Il libro è nato, come scrive l'autrice all'inizio, perché lei stessa sentiva che il suo modo di suonare il flauto era troppo teso. Ha quindi iniziato a studiare i processi del corpo mentre suona. Angela Buer-Meinschien, che insegna flauto e pianoforte e si è formata in eutonia, si concentra sulla tensione del corpo quando si fa musica, che può essere troppo forte o troppo debole, e sull'uso consapevole del diaframma. Il primo capitolo, "Arrivare", presenta vari esercizi per sciogliersi, come le oscillazioni delle gambe, delle braccia e il body tapping, oltre a esercizi di kinesiologia, come l'esercizio cross-over. Nel secondo capitolo, l'autrice si concentra sul raddrizzamento e sul contatto con il suolo per dare al flauto una base stabile. Si concentra inoltre sullo scioglimento dei muscoli del collo, delle spalle, del viso e della gola.

Il capitolo "Respirazione" inizia con la stimolazione della respirazione attraverso l'annusare e lo sniffare e l'esercizio dei punti di pressione della nota terapista della respirazione Ilse Middendorf. Seguono esercizi per espandere la capacità di inspirazione della respirazione addominale, costale-fianchi e toracica e come questi possono essere combinati in un ciclo respiratorio per una respirazione completa, nonché per una migliore guida dell'espirazione. Descrive il tema fondamentale del sostegno del respiro come combinazione di tensione diaframmatica e respirazione completa e lo illustra con ulteriori esercizi. Infine, vengono brevemente esaminati i temi del "tono forte" e del "tono magro". In sintesi, l'autrice propone diversi programmi di esercizi per il "tono stanco" e il "tono irrequieto" come preparazione alla pratica del flauto.

Il libro fornisce una panoramica versatile dei vari esercizi di respirazione che possono essere utilizzati per rafforzare la consapevolezza del corpo mentre si suona e bilanciare la tensione. Ognuno può sperimentare quale dei 60 esercizi sia più utile per il proprio modo di suonare.

Angela Buer-Meinschien, In forma per suonare il flauto! 60 esercizi fisici per la tecnica di respirazione, la postura e il rilassamento, UE 36 389, 34 p., € 9,95, Universal Edition, Vienna 2015

Un sussidio didattico universale, pubblicato da Ulrike Schimpf e Alexander Kowalsky presso Edition Peters, promette di essere "facile": cinque pezzi che possono essere assemblati in modo modulare e suonati in qualsiasi strumentazione. I libretti di questo concetto sono disponibili per tutti gli strumenti bandistici e orchestrali.

La raccolta comprende tre noti successi (La Bamba, Tequila e Iniziare la festa di Pink), oltre a un numero rap composto da Kowalsky e a un pezzo di pura percussione con una suggestione coreografica. Tutti i titoli sono caratterizzati da un forte groove e sono stati suddivisi in singoli pattern. Questi blocchi di costruzione, annotati polifonicamente, sono presentati chiaramente agli esecutori su una doppia pagina. Per ogni brano sono presenti parti melodiche, fills, breaks, pattern di basso e aiuti all'improvvisazione. Inoltre, gli autori forniscono un pattern di body percussion a una battuta per ogni brano e uno schema di forma stampato in fondo a ogni doppia pagina, che lascia spazio per inserire l'arrangiamento individuale.

Il CD allegato contiene una sezione audio con una versione demo completa di ogni brano in una qualità musicale eccezionale e accattivante, una versione play-along in un tempo più lento e una versione di puro accompagnamento con basso e batteria. Inoltre, tutti i pattern sono memorizzati individualmente come versioni mp3 in una sezione dati.

I segnali manuali sono assegnati a ciascun modulo nella pagina di panoramica. Questo permette al bandleader di controllare il flusso e la forma del brano durante le prove o i concerti. Gli autori forniscono anche quattro suggerimenti dettagliati su come presentare i brani.

Modello facile colpisce per la sua enorme versatilità e apertura di concetto, che significa che può essere adattato a quasi tutti i livelli e a tutte le possibili strumentazioni, nonché per la sua chiara presentazione, le spiegazioni dettagliate e chiare e il CD di accompagnamento prodotto in modo eccellente.

Ulrike Schimpf, Alexander Kowalsky, Easy pattern. 5 Hits per ogni strumentazione, da EP 11377-1 a EP 11377-9, € 9,95 ciascuno, Edition Peters, Leipzig et al. 2015

Nel 1846, Georg Kastner creò quello che fu probabilmente il primo Metodo completo e completo per sassofono edito. Quest'opera didattica fu dedicata ad Adolphe Sax e fu scritta pochi anni dopo l'invenzione dello strumento. Nella Bibliothèque Royale di Parigi, si ha la possibilità di conoscere un metodo che, come molte scuole strumentali del XIX secolo, dopo aver introdotto la teoria musicale elementare e la pratica esecutiva, fornisce istruzioni sulla tecnica strumentale e descrive le caratteristiche costruttive dello strumento. Seguono i primi esercizi: "Les exercices doivent s'exécuter ad libitum, sous le rapport du mouvement, (...) il faut répéter plusieurs fois chaque exercice. L'attacco di ogni nota deve essere effettuato con un colpo di lingua secco e sostenuto per tutta la durata della nota". - Queste sono le spiegazioni per gli esercizi in Do, che raggiungono la gamma di due ottave con note intere, mezze note, quarti di dollaro, ottavi e sedicesimi per diverse pagine a intervalli senza alterazioni. In seguito, si consolida quanto appreso duettando con l'insegnante e si esercita l'intonazione. Tra gli esercizi progressivi e i brani musicali tratti dalla penna di Kastner, vengono ripetutamente inseriti brevi e concisi richiami - nel complesso, il metodo utilizza la notazione come base per l'insegnamento e non trascura la musica: "Choix de morceau facile de divers auteurs". Ulteriori sfide sono offerte da Marschner, Cimarosa, Mozart, Rossini, Auber, Bellini e, non ultimo, dall'autore stesso nelle "Variations faciles et brillantes".

Sassofono magico è il nome della nuova scuola di Barbara Strack-Hanisch. La poliedrica musicista (flautista, sassofonista, insegnante di strumenti e musicologa) presenta un'impressionante raccolta di esercizi, istruzioni per l'esecuzione, suggerimenti, brani musicali, idee per l'improvvisazione e la composizione nella sua opera didattica completa, strutturata in modo attento e ponderato. La scuola comprende due volumi, uno per sassofono contralto e uno per sassofono tenore. Il primo e il secondo volume integrano gli argomenti trattati nei capitoli con melodie popolari, brani tratti da film e televisione, melodie classiche e romantiche di grandi maestri e momenti swing della penna di James Rae. I duetti e i brani solistici con un semplice accompagnamento al pianoforte invitano all'interpretazione indipendente, poiché l'autore si è volutamente astenuto dall'utilizzare segni di respiro e marcature dinamiche.

Ancora una volta, l'osservazione di queste scuole di sassofono solleva delle domande: Cosa vogliamo insegnare oggi nelle lezioni di strumento, come e perché? Quali materiali ci sembrano importanti e quali suscitano la curiosità di bambini, giovani e adulti? Cosa motivava un bambino intorno al 1846 e quali mezzi possiamo utilizzare per ispirare i nostri allievi oggi? Le scuole strumentali storiche hanno ancora una qualche rilevanza pedagogica oggi? In che misura le pubblicazioni contemporanee hanno superato questi contenuti?

In un mondo fortemente caratterizzato dall'individualismo, mi sembra auspicabile un percorso su misura per i diversi alunni. Modularità è la parola d'ordine in questo caso: dividere un insieme in parti personalizzate che possono essere gradualmente messe insieme e scambiate o interagire gradualmente a livello di interfacce. In questo modo, l'insegnamento si basa su un sistema complessivo che, come una scuola strumentale, è caratterizzato nella forma e nel contenuto dall'insegnante e dalla sua tradizione musicale. Tuttavia, grazie alla modularità degli elementi parzialmente standardizzati, incontra lo studente in modo davvero magico e può essere co-determinato dallo studente stesso.

Molte strade portano alla musica. Una cosa è certa: l'escursione è più bella e più piacevole quando siamo coinvolti come discenti autodeterminati. Una mappa escursionistica non è una garanzia di esperienza per tutti, una scuola di sassofono non è una ricetta affidabile per i voli di fantasia della didattica musicale. Non si può nemmeno escludere una frana: Un metodo comporta il rischio di essere fine a se stesso invece di incoraggiare l'allievo in questione. Se Magic Saxophone sia davvero - come scrive Daniel Gauthier nell'introduzione - una scuola per i bambini del nostro tempo, possono rispondere solo gli allievi stessi.

Barbara Strack-Hanisch, Magic Saxophone, Scuola di sassofono contralto, L'introduzione giocosa per bambini a partire dagli otto anni, ma anche per adolescenti e adulti; Volume 1, UE 36001; Volume 2, UE 36003; € 16,00 ciascuno con CD, Universal Edition, Vienna

id., volume per sassofono contralto; volume 1, UE 36002; volume 2, UE 36004; € 12,50 cad.

id., scuola di sassofono tenore, UE 36421 e UE 36423; nastro per sassofono tenore, UE 36422 e UE 36424

Con questi tre volumi si conclude il grande progetto di una nuova edizione completa e scientifica delle opere organistiche di Max Reger. Le serie di opere meno conosciute, in particolare, nascondono vere e proprie gemme, come lo sferico Ave Maria dall'op. 80 o l'a volte quasi impressionista Preludio in b dell'op. 129, che purtroppo spesso conducono un'esistenza in ombra accanto ai "grandi" classici di Reger, anche se alcuni di essi sarebbero tecnicamente accessibili anche a dilettanti esperti.

Oltre ai bellissimi volumi di spartiti con un testo presentato in modo esemplare, i DVD che li accompagnano forniscono un'incredibile ricchezza di informazioni aggiuntive. Da un lato, si possono vedere bozze (se disponibili), manoscritti, modelli di incisori, prime edizioni e interessanti edizioni successive, come gli "arrangiamenti" di Karl Straube di tre pezzi dell'op. 59 o di vari preludi e fughe delle op. 65 e 80 (stranamente, però, la nota Toccata e fuga in re/D dell'op. 59 non era inclusa nell'edizione di Straube) o gli arrangiamenti di Reger stesso di alcune opere per harmonium. Le visualizzazioni delle differenze tra le versioni permettono di conoscere nel dettaglio la genesi delle opere e di svelare il lavoro editoriale. D'altra parte (cfr. Recensione del volume con i preludi corali) sono disponibili diverse altre informazioni sulle opere, tra cui recensioni contemporanee, corrispondenza di Reger, dettagli sugli organisti presenti alla prima, ecc. Con questa pratica di edizione, Carus probabilmente stabilirà lo standard di come un'opera e il suo contesto possano essere resi "completamente" accessibili utilizzando i mezzi tecnici più moderni, favoriti dal fatto che nel caso di Reger il materiale d'archivio pertinente è facilmente accessibile. Fortunatamente, l'editore ha deciso di pubblicare anche le opere più note (tra cui alcune fantasie corali, le opere libere su larga scala più frequentemente eseguite, ma anche preludi corali e pezzi più piccoli come l'op. 59) in edizioni singole, rendendole accessibili agli esecutori che non vogliono pagare il prezzo molto elevato dell'edizione completa, giustificato sotto ogni aspetto dal contenuto.

Max Reger: Edizione delle opere; Volumi I/5-7, Pezzi per organo I-III, CV 52.805-52.807, ogni volume incl. DVD, € 185-208, Carus, Stoccarda 2015

Max Reger: Edizione delle opere; Volumi I/5-7, Pezzi per organo I-III, CV 52.805-52.807, ogni volume incl. DVD, € 185-208, Carus, Stoccarda 2015

Discussione del Biografia di Reger di Susanne Popp.

Nel corso del XVIII secolo, la chitarra si è trasformata da strumento barocco a cinque cori con due corde per "coro" alla chitarra da concerto a sei corde con corde semplici che conosciamo ancora oggi. Purtroppo, però, non è sopravvissuta quasi nessuna musica di questo periodo, soprattutto in Spagna, la vera madrepatria della chitarra. Tra Gaspar Sanz e Fernando Sor, non ci sono compositori spagnoli di chitarra che vengano suonati regolarmente oggi.

Il chitarrista e musicologo di origine tedesca Thomas Schmitt, che insegna in Spagna da un quarto di secolo, sta contribuendo a colmare questa lacuna. Nel volume Arte di suonare la chitarra spagnola ci presenta le composizioni di quattro musicisti che erano popolari in Spagna durante la loro vita, ma di cui oggi sappiamo molto poco. Si tratta di Fernando Ferandiere, Juan Antonio de Vargas y Guzmán, Isidro de Laporta e Antonio Abreu. C'è anche una sonata di un compositore anonimo che probabilmente proveniva dall'America Latina. (Al contrario, alcuni brani di de Vargas y Guzmán sono stati stampati solo in Messico).

I venti numeri in stile classico non sono né tecnicamente né musicalmente impegnativi. Alcuni di essi sono un susseguirsi di cliché e di idee più o meno originali, e uno o due brani armonici sono stati eseguiti in modo da non essere mai stati eseguiti.
Questa torsione può ostacolare lo sviluppo di un arco musicale più ampio. I pezzi suonano bene se suonati su uno strumento contemporaneo con corde di budello, come si può ascoltare nei contributi di Thomas Schmitt su YouTube. Se - contrariamente alle istruzioni di Fernandiere di attenersi rigorosamente al testo musicale - si aggiunge una certa pratica di interpretazione e ornamentazione tardo-barocca, diventano ancora più attraenti.

Arte de tocar la guitarra española. Musica spagnola per chitarra del XVIII secolo, a cura di Thomas Schmitt, DM 1445, € 19,95, Doblinger, Vienna 2015

Il corso di Sabine e Hans-Günther Kölz si riferisce alla fisarmonica standard per basso con tastiera di pianoforte. È chiaramente organizzato in diversi livelli, ognuno dei quali si concentra su un argomento specifico. Spiccano anche le sezioni appositamente etichettate: "Beatbox" per l'allenamento ritmico, "Freetime" per le proposte di improvvisazione, "Finger fitness" per gli esercizi tecnici e "Music knowledge" per la teoria.

Il primo volume (ce ne sono due) è molto "pesante", con oltre 100 pagine. I pentagrammi sono grandi, cosa che non credo sia assolutamente necessaria in un libro di testo per questo segmento di clientela. Ritengo prezioso il fatto che il primo livello ci parli della storia della fisarmonica. Tuttavia, a questo segue una serie di spiegazioni sull'uso della fisarmonica, sullo stile di suonare (manipolazione), sulla conservazione e sulla cura, sulla notazione e sui valori delle note, sui tempi e sulle battute, sul ritmo, sull'articolazione, sulla dinamica... Si tratta di una sorta di libro di consultazione. La maggior parte degli aspetti di teoria musicale sono superflui a questo punto, poiché vengono spiegati nuovamente negli esercizi, nei brani e nelle canzoni che seguono. La letteratura è molto varia e anche i brani più semplici risultano molto interessanti grazie all'accompagnamento accattivante e alle parti in coppia. Le note sui compositori, le forme musicali, ma anche i nuovi temi sono presentati in un riquadro colorato. Trovo superflue le istruzioni per il conteggio e i segni di mantice. Il conteggio non garantisce che si senta il battito (pulsazione) o il ritmo di base. L'importanza di una buona divisione del mantice è indiscutibile, così come il fatto che è necessario conoscere i segni corrispondenti. Tuttavia, le dimensioni delle fisarmoniche differiscono enormemente, soprattutto per i giovani e gli adulti, e il consumo d'aria degli strumenti varia notevolmente, per cui una divisione precisa dei percorsi dei mantici nel corso non si rivela efficace.

Il CD allegato contiene tutti i brani e i relativi esercizi. Per le mie orecchie, le registrazioni suonano chiare, ma troppo monotone e sintetiche (inclusione di strumenti elettronici). Il libro di testo lascia abbastanza spazio alle proprie composizioni e fornisce interessanti suggerimenti sull'improvvisazione, sulle variazioni di pratica, sulle trasposizioni ecc. La struttura progressiva in termini di gamma e materiale ritmico è ottimamente riuscita.

Sabine e Hans-Günther Kölz, Suonare la fisarmonica - il mio hobby preferito. La moderna scuola di fisarmonica per giovani e adulti, Volume 1, ED 20951, con CD, € 22,99, Schott, Mainz 2013

Viktor Ullmann (1898-1944) è uno di quei compositori che non solo sono stati fisicamente distrutti durante gli anni fatali del "Terzo Reich", ma la cui opera è stata anche bandita dalla memoria e dalla vita musicale con spaventosa accuratezza. Solo alla fine del XX secolo c'è stato un interesse sufficiente per una vera e propria rivalutazione. Vennero alla luce e, ancor più, al palcoscenico opere che, per la loro qualità, possono oggi rivendicare un posto permanente nel repertorio.

Nella piccola opera di Ullmann, questo vale in particolare per il Quartetto per archi op. 46, ma ancora di più per l'opera scritta nel campo di concentramento di Theresienstadt L'imperatore di Atlantideche ha dovuto attendere ben 32 anni per la sua prima esecuzione - anche se nell'epilogo della melodia del corale di Lutero Un castello forte è chiamato alla redenzione: "Vieni, morte, nostra preziosa ospite, / nella stanza del nostro cuore, / prendi da noi il dolore e il peso della vita, / portaci al riposo dopo il dolore e la miseria".

Pubblicata per la prima volta nel 1992, quest'opera stratificata viene ora presentata in una nuova edizione rivista da Schott-Verlag - e il fatto che faccia parte della serie Edition Eulenburg può essere considerato un riconoscimento nel repertorio. La partitura, tanto flessibile dal punto di vista stilistico quanto sorprendente nella sua strumentazione, è completata da un'appendice con versioni alternative, da una relazione critica e da una dettagliata prefazione.

Viktor Ullmann, Der Kaiser von Atlantis oder Die Tod-Verweigerung op. 49b (1943/44), opera teatrale in un atto di Peter Kien, a cura di Henning Brauel; partitura di studio, ETP 8067, € 36,00; riduzione per pianoforte, ED 8197, € 36,00; Eulenburg/Schott, Mainz 2015

Se Rossini fosse o meno un brillante cuoco è discutibile. Quello che è certo è che quando si ritirò dalla vita operistica attiva all'età di 37 anni e trascorse il resto della sua vita come compositore, era anche un appassionato gourmet che amava la buona cucina e la gestione della sua fortuna. È inoltre indiscutibile che Gioachino Rossini, proveniente da una famiglia di musicisti, sia stato uno dei più importanti compositori d'opera del periodo del bel canto. Nato nel 1792, esordì come compositore all'età di 20 anni. In due decenni scrisse non meno di 39 opere, poi anche musica sacra, vocale, pianistica e da camera, tra cui numerose canzoni.

La Cenerentola ha già cinque anni, Il Barbiere di Siviglia, un'opera completata in soli 26 giorni, sei anni (solo le rappresentazioni successive avrebbero dato a questi due lavori la fama che meritavano), quando Rossini eseguì una stagione di diverse sue opere al Kärntnertortheater di Vienna nella primavera del 1822. Come addio a Vienna, compose la Cavatina, ora ripubblicata dall'Edition Dohr. Addio di Rossini, pubblicato originariamente con il titolo Addio ai Viennesi apparso. Questo regalo d'addio è un capolavoro dell'arte compositiva rossiniana. Fu ristampato più volte nella prima metà del XIX secolo; la presente edizione si basa sulla versione londinese del 1824 e, sebbene sia già stata registrata da Marilyn Horne e da altri mezzosoprani rossiniani, non è ancora apparsa in nessuna edizione moderna.

Farete bene a perfezionare la vostra coloratura se volete cantare questa Cavatina, un pezzo di bravura con tutti gli ingredienti del vero canto rossiniano: grande bellezza melodica, ricca coloratura, sospiri operistici, il famoso crescendo rossiniano. Un bis per eccellenza, da padroneggiare per soprano/tenore o mezzosoprano alto/baritono - ma solo con un notevole virtuosismo.

È interessante anche il confronto con l'adattamento di questa cavatina come solfeggio dello stesso Rossini, pubblicato nello stesso numero. Apparve nel 1827 nella Gorgheggi e Solfeggi Il sottotitolo di questa raccolta di vocalizzi, "per rendere la voce flessibile", può essere preso alla lettera, anche se la versione di solfeggio è inferiore alla cavatina originale in termini di virtuosismo. L'accompagnamento al pianoforte è semplificato, il fraseggio è diverso, questo brano è destinato alla pratica e può essere utilizzato anche nelle lezioni di canto. Il solfeggio è per voce vocale, anche se nell'edizione attuale il vocalizzo è sottolineato da un testo.

Gioachino Rossini, Addio di Rossini, Cavatina per voce (mezzosoprano o baritono) e pianoforte in due versioni, partitura, E.D. 14209, € 12,80, Dohr, Colonia

Il manoscritto "Camphuysen", un album di un anonimo dilettante olandese del 1650 circa, era già stato edito nel 1961 dal recentemente scomparso Alan Curtis, ma allora senza le nove intavolazioni di salmi ginevrini, che sono ora incluse qui. Non tutti i brani sono realmente produttivi: sette dei dodici movimenti sono semplici armonizzazioni le cui parti superiori sono tuttavia riccamente dotate di trilli e mordenti - interessanti dal punto di vista esecutivo. Da questo punto di vista, si tratta di una gradita aggiunta alla letteratura sul Salterio ginevrino. Dal punto di vista musicale, tuttavia, la più preziosa è l'aggiunta secolare, un arrangiamento anonimo in tre tempi della melodia inglese Dafne.

Le quattro partite di Georg Muffat, una prima edizione basata su un manoscritto (SA 4581) che ora è tornato a Berlino, sono un vero guadagno per il repertorio. Recentemente, le opere per tastiera di questo compositore, così importante per la prassi esecutiva della musica d'insieme barocca, sono venute sempre più alla ribalta. Rispetto alle partite edite nel 2003/04 da un manoscritto viennese (Bärenreiter BA 8419 e 8460), la musica qui è più piacevole e di più facile lettura. La Partita in fa maggiore è presente in entrambe le edizioni; tuttavia - come riferisce in modo impreciso l'editore - solo cinque danze sono comuni, ed entrambe le versioni contengono anche tre movimenti aggiuntivi, ciascuno come pezzo unico.

Come possono gli editori guadagnare dopo aver completato le edizioni complete di compositori popolari? Bärenreiter-Verlag sta ristampando singole opere della New Bach Edition, anche se integrate da diteggiature di rinomati interpreti. La pianista tedesca Ragna Schirmer ha optato per la Variazioni Goldberg a questo compito. Le sue voci garantiscono in gran parte un legato pianisticamente sicuro. È strano che le diteggiature manchino a volte dove sono urgentemente necessarie. L'assegnazione delle voci centrali a uno dei due sistemi mediante parentesi quadre è per lo più utile. Tuttavia, l'editore avrebbe potuto migliorare la leggibilità in questi punti se le note fossero state trasferite al sistema corrispondente invece di adottare semplicemente la vecchia edizione. Più preziose sono le note "sopra" di Schirmer per indicare la posizione reciproca delle mani che si intersecano e di quelle che si intrecciano sul pianoforte a una mano. In definitiva, tuttavia, mi sorprende che ancora oggi un'opera di Bach, clavicembalistica come nessun'altra, venga pubblicata senza commenti come opera per pianoforte moderno.

Neuf psaumes pour instruments à clavier suivis d'une page profane Daphne (après 1652), Extraits du Recueil de Camphuysen, CD 3099, Fr. 18.00, Editions Cantate Domino, Fleurier

Georg Muffat, Vier Partiten für Cembalo (D-Bsa SA 4581), prima edizione delle quattro partite inedite provenienti dall'archivio della Sing-Akademie zu Berlin di Markus Eberhardt, EW 796, € 17,50, Edition Walhall, Magdeburg

Johann Sebastian Bach, Variazioni Goldberg, quarta parte della Clavier-Übung BWV 988, Urtext a cura di Christoph Wolff, BA 10848, € 10,95, Bärenreiter, Kassel

Anche la venerabile etichetta Archiv Produktion è caduta nella moda di scegliere per le copertine dei suoi CD immagini che non hanno alcun legame con il contenuto musicale. Nella prima registrazione di una serenata del direttore d'orchestra di corte viennese Antonio Caldara, ammiriamo il ritratto di una giovane donna mascherata il cui volto e il cui decolleté sono ricoperti di farfalle colorate. L'opera offre molto che potrebbe accendere l'immaginazione di ascoltatori e lettori.

Caldara ha scritto La concordia de' pianeti 1723 come regalo di congratulazioni e omaggio per l'imperatrice Elisabetta, all'epoca incinta. Il nome del genere va preso alla lettera: La serenata fu eseguita per la prima volta all'aria aperta - a ciel sereno. Sebbene il libretto presenti la consueta sequenza di recitativi e arie da capo, le differenze rispetto a un'opera sono rilevanti. Nel finale ci sono quattro cori invece del consueto tutti operistico; invece di una trama progressiva, i vari dei dell'Olimpo greco cantano a rotazione alla futura madre imperiale. Le arie degli dei sono musicate secondo le loro diverse personalità; Marte, ad esempio, canta con l'accompagnamento della tromba (n. 28), Da mia tromba). Senza tensione, senza una storia, il tutto potrebbe diventare noioso. Tuttavia, la musica rimane abbastanza varia, spesso con un carattere danzante e mai malinconico.

Soprattutto, l'orchestra barocca La Cetra diretta da Andrea Marcon offre un'esperienza musicale scintillante. La Cetra è una parte importante della vita musicale di Basilea, soprattutto per la produzione annuale al Teatro di Basilea. I musicisti sono molto apprezzati anche all'estero; la Serenata di Caldara è stata eseguita e registrata a Dortmund nel gennaio 2014. L'orchestra suona in modo eccellente: energica, precisa e piacevole da ascoltare. I cantanti sono in grado di rimanere complessivamente a questo livello. La leggerezza e il gusto nell'ornamentazione di Carlos Mena (Marte) meritano una menzione speciale, ad esempio nella sua aria Non v'è bella che non creda (n. 12). La voce di Franco Fagioli (Apollo) è di grande effetto, ma una pronuncia un po' più chiara non guasterebbe (n. 13), Così ch'io dal suolo alzai).

Il libretto fornisce tutte le informazioni sull'opera e sul compositore che si possono desiderare quando ci si avvicina per la prima volta all'opera; il libretto è stampato in quattro lingue. Purtroppo, nelle 52 pagine non c'è spazio per altre immagini oltre ai volti di Antonio Caldara e Andrea Marcon.

Thomas Drescher ha conseguito un dottorato in musicologia e lavora alla Schola Cantorum Basiliensis da 26 anni, prima come membro del dipartimento di ricerca e dal 1998 come vice direttore. Da oltre vent'anni lavora anche come musicista freelance (cantante d'insieme/violino barocco/viola) in vari ensemble di musica antica e orchestre.

Fondata nel 1933, la Schola Cantorum Basiliensis è un istituto di formazione e ricerca sulla musica antica. Dal 2008, insieme all'Università della Musica, costituisce la FHNW University of Music. Fa quindi parte dell'Università di Scienze Applicate e Arti della Svizzera Nord-Occidentale (FHNW).
 

Previa approvazione del Consiglio comunale del 21 aprile 2016, il Consiglio comunale ha approvato un credito d'impegno di 2,425 milioni di franchi svizzeri per i lavori di manutenzione urgente, in modo che i lavori necessari possano iniziare prima dell'estate 2017 come previsto.

Secondo le autorità cittadine, lo Stadttheater Biel non è stato rinnovato a fondo dal 1979. Non è stato adattato ai requisiti odierni in termini di design o tecnologia. A causa dei pericoli latenti e dell'urgenza, nell'estate e nell'autunno 2014 sono state attuate solo una piccola parte delle misure immediate relative alla protezione antincendio e alla sicurezza delle persone per mantenere l'attività del teatro nel 2014/2015.

Anche i servizi del palcoscenico e dell'edificio sono molto obsoleti e almeno alcuni impianti elettrici devono essere sostituiti se si vuole che il teatro rimanga operativo nei prossimi anni.

In quanto edificio accessibile al pubblico, anche lo Stadttheater Biel deve essere adattato per soddisfare gli attuali standard di accessibilità. Oltre a piccoli aggiustamenti nell'area d'ingresso e nella toilette per disabili, devono essere creati ulteriori spazi per sedie a rotelle nell'area del pubblico. Anche la buca dell'orchestra deve avere un accesso senza barriere, che può essere ottenuto con una rampa.

Marjan Gilani del dipartimento "Applied Wood Research" dell'Empa e altri dipendenti, tra cui la costruttrice di Geige Johanna Pflaum, hanno esaminato venti campioni di legno per verificarne il comportamento acustico e li hanno rivestiti con vernici selezionate. La stessa vernice è stata applicata a cinque dei venti campioni di legno grezzi per ogni tipo di campione, che sono stati essiccati e polimerizzati per undici ore con luce UV.

Nei campioni longitudinali, le vernici hanno aumentato l'isolamento acustico del durame e del legno giovane e hanno ridotto la loro rigidità rispetto allo stato grezzo. Ciò può essere auspicabile: Più il legno di un violino è elastico, più le note alte suonano calde e morbide. Tuttavia, questo cambiamento è accompagnato da una perdita di chiarezza e nitidezza nei suoni del violino. La situazione era diversa per le prove incrociate. Per queste ultime, sia l'attenuazione del suono che la rigidità sono aumentate. Anche i valori di propagazione del suono sono aumentati.

In generale, è emersa una correlazione tra la composizione della vernice, la microstruttura dei compositi legno-vernice, le loro proprietà meccaniche e il loro comportamento acustico. Gilani e il suo gruppo di ricerca intendono perfezionare questi risultati in ulteriori studi. Un altro scienziato si unirà al team di ricerca a partire da aprile 2016.

A scopo di confronto, il gruppo Empa ha analizzato anche due violini antichi (provenienti da Cremona e dalla Sassonia) presso il Centro di analisi a raggi X. Il violino di Sassonia presentava fessure molto sottili nella vernice, nonché urti superficiali e soffriva di infestazioni da tarli. Rispetto a questo violino, quello di Cremona presentava una maggiore densità del composito legno-vernice. Con l'aumentare della densità, aumentano anche la rigidità e i valori di propagazione del suono: il violino cremonese avrà quindi prodotto toni più chiari rispetto al violino della Sassonia.

Per saperne di più: www.empa.ch/web/s604/varnish-and-violins

Il primo "Concorso di composizione di Basilea" si svolgerà dal 16 al 19 febbraio 2017. Dieci composizioni saranno nominate in un processo di selezione ed eseguite dall'Orchestra Sinfonica di Basilea e dall'Orchestra da Camera di Basilea nell'ambito di un concorso pubblico. Le tre migliori composizioni saranno premiate e riceveranno un premio in denaro di 100.000 franchi svizzeri.

Il concorso si rivolge a compositori di tutte le età provenienti da tutto il mondo che compongono nuove opere e le portano a Basilea per la loro prima mondiale. Tre opere saranno premiate in occasione di tre concerti del concorso e di un concerto finale, che si terrà tra il 16 e il 19 febbraio 2017.

Per saperne di più: www.baselcompetition.com

Con 56 voti a favore e 43 contrari, Klanghaus Toggenburg non ha raggiunto la maggioranza qualificata di 61 voti nella votazione finale. Ciò significa che per il momento il progetto non potrà essere sottoposto agli elettori sangallesi. Secondo il comunicato stampa del Cantone, il governo si rammarica della decisione. La considera un'occasione mancata per il Toggenburg e per l'intero Cantone di San Gallo". 

Come primo passo, verranno ora analizzate e ponderate le ragioni del fallimento della proposta edilizia nella votazione finale. Il Dipartimento per l'edilizia e il Dipartimento per gli affari interni analizzeranno i punti critici insieme al Comune di Wildhaus-Alt St. Johann, a Klangwelt Toggenburg e ad altre parti interessate. Il governo vorrebbe riesaminare la situazione attuale entro le vacanze estive, effettuare i necessari chiarimenti e decidere se e in quale forma il progetto potrà essere ripreso.