I violoncellisti possono talvolta guardare con un po' di invidia alla letteratura violinistica. Certo, la letteratura violoncellistica comprende il profondo Concerto in la minore di Robert Schumann. Ma contiene anche un "gioiello del cuore", come Joseph Joachim descrisse il Concerto per violino in mi minore di Felix Mendelssohn Bartholdy nel 1906?

Almeno il Concerto per violoncello n. 1 in re minore op. 193 (1874) di Joachim Raff colma parzialmente questa presunta lacuna. L'opera 64 di Mendelssohn ne è stata chiaramente l'ispirazione. L'ingresso appassionato dello strumento solista dopo due battute di introduzione orchestrale all'inizio, la brillante cadenza alla fine del primo movimento, la fluida transizione nel secondo movimento, anch'esso in metro 6/8, il vivace tema del rondò del terzo movimento: sono tutti elementi in cui il grande modello si riflette in modo udibile. Nel terzo movimento, Raff aggiunge il tema perennemente preferito di Paganini Moto perpetuo op. 11.

Le recensioni contemporanee furono prevalentemente positive. Tuttavia, nel XX secolo, la vicinanza di quest'opera al Concerto per violino di Mendelssohn è stata talvolta criticata come poco originale. A torto! Il primo concerto per violoncello di Raff, dedicato a Friedrich Grützmacher, è un profondo tributo e un convincente omaggio al suo grande modello e offre agli esecutori una ricca tavolozza di espressioni musicali, come appassionate cantilene e brillanti passaggi, che non mancheranno di avere un effetto sul pubblico.

Il concerto è stato pubblicato da Breitkopf und Härtel in una nuova edizione critica curata da Jonas Kreienbühl e Andrea Wiesli.

Joachim Raff: Concerto per violoncello e orchestra n. 1 in re minore, a cura di Jonas Kreienbühl e Andrea Wiesli, partitura, PB 5715, € 65,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Chi non li ha mai visti, i graziosi organi domestici, spesso dipinti a colori, che si trovavano nella camera di colmo di molte case coloniche del Toggenburgo tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo? Questo libro meticolosamente studiato e documentato dal musicista, musicologo e organaro Markus Meier è quindi naturalmente dedicato alla storia e al contesto della costruzione di organi domestici locali.

Questo può svilupparsi nell'arco di circa 75 anni e porta a un tipo di strumento quasi standardizzato e perfezionato, soprattutto negli strumenti della famiglia Looser (in appendice si trova un catalogo di opere con quasi 100 strumenti). Meier fa luce anche sulla costruzione di organi ecclesiastici nella regione e fa riferimenti incrociati rivelatori che riconducono alla tradizione organaria del Vorarlberg e della regione del Lago di Costanza.

Organi e denominazioni

Con il suo libro, Meier riesce a collocare il suo tema, che a prima vista può sembrare piuttosto "locale", in un contesto di condizioni sociali, confessionali e politico-religiose che si estende ben oltre il Toggenburg (la "più importante area di tensione nella Confederazione confessionalmente divisa", secondo l'autore).

Nel periodo successivo alla Riforma, le sue chiese furono inizialmente spesso utilizzate in egual misura da entrambe le confessioni, ma rimasero sotto il controllo del principe abate di San Gallo, il che significava che il divieto riformato sugli organi poteva essere aggirato "con la benedizione cattolica", per così dire. Contemporaneamente al ritorno dell'organo in chiesa, anche l'organo domestico svolse un ruolo importante nelle devozioni domestiche quotidiane della famiglia, nello spirito del pietismo (un collegamento tra la cultura dell'organo domestico e il divieto zwingliano di usare l'organo è quindi palesemente falso). L'avvento del fortepiano ha infine soppiantato gli organi domestici, che tuttavia in alcuni luoghi sono stati trasferiti nelle chiese, almeno come soluzione temporanea.

Conclusione

Un libro caldamente raccomandato a tutti gli interessati agli organi, che documenta un importante capitolo della storia organaria ecclesiastica e secolare del nostro Paese sullo sfondo confessionale, secondo lo stato più recente della ricerca. È auspicabile che, in considerazione delle numerose e variegate attività che circondano la cultura organaria della casa del Toggenburg, possa seguire una pubblicazione sul materiale musicale superstite, ancora in gran parte inedito, e sul repertorio suonato!

Markus Meier: Geächtet, geliebt und geduldet - Die Orgel im nachreformatorischen Toggenburg, 400 p., Fr. 48.00, Chronos, Zurigo 2025, ISBN 978-3-0340-1796-1 (E-book gratuito)

Se la musica fosse uno sport, questo album avventuroso, dal ritmo incalzante e non ultimo verbalmente impegnativo, batterebbe dei record. Contiene non meno di 69 brani, per una durata totale di 36 minuti e 24 secondi. Il contributo più breve dura 7 secondi, il più lungo un quasi elefantiaco 1'41".

Ebbene, il compositore e sassofonista di Baden Christoph Gallio non ha mai scelto la strada della minor resistenza, il che ha portato a molte esperienze edificanti e sorprendenti nei lavori dell'ensemble Day & Taxi, che esiste in varie formazioni dal 1988. Qui non cambia nulla, eppure tutto è diverso. Da oltre trent'anni, Gallio è particolarmente interessato alle opere di Gertrude Stein (1874-1946), scrittrice e collezionista d'arte nata in Pennsylvania, la cui cerchia a Parigi comprendeva in seguito Picasso, Hemingway, Scott Fitzgerald e Matisse. La sua opera letteraria si caratterizza soprattutto per la struttura musicale, spesso ripetitiva, delle sue frasi, il cui significato raramente può essere racchiuso dagli usuali mezzi di cognizione linguistica. Precisamente: "Una rosa è una rosa è una rosa".

Poesia più breve, composizione più breve

Con Eppure il piatto è una lunga serie di brevi poesie pubblicate postume. Non c'è abbastanza spazio per spiegare le teorie di Stein sulle parole e sul loro significato - o sulla nostra idea di significato. Basti dire che queste mini-poesie scatenano sicuramente associazioni e percorsi di pensiero completamente diversi in ogni orecchio. Per esempio XLII: "Una torta di gelatina/una torta di gelatina/una torta di gelatina". Oppure XLV: "Copiare copiare copiare".

Dalla prima all'ultima nota, Gallio ha adattato a ciascuna di esse una breve composizione altamente focalizzata, indipendente nella costruzione e nella qualità tonale (cioè ispirata alle parole e allo stesso tempo dotata di una nuova dimensione), che sente le parole e ne fa suonare i contorni. In questo è aiutato dalla cantante franco-bernese Sonia Loenne, che ricorda tranquillamente Dagmar Krause, dal contrabbassista Vito Cadonau e dal batterista Flo Hufschmid. L'effetto complessivo delle miniature cristalline e levigate è un luccichio caleidoscopico in cui le parole si diffondono come il miele nel tè.

Stone Is A Rose Is A Stone Is A Stone di Christoph Gallio - Yet Dish, Gertrude Stein. Sonia Loenne, voce; Christoph Gallio, sassofono soprano e contralto; Vito Cadonau, contrabbasso; Flo Hufschmid, batteria e percussioni. Hat Hut Records

L'antologia Intelligenza artificiale dei suoni offre una solida panoramica delle attuali discussioni sull'intelligenza artificiale nell'industria musicale. Gli argomenti spaziano dalle basi tecniche alle questioni di protezione del copyright, produzione e mediazione, fino alle riflessioni sugli sviluppi della critica d'arte. La maggior parte degli articoli è di facile lettura. Tra i punti salienti si segnalano Ludger Brümmer, che rende comprensibile il principio statistico delle catene di Markov, importanti per l'IA, e Michael Schmidt con una panoramica degli strumenti fisici e digitali per la composizione con l'aiuto dell'IA.

Dorte Lena Eilers fornisce aneddoti divertenti sulle reazioni storiche delle pagine artistiche ai primi tentativi di comporre ed eseguire opere ispirate all'IA. La corporazione dei critici ha preso alla sprovvista ChatGPT, scrive l'autrice. La derisione che la scrittrice rivolge all'Ars Electronica di Linz e al Centro di Karlsruhe per l'arte e la tecnologia dei media, che "non hanno il futuro sotto controllo", potrebbe essere rivolta anche ai testi di questo libro.

Sebbene il sommario si chieda fino a che punto la "netta separazione tra lavoro, arrangiamento, interpretazione ed esecuzione si adatti ancora alla pratica musicale supportata dall'IA", l'argomento è trattato in uno stile convenzionale di feuilleton che separa nettamente queste aree. L'intera raccolta di testi sembra quindi un po' nostalgica. Dovrebbe essere utile per le generazioni che sono state socializzate prima della rivoluzione digitale. I nativi digitali e presumibilmente presto anche quelli dell'intelligenza artificiale utilizzeranno YouTube e ChatGPT per raccogliere informazioni sugli sviluppi dell'intelligenza artificiale nell'industria musicale. Con tutti i rischi connessi. E questo è probabilmente il principale punto di forza del libro: Ci si può fidare delle informazioni praticamente senza riserve.

Intelligenza artificiale dei suoni - Etica ed estetica della cultura musicale digitale, a cura di Michael Schmidt, 124 p., € 22,00, edizione testo + kritik, Monaco 2025 , ISBN 978-3-689-30030-2

"Non un secondo di ozio" si può trovare nelle opere di Dieter Ammann, secondo il suo famoso collega compositore Wolfgang Rihm, ora tristemente scomparso. Il fatto è che le creazioni del compositore argoviese, che insegna composizione all'Università di Musica di Lucerna, sono accolte con estremo favore dal pubblico. Il suo concerto per pianoforte Gran Toccata, a cui ha lavorato per diversi anni, è già stato eseguito in tutto il mondo con grande successo - anche grazie alla fenomenale interpretazione di Andreas Haefliger - e il suo concerto per viola nessun modello ha anche buone possibilità di diventare un pezzo di repertorio.

Tuttavia, Ammann è diventato particolarmente noto nell'ultimo decennio con quattro opere per grande orchestra, che in ordine cronologico sono Aumento (PREMIÈRE 2002), Nucleo (PREMIÈRE 2002), Girare (UA 2010) e bagliore (PREMIÈRE 2016). I primi tre sono stati commissionati dall'Orchestra Sinfonica di Lucerna e dal Lucerne Festival, bagliore L'Orchestra della Tonhalle di Zurigo e l'Orchestra Sinfonica di Berna si esibiranno insieme.

Abitudine all'improvvisazione e cura meticolosa

Il loro effetto accattivante si basa su diversi fattori: da un lato, si percepisce il passato di Ammann come musicista jazz e improvvisatore. Sebbene i quattro brani non contengano passaggi improvvisati o aleatori, ma al contrario siano "lavorati" fin nei minimi dettagli, hanno un groove ritmico che mantiene costantemente la tensione. Pierre Boulez li ha caratterizzati così: "Le opere orchestrali di Ammann costituiscono una sintesi di habitus apparentemente improvvisato e di cura meticolosa nella loro elaborazione". Questo modo di lavorare lo rende uno dei compositori più "lenti" tra i suoi contemporanei. Ammann scrive che comporre significa anche "sopportare la contraddizione di essere un cercatore in un mondo di cui si è allo stesso tempo creatori". D'altra parte, le opere sono molto varie e sensuali, in quanto Ammann utilizza tutte le possibilità di un'orchestra moderna nella sua orchestrazione, con le percussioni spesso in primo piano.

Naturalmente, musiche molto diverse hanno lasciato il segno nell'opera di Ammann; ci viene momentaneamente in mente il brano di John Adams Un breve viaggio in una macchina veloce, Mark-Anthony Turnages Tre papi urlantiGyörgy Kurtág Stele o anche di Alexander Mossolov Fonderia di ferroi; alcune armonie e timbri ricordano le opere degli impressionisti francesi o di Olivier Messiaen. Tuttavia, la musica di Ammann non è epigonale, ma ha una sua firma personale. È piacevole che egli rinunci completamente alle citazioni, che sembrano quasi inevitabili in altri compositori del momento.

Suono opulento e suonato con brillantezza

Naxos pubblicherà nel 2023 un CD con musica orchestrale di Ammann (tra cui Nucleo, Girare e Aumento) in eccezionali interpretazioni registrate dal vivo dalla Basel Sinfonietta diretta da Baldur Brönnimann. Il fatto che l'etichetta Schweizer Fonogramm abbia ora pubblicato queste tre opere, completate da baglioreL'uscita della nuova registrazione di "The Swiss Orchestra" di Ammann in studio con l'Orchestre de la Suisse Romande sotto la direzione di Jonathan Nott, che conosce bene la musica di Ammann, può essere definita un colpo di fortuna. Da un lato, abbiamo ora due diverse registrazioni di alcune delle più interessanti opere orchestrali recenti composte in Svizzera; dall'altro, la nuova registrazione, con il suo suono opulento e suonato con la massima brillantezza, è un vero piacere da ascoltare. Il CD può essere caldamente raccomandato!

Dieter Ammann: glut, musica per orchestra. Orchestre de la Suisse Romande; Jonathan Nott, direttore. Fonogramma svizzero, SF0020

Questo LP fa quasi sentire un po' di nostalgia. L'agilità di questo basso, l'azionismo agile e talvolta selvaggio, un gesto di allontanamento dalla scena free jazz londinese, spesso addomesticata dalla struttura che proviene dalla nuova musica. Erano gli anni '70.

Il contrabbassista britannico Barry Guy, che vive da tempo in Svizzera con la moglie, la violinista Maya Homburger, ha percorso diverse scene, tra cui quella della musica barocca. Si è esibito più volte a Donaueschingen. E qui tutto si riunisce in modo unico. L'LP da un litro e mezzo (con lati A, B e C) riserva alcune sorprese.

Solo l'opera di Iannis Xenakis Terapie è diventato un classico con il suo vigore bruitistico e giocoso. Gli altri quattro compositori, pur essendo tutti ancora in vita, sono stati un po' eclissati; vale la pena riscoprirli. Sapevano come utilizzare le qualità improvvisative e teatrali di Guy in una varietà di modi: Bernard Rands, ad esempio, con Memo o John Anthony Celona con Voci. La voce del contrabbassista si unisce, sussurrando e fischiando. L'italiano Luca Lombardi ha composto un brano politico Saggio con la citazione di Paul Dessau, e l'altoatesino Hubert Stuppner ha scritto con Espressioni un rondò per un clown - che è meravigliosamente illustrato con foto in questa edizione LP: Qui il basso suona con se stesso dal nastro - un bell'esempio dell'esuberante vitalità che il teatro strumentale possedeva ancora in quegli anni.

È una cosa che appartiene al passato? In ogni caso, ci vuole un virtuoso come Barry Guy, che tra l'altro ha anche creato una magnifica grafica per la colonna sonora. Anaclasi del 2002, l'unico lavoro proprio e più recente, realizzato qui con il collega contrabbassista Stefano Scodanibbio, è uno di questi: apre un ricco campo di gioco per i due musicisti.

Barry Guy suona. Luca Lombardi, Hubert Stuppner, Iannis Xenakis, Bernard Rands, John Anthony Celona e Barry Guy. Barry Guy, contrabbasso. Maya Recordings MLP 2401

"La memoria è qualcosa di cui noi artisti non amiamo parlare, soprattutto perché abbiamo paura di perderla". Così ha detto una volta la pianista canadese Angela Hewitt. Il fatto che i professionisti possano suonare a memoria per ore e ore, di solito senza commettere errori, è praticamente un miracolo. In effetti, la nostra memoria cerebrale è tanto affascinante quanto quasi impossibile da penetrare. Al di là dell'interazione estremamente complessa e ancora poco studiata di centinaia di trilioni di sinapsi, questo vale anche per il tema "musica e memoria". Sebbene sia immediatamente evidente, è ancora difficile da afferrare.

Musica e memoria di Melanie Unseld è un libro di studio. La professoressa, che insegna a Vienna, si propone di fornire una panoramica delle prospettive musicologiche su un tema che è stato promosso in modo significativo dagli studi culturali, ad esempio dal libro di Jan Assmann La memoria culturale. Le identità giocano quindi un ruolo, ad esempio, quando l'ancoraggio inconsapevole Marsigliese o altri inni creano consapevolezza a livello nazionale. Altre aree di ricerca comprendono gli aspetti della formazione dei canoni e la ricerca sulla ricezione. Perché alcune cose sono ricordate e perché no? Perché hanno prevalso questi o quei compositori e molto meno le compositrici? Unseld tocca naturalmente anche la conservazione dei monumenti e la politica con queste domande. Cita, ad esempio, il divieto temporaneo di Marsiglieseche, a causa del suo potenziale rivoluzionario, doveva scomparire dalla memoria per un certo periodo, proprio come alcune opere di compositori russi che furono bandite sotto Joseph Stalin.

Non è sempre facile seguire Unseld. Cambia prospettiva nei minimi dettagli. Dal ruolo assolutamente importante della musica negli anni formativi dell'adolescenza, passa alla didattica della musica, alla ricerca sulla demenza o alla falsificazione della memoria che è un luogo comune nelle biografie. Come se non bastasse, i ricordi giocano un ruolo anche nell'estetica della composizione. I compositori ricordano i predecessori citandoli. E: la forma sonata, i movimenti di variazione, i versi e i ritornelli rendono evidente che la musica gioca quasi sempre sulla tastiera della memoria. Unseld riassume questo particolare approccio ristretto scrivendo dell'esperienza del tempo: "La musica può trattare il tempo in tre modi. Può costruire il tempo (attraverso i ritmi o l'andamento della forma, attraverso la composizione), immaginare il tempo (per esempio con la prassi esecutiva storica o la storiografia musicale) e rendere il tempo percepibile (per esempio attraverso la correlazione con il battito cardiaco o quando il tempo passa mentre ci si esercita o si assiste a un concerto)".

Per il momento, è impossibile prevedere dove porterà questo complesso campo di ricerca. È bello che il libro di Unseld, ottimamente curato, porti dal freddo formalismo a un approccio alla musica incentrato sull'uomo. Alla fine, però, non si può ignorare che la memoria è (finora) difficile da afferrare e spesso è molto diversa da persona a persona. In questo senso, la musica ha a sua volta a che fare con la memoria, perché entrambi gli ambiti sembrano un budino che non può essere inchiodato al muro.

Melanie Unseld: Musica e memoria - Un libro di studio, 298 p., € 29,90, Rombach Wissenschaft, Baden-Baden 2025, ISBN 978-3-96821-886-1  

Il compositore estone Arvo Pärt ha festeggiato a settembre il suo 90° compleanno. Lui stesso dice del suo stile, emerso alla fine degli anni Ottanta: "La tintinnabulazione è un'area in cui a volte mi addentro quando sono alla ricerca di risposte - nella mia vita, nella mia musica, nel mio lavoro. (...) Il complesso e il multistrato mi confondono e devo cercare l'unità...".

Due delle sue opere corali più recenti sono il tedesco Padre nostro e il mottetto O Santo Padre Nicola. Quest'ultima l'ha scritta per la riconsacrazione della chiesa greco-ortodossa di San Nicola presso il Santuario Nazionale di Ground Zero a New York, distrutto l'11 settembre 2001. Dieci minuti sonori e arricchenti, nel tipico stile a cappella di Pärt. Il Padre nostro invece, è piuttosto atipico per lui, ma non per questo meno impressionante. Oltre alle precedenti versioni per voce e pianoforte e per coro, pianoforte e orchestra d'archi, Universal Edition Wien ha pubblicato questa nuova versione per coro e pianoforte, di facile esecuzione anche per cori amatoriali.

Arvo Pärt: Padre nostro, per coro misto e pianoforte, UE 38005, € 8,95, Universal Edition, Vienna

Id.: O Santo Padre Nicola, per coro misto a cappella, UE 38114, € 13,95

Per un secolo e mezzo, la rivista Musica e liturgia come organo più importante della musica sacra cattolica nella Svizzera tedesca, riferisce sulla musica sacra e sui suoi sviluppi. Fa luce sulla pratica musicale quotidiana nella liturgia e nei concerti sacri da diverse prospettive.

Quello che è iniziato nel 1876 come un giornale chiamato Guardia del coro iniziò anni dopo con il titolo Musica da chiesa cattolica e successivamente Cantare e fare musica nelle funzioni religiose infine a Musica e liturgiauna rivista che copre un ampio spettro della vita musicale della chiesa e della creatività al di là del mondo corale. Dall'inizio di quest'anno non è più in formato cartaceo, ma come piattaforma online.

Il 14 marzo 2026, alle 13.30, nella chiesa abbaziale di Einsiedeln, si terrà una cerimonia festosa con tre cori e musica strumentale. Contemporaneamente, tre importanti figure della musica sacra in Svizzera, Padre Theo Flury, l'Abate Urban Federer e Martin Hobi, saranno premiati per il loro eccezionale impegno nella musica sacra rispettivamente con una Medaglia Orlando di Lasso e una Medaglia Ambrosiana. Anche il pubblico è cordialmente invitato a questa cerimonia.

musicandliturgia.ch

Da Stefan Muhmenthaler a Jakob Steiner: per ogni anno, Ueli Steingruber ha ritratto una personalità che ha ottenuto il primo premio al Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW) tra il 1976 e il 2025. Le fotografie a colori o in bianco e nero li ritraggono in una situazione quotidiana di oggi. L'obiettivo è quello di dare uno sguardo al quadro generale, alla coerenza del concorso da 50 anni: "Come un fiume che si nutre in modo affidabile, attraversa le biografie del mondo musicale svizzero e lo alimenta con giovani talenti motivati". Così Michael Eidenbenz onora la SJMW nel testo introduttivo.

Il volume, splendidamente progettato sotto la direzione di Valérie Probst, invita a guardare, leggere e riflettere sulla natura della musica ancora e ancora.

50 - Concorso svizzero di musica per la gioventù 1975-2025, edito dalla Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù, 120 p., Fr. 35.00, ISBN 978-3-033-11409-8, info@sjmw.ch

Il noto chitarrista David Russell ha descritto José Tomás (1934-2001) della città costiera spagnola di Alicante come il più influente insegnante di chitarra della fine del XX secolo. Tomás non era solo un chitarrista e un insegnante di talento, ma anche un diligente arrangiatore di musica rinascimentale, barocca e di altro genere. Pedro Jesús Gómez, come Russell ex allievo di Tomás, ha ora pubblicato una raccolta accuratamente compilata di trascrizioni del maestro iberico con le Editions Chanterelle.

La prima parte è dedicata alla musica per liuto del XVI e XVII secolo, con John Dowland in particolare. Con Couperin e Purcell si passa poi al clavicembalo, con la suite in mi minore BWV 996 di Bach al leggendario pianoforte per liuto, che viene suonato sulle corde della chitarra. Da Haydn al XX secolo, vengono arrangiate musiche per pianoforte di "classici" del repertorio chitarristico come Albéniz e Granados, ma anche di altri grandi del (tardo) Romanticismo come Tchaikovsky e Ravel.

Tomás suonava principalmente con una chitarra Ramirez a otto corde costruita appositamente per lui, con la quale poteva anche suonare le note basse di un liuto policorale rinascimentale o barocco. Anche i suoi arrangiamenti erano adattati a questo strumento. L'editore Gómez documenta meticolosamente le deviazioni dai manoscritti di Tomás. Nella maggior parte dei brani, una corda è riaccordata (fa diesis invece di sol, re invece di mi, persino sol invece di la). Non ci sono praticamente lacune nelle diteggiature. Il commento è in inglese e spagnolo. Chiunque si diverta a interpretare la musica per liuto e pianoforte con la chitarra sarà ben servito da questa antologia.

L'antologia chitarristica di José Tomás, Arrangiamenti per chitarra sola di José Tomás, a cura di Pedro Jesús Gómez, ECH 2725, € 22,50, Editions Chanterelle (Schott), Mainz

Ingo Bredenbach, l'organista della Stiftskirche di Tubinga, rende possibile Le lezioni di pianoforte di Johann Sebastian Bach profondi approfondimenti sul suo sviluppo compositivo. Al centro ci sono le opere per strumenti a tastiera che hanno accompagnato l'intero sviluppo della creatività di Bach, dallo studio autonomo all'attività principale di insegnante d'organo più importante della sua epoca. Il punto di partenza di Bredenbach sono le copie di due opere per organo di Jan Adam Reincken e Dieterich Buxtehude, che egli studiò per acquisire la conoscenza dell'armonia e alcune licenze contrappuntistiche. Nella prima metà della sua vita, Bach arricchì queste conoscenze di base, influenzate dalla Germania settentrionale, con lo studio della musica italiana, in particolare del concerto italiano, per poter poi trasmettere le sue esperienze ai suoi numerosi apprendisti. Lo studio di Bredenbach ripercorre in dettaglio la carriera musicale di Bach come una lezione che dura tutta la vita, dall'apprendimento all'insegnamento.

I punti di forza di questo studio basato sulla pratica risiedono nei dettagli analitici che un organista che voglia improvvisare nello stile di Bach deve "cogliere". Più problematica è la considerazione talvolta selettiva della letteratura esistente. A volte vengono proclamate intuizioni che sono già state pubblicate da tempo altrove. All'autore è mancata la mano organizzatrice di un maestro come Bach, che lo avrebbe aiutato a implementare in modo coerente un concetto chiaro dalla ricchezza di informazioni complesse presenti nel libro, in modo da separare il fondamentale dal particolare e l'importante dal banale. Tuttavia, se volete imparare qualcosa di essenziale sulla musica di Bach, fareste bene a prendere il libro di Bredenbach, che vale la pena di leggere, e gli spartiti di tutte le opere trattate.

Ingo Bredenbach: Le lezioni di pianoforte di Johann Sebastian Bach. Bach come allievo e insegnante, 519 p., € 59,00, Bärenreiter, Kassel 2024, ISBN 978- 3-7618- 2617-1

Il compositore ginevrino Gasparo Fritz (1716-1783) divenne particolarmente noto per la sua musica da camera. Proveniva da una dinastia musicale, ricevette una profonda educazione musicale e studiò violino in Italia con Giovanni Battista Somis, allievo di Arcangelo Corelli. Si può dire che l'influenza italiana dell'autore è chiaramente percepibile anche nel suo stile e si nota nel disegno melodico e nella chiarezza strutturale delle sue opere.

Pubblicato da Michael Biehl e Claire Genewein in collaborazione con Peter Schmid, il libro VI Sonata a Violino o Flauto Traversiere solo col Basso op. 2 sono tra le opere più importanti del compositore. Gli esecutori possono scegliere tra violino e flauto come strumenti solisti. In alcuni passaggi vengono fornite versioni alternative a seconda dello strumento.

Carattere

Nicola Schneider spiega nella prefazione che il concetto di rococò musicale si applica senza dubbio a queste sonate. Esse manifestano spesso una forma di eleganza che è considerata caratteristica della fase di transizione verso il periodo classico. Il rigore formale barocco si combina con linee galanti, melodie chiare e interazioni dialogiche. Il flauto è spesso condotto in un vivace dialogo musicale con la voce di basso, con una spiccata sensibilità per le linee cantabili, ad esempio nell'Andante della prima sonata.

Tutte le sonate di Gasparo Fritz presentano elementi galanti, ad esempio nell'ornamentazione, nella leggerezza, nei ritmi di danza e in una certa grazia. Inoltre, la coloritura è creata dai numerosi ornamenti scritti e da una cadenza composta più lunga nell'Adagio della seconda sonata. I rapidi cambi di effetto e la varia articolazione hanno spesso l'effetto narrativo di una storia con molte sfaccettature. I modelli di movimento sono per lo più in tre movimenti e talvolta conducono a un movimento finale giocoso con variazioni virtuosistiche, come nella quarta sonata.

Echi

Due significativi parallelismi con altre sonate per flauto, che durano per diverse battute, sono sorprendenti: Le prime battute dell'Andante della quarta sonata sono simili al tema iniziale della Sonata in si minore BWV 1030 di Johann Sebastian Bach e nel Largo cantabile della seconda sonata è udibile l'eco del Siciliano della Sonata per flauto in mi bemolle maggiore BWV 1031 attribuita a Carl Philipp Emanuel Bach.

Situazione di partenza

La prima pubblicazione di queste sonate a presentare un continuo sospeso è stata l'opera di Frank Martin. L'intenzione di Michael Biehl con la sua realizzazione del continuo è quella di dare a un pubblico più ampio l'opportunità di interpretare l'opera e sottolinea che questa è solo una possibilità e che le figure non possono essere state scritte da Gaspard Fritz, ma dal suo editore, poiché non esiste alcun autografo delle sonate.

La ricca edizione pubblicata da Schmid & Genewein a Zurigo si basa sulla stampa originale con parte superiore e basso figurato, conservata presso la Zentralbibliothek Zürich, e ne adotta anche le indicazioni dinamiche. Include come partiture la parte superiore con la parte continua stabilita da Michael Biehl e, in accordo con l'originale, la parte superiore con il basso figurato, anche in due copie per la comodità degli interpreti. Un dettagliato rapporto critico con numerose note sulle sonate completa questa nuova edizione, che è riuscita sotto ogni aspetto.

Gasparo Fritz: VI Sonate a Violino o Flauto Traversiere solo col Basso, a cura di Michael Biehl e Claire Genewein, SG010, Fr. 54.00, Schmid & Genewein, Zurigo

Alcuni sostengono che l'heavy metal sia vicino alla musica classica. Probabilmente questo varia da caso a caso. In ogni caso, il virtuosismo sullo strumento o nella voce si ritrova in molti gruppi metal. Inoltre, molti dei musicisti di questa scena a volte divertente hanno seguito una formazione professionale.

Il tastierista Thomas Hiebaum si considera il compositore della band symphonic metal argoviese Deep Sun, che esiste ormai da quasi 20 anni. Nel loro nuovo album, il quintetto mescola Cantastorie tutti i tipi di cose insieme. Qui la chitarra tipicamente metal distorta con i suoi riff ritmici duri e la batteria con i suoi veloci attacchi di basso. Poi ci sono i suoni densi delle tastiere, che spesso ricordano un'orchestra d'archi, e la voce alta da soprano di Debora Lavagnolo, che si muove sempre in melodie sostenute.

Lavagnolo scrive i testi da solo. Si tratta di misticismo, del "trionfo della rinascita", di "storie di foreste o di laghi" o della "forza inconfutabile delle donne". Si sospetta che un certo pathos, che probabilmente è inscritto nel metal sinfonico, non sia lontano e si realizza anche sotto forma di densi ammassi sonori, che sono anche pesantemente costruiti con molto riverbero e compressione. Quindi: ci sono molti intermezzi virtuosi da parte del chitarrista e del batterista; anche molti episodi per cantare insieme e inviti a ondeggiare con un "fattore di benessere". Ma a un certo punto si pensa: un po' meno di tutto avrebbe probabilmente fatto bene alla fine.

Deep Sun: Storyteller. Disco Power Blasts

Gli accordi che si susseguono con tanta regolarità sembrano familiari eppure non lo sono, soprattutto nella loro sequenza. Passano attraverso i minuti, cambiando costantemente, a volte di più, a volte di meno, ma non per compiacere le sfumature. A volte i suoni si bloccano nel tempo, altre volte ci sorprendono con colpi di scena, poi tornano a essere costanti; il serpeggiare e il progredire non sono più opposti. Eccetera. Qualcosa di simile si potrebbe dire di molti brani del compositore di Aarau Jürg Frey, come il secondo album di musica per pianoforte registrato dal pianista olandese Reinier van Houdt (Compositore, da solo; Elsewhere Music, 3 CD).

Ma la voce umana aggiunge una qualità diversa: qualcosa di caldo, leggermente instabile e più vivace. Il brillante ensemble vocale londinese Exaudi, fondato nel 2002 e specializzato in nuova musica, ha ora registrato sei opere di Frey. La maggior parte di esse risale all'ultimo decennio e tuttavia, nonostante la loro uniformità stilistica, mostrano una certa diversità. Per esempio nella scelta dei testi, che vanno da una sua poesia a poesie dell'Estremo Oriente e a Emily Dickinson. Il colore armonico e vocale cambia in ogni brano. Alcuni movimenti sono luminosi come il giorno, altri sono ombreggiati, persino con una certa penombra. A volte si tratta di suoni che penetrano solo debolmente nell'orecchio, ma che lì dispiegano il loro dolce splendore. Un minimo di enfasi, che si presenta raramente, ha già un grande effetto. Sì, a volte si avverte anche una certa spiritualità, come una focalizzazione su un punto esterno. E tra l'altro, diventa chiaro quanto lontano abbiano viaggiato questi suoni esteriormente poco appariscenti: Non si sentono solo a Londra, ma anche a Montreal, New York, Tokyo e ovunque: l'umile, il solitario, il solitario diventa - ancora una volta - cosmopolita.

Jürg Frey: Voci. Exaudi Vocal Ensemble; diretto da James Weeks. Nuovi dischi