I locali dell'associazione sono stati originariamente allestiti e attrezzati per le prove dell'ensemble. Oggi, tuttavia, ospita anche 70-80 eventi all'anno con circa 20.000 visitatori. L'infrastruttura sta quindi raggiungendo i suoi limiti da qualche tempo. L'associazione sta investendo un totale di circa un milione di franchi nel suo progetto infrastrutturale, in particolare nel rinnovo dell'infrastruttura tecnica e nella ristrutturazione del foyer.

Altri contributi di investimento dal fondo della lotteria saranno destinati al Festival del cortometraggio di Winterthur (200.000 franchi), all'Incontro teatrale svizzero di Zurigo nel maggio 2018 (80.000 franchi) e agli eventi per i 200 anni di Alfred Escher e Gottfried Keller (39.000 franchi).
 

I Jazzpect integrano i Contributi di Darmstadt alla ricerca sul jazz, una collana di libri che documenta i risultati del Darmstadt Jazz Forum ogni due anni e le Jazz News, una newsletter via e-mail che fornisce informazioni sugli sviluppi attuali del jazz ogni quindici giorni.

Il primo numero della rivista contiene un documentario di Rüdiger Ritter, Krystian Bodacki e Wolfram Knauer con molti facsimili sul II Festival del Jazz di Sopot (Polonia) del 1957, al quale Werner Wunderlich, che all'epoca viveva a Darmstadt, portò in Polonia una delegazione di musicisti jazz di Francoforte guidata da Albert ed Emil Mangelsdorff. L'evento si rivelò il preludio e il nuovo inizio dello scambio culturale tra Germania e Polonia dopo la Seconda guerra mondiale.

Al momento, i contenuti di Jazzpects non sono soggetti a revisione paritaria. I collaboratori del Jazzinstitut sono anche redattori e sono grati di ricevere suggerimenti e proposte per i contenuti futuri. Il numero attuale può essere sempre scaricato in formato pdf all'indirizzo www.jazzpects.de può essere scaricato.

L'ufficio del progetto intende sostenere il discorso e sostenerlo con delle misure. Si basa sul lavoro della tavola rotonda "Donne nella cultura e nei media" organizzata dal Ministro della Cultura, Monika Grütters, e aggiunge ulteriori elementi a questo lavoro. Il progetto si concentrerà sulle industrie culturali e creative.

Diversi moduli intendono contribuire alla qualificazione delle donne nelle industrie culturali e creative e a migliorare la percezione e il marketing nazionale e internazionale delle loro opere. In particolare, verranno affrontati i problemi specifici del settore artistico e le peculiarità della creazione artistica e culturale. La durata del progetto è prevista per tre anni, in modo da poter effettuare una revisione a metà della prossima legislatura. L'ufficio inizierà il suo lavoro a settembre 2017.

Le collezioni di strumenti musicali hanno uno status particolare, in quanto sono gli unici oggetti tangibili della forma d'arte immateriale della musica, accanto ai supporti sonori e agli spartiti. La dimensione storico-culturale del collezionismo di strumenti musicali è stata oggetto del convegno internazionale Passione privata - Sfida pubblica. Collezionare strumenti musicali nel passato e nel presenteche si è svolta dal 9 all'11 maggio 2017 presso il Germanisches Nationalmuseum (GNM) di Norimberga. È stata avviata e organizzata dallo staff del progetto Collezionare strumenti musicali - l'esempio della Fondazione tedesca per la ricerca. La conferenza si è concentrata da un lato sullo strumento come oggetto di memoria culturale e dall'altro sul confronto internazionale tra le collezioni private e i loro musei. Un terzo complesso ha discusso il collezionismo privato e la sua musealizzazione, mentre una sezione conclusiva è stata dedicata alle caratteristiche speciali degli strumenti musicali storici nel contesto della ricerca sulla provenienza.

Nella sua introduzione, FRANK P. BÄR (Norimberga) ha sottolineato le crescenti sfide poste dal passaggio di una collezione privata al dominio pubblico. A partire dagli anni '90, la ricerca non si è concentrata solo sugli oggetti della collezione o sui collezionisti come soggetti di indagine da prospettive psicologiche, antropologiche culturali e filosofiche, ma anche il profilo individuale delle collezioni precedentemente private merita una maggiore attenzione da parte dei musei. Bär ha riassunto in modo schematico le principali differenze tra il collezionismo privato e quello pubblico: i profili divergono notevolmente non solo in termini di acquisizione, conservazione e presentazione, ma anche per quanto riguarda le responsabilità in materia di amministrazione, proprietà, sostenibilità, documentazione, fornitura e conservazione, per non parlare delle possibilità finanziarie e delle competenze scientifiche. Questo vale soprattutto per le questioni sempre più urgenti della provenienza.
 

La maggior parte dei contributi si è concentrata su questioni fondamentali riguardanti l'attuale gestione delle collezioni dal punto di vista della propria istituzione. Le riflessioni storico-culturali introduttive di DOMINIK VON ROTH (Norimberga,  La Collezione Rück: una visione d'insieme), TIAGO DE OLIVEIRA PINTO (Weimar, Concetti ed esperienze della Convenzione Unesco sulla "Musica come patrimonio culturale immateriale".) e MONIKA SCHMITZ-EMANS (Bochum, La musica come occasione di riflessione e ricordo letterario) ha fornito la linea guida concettuale per la discussione. Con oltre 17.000 documenti relativi all'acquisizione, al commercio e al restauro della Collezione Rück, von Roth ha sottolineato l'opportunità unica di ripensare il fenomeno della collezione di strumenti musicali in un contesto museale e di rendere accessibile digitalmente la vasta rete di un collezionista privato e i singoli oggetti non solo ai ricercatori ma anche al pubblico. Infatti, così come i documenti costituiscono una parte essenziale della storia degli strumenti ai fini della ricerca organologica e della provenienza, non va sottovalutato il loro ruolo di rappresentanti della memoria culturale. Le strategie di raccolta che si possono leggere nei documenti esemplificano il campo storico-culturale di tensione tra idee estetiche, conoscenze empiriche e condizioni economiche che gli strumenti musicali sono in grado di rappresentare.

L'interrelazione tra l'immaterialità della musica e la materialità degli strumenti musicali è stata al centro anche dei contributi successivi. Pinto ha delineato il panorama dei significati attribuiti agli strumenti musicali nel contesto dei dibattiti sul patrimonio culturale. Al di là della pura produzione sonora, essi fungono da portatori di un trasferimento intergenerazionale di conoscenze e da rappresentanti di diversi sistemi musico-culturali. La raccolta e la conservazione assumono quindi un significato storico-culturale globale. Schmitz-Emans si è dedicata a riflettere sul simbolismo degli oggetti materiali sulla base di riflessioni letterarie. In quanto oggetto di letteratura, diventa chiaro l'alto significato culturale-simbolico degli strumenti musicali storici, la cui patina immateriale rimanda alle origini della musica, anzi della cultura in generale (Carpentier, I passi perduti, 1953), ma simboleggia anche la fine di ogni cultura in vista degli orrori del XX secolo (Grymes, Violini di speranza, 2014). Tuttavia, l'immateriale, che aderisce al materiale, richiede una narrazione costante. Sebbene le attribuzioni immateriali e individuali non abbiano alcuna garanzia di sostenibilità, la logica individuale delle collezioni di strumenti musicali contiene una qualità culturalmente performativa attraverso la quale il passato può diventare presente.
 

A queste considerazioni di fondo sono seguiti contributi individuali e informativi sulle storie delle collezioni (FLORENCE GÉTREAU, Paris, Collezionare strumenti musicali in Francia 1795-1995JOSEF FOCHT, Lipsia, La prima generazione di collezionisti del Museo degli strumenti musicali di LipsiaBEATRIX DARMSTÄDTER, Vienna, Collezioni private nel museo pubblico di strumenti musicali). Ci hanno ricordato che non solo l'inventario, ma anche il profilo di ricerca e di esposizione delle istituzioni pubbliche è in gran parte determinato dall'acquisizione di collezioni private. In considerazione dell'aspetto eterogeneo di molte collezioni, non è solo la storia dei singoli strumenti, ma anche delle collezioni stesse che merita di essere mediata. RENATO MEUCCI (Milano, Il collezionismo pubblico e privato di strumenti musicali in Italia) ha utilizzato l'esempio dell'Italia per illustrare che le ambizioni dei collezionisti privati per quanto riguarda l'acquisizione, la conservazione e la presentazione degli strumenti musicali sono notevolmente superiori a quelle delle istituzioni pubbliche. D'altra parte, TIAGO DE OLIVEIRA PINTO (Collezionare strumenti musicali oltre l'Europa: il Museo degli strumenti musicali del Sud-Est asiatico) Approfondimenti su un ambizioso progetto a Bangkok, un museo senza una collezione esistente che deve essere riunita in corso d'opera. La vivacità del fare musica definisce l'idea di un'istituzione che renderà accessibile la raccolta e la conservazione della diversità musicale nella regione culturale del Sud-Est asiatico per la ricerca e l'insegnamento con una prospettiva transnazionale.

Due contributi di collezionisti privati hanno fornito spunti di riflessione sulle motivazioni e le sfide attuali della costruzione e del mantenimento di una collezione (HEIKO HANSJOSTEN, Schweich/Heilbronn, La collezione di strumenti storici a tastiera HansjostenPETER THALHEIMER, Ilshofen, Una collezione privata per uso concertistico e come fonte per la ricerca musicale). Oltre alla suonabilità degli strumenti, i relatori hanno sottolineato un approccio differenziato agli oggetti della loro collezione. Hansjosten ha dato uno sguardo economico alla sua collezione ("Clavieratelier im Barocken Küsterhaus", Föhren vicino a Trier). Parte della tensione tra investimenti relativamente elevati e soddisfazione personale è data dalla consapevolezza di un futuro incerto. Allo stesso tempo, i proprietari privati beneficiano di una maggiore flessibilità nel mercato degli strumenti musicali storici. Anche la situazione di concorrenza tra i collezionisti privati è citata come un problema acuto, così come la necessità di una più stretta collaborazione tra collezioni private e pubbliche. L'impulso iniziale per la collezione di flauti e flauti dolci di Thalheimer è nato dall'esigenza di avere strumenti "autentici" per la riproduzione della musica, che potessero essere messi a disposizione della pratica esecutiva, dell'organologia e della ricerca musicale in egual misura attraverso la collezione. La produzione di copie non è solo una soluzione di fortuna. Importanti questioni di appropriatezza storica vengono così elegantemente evitate, ma non ignorate.
 

L'influenza reciproca della prassi esecutiva e delle collezioni di strumenti è emersa chiaramente anche nell'acuto contributo di MARTIN KIRNBAUER (Basilea) (La "ripresa stilisticamente appropriata di opere d'arte antiche" e la "questione degli strumenti". La collezione di strumenti di Basilea tra pratica musicale e museo). Per il fondatore della Schola Cantorum Basiliensis, Paul Sacher, la "rivitalizzazione stilisticamente appropriata" era anche una questione di strumento. La collezione di strumenti musicali antichi da lui costituita va quindi ben oltre la semplice esposizione di oggetti storici e costituisce un prerequisito integrale per una pratica esecutiva storicamente informata.

KLAUS MARTIUS (Norimberga, La collezione Rück dal punto di vista del restauro) ha fornito una panoramica sul passato e sulle attuali preoccupazioni relative alle misure di restauro della Collezione Rück. Per raggiungere l'obiettivo di un "restauro storicamente fedele", i Rück hanno compiuto un enorme sforzo. La collaborazione con il restauratore Otto Marx di Lipsia e il musicologo Rudolf Steglich di Erlangen, durata più di tre decenni, è un esempio pionieristico di stretta collaborazione tra collezione privata, restauro, ricerca e musei.

I contributi di PANAGIOTIS POULOPOULOS (Monaco di Baviera, Collezioni di strumenti musicali e nuovi media: osservazioni da un'indagine sui visitatori del Deutsches Museum) e GERDA RIDLER (Linz, L'arte come modello - Nuovi percorsi per le collezioni private) hanno discusso le possibilità di presentazione museale delle collezioni da prospettive molto diverse. Poulopoulos si è concentrato su come migliorare le mostre permanenti. Utilizzando la collezione di strumenti del Deutsches Museum come esempio, è stato analizzato l'uso dei nuovi media e le possibilità di interazione attraverso un'indagine sul pubblico. Oltre al fattore ludico e di visualizzazione, è emersa una maggiore necessità di conoscenze di base. Per quanto riguarda le arti visive, Ridler ha esplorato la questione del perché i collezionisti di arte moderna e contemporanea attirino così tanta attenzione, anche al di là dei confini del pubblico dell'arte pura. La presenza mediatica significativamente più elevata delle belle arti rispetto alle collezioni di strumenti musicali è solo uno dei fattori. Oltre a ragioni pragmatiche, personali e filantropiche (prestigio, lavoro di una vita, desiderio di creare), le motivazioni delle iniziative artistiche private includono un senso di responsabilità nei confronti del pubblico, ma anche l'insoddisfazione per la collaborazione con i musei pubblici.

Domande critiche, ma anche suggerimenti, sono stati sollevati nei contributi museologici e musicologici di PETER VAN MENSCH (Berlino, Il collezionismo privato come sfida per il settore pubblico), FRANZ KÖRNDLE (Augsburg, Collezioni private - musei con data di scadenza?) e CHRISTINA LINSENMEYER (Helsinki, Tendenze e visioni delle collezioni private e pubbliche): Nel suo schema critico, van Mensch ha affrontato le numerose contraddizioni e i problemi, ma anche le opportunità, del rapporto tra musei e collezionisti privati. Le collezioni private riflettono anche la diversità delle prospettive curatoriali, che sono determinate da strutture dinamiche, le cosiddette "cornici liquide". In futuro, le reti nel senso di una "comunità di eredi" privata-pubblica dovranno sempre più tenere conto dell'idea di conservazione. Körndle, invece, ha discusso le conseguenze delle misure invasive sugli strumenti in termini di riproducibilità e i diversi gradi di responsabilità delle collezioni private e pubbliche. Finora i diversi quadri finanziari hanno portato ad approcci individuali alle soluzioni. Nonostante la legge sulla protezione culturale (2016), ci sono ancora incertezze riguardo alla conservazione, alla presentazione e alla documentazione degli strumenti musicali. Anche il futuro degli strumenti che hanno subito una forte perdita della loro sostanza originale a causa del loro utilizzo rimane incerto. Le copie offrono un'alternativa. La coesistenza di un originale e di una copia suonabile permette di rinegoziare la questione dell'aura. Linsenmeyer ha riassunto la diversità delle idee e delle visioni individuali del collezionismo e ha chiesto come la diversità storica debba essere affrontata nelle mostre di oggi. Utilizzando esempi talvolta drastici, ha illustrato gli acuti problemi legati al cambiamento dei valori e gli attuali compiti del collezionismo privato e pubblico. La presentazione ha costituito il punto di partenza per la successiva tavola rotonda, presieduta da FRIEDEMANN HELLWIG (Amburgo).
 

Una delle sfide più importanti che le collezioni pubbliche devono affrontare è la ricerca sulla provenienza. Il documento fondamentale di UWE HARTMANN (Magdeburgo, La ricerca sulla provenienza: solo un compito dello Stato?) ha messo in evidenza i principi etici e morali nel trattare gli oggetti di ogni tipo che vengono raccolti, commercializzati, musealizzati e presentati. La negoziazione dei confini della responsabilità pubblica e privata si concentra in ultima analisi sulla questione di dove essa debba e possa essere esercitata congiuntamente. MARKUS ZEPF (Lipsia, Neupert, Rück, Gurlitt. Collezioni private e "semipubbliche" di strumenti musicali tra le due guerre) ha sottolineato l'importanza delle collezioni accademiche, portando come esempio Friburgo i. Br. e Heidelberg. Ha inoltre evidenziato le diverse e importanti connessioni con Norimberga e la rete intorno ai collezionisti Rück. Oltre agli strumenti stessi, gli accessori acquistati e scambiati, la letteratura iconografica e musicologica forniscono informazioni sui diversi profili delle collezioni concorrenti. LINDA ESCHERICH (Norimberga, La ricerca sulla provenienza al di là dell'arte saccheggiata e della restituzione: il "Rück-Portal".) ha presentato il Portale posteriore che cerca di creare una rappresentazione virtuale della vasta rete che circonda la Collezione Rück. Ad esempio, i documenti che registrano l'offerta, la valutazione e l'acquisto di strumenti permettono di tracciare un indice storico dei prezzi. Attraverso il Portale posteriore è quindi possibile ottenere ampie informazioni, ad esempio su questioni di attribuzione, provenienza, storia dei singoli strumenti e della loro acquisizione. MONIKA LÖSCHER (Vienna, Ricerca sulla provenienza nella collezione di strumenti musicali antichi del Kunsthistorisches Museum di Vienna [KHM]) ha spiegato i prerequisiti storici per l'istituzione della Commissione per la ricerca sulle provenienze e per l'adozione della legge sulla restituzione delle opere d'arte a Vienna. La ricerca sistematica e proattiva sulla provenienza della collezione di strumenti musicali antichi del KHM ha fornito un esempio di come si possa affrontare la storia delle collezioni dell'epoca nazista e del periodo successivo.

CONNY RESTLE (Berlino) ha recentemente richiamato l'attenzione sulle difficoltà di alcune provenienze (L'acquisizione delle collezioni Wildhagen, Bitter e Paur da parte di Alfred Berner tra il 1957 e il 1962 per il Museo degli Strumenti Musicali di Berlino). L'esempio di Berlino è stato utilizzato per spiegare la situazione problematica relativa all'acquisizione e alla permanenza nella Berlino del dopoguerra. Ciò solleva la questione se e in che misura questa situazione specifica possa essere integrata nell'attuale concetto di presentazione e ricerca del museo, soprattutto in considerazione della provenienza spesso poco chiara.

Tutti i contributi alla conferenza hanno sottolineato l'urgenza del tema e del suo approccio metodologico, sia all'interno che all'esterno degli spazi espositivi pubblici. In questo contesto, la Collezione Rück e il progetto associato del GNM hanno un ruolo di modello, non solo perché affrontano questioni spiacevoli, ma necessarie, ma anche perché sono in grado di affrontarle con il Portale posteriore attivamente alla ricerca di una soluzione. L'orientamento internazionale della conferenza, che ha facilitato un dialogo proficuo tra musicologi, organologi, restauratori e conservatori, curatori e collezionisti privati, è stato un modo importante per creare nuove reti che siano anche sostenibili. I suggerimenti emersi dalla conferenza per una nuova museologia delle collezioni di strumenti musicali, in grado di formulare obiettivi consensuali, formare coalizioni sostenibili e presentare visioni per il futuro, contribuiranno anche a ispirare e convincere i politici e gli sponsor culturali sul tema essenzialmente ovvio della "musica". Una pubblicazione ad accesso libero dei contributi per arthistoricum.net - LIBRI D'ARTE è già in fase di progettazione.

La Scuola d'arte e sport di Winterthur è in costruzione sul sito del parco sportivo Deutweg, nel nuovo centro sportivo "Wincity", insieme alla scuola pubblica "SBW Haus des Lernens AG". La scuola offrirà a talenti affermati nel campo dello sport, della musica o della danza, con una formazione di alto livello, l'opportunità di combinare una formazione scolastica secondaria e una carriera sportiva o artistica in modo simultaneo e olistico.

Dal 2009, nell'edificio scolastico Feld di Winterthur viene gestita una classe di talenti con 22 posti. Il governo cantonale ha prorogato la licenza, originariamente limitata a due anni, diverse volte, l'ultima delle quali fino alla fine dell'anno scolastico 2018/2019, con il chiaro intento - simile alle scuole di Uster e Zurigo - di trasformare la classe di talenti in una scuola di arte e sport a Winterthur.

Con la sua decisione, il Consiglio scolastico centrale ha seguito la raccomandazione del governo cantonale. Di conseguenza, l'attuale classe di talento nell'edificio scolastico di Feld sarà cancellata alla fine dell'anno scolastico 2017/2018. Le soluzioni di follow-up per gli alunni delle classi di talento esistenti saranno possibili presso la nuova scuola d'arte e sport di Winterthur.

A fine agosto 2017 si terrà un evento informativo per genitori, tutori e attuali alunni nell'edificio scolastico di Feld per fornire informazioni dirette sul previsto passaggio della classe dei talenti alla "K+S Schule Winterthur", sulla nuova offerta e sulle possibili soluzioni successive.

Il Consiglio comunale ha approvato una sovvenzione di 200.000 franchi per i primi quattro anni di attività della nuova "K+S School Winterthur".
 

Gli strumenti in ottone non invecchiano molto. La loro meccanica si usura e l'ottone si corrode. Sorprendentemente, non si sa quasi nulla della corrosione interna. Mentre la corrosione esterna può essere facilmente evitata strofinando lo strumento dopo l'uso (nei musei indossando dei guanti), la decomposizione del metallo dall'interno è semplicemente accettata. Non si potrebbe evitare? O si potrebbe almeno ridurre la corrosione attraverso una cura adeguata, prolungando così la vita degli strumenti? E questo potrebbe essere applicato anche agli strumenti storici, se dovessero essere suonati di nuovo?

Queste domande sono state esplorate da un progetto di ricerca dell'Università delle Arti di Berna HKB insieme a specialisti del Politecnico di Zurigo, del Museo Nazionale Svizzero e dell'Istituto Paul Scherrer. Su Quarto simposio internazionale sugli ottoni romantici I risultati sono stati presentati e discussi con esperti internazionali in una conferenza tenutasi a Berna alla fine di febbraio.
 

Il funzionamento interno di uno strumento in ottone - uno stretto sistema di gallerie lunghe fino a oltre dieci metri (tuba) - è poco conosciuto. Al suo interno può verificarsi un'ampia varietà di fenomeni di corrosione, cambiamenti chimici nel metallo attivati principalmente dall'umidità. E all'interno è costantemente umido. Dopo pochi minuti di esecuzione, prevale un clima tropicale con quasi il cento per cento di umidità. E anche dopo aver suonato, l'interno rimane umido per molti giorni. Questo semplicemente perché l'aria secca dell'ambiente riesce a malapena a penetrare negli stretti tubi. (La situazione è diversa per i sassofoni e i flauti, poiché i loro tubi sono corti e molte chiavi sono aperte quando non vengono utilizzate). Le guide delle valvole non si asciugano mai, perché sono isolate dall'aria esterna.

In realtà sarebbe facile cambiare questa situazione. Nelle sue indagini, il progetto di ricerca è riuscito a dimostrare che con un ventilatore è possibile rimuovere tutta l'umidità dallo strumento in una o tre ore, nonché dalle guide delle valvole se queste ultime sono premute. Questo rallenterebbe notevolmente i processi di corrosione.
 

Uno studio a lungo termine è stato poi in grado di dimostrare l'efficacia di questo trattamento. Sedici strumenti diversi, dalla tromba alla tuba, sono stati suonati quotidianamente per 14 mesi. Otto sono stati trattati dopo aver suonato nel modo consueto per gli ottoni, cioè rimuovendo la condensa e lasciandoli all'aria (non nella borsa). Gli altri otto strumenti sono stati asciugati con un ventilatore. All'inizio, a metà e alla fine dello studio a lungo termine, gli strumenti sono stati esaminati sempre negli stessi punti utilizzando tre metodi.

Foto: David Mannes, Istituto Paul Scherrer

L'aria respirabile è stata prima introdotta in questa cornetta (a destra) e poi asciugata con un ventilatore (a sinistra). Le immagini neutroniche hanno visualizzato l'umidità all'interno.

1. Le misure elettrochimiche hanno determinato la velocità dei processi corrosivi a livello locale utilizzando un sensore miniaturizzato appositamente progettato, che è stato premuto contro la parete del tubo con un palloncino. Il sensore ha misurato la velocità di corrosione in 102 punti (ognuno dei quali doveva essere individuato con precisione). L'analisi statistica ha mostrato che gli strumenti dotati di ventilatore si corrodevano in media meno rapidamente di quelli non essiccati.
    
2. Tomografia neutronica: i neutroni attraversano il metallo e producono un modello 3D nel computer. Ciò consente di visualizzare l'interno dello strumento anche in punti inaccessibili e di rilevare i cambiamenti rispetto al momento dello studio a lungo termine. Le immagini neutroniche 2D hanno anche permesso di "filmare" lo sviluppo dell'umidità all'interno dello strumento, vedi immagine sopra.
    
3. Esame visivo con un endoscopio: oltre 1000 punti degli strumenti sono stati fotografati all'inizio, a metà e alla fine dello studio a lungo termine (vedi figura seguente). In questo modo è stato possibile determinare visivamente e analizzare statisticamente lo sviluppo locale dei vari fenomeni di corrosione.

Foto (con endoscopio): Martin Ledergerber, Museo Nazionale Svizzero

Fenomeni di corrosione nella slitta di accordatura di una tuba nel punto in cui il tubo e la curvatura sono saldati insieme: all'inizio dello studio a lungo termine (a sinistra), e il forte sviluppo dopo 7 e 14 mesi

I risultati di tutti e tre i metodi di misurazione hanno dimostrato che l'essiccazione non può impedire la corrosione interna, ma ne impedisce l'accelerazione. Come i suonatori di fiati che, come misura di manutenzione, puliscono il loro strumento dopo aver suonato, i suonatori di ottoni dovrebbero semplicemente collegare la ventola dopo essersi esercitati. Il modo più semplice per farlo è quello di utilizzare un piccolo dispositivo da inserire nel portabocchino (disponibile, ad esempio, da www.serpents.ch). L'aria calda (asciugacapelli), invece, non è necessaria e può causare danni. Questo metodo di asciugatura è particolarmente efficace per gli strumenti che vengono suonati raramente, soprattutto quelli provenienti da collezioni, poiché il periodo di umidità interna si riduce da molti giorni a poche ore dopo un singolo tentativo di suonare.

Altre misure possono essere adottate per prolungare la vita degli strumenti metallici: cura esterna dopo aver suonato, uso di oli e lubrificanti per valvole non corrosivi, trasporto in borse non corrosive. Sul sito web del progetto www.hkb-interpretation.ch/projekte/korrosion Le domande, l'approccio e i risultati del progetto, nonché ulteriori informazioni e filmati sullo sviluppo dell'umidità all'interno dell'edificio e le registrazioni del concerto del simposio (con il Sacre du printemps di Stravinskij su strumenti storici a fiato) sono disponibili sul sito web.

Ecco come funziona:
Rimuovete con attenzione e lentamente la pellicola di plastica doppia e gommata dal retro dell'agenda 2016/2017 e incollatela nuovamente sul retro dell'agenda 2017/2018 insieme alla matita: l'ultima agenda - originale e senza matita - è di nuovo pronta per essere scritta!
 

Il Premio Arthur Waser 2017 va al 22enne pianista americano George Li. Il premio è assegnato dalla Fondazione Arthur Waser e dall'Orchestra Sinfonica di Lucerna. Secondo la fondazione, i precedenti vincitori sono stati il violoncellista Edgar Moreau (2015) e l'organista Sebastian Küchler-Blessing (2013). Oltre al premio in denaro di 25.000 franchi, il premio include un debutto al KKL di Lucerna con l'Orchestra Sinfonica di Lucerna (LSO).

George Li, che si è già esibito con la LSO a Shanghai nel 2016, sarà ascoltato nei concerti dei premiati al KKL il 2 e 3 maggio 2018, secondo il comunicato stampa.

Nel progetto SAMBA (Smart Data for Music Business Administration), un team sta sviluppando metodi di analisi basati sul contesto e procedure per la strutturazione e la visualizzazione dei dati. Con questi dati, i manager musicali dovrebbero essere in grado di valutare il cosiddetto "ciclo di vita dell'artista" e quindi, ad esempio, se la popolarità di una canzone è in declino o se ha ancora del potenziale.

Il programma deve anche essere in grado di distinguere i commenti generati automaticamente e le attività dei cosiddetti bot dai commenti di persone con account reali. Ad esempio, un numero elevato di "mi piace" con poche visualizzazioni del profilo o della canzone può essere un'indicazione dell'attività dei bot.

Per saperne di più:
https://samba.fhstp.ac.at/
 

La Radiotelevisione svizzera, insieme a RTS, RSI e RTR, sta cercando il partecipante che si recherà in Portogallo nel maggio 2018 per l'"Eurovision Song Contest" 2018. Il processo di selezione per la Svizzera è stato modificato sotto diversi aspetti.

La SRG SSR si concentra ora innanzitutto sulla canzone e solo successivamente cerca le voci perfette. Ulteriori modifiche al processo di selezione: una giuria composta da professionisti della musica e dei media, da fan dell'ESC e da spettatori deciderà quali canzoni saranno incluse nel live show. Il pubblico e una giuria internazionale selezioneranno il vincitore dell'"ESC 2018 - Decision Show" su una base del 50%.

Ulteriori informazioni sono disponibili su srf.ch/eurovision per trovare.

Secondo il Centro Tedesco di Informazione Musicale (MIZ), un'istituzione del Consiglio Musicale Tedesco, la ragione di ciò è da ricercarsi non da ultimo nella maggiore attenzione prestata alla musica popolare, la cui quota di informazione è ora pari a quella della musica seria. Nonostante l'alta considerazione di cui godono gli argomenti musicali, tuttavia, il numero di redattori musicali assunti a tempo indeterminato è diminuito. Soprattutto, la concorrenza delle offerte gratuite su Internet pone sfide particolari ai produttori di carta stampata.

In un nuovo programma di approfondimento su "L'informazione musicale nei media cartacei e online", il MIZ analizza la situazione attuale del giornalismo musicale in Germania e fornisce informazioni di base sulle strutture e sugli sviluppi in questo campo. Vengono analizzate le redazioni di circa 170 quotidiani e settimanali che si occupano regolarmente di argomenti musicali. Secondo il MIZ, attualmente nelle redazioni lavorano circa 100 redattori a tempo pieno che si occupano di musica nei loro servizi.

Oltre ai quotidiani e ai settimanali, esistono circa 170 riviste musicali specializzate pubblicate regolarmente, con un'ampia gamma di contenuti: dalle grandi riviste di consumo e dalle riviste che si concentrano su singoli generi musicali ai titoli specifici per strumento e alle pubblicazioni accademiche o orientate a gruppi di professionisti, ad esempio nel campo della musicologia o della musicoterapia. A queste si aggiunge un numero sempre crescente di offerte online e di blog musicali.
 

Dopo decenni di esistenza di nicchia, il suono surround è diventato di moda. Ispirati dalla forza visionaria delle avanguardie musicali, negli ultimi decenni sono stati sviluppati e affermati sistemi per la creazione e la riproduzione del suono spaziale, per i quali oggi istituzioni come l'IRCAM di Parigi e lo ZKM offrono piattaforme di ricerca e presentazione.

Nel campo visivo, il cinema 3D e i film fulldome hanno vissuto una rinascita al più tardi a partire dalla metà degli anni '90, mentre le sedi di eventi, i palazzi del cinema, i palcoscenici teatrali e le discoteche hanno iniziato a investire in sistemi audio spaziali immersivi poco dopo. Oggi, le applicazioni immersive nei campi della realtà virtuale (VR) e della realtà aumentata (AR) sfruttano persino la portabilità e la compattezza degli smartphone.

Nell'ambito del festival verranno mostrate applicazioni attuali e verranno discussi approcci artistici e metodi contemporanei sullo sfondo di un discorso filosofico-estetico. Lo ZKM invita a presentare lavori e contributi accademici e non accademici nelle categorie conferenze e poster, composizioni e performance, installazioni, nonché workshop e seminari/dimostrazioni fino al 31 luglio 2017.

Per saperne di più: zkm.de/event/2017/12/insonic-2017
 

Dal 6 al 10 luglio 2017, oltre 80 formazioni musicali giovanili provenienti da tutto il mondo si sono presentate a una giuria di esperti. Sotto la direzione di Patrick Ottiger, i BML Talents hanno impressionato la giuria a tal punto da ottenere per due volte il punteggio più alto nella loro categoria, portando a Lucerna due titoli di campione del mondo.

Come scrive la Bürgermusik, la formazione juniores ha dato vita a due eccellenti esecuzioni sia del brano di compito "Fight for Liberty", composto da Mario Bürki, sia del brano a scelta "...as a Glow" di Ludovic Neurohr.

Questa è la seconda partecipazione dei Talenti BML al World Youth Music Festival di Zurigo. L'ultima volta che hanno partecipato è stato nel 2012, quando hanno vinto in entrambe le categorie.
 

Il progetto choR inteR kultuR è iniziato un anno fa con una prova introduttiva. Grazie a prove intensive e a due concerti ben frequentati a Beirut, ha raggiunto il suo primo punto culminante in aprile. Nella capitale libanese, gli svizzeri sono stati accolti dal coro dell'Università americana di Beirut. Oltre al lavoro e al dialogo personale, il soggiorno di dieci giorni ha incluso anche escursioni e un ricevimento presso l'ambasciata svizzera, partner del progetto.

Oltre ai due cori, i due concerti svizzeri di agosto vedranno la partecipazione della cantante palestinese Reem Tahami, molto conosciuta nel mondo arabo, e di un ensemble strumentale orientale. Con aanilhoub - sull'amore verrà eseguita un'opera corale interculturale di Fortunat Frölich, che combina melodie tradizionali orientali con la polifonia e l'armonia europee.

Il compositore svizzero Fortunat Frölich è riconosciuto come un esperto di musica araba. Per diversi anni è stato docente ospite presso il Conservatorio Nazionale del Marocco. Nelle sue composizioni cosiddette "interculturali", combina i sistemi tonali essenzialmente diversi dell'Oriente e dell'Occidente. "Il risultato è qualcosa di terzo, una musica mai sentita prima", afferma Fritz Hegi, professore emerito dell'Università delle Arti di Zurigo. Le composizioni interculturali di Fortunat Frölich sono già state eseguite in diversi festival internazionali in Africa e in Europa, come il Festival de Rabat, il Mawazine Festival (Marocco), lo Stimmen Festival Lörrach e lo Zürcher Theaterspektakel.
 

Come scrive l'Associazione corale svizzera (SCV), i canali specializzati continueranno quindi a esistere. Le associazioni musicali hanno presentato una petizione in tal senso. (abbiamo riportato) 20.000 firme sono state raccolte in un breve lasso di tempo. Questo segnale è stato recepito dai politici, prosegue l'SCV.

Il 13 febbraio 2017, la Commissione dei trasporti e delle telecomunicazioni del Consiglio nazionale (KVF) ha presentato una mozione che avrebbe chiesto al Consiglio federale di ridurre il numero di emittenti tematiche come Radio Swiss Pop, Radio Swiss Classic, Radio Swiss Jazz, Virus, Musikwelle e RTS Option Musique, che secondo gli autori della mozione "non svolgono effettivamente un mandato di servizio pubblico".