Passo dopo passo sulla batteriaIl volume 1, di Marco Kurmann, è molto accattivante, interessante e adatto ai bambini grazie alle numerose illustrazioni in stile fumetto. Guida alunni e insegnanti in modo mirato. Il sussidio didattico è stato concepito come guida per le lezioni della scuola di musica e non contiene volutamente spiegazioni e pochissimo testo. In questo modo, l'autore permette agli insegnanti di incorporare le proprie idee e i propri contributi. Nelle pagine c'è anche molto spazio per questo.

Dopo una breve panoramica su cosa comporta il primo passo, si inizia con note in quarto e ottavo sul rullante. Gradualmente si aggiungono vari groove con note in ottavo e presto anche i tom. Nel mezzo, ci sono brevi sezioni di teoria in cui vengono inserite le risposte alle rispettive domande e c'è spazio per le vostre aggiunte.

Nei cinque passi del volume 1, gli studenti imparano a conoscere i singoli strumenti del drum set, ad affrontare i termini musicali di base e ad apprendere le note dall'intero alle figure di quattro sedicesimi. Assoli di batteria, duetti di rullante e duetti di batteria concludono ogni fase. I file audio dei brani possono essere scaricati in versione integrale o come click track dal sito web dell'autore. I duetti sono disponibili anche con la prima o la seconda voce separatamente e in due tempi diversi.

Grazie al riuscito mix di una sensibile progressione ritmica e di numerose battute che aumentano di difficoltà, questo sussidio didattico offre una struttura chiara e strutturata, oltre a un apprendimento stimolante e vario. In 20 passi, suddivisi in quattro volumi Passo dopo passo sulla batteria la formazione di base ideale nei primi quattro-sei anni di lezioni di batteria.

Marco Kurmann: Step by Step on Drums, Leitfaden für den Schlagzeugunterricht, Volume 1, 98 p., € 24,00, Leu-Verlag, Neusäss, ISBN 978-3-89775-189-7

Dobbiamo questo enorme lavoro d'amore all'insegnante di violino rumeno Petru Munteanu. In 442 pagine ha raccolto le affermazioni più importanti di tutte le scuole di violino pubblicate, in modo chiaro e con molti esempi musicali e illustrazioni. Attualmente insegna presso il Centro Leopold Mozart dell'Università di Augusta. È quindi naturale che il libro di Leopold Mozart Scuola di violino approfondita è al centro delle edizioni del 1769 e del 1789. Gli altri libri di testo vengono confrontati con essi. Si scopre che Leopold Mozart aveva previsto nei minimi dettagli molte cose che sono valide ancora oggi.

Munteanu delinea le peculiarità di ogni scuola violinistica presentate in riquadri grigi, il che è molto utile per le innumerevoli e altrimenti ripetitive opinioni dei vari insegnanti. Particolarmente interessante è la descrizione della scuola di Carl Guhr, che ha evidenziato in modo oggettivo e dettagliato le peculiarità violinistiche del modo di suonare di Paganini ed è stato persino in grado di creare una versione di Nel cor più non mi sento di Paganini.

Nel sesto capitolo, a cui si fa spesso riferimento, "L'insegnamento del violino e le scuole di violino oggi", Munteanu pone tre domande a cui cerca di rispondere con l'aiuto di citazioni di esperti (Seiffert, Seling, Eberhardt, Kolneder, Hausegger, Flesch, Galamian...): Chi, cosa e come dobbiamo insegnare? Ho trovato solo alcune riflessioni stimolanti, ma una centrale è quella di Carl Adolf Martienssen in risposta alla terza domanda: Nell'apprendimento del linguaggio, ogni bambino è un "bambino prodigio". "Il complesso del bambino prodigio è psicologicamente l'immediato orientamento della volontà della sfera uditiva verso l'obiettivo sonoro... dello strumento da suonare...". Questo dovrebbe ispirare ogni insegnante a utilizzare questa importante scatola nera!

Petru Munteanu: I segreti del violino da 500 anni, la scuola di violino di Leopold Mozart nel contesto delle tradizioni di insegnamento del violino, 442 p., € 49,80, Wissner, Augsburg 2023, ISBN 978-3-95786-306-5

Nuove melodie klezmer è già il terzo volume di brani klezmer per clarinetto di Joachim Johow, nato a Berlino nel 1952. In questa raccolta, composta da 16 composizioni originali, l'autore si rifà alla tradizione dei musicisti itineranti ebrei che suonavano in occasione di matrimoni e altre celebrazioni, unendo nei brani la gioia di fare musica alla vita quotidiana. Ciò è visibile in titoli pittorici come Al mattino nel vicolo, In fiera, Preoccupazioni, Nel caffè, La sera ecc.

I brani presentano diversi gradi di difficoltà. Alcuni hanno una gamma e un ritmo relativamente facili, altri si collocano nel livello medio di difficoltà con ritmi più impegnativi. Molti brani utilizzano solo la gamma del clarinetto basso e medio fino a un massimo di tre note di Do.

Come nelle sue composizioni precedenti, Johow giustappone melodie soul, lente e per lo più in tonalità minore a pezzi veloci, danzanti e giocosi. Il compositore utilizza diverse variazioni in minore e gioca con le possibilità espressive dell'eccessivo salto di seconda. Alcuni ornamenti come trilli, rimbalzi e suggestioni sono già presenti nel testo musicale, ma c'è ulteriore spazio per la composizione personale.

L'edizione pubblicata da Schott nella collana World Music comprende la parte per clarinetto e l'accompagnamento per pianoforte. Inoltre, i file audio di tutti i brani, ciascuno con una registrazione completa e solo l'accompagnamento, possono essere scaricati con un codice o utilizzati gratuitamente sui portali di streaming. Le registrazioni sono ben curate e riprodotte musicalmente, anche se potrebbero essere arrangiate un po' più liberamente per adattarsi allo stile musicale, in modo da fornire agli alunni ulteriori spunti interpretativi. Gli accompagnamenti al pianoforte per la maggior parte dei brani possono essere eseguiti bene anche da studenti di pianoforte (o da insegnanti di clarinetto). Inoltre, per tutti i brani sono riportate le armonie.

Il Nuove melodie klezmer si prestano bene come brani per arricchire le lezioni e per i concerti degli studenti o altre esibizioni.

Joachim Johow: New Klezmer Tunes, 16 pezzi per clarinetto, ED 23389, € 20,50, Schott, Mainz

Due musiciste che si conoscono da tempo sono responsabili di queste nuove scoperte di opere di Benedetto Marcello (1686-1739) che vale la pena ascoltare. Il soprano Nuria Rial e la direttrice d'orchestra Nicoleta Paraschivescu si sono conosciute naturalmente a Basilea: l'una ha studiato all'Università della Musica, l'altra con Andrea Marcon alla Schola Cantorum Basiliensis, dove ha fondato il suo ensemble La Floridiana nel 2011. Entrambi amano esplorare la musica barocca, dove il bacino musicale sembra inesauribile.

Un prezioso manoscritto decorato con disegni costituisce il punto di partenza per la registrazione delle cantate; appartiene alla Collezione Schneider-Genewein di Zurigo. Un colpo di fortuna per Paraschivescu: "Queste cantate non sono mai state registrate prima. In totale sono documentate circa 400 cantate solistiche di Marcello, molte delle quali in diversi manoscritti e in diverse biblioteche. Ma questo manoscritto in particolare contiene due pezzi unici. Questo manoscritto è speciale anche perché è molto elegante ed elaborato, con iniziali dipinte".

L'entusiasmo e il legame con la musica di Marcello sono inconfondibili nelle interpretazioni. La musica è colorata e molto agile. La sequenza di opere scelta è entusiasmante e vincente, poiché la sinfonia e le cantate si alternano, rendendo il tutto ancora più vivace. Anche le cantate sono piene di emozioni. Ti sento Amor, ti sento è un brano dal carattere tipicamente lamentiano, nel quale Qual turbine improvviso Al contrario, dominano la tempesta e la rabbia selvaggia.

La piena ricchezza di questa musica si dispiega nell'armonia del soprano argenteo e perfettamente diretto di Nuria Rial e del ritmo incalzante e ricco di sfumature dell'Ensemble La Floridiana. L'effetto spaziale dell'acustica completa la registrazione.

Benedetto Marcello: Sinfonias & Cantatas, La Floridiana, Nuria Rial, Nicoleta Paraschivescu. Harmonia Mundi tedesca 196587106829

Laurent Menager (1835-1902) è il più noto compositore del XIX secolo proveniente dal Granducato di Lussemburgo. Studiò con Ferdinand Hiller a Colonia, poi tornò a Pfaffenthal, un piccolo quartiere nella parte bassa della città di Lussemburgo, dove lavorò come organista, insegnante di musica e direttore di coro per tutta la vita. Fu determinante per la fondazione della Società Generale di Musica del Lussemburgo (oggi Union Grand-Duc Adolphe), di cui divenne direttore del coro nel 1891.

La sua opera comprende principalmente composizioni vocali (canzoni, operette) e un quartetto d'archi, oltre a una Prière du Soir per violoncello e pianoforte. Le sue canzoni rafforzano l'identità culturale del "Lëtzebuergesch", la lingua nazionale ufficiale del Lussemburgo, che oggi cede sempre più il passo al francese nella vita quotidiana.

Uomini Parafrasi per corde sulla mélodie "Kuck Friêmen op d'Kârt op. 45 è disponibile come autografo firmato e viene qui pubblicato in un'unica edizione dal volume 6 dell'edizione critica completa delle sue opere. Dopo una breve introduzione drammatica, simile a un recitativo, in mi minore, il violoncello introduce il tema della canzone in sol maggiore. Gli altri archi prendono il comando e continuano a modulare il filo conduttore fino alla veloce sezione finale di sei ottave in mi maggiore con un finale groovy.

Il livello di difficoltà per gli esecutori è medio, anche una strumentazione da orchestra da camera è concepibile, eventualmente con passaggi solistici.

Questa breve parafrasi di una canzone è certamente una divertente aggiunta al repertorio! E un'escursione culturale in un'area linguistica che altrimenti ci appare come un punto vuoto sulla mappa musicale. Il testo della canzone di Michel Lentz, il poeta dell'inno nazionale lussemburghese, recita: "

Kuck, Friêmen, op d'Kârt an da fens dû e Land,
'T stêt Letzebur'g driwer geschriwen;
Poi arrivo nel mondo dove sono un bambino
Il mio nome è Joere bliwen.

E traduce: "Guarda, straniero, sulla carta geografica, troverai un Paese,/C'è scritto Lussemburgo dappertutto/Ecco dove sono nato e dove sono rimasto da bambino/Molti anni bellissimi".

Laurent Menager: Paraphrase pour cordes sur la mélodie "Kuck Friêmen op d'Kârt" op. 45, per 2 violini, viola, violoncello e contrabbasso, partitura con parti, EM 2632, € 24,90, Merseburger, Kassel

Troppo raramente le partiture dei film vengono stampate. Eppure tali partiture sono estremamente utili per studiare i dettagli della composizione, che spesso è acusticamente relegata in secondo piano, al di là delle "suite" liberamente compilate. Ciò è particolarmente gratificante quando la musica si rivela suggestiva e indipendente. Ad esempio, le musiche composte da Bernard Herrmann (1911-1975) per il geniale thriller di Alfred Hitchcock, condite da una sottile ironia. A nord di nord-ovest (1959).

Le prime battute sono già formative: un ritmo di fandango nei timpani (leggibile come 6/8 in tempo doppio), cui risponde una nota sincopata alternata negli archi bassi (in tempo doppio come 3/4). L'ouverture descrive la pulsazione della grande città, successivamente la corsa sfrenata su una strada costiera. Ritmi, temi, intrecci armonici e timbri percorrono l'intero film come leitmotiv - e quindi unificano la sequenza quasi ininterrotta di scene drammatiche, la cui causa scatenante è apparentemente datata al 24 novembre 1958 nel film dall'inserimento di un numero di La stella della sera del giorno successivo (per inciso, anche se graficamente alterato, con un titolo autentico). La leggendaria scena del campo di grano è completamente priva di musica (e per un tratto mozzafiato anche di parlato).

La partitura stampata comprende anche tutti quei numeri che nel film sono stati (per buone ragioni) omessi o accorciati. Un'analisi descrittiva in venti pagine rende la partitura comprensibile anche ai cinefili. Sarebbe auspicabile una continuazione con altre leggendarie partiture di Herrmann, ad esempio di Vertigine o Psico.

Bernard Herrmann: North by Northwest (1959), partitura, Omni 50791, XX+211 p., € 79,00, Omni Music Publishing/Schott, Los Angeles/Mainz 2022, ISBN 978-1-73450-791-1

La conoscenza della musica è il lavoro di una vita. Chi conosce bene tutte le epoche, chi conosce l'opera di un compositore nella sua interezza, chi conosce i confini dei generi e può fornire informazioni simili su Duke Ellington, Def Leppard o Johann Sebastian Bach? Alla luce della diversità, è bene iniziare dalle basi, da quei fondamenti che Il libro di teoria pratica per le lezioni di musica pubblicato per la prima volta nel 1997 dall'insegnante di musica Emil Wallimann, ora in pensione, e dal bandleader e music coach Peter Wespi.

Piattaforma di apprendimento

Dal 2015, entrambi gli esperti promuovono una piattaforma di e-learning a corredo del libro, disponibile all'indirizzo www.musikwissen.ch. Il pubblico a cui si rivolge il libro è costituito - secondo quanto si legge nel libro stesso - da "studenti delle scuole elementari, ma anche da futuri direttori d'orchestra o insegnanti di musica". Chiunque studi gli esercizi troverà altri "clienti": oltre ai candidati a un'accademia musicale o ai dilettanti o ai pensionati interessati, ci sono anche redattori musicali di lunga data o giornalisti musicali che potrebbero voler rispolverare le loro conoscenze teoriche. Ebbene, cos'era quella storia della confusione enarmonica? Dov'erano i passi di semitono nel modo Mixolydian? Oppure: che suono ha la scala bebop in chiave minore?

Si vede che i due educatori di lunga data hanno esperienza nell'insegnamento. E fanno un uso fantasioso delle diverse possibilità digitali-interattive: Il sito web e le rispettive pagine sono di una chiarezza rinfrescante e senza fronzoli. Ci sono esempi audio (consigliamo in particolare l'allenamento dell'orecchio sotto il titolo "Eartraining"), ci sono semplici domande a scelta multipla e ci sono anche testi continui da completare. Una volta completata un'unità di apprendimento, si passa all'esercizio successivo. I progressi sono rapidi e motivanti; una rapida occhiata al libro o i link a brevi video informativi vi aiuteranno se vi bloccate.

Approfondimenti sulla storia della musica

La piattaforma è suddivisa in quattro livelli di difficoltà. Una volta completato tutto con un segno di spunta verde, si è già raggiunta una base molto solida negli aspetti della notazione musicale, del ritmo, dello strumento, della teoria dei generi e delle forme e dell'armonia. Gli esempi illustrativi forniscono al discente molti spunti di storia della musica en passant, che possono ovviamente essere approfonditi. Si accenna brevemente alla musica extraeuropea e ai secoli XX e XXI, in cui i compositori hanno consapevolmente abbandonato le conoscenze musicali tradizionali e gli elementi tradizionali come il circolo delle quinte, il rondò o la forma sonata.

In un'epoca di palese perdita di educazione musicale, questa piattaforma di apprendimento, perseguita e costantemente aggiornata, rimane un'iniziativa estremamente utile!

musik-wissen - facile da imparare. Offerte e condizioni per utenti singoli, scuole, istituzioni e organizzazioni con libro di lavoro stampato, eBook multimediale o e-learning a: musikwissen.ch/offerta

Molti violinisti conoscono e amano l'opera di Telemann 12 fantasie La continuazione, TWV 40:26-37, è nota solo ai suonatori di viola da gamba, oggi una minoranza. La viola da gamba stava già passando di moda all'epoca di Telemann, che per questo motivo nel 1735 aggiunse alle sue 12 fantasie per violino una grande quantità di sofisticazioni per attirare gli acquirenti: accordi spezzati e passaggi, scrittura monofonica e polifonica sia in stile fugale che galante.

Viacheslav Dinerchtein ha adattato le Fantasie per viola per Amadeus-Verlag già nel 2019. Nel 2022 è seguito un arrangiamento del compositore inglese Brian A. Schiele. Ognuna di queste opere vivaci è composta da due o tre movimenti, e tutte le fantasie dispari contengono un fugato pieno di sorprese. Alcuni movimenti ricordano danze come Allemande, Gavotte, Courante, Bourrée, anche se non sono mai etichettati come tali. Altri sono contemplativi e polifonici o gioiosamente virtuosistici. Ogni tonalità che si trova bene ricorre una volta: Otto sono nel circolo delle quinte in maggiore, da Mi bemolle a Mi, quattro in minore, da Do a Mi. Poiché la viola da gamba ha sei corde accordate in quarta ottava e una gamma più ampia nel registro inferiore, è necessario accettare le ottave sulla viola e spezzare o assottigliare gli accordi. Schiele lo ha fatto abilmente, ma nella prefazione raccomanda di consultare il facsimile (l'edizione stampata in Edition Güntersberg/Walhall G281 o online).

Georg Philipp Telemann: Fantaisies pour la Basse de Violle TWV 40:26-37, 12 fantasie arrangiate per viola da Brian A. Schiele, EW 1150, € 18,50, Edition Walhall Magdeburg

La Pentecoste, il cinquantesimo giorno dopo la Pasqua, ha sempre affascinato e ispirato molti compositori con il miracolo delle lingue e l'invio dello Spirito Santo. Con Musica per lo spirito è il primo libro corale su questo tema pubblicato dal compositore, direttore d'orchestra e musicista ecclesiastico tedesco-inglese Stephen Harrap con Breitkopf und Härtel.

La collezione per coro misto a cappella o con accompagnamento d'organo è un vero tesoro e contiene oltre 500 anni di musica corale di importanti compositori europei. Una certa attenzione al repertorio è rivolta alla musica corale inglese. È stata inoltre prestata attenzione alle diverse durate, ai livelli di difficoltà e alla strumentazione (da 3 a 8 voci) dei brani. Altamente raccomandato!

Musica per lo spirito. Chorbuch zu Pfingsten & anderen Anlässen, a cura di Stephen Harrap, ChB 5384, € 26,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

È generalmente noto che Vladimir Horowitz, il leggendario pianista, interpretava spesso il testo musicale in modo molto personale e non lesinava interventi. Nell'opera di Mussorgsky Immagini di una mostra Il movimento del pianoforte corrispondeva alla sua concezione più orchestrale del suono. La Seconda Sonata per pianoforte di Rachmaninov o la Valzer di Mefisto che suonava nelle sue versioni private. Per non parlare delle numerose trascrizioni per pianoforte, che testimoniano anch'esse il suo temperamento creativo e hanno costituito parte della sua fama.

Tuttavia, anche i fan più accaniti potrebbero rimanere sorpresi nell'apprendere che Horowitz, a quanto pare, da adolescente era anche un ambizioso compositore e scrisse un'intera serie di opere originali per pianoforte. Tuttavia, quando la Rivoluzione russa raggiunse Kiev e la sua famiglia ne soffrì molto, dovette rinunciare a questo sogno. Cercò quindi di intraprendere la carriera di pianista per poter almeno sostenere economicamente la sua famiglia. "Se la rivoluzione non si fosse accanita sulla sua famiglia e non lo avesse costretto a dare concerti, probabilmente il mondo avrebbe conosciuto un Horowitz diverso", ha detto la sua ex compagna di classe Vera Resnikov.

Quando in seguito Horowitz veniva interrogato sulle sue composizioni in Occidente, rispondeva sempre che i manoscritti erano rimasti in un luogo segreto in Russia. Solo nel 1986, quando finalmente poté tornare in patria, ricevette gli spartiti. Schott Music si è ora prefissata il compito di pubblicare queste opere finora sconosciute come parte della Horowitz Edition.

Di seguito è riportato Frammento douloureux op. 14, probabilmente l'ultima composizione scritta a Kiev. Il brano è composto da sole 73 battute e inizia "lento, lugubre, misterioso" come una sorta di marcia funebre in tempo 3/4. I motivi sospirati e gli arpeggi che seguono ricordano fortemente Rachmaninov, mentre i numerosi trilli a partire dalla battuta 27 ricordano maggiormente la scrittura di Scriabin. Con un costante aumento del tempo e della dinamica, il brano raggiunge il suo culmine alle battute 47/48 e da quel momento in poi ritorna gradualmente all'atmosfera dell'inizio "poco a poco a tempo lento". (Presumibilmente qui va aggiunto anche un diminuendo).

Nella sua brevità, questo Frammento douloureux una sorta di dramma in miniatura. La scrittura pianistica è piuttosto impegnativa e può essere padroneggiata solo da mani grandi. Le possibilità dello strumento sono sfruttate con grande abilità. Horowitz ha dedicato l'opera al suo insegnante di pianoforte Felix Blumenfeld, a sua volta grande pianista e compositore.

Vladimir Horowitz: Fragment douloureux pour piano, The Horowitz Edition, ED 23085, € 12,00, Schott, Mainz

Da oltre dieci anni, il nome di Sarah Chaksad è sinonimo di jazz ricco di motivi concisi, suoni sommessi e ritmi complessi. Fino alla pandemia di coronavirus, la sassofonista, compositrice e bandleader era principalmente in viaggio con la sua "Orchestra", con la quale ha anche pubblicato due album. Per il suo ultimo lavoro, InsiemeOra ha ridotto il suo ensemble a 13 musicisti invece di ampliarlo. Secondo la quarantenne, la formazione attuale è quindi più flessibile e gode di maggiore spazio per l'improvvisazione.

Strumenti rari, metri dispari

In un'intervista rilasciata all'autrice di queste righe nel 2022, Chaksad ha spiegato che il suo obiettivo è continuare a svilupparsi e che la musica le serve come luogo di forza. Entrambe le cose si riflettono nei suoi dieci nuovi brani. La maggior parte delle composizioni è stata innescata dalla morte del padre, originario dell'Iran. Questo l'ha portata ad approfondire la musica tradizionale persiana. Di conseguenza, ha ampliato il suo suono dinamico con strumenti come l'eufonio, il trombone a valvole e il violino persiano, poco conosciuti nel jazz.

Inoltre, quasi tutti i brani di Insieme si basano su metri dispari. Mentre il gioco Immaginare la pace La traccia che dà il titolo all'album presenta un tempo di 13/8, mentre l'atmosferica title track utilizza un tempo di 5/8 ed è particolarmente affascinante grazie all'assolo soul di Misagh Joolaee sul kamanche, un violino a punta. Numeri come l'elegiaco Lettere d'amore o l'impertinente Persoche si ispira alla vita da genitore a Berlino, sono fantasiosi, ispirati e ti rimangono impressi.

In definitiva, l'album si caratterizza per la profondità della messa a fuoco, i diversi colori sonori e gli accurati contributi solistici. Sarah Chaksad desidera Insieme La musica del gruppo è ricca di curiosità e passa da un genere all'altro, il che è facile da capire.

Sarah Chaksad Grande ensemble: Insieme. Batti le mani CYH

Formazione: Yumi Ito (voce), Hildegunn Øiseth (tp, corno di capra), Paco Andreo (vtb), Lukas Wyss (tb), Sophia Nidecker (tuba), Catherine Delaunay (corno di bassetto), Christoph Bösch (flauto), Fabian Willmann (ts), Julia Hülsmann (p), Fabio Gouvea (g), Dominique Girod (b), Eva Klesse (dr), Misagh Joolaee (kamancheh), Sarah Chaksad (ss, as, comp)

La Svizzera ha molto da offrire nel campo della musica corale grazie alle sue diverse lingue nazionali e alle aree culturali associate. La federazione svizzera Europa Cantat ha colto l'occasione per pubblicare un libro corale compatto con Carus-Verlag, che mira a riflettere questa diversità e a farla conoscere meglio a livello internazionale. Un'impresa impegnativa.

Il risultato è un'interessante raccolta di 28 brani di varia lunghezza e difficoltà per coro misto a cappella in tutte le lingue nazionali, oltre che in inglese e latino. Sono presenti brani di canzoni popolari, opere di compositori noti e meno noti della scena corale svizzera, brevi pezzi delle "star" Heinz Holliger e Beat Furrer e le ultime composizioni della generazione più giovane, tra cui quattro compositrici.

Oltre a opere veramente originali e raccomandabili, il suono morbido, ormai diffuso e orientato alle vendite, con gli stessi vecchi accordi coccolosi, trova spazio anche nella musica corale. Forse sarebbe valsa la pena di dare un'occhiata ai grandi veramente rappresentativi come Willy Burkhard, Adolf Brunner, Arthur Honegger o Frank Martin. Tuttavia, i codici QR per la pronuncia dei tre brani retoromani e le belle registrazioni di tutte le opere su CD con il Coro Giovanile Svizzero sono utili aggiunte.

Musica corale svizzera, Chorbuch Schweiz (SATB), a cura di Patrick Secchiari e Johannes Meister; Carus, Stoccarda.

Ordini dalla Svizzera tramite Edizioni Henry Labatiaz: Libro di cori CV 2.305/10, Fr. 23.00; libro di cori con CD, CV 2.305.00, Fr. 37.00 (prezzi più vantaggiosi e speciali per i soci SFEC)

"Sforzatevi di suonare bene e splendidamente i pezzi facili, è meglio che eseguire mediocremente quelli difficili". Un consiglio di Robert Schumann tratto dal suo Casa musicale e regole di vita potrebbe essere una linea guida per questo splendido CD, pubblicato dall'etichetta austriaca Gramola. Il ventottenne pianista georgiano Giorgi Iuldashevi, che ha studiato a Zurigo e vi risiede, non solo ha suonato i noti brani di Schumann tratti dal Album per i giovani ma anche molti altri brani che potrebbero essere familiari allo studente di pianoforte: Estratti da Per i bambini di Belá Bartók, dalla raccolta Játékok di György Kurtág o pezzi pedagogicamente motivati di Sergei Prokofiev o Peter Tchaikovsky. Meno comuni, ma non meno attraenti per l'orecchio e le dita, sono i 12 brani del compositore Nodar Gabunia, nato a Tbilisi nel 1933: Dal diario di un allievo.

Sì, sembra un gioco da ragazzi - e non è affatto adatto a un pianista professionista che ha debuttato a 12 anni con il difficile Concerto per pianoforte e orchestra K. 466 in re minore di Mozart. Ma, parola chiave Mozart: la semplicità ha le sue insidie. E Giorgi Iuldashevi non solo le padroneggia, ma dimostra anche una rara gamma di espressioni musicali in questi brani così diversi. Anche il familiare appare fresco nelle sue interpretazioni, anche perché non cade mai in una distanza superiore o in un inutile romanticismo. Iuldashevi mantiene l'equilibrio, e sempre in modo emozionante. Guarnisce Bartók con umorismo, Tchaikovsky con la necessaria serietà in alcuni punti, e soprattutto i tempi e il flusso naturale dei pezzi di Robert Schumann sono ispirati.

Se siete (o eravate) pianisti, sentirete immediatamente l'impulso di provare di nuovo molte belle miniature. Ma questo CD è anche semplicemente un bene per l'ascoltatore: nel suo tono discreto, in questa espressione che non ha nulla del gioco muscolare teso che è purtroppo comune tra i virtuosi del pianoforte.

Semplicità. Giorgi Iuldashevi interpreta opere di Gabunia, Bartók, Kurtág, Prokofiev, Tchaikovsky e Schumann. Gramola 99291

Jean Sibelius sarebbe d'accordo con la pubblicazione di questi primi lavori? Le dichiarazioni che il compositore fece in vecchiaia sui suoi manoscritti di musica da camera, allora perduti o non pubblicati, variano. Si parla di "bruciare", un'altra volta disse: "Era il tempo in cui ci si sviluppava".

Prima e durante il periodo studentesco, Sibelius componeva ogni estate un trio per pianoforte per i suoi fratelli e li eseguiva durante le vacanze con parenti e amici. Egli stesso suonava la parte del violino. I nomi dei luoghi "Havträsk" e "Korpo" risalgono a questa genesi, ma non provengono dal compositore. Tra il 1883 e il 1888 furono composti cinque trii in più movimenti, nessuno dei quali fu stampato durante la vita di Sibelius. In seguito non compose più opere per questa strumentazione. I suoi eredi hanno donato i manoscritti dei due attuali trii per pianoforte alla Biblioteca Nazionale di Finlandia nel 1982.

I curatori Folke Gräsbeck e Anna Pulkkis hanno preparato meticolosamente queste fonti nel 2021. Il resoconto critico in entrambi i volumi è esteso quasi quanto il testo musicale. Ci sono persino due versioni del primo movimento del trio "Havträsk". Se ascoltate le interpretazioni in rete, sfoglierete le pagine!

In confronto, il trio più breve Havträsk in la minore (22 minuti) è il brano più orecchiabile ed è completamente dominato dallo spirito del Romanticismo. Pone meno sfide tecniche agli esecutori. Nella più di mezz'ora Corpo-Il secondo trio richiede molto di più; come violinista, Sibelius deve aver fatto molta pratica con Paganini! Questo secondo trio indica il Sibelius successivo. Il secondo movimento in particolare, intitolato "Fantasia", sperimenta colori tonali, tecniche esecutive e armonie. A volte il movimento strumentale appare un po' legnoso, ad esempio quando il pianoforte suona da solo e accompagna la sua melodia con crotchets per lunghi tratti. Tuttavia, quando gli archi subentrano in coppia, si sente il linguaggio tonale delle sinfonie successive. Lì i blocchi formali sembrano molto più coerenti che in questi primi lavori. Il maestro ha davvero compiuto un grande sviluppo!

Tracciare il genio di questo importante sinfonista è probabilmente la giustificazione per esaminare le sue prime opere, anche se non le ha date alle stampe.

Jean Sibelius: Trio in la minore "Havträsk" JS 207, per violino, violoncello e pianoforte, a cura di Folke Gräsbeck e Anna Pulkkis, EB 9448, € 39,90, Breitkopf &Härtel, Wiesbaden

id.: Trio in re maggiore "Korpo" JS 209, EB 9449, € 39,90

Lili Boulanger (1893-1918), dotata di un talento precoce ma affetta da una malattia polmonare cronica, poté studiare composizione con l'aiuto della sorella maggiore Nadia (1887-1979) e fu sostenuta da importanti compositori. Vinse il Prix de Rome all'età di 23 anni. Le sue 50 opere superstiti comprendono cantate corali profane e sacre e persino un'opera incompiuta. Nadia, che fino alla vecchiaia fu una famosa compositrice (Copland, Piazzolla, Glass, Bacewicz...) e insegnante di pianoforte (Lipati), si occupò della diffusione delle opere dopo la morte di Lili.

Di Lili Boulanger sono sopravvissuti quattro brani per violino e pianoforte: D'un matin de printemps (1917/1918), Notturno (1911), Introduzione - Cortège (1914) e Pièce (1910). I redattori usarono le prime stampe come modello per la nuova edizione. Gli autografi e le versioni alternative furono utilizzati solo per chiarire questioni editoriali.

Pièce del diciassettenne è sopravvissuto solo in forma di manoscritto e viene qui riprodotto il più fedelmente possibile. Questo brano mistico e lento, con un accompagnamento pianistico ondeggiante, contiene sorprendenti progressioni armoniche cromatiche, reinterpretazioni enarmoniche e dissonanze colorate. Anche il primo pezzo, il secondo delicato e il terzo flamenco ci hanno incantato durante l'esecuzione. Sono stati eseguiti per la prima volta da Yehudi Menuhin nel 1972.

Lili Boulanger: Die Violinwerke, per violino e pianoforte, a cura di Edmund Wächter e Elisabeth Weinzierl, VLB 232, € 19,50, Schott, Mainz