrangiata da lui stesso. Così non incontriamo solo brani tipici per chitarra, ma anche, ad esempio, estratti dall'opera di Vivaldi Quattro stagioni o di Mozart Flauto magico. Solo alcuni duetti - ad esempio quello di Maria Linnemann - compaiono nel testo musicale originale, e alcuni arrangiamenti erano originariamente pezzi solistici.

All'interno delle aree stilistiche, i brani tendono a essere disposti in livelli progressivi di difficoltà. Un'attenzione particolare, soprattutto nel secondo volume, è rivolta ai numeri latino-americani, dal semplice Bailecito al Libertango di Astor Piazzolla. Nella categoria pop, sono inclusi i successi dei Queen, di George Ezra e di Ed Sheeran. Felice di Pharrell Williams. Se non sapete come dovrebbe suonare con due chitarre classiche, potete scaricare tutte le registrazioni dell'editore con un codice di download o ascoltarle su Spotify.

Michael Langer: Saitenwege per due chitarre. Sei secoli di musica per duo di chitarre; Vol. 1, facile, D 918; Vol. 2, medio, D 919; € 29,80 cad.

Nel 1680, Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704) scrisse sei suite come musica da tavola per suo fratello, il principe arcivescovo Maximilian Gandolf von Kuenburg a Salisburgo. Si tratta di brani volutamente non troppo difficili, dalle forme chiare e privi di "effetti spettacolo" virtuosistici, a differenza della maggior parte delle opere strumentali di Biber.

L'editore ha fornito le prime due partite con chiavi e segni di tempo moderni. Nella Partita I una Sonata Largo racchiude i movimenti di danza Allemanda, Courante, Sarabanda, Gavotte e Gigue. Nella Partita II un'Intrada apre tre balletti in tempo breve, separati da due sarabande tranquille. Poiché la prima viola non occupa mai la corda C, c'è una parte aggiuntiva di secondo violino, per cui queste suite potrebbero essere facilmente eseguite con un quartetto d'archi (o un'orchestra) e un continuo.

Heinrich Ignaz Franz Biber: Mensa Sonora, Partite I e II, per violino, 2 viole (2 violini, viola) e basso continuo, a cura di Markus Eberhardt, EW 1051, € 19,80, Walhall, Magdeburg

Emilie Mayer (1812-1883) fu una compositrice di successo nel suo tempo. Visse nel Meclemburgo e a Berlino. Le sue opere comprendono sinfonie, ouverture da concerto, un singspiel, pezzi corali a quattro parti, musica per pianoforte e da camera. Nonostante le esecuzioni in numerose metropoli europee nel XIX secolo, la maggior parte delle sue composizioni rimase inedita.

La pianista Katharina Sellheim si è imbattuta nei manoscritti inediti dei quattro trii per pianoforte e ne ha registrati tre su CD con il suo Hannover Piano Trio (L'anello mancante: Emilie MayerGenuin 22790). Ora, assistita dai membri del suo ensemble, è responsabile della pubblicazione presso Furore-Verlag Kassel.

I suoi sforzi sono ripagati: i trii per pianoforte di Emilie Mayer emanano freschezza e vitalità; la compositrice era una maestra del suo mestiere. Stilisticamente, questa musica si colloca tra Beethoven e Mendelssohn. Chiunque vada a caccia di tesori, suonando o ascoltando, lontano dai principali pilastri del repertorio e dai "grandi" maestri, farà una piacevole scoperta con il Trio per pianoforte e orchestra in mi bemolle maggiore. Anche le opere di compositrici donne del XIX secolo sono raramente presenti nei programmi dei concerti. A torto, come ci dimostra Emilie Mayer!

In termini di tecnica esecutiva, questo trio per pianoforte è accessibile anche a dilettanti esperti. È meno difficile delle opere di Beethoven e Schubert. Tutti gli strumenti, in particolare il violoncello, possono svilupparsi magnificamente.

Emilie Mayer: Trio per pianoforte in mi bemolle maggiore, per violino, violoncello e pianoforte, a cura di Katharina Sellheim, partitura e parti, fue 10346, € 69,00, Furore, Kassel

Müliradverlag ha pubblicato un altro interessante libro di spartiti per violino o altri strumenti melodici. Contiene musica da ballo popolare del primo terzo del XIX secolo e offre quindi una visione degli albori della musica da ballo in coppia; le raccolte conosciute finora sono quasi tutte di decenni successivi.

Il libretto contiene cento danze, la maggior parte delle quali in tre-quattro tempi. La scoperta della raccolta è dovuta alla curatrice Brigitte Bachmann-Geiser. Non si sa nulla del proprietario originario, Anton Hotz, ma la Bachmann, grazie alla sua immensa conoscenza delle fonti, è riuscita a localizzare le danze nella zona di Höfe/March, nel cantone di Svitto.

Il coeditore Christoph Greuter ha trascritto le danze e fornito indicazioni di accordi, molto utili per l'accompagnamento. Si vede che Greuter è un grande esperto in materia. Le danze sono scritte in modo orientato alla pratica, senza ornamenti e senza prime e seconde finali nelle ripetizioni. All'epoca si lasciava al gusto degli esecutori il compito di rendere i brani accattivanti. Le note erano solo un modello o un promemoria per l'esecuzione individuale.

I brani sono interessanti da suonare perché il linguaggio tonale delle prime danze differisce in modo significativo da quello dei primi anni del XX secolo. In alcuni casi sono ancora presenti influenze modali, che in seguito lasciano il posto all'armonia cadenzale. Tuttavia, il libretto offre anche spunti storicamente interessanti: Metà delle danze sono ancora in due parti, l'altra metà è già in tre parti. In alcune danze compare il termine "Ländler", che è quindi la prima testimonianza dell'uso di questo termine in Svizzera; altre sono etichettate come "Walz" o "Walzer", alcune anche come "Langus". Le poche danze a due quarti sono etichettate come "Allemander" o "Allimand"; "Polka", "Galopp" o "Schottisch", invece, non compaiono ancora.

Il libretto, integrato da informazioni sull'origine e sull'edizione, non è quindi solo un piacere da suonare, ma anche una ricca fonte per lo sviluppo della musica da ballo in Svizzera.

Antiche danze per violino di Svitto - Il libro di danze di Anton Hotz, Höfe/marzo 1830 circa, a cura di Christoph Greuter e Brigitte Bachmann-Geiser, Mülirad n. 1069, Fr. 38.00, Mülirad, Altdorf

Un'altra preziosa pubblicazione della serie "Tastenforscher" è stata pubblicata da Holzschuhverlag. Come répétiteur e direttore d'orchestra, Guido Klaus conosce l'importanza della lettura a vista. Come pedagogo, sostiene l'inclusione della lettura a vista fin dall'inizio, al fine di sostenere l'esecuzione a orecchio e l'apprendimento per imitazione. In questo modo, persegue l'obiettivo di guidare gli allievi verso un'indipendenza musicale che spesso manca.

Il libretto è strutturato in modo chiaro e sapiente in termini di progressione. Mi piace il fatto che Klaus dia prima un'ampia panoramica delle note e delle chiavi e poi, con le note C e G, permetta di esplorare l'intera tastiera con esercizi di lettura senza una pulsazione fissa. Il riconoscimento di piccoli gruppi di note in combinazione con la lettura fluida e anticipata della nota iniziale successiva ha lo scopo di promuovere la lettura riassuntiva come abilità di base. Inoltre, ci sono sezioni di puro allenamento ritmico prima che l'intonazione e il ritmo vengano combinati in piccole melodie monofoniche e poi a due parti.

Un'altra abilità fondamentale per una lettura fluente è il riconoscimento e la comprensione dei singoli intervalli e delle triadi. Esistono numerosi esempi di esercizi e puzzle musicali. Dopo l'introduzione teorica delle accidentali, queste devono essere inserite nelle scale a orecchio. L'importanza dell'ascolto attivo per la lettura a vista non sarà mai abbastanza sottolineata.

Questo libretto si rivolge probabilmente più ai bambini e ai ragazzi più grandi ed è ideale anche come apertura delle lezioni, come ritmica o per le "settimane pigre" quando non è stato possibile esercitarsi a sufficienza.

Guido Klaus: Ricercatore di tastiere, formazione alla lettura a vista fin dall'inizio, VHR 3418, € 14,80. Holzschuh, Manching

Non c'è quasi nessun'altra musica che sia così difficile da trasformare in musica. Le suites per violoncello di Johann Sebastian Bach sono una sfida - e molti hanno già fallito. Molte registrazioni delle suite suonano fragili, senza archi, scandite da una nota all'altra. Bernhard Maurer aumenta il rischio registrando tutte e sei le suite dal vivo. Non in studio, ma nelle chiese medievali intorno a Thun. "Ogni volta che ho avuto l'opportunità di suonare una suite di Bach in una chiesa romanica, mi è sembrato che questo fosse lo spazio ideale per questa musica, anche se la musica è stata composta mezzo millennio dopo la costruzione", spiega Maurer. Così non sono stati creati documenti sonori, ma sei filmati nelle sale chiare e scure della chiesa, che possono essere visualizzati sul sito web bachsuiten.ch è accessibile come link di YouTube.

C'è la registrazione della sesta suite per violoncello nella chiesa di Blumenstein. Davanti a un pubblico vuoto, Maurer suona un violoncello ottavino a cinque corde, costruito nel 2012 da Stephan Schürch su modello di Nicolò Amati. Lo strumento di provenienza barocca non ha un suono addomesticato come il violoncello moderno, ma è più brillante e forse anche più onesto. Maurer non solo suona con una sicurezza sonnambolica, ma anche con un timbro chiaro e basso-vibrato e un pronunciato senso del colore tonale e della dinamica. L'ambiente intimo, la solitudine della chiesa, enfatizza il carattere privato delle suite. Diverse angolazioni mostrano la diteggiatura virtuosa della mano sinistra, l'arco in primo piano, le finestre colorate della chiesa o l'inquadratura lunga con Maurer al centro della chiesa. Questa concentrazione bachiana sull'essenziale avrebbe fatto bene al film; a volte i cambi di prospettiva sembrano inutilmente frenetici e tolgono tranquillità alla musica.

La terza suite, catturata su pellicola nella spoglia chiesa del castello di Spiez, ha un suono più cupo e familiare. Qui Bernhard Maurer suona un violoncello barocco più comune della scuola di Giovanni Battista Maggini. Ancora una volta, si percepisce che Maurer ha studiato le suite per decenni. Non ci sono incertezze di intonazione, i tempi sembrano naturali, non c'è la gigue, che altri a volte trasformano in un superficiale pezzo virtuoso.

Quindi: vale la pena visitare il sito web, che oltre ai link offre anche buone informazioni di base. Naturalmente, le solite interruzioni pubblicitarie su YouTube sono terribili: forse si potrebbe fare qualcosa al riguardo e collegare i film direttamente al sito? Queste opere così delicate, in particolare, non hanno davvero bisogno di pubblicità urlata.

bachsuiten.ch

Goethe - per quanto l'autorità musicale gli sia qui concessa - fu commosso dal suo modo di suonare, ma anche dal suo carisma, e le scrisse una poesia che si conclude con le parole: "Si sentiva - oh se durasse per sempre! - la doppia felicità del suono e dell'amore". Fu profondamente colpito dall'incontro con la pianista polacca Maria Szymanowska: "Il talento ti schiaccerebbe se la sua grazia non lo rendesse perdonabile". [Questo avvenne a Marienbad nel 1823, e naturalmente oggi si sentono tutte le sfumature della concezione di genere dell'epoca in queste affermazioni. Un'artista che si muoveva così liberamente nel mondo era sorprendente (la si potrebbe al massimo accostare a Hélène de Montgéroult), e questo portò a descrizioni come "Vulcano femmina" e "Regina dei toni".

La musicologa polacca Danuta Gwizdalanka, che ha pubblicato una biografia di Witold Lutosławski insieme al marito, il compositore Krzysztof Meyer, è una profonda conoscitrice della musica polacca e nel suo ritratto si avvicina alla Szymanowska con ammirazione, ma anche con cautela e calma. Presenta le sue opere con occhio critico e sottolinea i dettagli. Tuttavia, il risultato non è né un libro musicologico né una biografia sentimentale. La Szymanowska viene descritta come una "donna affascinante, illuminata e pragmatica". Morì troppo presto, all'età di 41 anni, a causa del colera, di un ictus o della stanchezza, forse di tutte queste cose.

Gwizdalanka racconta questa biografia attraverso le testimonianze e i dettagli di una vita riccamente vissuta. La Szymanowska, separatasi dal marito in giovane età, era indipendente e autonoma, viaggiò molto e fu celebrata in tutta Europa. Il modo in cui se la cavò durante i viaggi, ma anche come affrontò la vita di tutti i giorni, spesso accompagnata da fratelli e figli, offre una visione profonda del suo stile di vita. Il libro colma una grave lacuna nella ricezione delle compositrici donne, che certamente esisteva all'epoca, ma che purtroppo non è durata.

Danuta Gwizdalanka: il "Vulcano femmina". La pianista e compositrice Maria Szymanowska, traduzione dal polacco di Peter Oliver Loew, 176 p., € 19,80, Harrassowitz, Wiesbaden 2023, ISBN 978-3-447-11913-9

Chiunque pensi per la prima volta alla musica da camera ceca per strumenti ad arco non dovrebbe trascurare il fatto che una delle sonate per flauto più frequentemente eseguite è di un compositore ceco. Insieme alle sonate di Poulenc e Prokofiev, la sonata di Bohuslav Martinů, scritta nel 1945 durante l'esilio in America, è uno dei brani più popolari del repertorio. La lunga catena di incisioni è stata ora ampliata da una produzione svizzera che fa alzare il livello di attenzione. Con la flautista solista zurighese dell'Orchestre de la Suisse Romande, Sarah Rumer, e il pianista Ulrich Koella, che insegna all'Università delle Arti di Zurigo, l'etichetta zurighese Prospero pubblica una nuova registrazione dal titolo Viaggio in slavo CD, che offre non solo opere standard ma anche curiosità poco conosciute.

Il capolavoro di Martinů riceve già un'interpretazione ammirevole. Oltre agli ampi archi di respiro in agili passaggi di semicrome, spiccano le transizioni in pianissimo dalle sezioni verticali a quelle orizzontali-lineari, eseguite con il più fine rubato. Il flautista e il pianista non devono nulla in termini di brillantezza ai movimenti musicali angolari della sonata di Jindřich Feld. Nella sonata di Feld Quatre pièces per flauto solo cita l'"Hommage à Bartók" dal suo Concerto per orchestra. Il duo carica la frequente sonata di Erwin Schulhoff con la necessaria gioia di suonare i numerosi ostinati e attriti armonici.

Grazie al matrimonio con lo scrittore Jiří Mucha, figlio del pittore Art Nouveau Alfons Mucha, la compositrice londinese Geraldine Thomson divenne cittadina ceca e fu quindi inclusa in questa produzione. Il suo Naše cesta (Il nostro viaggio) è caratterizzato da eleganza e melodie simili a quelle di una canzone popolare. Il libretto, dal design fantasioso, presenta diverse foto della stazione ferroviaria principale di Praga per riflettere il tema del viaggio.

Il sestetto di fiati Mládí (giovani) integrato, stridente che ripete La marcia dei bluethroat di Leoš Janáček per ottavino e pianoforte deriva il suo titolo presumibilmente ornitologico dalle uniformi blu dei coristi. Con la curiosa trascrizione di Sarah Rumer del Fantasia slava di Fritz Kreisler è una trascrizione di una trascrizione, quest'ultima consiste nell'arrangiamento di Kreisler di due temi di Dvořák.

Viaggio slavo (Martinů, Feld, Schulhoff, Mucha, Janáček, Dvořák/Kreisler). Sarah Rumer, flauto; Ulrich Koella, pianoforte. Prospero PROSP0049

Fritz Stüssi (1874-1923), come molti compositori svizzeri di questa generazione, sarebbe stato a lungo dimenticato se non fosse stato per l'entusiasmo e la dedizione del nipote Ulrich Stüssi. Stüssi era "zurighese" e frequentò la scuola di musica di Zurigo; Lothar Kempter e Fritz Hegar furono i suoi insegnanti. In seguito fu raggiunto a Berlino da Max Bruch. Dalla sua casa di Wädenswil, Stüssi dominò a lungo il panorama musicale del lago di Zurigo.

Ha lasciato un'ampia opera fortemente radicata nella tradizione romantica. Si è concentrato soprattutto su opere sacre come cantate e mottetti. Gli spartiti sono conservati presso la Zentralbibliothek Zürich.

La sua opera più importante è l'oratorio, presentato per la prima volta a Wädenswil nel 1914 e della durata di circa trenta minuti. Decadenza e resurrezione, che è ora disponibile presso Claves insieme al libro Salmo 28 e altri brevi pezzi. Stüssi non era un drammaturgo, ma piuttosto un compositore fortemente radicato nella religiosità protestante che si confrontava coraggiosamente con i suoi modelli di riferimento. Inizia il suo oratorio con "Tutta la carne è come l'erba", che Brahms scrisse nella Requiem tedesco in uno dei movimenti più toccanti. Nell'opera di Stüssi, è il basso che inizia con un commovente recitativo dopo alcune battute di introduzione orchestrale. Il modello di Mendelssohn con il Elias è inconfondibile, lo stile incalzante ricorda fortemente anche quello di Wagner. Parsifal. Tuttavia, Stüssi è in grado di costruire un inizio promettente solo in frammenti.

Per lunghi tratti, i solisti dominano l'azione recitativa, che a volte sembra un po' uniforme, anche se le voci più basse in particolare sono formidabili con Ingeborg Danz (contralto) e Krešimir Stražanac (basso). Magnifico anche il modo in cui la Zürcher Sing-Akademie diretta da Florian Helgath celebra i passaggi corali con un'eccezionale cultura vocale.

È un peccato che il CD sia integrato da altri brevi brani corali di stile simile, il che rende l'ascolto un po' stancante. Stüssi ha certamente altre cose da offrire, come la suite in do minore, che il Quartetto Avalon ha già eseguito.

Rosso. Il cortometraggio documentario offre una visione della sua vita e del suo lavoro Fritz Stüssi - Dove si va di Esther Kempf e Julia Ann Stüssi, da vedere su YouTube. Oltre 30 delle 134 opere sono state digitalizzate e sono disponibili presso l'editore musicale Musica Mundana.

Fritz Stüssi: un romantico svizzero. Zürcher Sing-Akademie, Zürcher Kammerphilharmonie, direttore Florian Helgath. Claves 50-3085

Cancellazione su iniziativa di Verena (Mail 12.1.24)

Sebbene Albin Brun (*1959) e Kristina Brunner (*1993) provengano da generazioni diverse, sono impegnati in una visione comune: Sia il lucernese che la cantante bernese sono desiderosi di sviluppare costantemente la musica popolare svizzera. Mentre Brun, che ha vinto il Premio svizzero di musica 2017, è considerato una delle figure chiave tra il jazz e la musica popolare contemporanea, Brunner si è fatta conoscere grazie ai suoi virtuosismi al violoncello e allo Schwyzerörgeli.

Dopo essersi conosciuti alla Scuola di Musica di Lucerna, i due hanno iniziato a lavorare insieme nel 2017. Il duo prova settimanalmente, sviluppando una densa poesia sonora ed elaborando una musica da camera splendidamente sofisticata. Il loro debutto è previsto per il 2020, MidnangBrun e Brunner sono ora Entroterra seguire. Un album composto da 13 composizioni originali che, oltre a una strumentazione ridotta, offre anche escursioni atmosferiche e melodie sempre diverse.

Anche se l'apertura si presenta Fex inizialmente vivace, ma il brano si trasforma presto in motivi più contemplativi, che sembrano essere guidati in particolare da un desiderio senza nome. In canzoni come Shovidar! o Aube diventa chiaro che la nostalgia e la nostalgia di casa sono in agguato dietro l'angolo. Il risultato è uno stato d'animo che va dal malinconico al sognante e che è toccante per tutto il tempo.

Brun e Brunner si divertono a utilizzare combinazioni variabili di strumenti: A volte violoncello e organo suonano l'uno intorno all'altro, altre volte due organi si adescano a vicenda. Il risultato è convincente. Schratteflue per esempio, attinge alla malinconia e testimonia la vicinanza alpina, mentre la W., il pesce si dimostra correlato alla chanson. Con Entroterra Brun e Brunner hanno realizzato un album così giocoso, profondo e meraviglioso che vi verrà voglia di riascoltarlo.

Albin Brun & Kristina Brunner: Innerland. Autoprodotto, www.albinbrun.ch