Un'altra preziosa pubblicazione della serie "Tastenforscher" è stata pubblicata da Holzschuhverlag. Come répétiteur e direttore d'orchestra, Guido Klaus conosce l'importanza della lettura a vista. Come pedagogo, sostiene l'inclusione della lettura a vista fin dall'inizio, al fine di sostenere l'esecuzione a orecchio e l'apprendimento per imitazione. In questo modo, persegue l'obiettivo di guidare gli allievi verso un'indipendenza musicale che spesso manca.

Il libretto è strutturato in modo chiaro e sapiente in termini di progressione. Mi piace il fatto che Klaus dia prima un'ampia panoramica delle note e delle chiavi e poi, con le note C e G, permetta di esplorare l'intera tastiera con esercizi di lettura senza una pulsazione fissa. Il riconoscimento di piccoli gruppi di note in combinazione con la lettura fluida e anticipata della nota iniziale successiva ha lo scopo di promuovere la lettura riassuntiva come abilità di base. Inoltre, ci sono sezioni di puro allenamento ritmico prima che l'intonazione e il ritmo vengano combinati in piccole melodie monofoniche e poi a due parti.

Un'altra abilità fondamentale per una lettura fluente è il riconoscimento e la comprensione dei singoli intervalli e delle triadi. Esistono numerosi esempi di esercizi e puzzle musicali. Dopo l'introduzione teorica delle accidentali, queste devono essere inserite nelle scale a orecchio. L'importanza dell'ascolto attivo per la lettura a vista non sarà mai abbastanza sottolineata.

Questo libretto si rivolge probabilmente più ai bambini e ai ragazzi più grandi ed è ideale anche come apertura delle lezioni, come ritmica o per le "settimane pigre" quando non è stato possibile esercitarsi a sufficienza.

Guido Klaus: Ricercatore di tastiere, formazione alla lettura a vista fin dall'inizio, VHR 3418, € 14,80. Holzschuh, Manching

Non c'è quasi nessun'altra musica che sia così difficile da trasformare in musica. Le suites per violoncello di Johann Sebastian Bach sono una sfida - e molti hanno già fallito. Molte registrazioni delle suite suonano fragili, senza archi, scandite da una nota all'altra. Bernhard Maurer aumenta il rischio registrando tutte e sei le suite dal vivo. Non in studio, ma nelle chiese medievali intorno a Thun. "Ogni volta che ho avuto l'opportunità di suonare una suite di Bach in una chiesa romanica, mi è sembrato che questo fosse lo spazio ideale per questa musica, anche se la musica è stata composta mezzo millennio dopo la costruzione", spiega Maurer. Così non sono stati creati documenti sonori, ma sei filmati nelle sale chiare e scure della chiesa, che possono essere visualizzati sul sito web bachsuiten.ch è accessibile come link di YouTube.

C'è la registrazione della sesta suite per violoncello nella chiesa di Blumenstein. Davanti a un pubblico vuoto, Maurer suona un violoncello ottavino a cinque corde, costruito nel 2012 da Stephan Schürch su modello di Nicolò Amati. Lo strumento di provenienza barocca non ha un suono addomesticato come il violoncello moderno, ma è più brillante e forse anche più onesto. Maurer non solo suona con una sicurezza sonnambolica, ma anche con un timbro chiaro e basso-vibrato e un pronunciato senso del colore tonale e della dinamica. L'ambiente intimo, la solitudine della chiesa, enfatizza il carattere privato delle suite. Diverse angolazioni mostrano la diteggiatura virtuosa della mano sinistra, l'arco in primo piano, le finestre colorate della chiesa o l'inquadratura lunga con Maurer al centro della chiesa. Questa concentrazione bachiana sull'essenziale avrebbe fatto bene al film; a volte i cambi di prospettiva sembrano inutilmente frenetici e tolgono tranquillità alla musica.

La terza suite, catturata su pellicola nella spoglia chiesa del castello di Spiez, ha un suono più cupo e familiare. Qui Bernhard Maurer suona un violoncello barocco più comune della scuola di Giovanni Battista Maggini. Ancora una volta, si percepisce che Maurer ha studiato le suite per decenni. Non ci sono incertezze di intonazione, i tempi sembrano naturali, non c'è la gigue, che altri a volte trasformano in un superficiale pezzo virtuoso.

Quindi: vale la pena visitare il sito web, che oltre ai link offre anche buone informazioni di base. Naturalmente, le solite interruzioni pubblicitarie su YouTube sono terribili: forse si potrebbe fare qualcosa al riguardo e collegare i film direttamente al sito? Queste opere così delicate, in particolare, non hanno davvero bisogno di pubblicità urlata.

bachsuiten.ch

Goethe - per quanto l'autorità musicale gli sia qui concessa - fu commosso dal suo modo di suonare, ma anche dal suo carisma, e le scrisse una poesia che si conclude con le parole: "Si sentiva - oh se durasse per sempre! - la doppia felicità del suono e dell'amore". Fu profondamente colpito dall'incontro con la pianista polacca Maria Szymanowska: "Il talento ti schiaccerebbe se la sua grazia non lo rendesse perdonabile". [Questo avvenne a Marienbad nel 1823, e naturalmente oggi si sentono tutte le sfumature della concezione di genere dell'epoca in queste affermazioni. Un'artista che si muoveva così liberamente nel mondo era sorprendente (la si potrebbe al massimo accostare a Hélène de Montgéroult), e questo portò a descrizioni come "Vulcano femmina" e "Regina dei toni".

La musicologa polacca Danuta Gwizdalanka, che ha pubblicato una biografia di Witold Lutosławski insieme al marito, il compositore Krzysztof Meyer, è una profonda conoscitrice della musica polacca e nel suo ritratto si avvicina alla Szymanowska con ammirazione, ma anche con cautela e calma. Presenta le sue opere con occhio critico e sottolinea i dettagli. Tuttavia, il risultato non è né un libro musicologico né una biografia sentimentale. La Szymanowska viene descritta come una "donna affascinante, illuminata e pragmatica". Morì troppo presto, all'età di 41 anni, a causa del colera, di un ictus o della stanchezza, forse di tutte queste cose.

Gwizdalanka racconta questa biografia attraverso le testimonianze e i dettagli di una vita riccamente vissuta. La Szymanowska, separatasi dal marito in giovane età, era indipendente e autonoma, viaggiò molto e fu celebrata in tutta Europa. Il modo in cui se la cavò durante i viaggi, ma anche come affrontò la vita di tutti i giorni, spesso accompagnata da fratelli e figli, offre una visione profonda del suo stile di vita. Il libro colma una grave lacuna nella ricezione delle compositrici donne, che certamente esisteva all'epoca, ma che purtroppo non è durata.

Danuta Gwizdalanka: il "Vulcano femmina". La pianista e compositrice Maria Szymanowska, traduzione dal polacco di Peter Oliver Loew, 176 p., € 19,80, Harrassowitz, Wiesbaden 2023, ISBN 978-3-447-11913-9

Chiunque pensi per la prima volta alla musica da camera ceca per strumenti ad arco non dovrebbe trascurare il fatto che una delle sonate per flauto più frequentemente eseguite è di un compositore ceco. Insieme alle sonate di Poulenc e Prokofiev, la sonata di Bohuslav Martinů, scritta nel 1945 durante l'esilio in America, è uno dei brani più popolari del repertorio. La lunga catena di incisioni è stata ora ampliata da una produzione svizzera che fa alzare il livello di attenzione. Con la flautista solista zurighese dell'Orchestre de la Suisse Romande, Sarah Rumer, e il pianista Ulrich Koella, che insegna all'Università delle Arti di Zurigo, l'etichetta zurighese Prospero pubblica una nuova registrazione dal titolo Viaggio in slavo CD, che offre non solo opere standard ma anche curiosità poco conosciute.

Il capolavoro di Martinů riceve già un'interpretazione ammirevole. Oltre agli ampi archi di respiro in agili passaggi di semicrome, spiccano le transizioni in pianissimo dalle sezioni verticali a quelle orizzontali-lineari, eseguite con il più fine rubato. Il flautista e il pianista non devono nulla in termini di brillantezza ai movimenti musicali angolari della sonata di Jindřich Feld. Nella sonata di Feld Quatre pièces per flauto solo cita l'"Hommage à Bartók" dal suo Concerto per orchestra. Il duo carica la frequente sonata di Erwin Schulhoff con la necessaria gioia di suonare i numerosi ostinati e attriti armonici.

Grazie al matrimonio con lo scrittore Jiří Mucha, figlio del pittore Art Nouveau Alfons Mucha, la compositrice londinese Geraldine Thomson divenne cittadina ceca e fu quindi inclusa in questa produzione. Il suo Naše cesta (Il nostro viaggio) è caratterizzato da eleganza e melodie simili a quelle di una canzone popolare. Il libretto, dal design fantasioso, presenta diverse foto della stazione ferroviaria principale di Praga per riflettere il tema del viaggio.

Il sestetto di fiati Mládí (giovani) integrato, stridente che ripete La marcia dei bluethroat di Leoš Janáček per ottavino e pianoforte deriva il suo titolo presumibilmente ornitologico dalle uniformi blu dei coristi. Con la curiosa trascrizione di Sarah Rumer del Fantasia slava di Fritz Kreisler è una trascrizione di una trascrizione, quest'ultima consiste nell'arrangiamento di Kreisler di due temi di Dvořák.

Viaggio slavo (Martinů, Feld, Schulhoff, Mucha, Janáček, Dvořák/Kreisler). Sarah Rumer, flauto; Ulrich Koella, pianoforte. Prospero PROSP0049

Fritz Stüssi (1874-1923), come molti compositori svizzeri di questa generazione, sarebbe stato a lungo dimenticato se non fosse stato per l'entusiasmo e la dedizione del nipote Ulrich Stüssi. Stüssi era "zurighese" e frequentò la scuola di musica di Zurigo; Lothar Kempter e Fritz Hegar furono i suoi insegnanti. In seguito fu raggiunto a Berlino da Max Bruch. Dalla sua casa di Wädenswil, Stüssi dominò a lungo il panorama musicale del lago di Zurigo.

Ha lasciato un'ampia opera fortemente radicata nella tradizione romantica. Si è concentrato soprattutto su opere sacre come cantate e mottetti. Gli spartiti sono conservati presso la Zentralbibliothek Zürich.

La sua opera più importante è l'oratorio, presentato per la prima volta a Wädenswil nel 1914 e della durata di circa trenta minuti. Decadenza e resurrezione, che è ora disponibile presso Claves insieme al libro Salmo 28 e altri brevi pezzi. Stüssi non era un drammaturgo, ma piuttosto un compositore fortemente radicato nella religiosità protestante che si confrontava coraggiosamente con i suoi modelli di riferimento. Inizia il suo oratorio con "Tutta la carne è come l'erba", che Brahms scrisse nella Requiem tedesco in uno dei movimenti più toccanti. Nell'opera di Stüssi, è il basso che inizia con un commovente recitativo dopo alcune battute di introduzione orchestrale. Il modello di Mendelssohn con il Elias è inconfondibile, lo stile incalzante ricorda fortemente anche quello di Wagner. Parsifal. Tuttavia, Stüssi è in grado di costruire un inizio promettente solo in frammenti.

Per lunghi tratti, i solisti dominano l'azione recitativa, che a volte sembra un po' uniforme, anche se le voci più basse in particolare sono formidabili con Ingeborg Danz (contralto) e Krešimir Stražanac (basso). Magnifico anche il modo in cui la Zürcher Sing-Akademie diretta da Florian Helgath celebra i passaggi corali con un'eccezionale cultura vocale.

È un peccato che il CD sia integrato da altri brevi brani corali di stile simile, il che rende l'ascolto un po' stancante. Stüssi ha certamente altre cose da offrire, come la suite in do minore, che il Quartetto Avalon ha già eseguito.

Rosso. Il cortometraggio documentario offre una visione della sua vita e del suo lavoro Fritz Stüssi - Dove si va di Esther Kempf e Julia Ann Stüssi, da vedere su YouTube. Oltre 30 delle 134 opere sono state digitalizzate e sono disponibili presso l'editore musicale Musica Mundana.

Fritz Stüssi: un romantico svizzero. Zürcher Sing-Akademie, Zürcher Kammerphilharmonie, direttore Florian Helgath. Claves 50-3085

Cancellazione su iniziativa di Verena (Mail 12.1.24)

Sebbene Albin Brun (*1959) e Kristina Brunner (*1993) provengano da generazioni diverse, sono impegnati in una visione comune: Sia il lucernese che la cantante bernese sono desiderosi di sviluppare costantemente la musica popolare svizzera. Mentre Brun, che ha vinto il Premio svizzero di musica 2017, è considerato una delle figure chiave tra il jazz e la musica popolare contemporanea, Brunner si è fatta conoscere grazie ai suoi virtuosismi al violoncello e allo Schwyzerörgeli.

Dopo essersi conosciuti alla Scuola di Musica di Lucerna, i due hanno iniziato a lavorare insieme nel 2017. Il duo prova settimanalmente, sviluppando una densa poesia sonora ed elaborando una musica da camera splendidamente sofisticata. Il loro debutto è previsto per il 2020, MidnangBrun e Brunner sono ora Entroterra seguire. Un album composto da 13 composizioni originali che, oltre a una strumentazione ridotta, offre anche escursioni atmosferiche e melodie sempre diverse.

Anche se l'apertura si presenta Fex inizialmente vivace, ma il brano si trasforma presto in motivi più contemplativi, che sembrano essere guidati in particolare da un desiderio senza nome. In canzoni come Shovidar! o Aube diventa chiaro che la nostalgia e la nostalgia di casa sono in agguato dietro l'angolo. Il risultato è uno stato d'animo che va dal malinconico al sognante e che è toccante per tutto il tempo.

Brun e Brunner si divertono a utilizzare combinazioni variabili di strumenti: A volte violoncello e organo suonano l'uno intorno all'altro, altre volte due organi si adescano a vicenda. Il risultato è convincente. Schratteflue per esempio, attinge alla malinconia e testimonia la vicinanza alpina, mentre la W., il pesce si dimostra correlato alla chanson. Con Entroterra Brun e Brunner hanno realizzato un album così giocoso, profondo e meraviglioso che vi verrà voglia di riascoltarlo.

Albin Brun & Kristina Brunner: Innerland. Autoprodotto, www.albinbrun.ch

Il 1° gennaio 2024 la direzione di G.-Henle-Verlag è cambiata: Wolf-Dieter Seiffert è andato in pensione dopo oltre trent'anni di attività presso la casa editrice, inizialmente come redattore e dal 2000 come direttore generale della casa editrice. Il consiglio di amministrazione della Fondazione Günter Henle ha nominato come suo successore Norbert Gertsch, il precedente vice direttore editoriale.

Norbert Gertsch, nato nel 1967, ha studiato pianoforte da concerto al Mozarteum di Salisburgo e, come borsista della Fondazione accademica nazionale tedesca, musicologia e filosofia presso le università di Salisburgo e Heidelberg. Nel 1996 è stato insignito di un dottorato di ricerca sull'opera di Ludwig van Beethoven. Missa solemnis dottorato.

L'anno successivo, Gertsch è entrato a far parte della casa editrice G. Henle, diventando capo redattore nel 2003 e vice direttore editoriale e direttore dei programmi nel 2009. Gertsch ha pubblicato numerose edizioni Urtext, tra cui una nuova edizione delle sonate per pianoforte di Beethoven con Murray Perahia. È inoltre coeditore del catalogo ragionato di Beethoven pubblicato nel 2014 ed è il principale responsabile dello sviluppo dell'applicazione Henle Library.

La casa editrice G. Henle, fondata nel 1948, è leader nel mercato mondiale delle edizioni di spartiti Urtext. Pubblica anche edizioni complete di opere di Bartók, Beethoven, Brahms e Haydn. Nella sede centrale della casa editrice, a Monaco, lavorano circa 30 dipendenti.

Esattamente 40 anni fa moriva, all'età di 35 anni, il suonatore di corno obvaldese, organista, compositore, insegnante e mediatore Francesco Raselli, che aveva le sue radici nel villaggio poschiavino di Le Prese. La sua fama risuona ancora oggi. Così, su iniziativa dei tre curatori e coautori Josef Gnos, Niccolò Raselli e Peter Bucher, compagni, amici, esperti e persone nate dopo di lui hanno approfondito la vita e l'opera di Raselli e hanno frugato nei loro ricordi. Il risultato è un libro che illumina tutti gli aspetti di questo eccezionale artista e dei suoi impegni orchestrali (Società Generale di Musica di Lucerna, Orchestra del Festival Internazionale di Musica di Lucerna, Orchestra Sinfonica della Radio di Stoccarda, Orchestra Sinfonica della Radio di Basilea).

Raselli non mancò di lasciare il segno nella musica per ottoni e nella musica popolare, ad esempio come caposezione e solista nella Feldmusik Sarnen, una delle più potenti orchestre di ottoni della Svizzera centrale. Come insegnante, ha insegnato alla Scuola di Musica di Sarnen e presto anche come insegnante di materie principali al Conservatorio di Lucerna, ma è sempre rimasto legato al cantone di Obvaldo. Il suo allievo Walter Dillier lo cita con il bon mot: "Solo il primo suonatore di corno è autorizzato a suonare, non il secondo". Oltre allo stesso Raselli, il libro presenta anche le personalità musicali Mario Venzago, Thüring Bräm, Lukas Christinat, Jakob Hefti e Wolfgang Sieber, tra i tanti.

Raselli compose circa quaranta opere in quindici anni, di cui circa un terzo per la leggendaria strumentazione Nyynermuisig da lui inventata. Nella sua analisi esaustiva e meticolosa, Roman Brotbeck affronta in dettaglio la concezione dodecafonica della Settetto del 1974, il quintetto di ottoni del 1982, la versione non datata del Solo per clarinetto A e infine con l'eredità di Raselli, la Diario Il libro è completato da testi specialistici, facsimili di spartiti, caricature e ricette di Raselli, numerose foto della sua vita e del suo lavoro, nonché acquerelli e disegni di Josef Gnos e di sua figlia Anna Raselli.

Francesco Raselli 1948-1983, a cura di Josef Gnos, Niccolò Raselli e Peter Bucher, 208 p., Fr. 40.00, autoprodotto dagli editori, 2023, ISBN 978-3-033-10003-9, fonte di approvvigionamento: Vreny Guardiano, Lindenstrasse 14, 6060 Sarnen, vreny.guardiano@bluewin.ch

Forse l'autrice Anna Reichert ha preso a cuore le parole di Manfred Spitzer: "Un buon insegnante racconta storie... Siamo guidati da storie, non da fatti". Basato su ciascuna tonalità della scala fondamentale, questo libretto sviluppa "esercizi per le dita" che stimolano i movimenti pianistici di base. La tonalità C, ad esempio, è modellata su Coco, lo scimpanzé di buon umore che ama dondolare da un albero all'altro. Coco oscilla da un ramo all'altro utilizzando gruppi legati di due note, affrontando temi come il peso e il rilassamento e il leggero ritiro della mano dopo la seconda nota.

In un testo di accompagnamento, l'autrice spiega gli obiettivi tecnici di ogni esercizio e indica ulteriori idee per suonare. Nella prefazione, l'autrice incoraggia i bambini a essere fantasiosi con gli esempi e a trovare le proprie variazioni insieme ai bambini: esplorare suoni diversi con la trasposizione, includere i tasti neri, rompere il più spesso possibile la rigida posizione a cinque dita, muoversi liberamente su tutta la tastiera e variare le distanze tra le dita. Tutto ciò ha lo scopo di arricchire il processo di apprendimento a vari livelli. Per questo motivo, la struttura di base dei singoli esercizi è stata semplificata come guida per genitori e insegnanti.

Mi piace la semplicità e allo stesso tempo la versatilità del sistema, che è in grado di stimolare l'immaginazione sia degli studenti che degli insegnanti.

Anna Reichert: Suona con noi! Esercizi per le dita con storie di animali per principianti al pianoforte, VHR 3518, € 11,80, Holzschuh, Manching

"Silenziose le mie canzoni implorano / Attraverso la notte a te...". - l'ambientazione dell'opera di Ludwig Rellstab Serenata di Franz Schubert nella raccolta di canzoni pubblicata postuma Il canto del cigno ha ispirato molti altri compositori ed editori a realizzare arrangiamenti strumentali. Anche la versione per due chitarre, presentata ora dal chitarrista di Winterthur Jury Clormann, è musicalmente ricca e facile da suonare sulle dodici corde.

Il brano faceva parte del repertorio di Clormann e della sua compagna di duo Elisabeth Trechslin e può essere ascoltato su Youtube be. Clormann ha abilmente basato il suo arrangiamento non solo sull'originale di Schubert, ma anche sulla versione per pianoforte di Franz Liszt e sulla versione per chitarra sola di Johann Kaspar Mertz. Adottò i motivi fugati di piccole terzine di Liszt, ma prese in prestito da Mertz la sezione finale con i suoi vari arpeggi. Ciò che Mertz aveva omesso dal materiale musicale di Schubert, Clormann lo aggiunse. Tutto questo al servizio dell'intimità romantica della musica di Schubert e della lirica di Rellstab: "Lascia che anche il tuo petto si muova, (...) Vieni, rendimi felice!".

L'edizione degli spartiti contiene anche gli arrangiamenti di tre brevi brani per pianoforte: Minuetto e Trio, a Valzer (il primo di 36 danze originali dall'op. 9 e da D. 365) e una Danza tedesca e Ecossaise - tutti esemplari editi, con partitura e parti singole, ma senza diteggiature.

Franz Schubert: Serenata, Minuetto, Valzer, Danza tedesca ed Ecossaise, a cura di Jury Clormann, prima edizione, BP 2883, Fr. 19.50, Amadeus, Winterthur

Se la citazione nel titolo di questo libro vi avesse ricordato Gustav Mahler, vi sareste sbagliati, ma vi sareste aspettati messaggi nascosti da Brahms. Arnold Schönberg lo aveva posto all'avanguardia del modernismo dell'epoca come "progressista" proprio perché le sue composizioni corrispondevano alla "forma tonalmente mobile" di Hanslick e passavano in secondo piano rispetto ai "poemi sinfonici" di Liszt e Strauss, che erano saturi di letteratura.

Schönberg rimarrebbe stupito oggi se prendesse in mano il libro di Johannes Schild, in cui l'autore scopre molti messaggi nascosti nelle quattro sinfonie di Brahms che stabiliscono connessioni con Bach, Mozart, Beethoven, Wagner, Liszt e altri. Il fatto che non solo Mahler, ma anche Brahms abbia utilizzato la capacità linguistica della musica per giungere alla comprensione di se stesso e della sua opera è sorprendente ad ogni nuovo caso, che Schild è in grado di spiegare in modo stilisticamente sicuro e comprensibile, e non solo per quei lettori che sono in grado di analizzare i numerosi esempi musicali di conseguenza.

Le relazioni tra i movimenti nelle sinfonie sono interessanti di per sé, ma ancora più gratificanti sono le relazioni tra i movimenti e quelle che stabiliscono connessioni tra le epoche musicali. A partire dalla fuga in mi maggiore di Bach, il tema finale dell'opera mozartiana Sinfonia di Giove un'intera gamma di coperture fino al Canzone del destino.

Particolarmente sorprendenti, in un altro contesto, sono le Meistersinger-Aspetti che Tristanoo i riferimenti musicali al "ragazzo di latte" Felix, che nella migliore delle ipotesi potrebbe essere il figlio illegittimo di Johannes Brahms, nato dalla sua relazione intima con Clara Schumann.

Con trecento esempi musicali, sessanta pagine di note e ventiquattro di bibliografia, il libro sottolinea la sorprendente ricchezza di "viscere" compositive, ma anche di influenze extra-musicali, che non ci si sarebbe aspettati da Brahms in particolare.

Johannes Schild: "In meinen Tönen spreche ich" - Brahms und die Symphonie, 443 p., € 49,99, Bärenreiter/Metzler, Kassel/Stuttgart 2022, ISBN 978-3-7618-2525-9

La parola "comporre" ha molte connotazioni: creatività, certo, ma anche lotta per le idee, ideazione di nuovi suoni o nuove costellazioni. È quindi notevole che il compositore basilese Wolfgang Heiniger ritenga che la musica non possa essere "reinventata". Secondo lui, il significato di composizione è già nella parola: "Si mettono insieme le cose", dice.

Il libretto pubblicato da Vexer-Verlag fare musica con dichiarazioni da una a tre pagine di 33 compositori contemporanei è tanto divertente quanto stimolante. La nuova musica non può essere ridotta a un comune denominatore. E questo vale anche per i testi stampati, che ruotano intorno all'estetica in generale, alle abitudini di lavoro personali o ai processi creativi. Alcuni di essi ricordano immagini di vecchi compositori. Dieter Ammann scrive: "Comporre significa in realtà viaggiare come un cercatore in un mondo di cui si è anche il creatore". La ricerca di Ammann può talvolta richiedere molto tempo. A volte pensa a un'opera per tre anni. Sì, forse gli viene in mente la fronte aggrottata di Beethoven.

Il tono di Ammann è fresco e diretto, e questo vale anche per i suoi colleghi. Isabel Klaus fa di necessità virtù. Ha bisogno di resistenza e vede le solite commissioni - "scrivi un pezzo per questo o quel cast con questa o quella durata" - non come una restrizione alla sua creatività, ma come un'opportunità per sfregare creativamente le "pietre che le vengono messe sulla strada".

La maggior parte dei compositori selezionati e intervistati dai curatori Désirée Meiser, Matthias Schmidt e Anja Wernicke proviene dall'area di Basilea. Alcuni grandi nomi ampliano la prospettiva regionale: Wolfgang Rihm, ad esempio, il tedesco Mathias Spahlinger o il danese Simon Steen-Andersen, che ha riscosso un grande successo negli ultimi anni. Quest'ultimo parla della sua "ispirazione negativa": quando sente la "grande musica", pensa che deve sforzarsi di "farla in modo completamente diverso".

In definitiva, comporre oggi è anche molto diverso. Le precedenti concezioni di un genio creatio-ex-nihilo simile a un dio, che mette su carta le sue brillanti scintille in modo intimidatorio e autorevole, appartengono fortunatamente al passato. Oggi, come l'antologia dimostra in modo impressionante, si tratta molto più di cooperazione con i musicisti, di influenze, a volte anche di un lavoro che deve essere fatto con i piedi per terra. Johannes Kreidler, professore di composizione all'Università di Musica di Basilea, riassume bene il concetto: "Le idee non nascono all'improvviso. Il principiante aspetta il bacio della musica, il professionista inizia a lavorare".

musik machen, a cura di Désirée Meiser, Matthias Schmidt, Anja Wernicke, 144 p., Fr. 28.00, Vexer, San Gallo 2023, ISBN 978-3-907112-63-2

Quando il pianista argoviese Werner Schmid, insieme al soprano Christina Lang e al mezzosoprano Margrita Sarbach, registrò il pionieristico CD E 's Meiteli canta canzoni per bambini e dialettali, per lo più sconosciute, di compositori svizzeri, i cui campioni spiccavano dal libretto. Canzoni dalla valle da Eugen Meier per il loro caratteristico dialetto vallesano.

Il soprano Franziska Heinzen e il pianista Benjamin Mead hanno inciso per la prima volta tutte le 16 canzoni, tranne due, su testi dello scrittore e industriale Hannes Taugwalder (1910-2007), cresciuto a Zermatt. Rispetto alla prima edizione del 1981, alcune di esse sono state ampliate con introduzioni pianistiche e postludi.

Nato in Argovia nel 1934 e formatosi a Vienna con Julius Patzak e Hans Swarowsky, il compositore, direttore d'orchestra e insegnante Eugen Meier vive e lavora in Vallese, che è diventata la sua seconda casa, dal 1961. Le sue opere, che trattano il tema della nostalgia, dell'amore e della vicinanza alla natura Canzoni dalla valle sono ascoltati in questo CD sapientemente concepito con il sottotitolo "Un omaggio alla canzone d'arte svizzera", alternati a brani accuratamente selezionati e tematicamente correlati su testi in lingua tedesca di Hesse, Lenau, C. F. Meyer, Morgenstern e Storm, tra gli altri. Le ambientazioni di compositori noti come Joachim Raff, Othmar Schoeck, Frank Martin e Heinz Holliger si alternano a contributi contemporanei di Isabel Mundry e Werner Bärtschi, da un lato, e a canzoni di compositori da tempo dimenticati come Walter Courvoisier, Emil Frey e Hermann von Glenck, dall'altro.

Originaria del Canton Vallese, Franziska Heinzen garantisce una resa autentica del testo. Canzoni dalla valleche canta con una semplicità di tono da canzone popolare. Nelle canzoni d'arte, perlopiù tardo-romantiche, si avvicina all'opera lirica con un forte vibrato, soprattutto nei registri acuti. Questo è in contrasto con Hans Huber, per esempio, che ha cantato nel Canzone femminile op. 61 n. 3 "lusinghiero, con l'espressione più delicata". Discretamente sostenuta al pianoforte da Benjamin Mead, la cantante dà l'impressione di dover uscire dal riserbo della musica rustica del Vallese in una fuga di campagna per conquistare un pubblico urbano con uno stile di canto più espressivo.

Canti della valle. Franziska Heinzen, soprano, Benjamin Mead, pianoforte. Prospero PROSP 0062

Vertigo - chi non pensa al thriller psicologico di Alfred Hitchcock quando sente questa parola? Un film che ruota attorno a un poliziotto (James Stewart) che soffre di paura dell'altezza dopo un'esperienza traumatica. Un film, tra l'altro, in cui la musica congeniale di Bernard Herrmann svolge un ruolo centrale. Il giovane compositore austriaco Philipp Manuel Gutmann ha ora anteposto a una delle sue ultime opere il nome "Vertigo" e l'ha sottotitolata "Bagatelle per pianoforte". Nel giugno 2021 ha vinto il premio del pubblico della 1ª Giornata della nuova musica per pianoforte di Graz.

Philipp Manuel Gutmann è nato a Zwettl (Bassa Austria) nel 1993. Ha studiato composizione a Vienna (con Dirk D'Ase) e a Zurigo (con Kaspar Ewald e Isabel Mundry). Nonostante la giovane età, può già vantare un'opera considerevole. Essa comprende opere teatrali e sinfonie, ma anche musica da camera e numerosi lavori per coro. Sembra avere un debole per le orchestre di fiati.

Torniamo al suo pezzo per pianoforte Vertigineche in realtà si riferisce al film di Hitchcock. Inizia "lentamente e minacciosamente" con figure ripetitive che aumentano gradualmente di tempo e volume. A queste si aggiungono frammenti melodici che citano ovviamente motivi della musica da film di Bernard Herrmann. Gli accordi sono alternativamente spezzati verso l'alto e verso il basso. Nell'ultima pagina, l'inizio tranquillo si trasforma infine in un impetuoso inseguimento. L'effetto che ne deriva crea davvero una sensazione di disorientamento, di vertigine.

Pianisticamente è Vertigine non è così difficile come potrebbe sembrare a prima vista. La scrittura pianistica è eccellente. (L'unica indicazione di diteggiatura all'inizio dovrebbe essere 3213). In ogni caso, non sorprende che il pubblico di Graz sia rimasto colpito dall'opera, poiché Gutmann riesce a evocare immediatamente una scena drammatica e vivida in poche pagine utilizzando mezzi moderni.

E coloro che non conoscono ancora questa musica dovrebbero forse dare un'altra occhiata al capolavoro di Hitchcock...

Philipp Manuel Gutmann: Vertigo, Bagatelle per pianoforte, D 01 450, € 12,95, Doblinger, Vienna

L'ottavo album da solista di Annakin - un tempo voce del combo trip-hop Swandive di Baden - inizia con una delle più belle canzoni registrate nel corso della sua lunga carriera. Si chiama Marian ed è qualcosa di simile a un libretto di programmi audio. Ha scritto la canzone quando è iniziato l'attacco a Mariupol, spiega l'artista. In seguito si è resa conto che il tema dell'intero album era riassunto qui. "Parla di protezione e di guerra e, soprattutto, di catarsi. Si tratta di un'esperienza che devi elaborare per trovare la strada della creatività e creare qualcosa di nuovo".

Dopo la frustrazione della serrata, che aveva mandato all'aria ogni tipo di progetto, si è lasciata andare a una vera e propria frenesia creativa, culminata nel viaggio a La Frette Studio vicino a Parigi - una villa elegantemente fatiscente dove anche Nick Cave, Marie-Joe Thério e Marianne Faithfull hanno creato prelibatezze sonore. Lo studio è stato scelto anche perché dotato di strumenti all'altezza delle aspettative sonore dell'artista: un pianoforte Bösendorfer, ad esempio, che sembra avvolto in un bozzolo di cotone (ah!), un massiccio sintetizzatore Oberheim e un mixer Neve. Come per l'ultimo album, le registrazioni sono state effettuate sotto l'egida del produttore britannico Ed Harcourt, che può vantare una serie di album nobili e idiosincratici come cantautore. Secondo Annakin, è grazie a lui che l'album è meno elettronico e più orientato al pianoforte.

Il titolo Bozzolo non solo riassume lo stato d'animo in termini di tema, ma descrive anche metaforicamente l'effetto di queste canzoni trasparenti e simili a garze. Hanno bisogno di tempo per attirare l'ascoltatore, ma il filo conduttore è forte... Un altro bel capitolo nella storia di un instancabile e tranquillo avventuriero.

Annakin: Cocoon, Phonag Records, annakin.net