Sapevate che nei Paesi scandinavi ci sono più persone che cantano in un coro che in qualsiasi altro Paese del mondo? Dalla Scandinavia agli Stati baltici, il canto corale è un vero e proprio movimento popolare. Le composizioni corali provenienti da Svezia, Norvegia, Danimarca e Finlandia hanno smesso da tempo di essere un'attrazione per i cori tedeschi. Come è nata questa tradizione corale scandinava unica nel suo genere? La vita musicale professionale nel XVII e XVIII secolo era incentrata sulle corti di Stoccolma e Copenaghen. Per secoli, i Paesi scandinavi sono stati "nazioni d'importazione" per quanto riguarda la musica. Sono stati fortemente influenzati dalla tradizione musicale tedesca nel XVIII e XIX secolo.

All'inizio del XIX secolo, le idee del Romanticismo arrivarono a nord attraverso Copenaghen. I musicisti tedeschi furono determinanti nella raccolta e nell'arrangiamento della musica popolare scandinava. Le prime edizioni di melodie popolari svedesi, danesi e norvegesi apparvero intorno al 1814; il loro carattere in tonalità minore si adattava idealmente alla ricerca del mistico, della vicinanza alla natura, a cui si erano dedicati i romantici tedeschi.

Con il fiorire del movimento dei cori maschili, il repertorio corale tedesco divenne noto in Scandinavia. Allo stesso tempo, i festival di canto scandinavi stabilirono una tradizione corale nordica. Nella seconda metà del XIX secolo, il bisogno di indipendenza politica e culturale portò a una maggiore autonomia.

Con il titolo I Himmelen (Nel Regno dei Cieli), Edition Peters ha pubblicato tre ampi volumi con composizioni sacre, canti per l'Avvento e il Natale e movimenti di canzoni secolari e popolari, per coro misto, per 1-2 voci alte e per 3-4 voci alte. Compaiono anche i nomi dei più famosi compositori scandinavi come Grieg, Alfvén e Sibelius. Oltre alla lingua originale, sono inclusi anche testi in tedesco. La maggior parte dei movimenti è cantata a cappella; gli accompagnamenti obbligatori per tutte e tre le edizioni sono riassunti in un libretto.

I Himmelen, 70 brani corali scandinavi per coro misto, a cura di Hans Wülfing, EP 11410, € 24,95, Edition Peters, Leipzig et al. 2014

id., 10 pezzi corali scandinavi per 1-2 voci alte, EP 11414, € 12,95

id., 20 brani corali scandinavi per 3-4 voci alte, EP 11412, € 14,95

Accompagnamento per pianoforte e organo di: I Himmelen, EP 11410a, € 14,95

Questo meraviglioso libretto con opere del clown Grock (Charles Adrien Wettach), recentemente arrangiate per fisarmonica sola e in duo da Andreas Hermeyer e Thomas Svechla, contiene anche un'emozionante breve biografia del famoso artista, scritta dal pronipote Raymond Naef. Questa parte del libretto è impreziosita da foto e poster di grande effetto che sottolineano la convincente vivacità della musica.
La sezione dei testi comprende anche un interessante saggio di Thomas Eickhoff sul rapporto di Grock con la fisarmonica e la sua attività di compositore.

La parte "pratica" contiene 14 composizioni di Grock ispirate e tonalmente molto attraenti. Sette di questi brani sono stati integrati con una seconda voce e possono quindi essere ascoltati in formazione di duo, inserendo la seconda voce. Gli arrangiamenti sono armonicamente molto interessanti e lasciano ampio spazio all'interpretazione personale (non ci sono indicazioni di dinamica o di articolazione). Considero questo libretto molto ben riuscito (trascuro volentieri l'uno o l'altro errore di stampa) e lo consiglio a tutti coloro che amano immergersi in queste melodie sognanti, vivaci o esuberanti e non temono le sfide tecniche, soprattutto per la mano sinistra (basso standard).

Grock, opere per fisarmonica del famoso clown, a cura di Thomas Eickhoff, MH 15122, € 18,99, Matthias-Hohner-Verlag (Schott), Mainz 2014

Il genere degli spirituals e dei gospels è influenzato da vari stili moderni come il jazz, il blues, il pop e il rock. Bernd Frank ha pubblicato per Schott-Verlag una compilation di gospels e spirituals adatti a lezioni di canto con principianti e cantanti amatoriali, ma anche per lavorare con musicisti di scuole o chiese che magari si stanno preparando per un esame di ammissione e vogliono guardare oltre il repertorio classico.

Valuterei il livello di difficoltà di questa edizione come facile o medio. Tuttavia, i brani sono adatti anche a situazioni di esecuzione, ad esempio come aggiunta solistica a un programma di cori gospel, in esercitazioni di scuole di musica o come arricchimento del repertorio tradizionale di musica sacra.

Durante il processo di sviluppo, la collezione è stata integrata con idee in un workshop da studenti di musica dell'Università di Musica di Mainz ed è stata esaminata per verificarne l'idoneità pratica.

L'edizione offre una varietà di opzioni esecutive grazie agli interessanti accompagnamenti al pianoforte: i "fill-in" improvvisati possono essere incorporati sia nella parte pianistica che in quella vocale. Molti brani si prestano a essere cantati in duo o come "call & response" a due voci.

Diverse strofe possono essere liberamente improvvisate sui "cambiamenti" di fondo. Le tecniche vocali specifiche della musica gospel, come il looping delle note, richiedono varietà e flessibilità stilistica. I canti gospel sono brani ritmici che permettono anche ai principianti di sviluppare e allenare immediatamente il senso del "groove".

La raccolta è pubblicata in due edizioni, per voce alta e per voce media o bassa, quest'ultima veramente bassa e la più alta non veramente alta. I volumi contengono 33 brani ciascuno e la lista dei brani comprende canzoni molto note come Amazing grace, a volte mi sento come un bambino senza madre anche cose meno comuni come Calvario o Acqua fredda.

Spirituals & Gospels im Unterricht, 33 canzoni per voce e pianoforte, a cura di Bernd Frank; edizione per voce alta, ED 21712; edizione per voce media o bassa, ED 21713; € 19,50 ciascuno, Schott, Mainz

L'esecuzione in duo da parte di allievi e insegnanti è un elemento essenziale delle lezioni di musica. L'interazione nel suonare la musica insieme aiuta a riconoscere e risolvere più facilmente i problemi tecnici e di intonazione elementari. Le seguenti raccolte sono stilisticamente molto diverse. Possono essere utilizzate a partire dal secondo anno di lezioni.

Elmar Preusser ha il suo Scrigno del tesoro Duo in modo più tradizionale. Le composizioni e gli arrangiamenti originali colpiscono per l'ampio spettro stilistico che va dal Rinascimento ai tempi moderni e per la struttura tecnica sistematica dalla prima alla quarta posizione.

Successi pop per violoncello contiene evergreen del film e successi della musica pop. Oltre alla seconda parte del violoncello, è incluso un CD con accompagnamenti funky in versione completa e in versione play-along. Il livello tecnico del libro 1 è ancora esclusivamente in 1a posizione con una diteggiatura stretta. È logico che la maggior parte dei testi dei brani sia stampata nella partitura.

Con il Scuola Groovestrich la violoncellista californiana Susanne Paul offre un'originale introduzione al mondo della musica latinoamericana. 15 brevi brani in duo dimostrano la "pennata groove", un tipo di pennata utilizzata nella samba, nella bossa nova, nella salsa, nel jazz, nel rock o nel bluegrass. I brani sono piuttosto facili da padroneggiare per la mano sinistra. Tuttavia, la particolare tecnica dell'arco richiede un livello avanzato di coordinazione tra mano destra e sinistra per far emergere la finezza ritmica. Tutti i 15 brani possono essere ascoltati in una nuvola sonora sul sito www.groovecello.de. Questa raccolta è altamente raccomandata anche per gli insegnanti!

Scrigno per duo, a cura di Elmar Preusser, ED 21386, € 14,00, Schott, Mainz

Pop For Cello 1, a cura di Michael Zlanabitnig, ED 21134, con CD, € 18,50, Schott, Mainz

Susanne Paul, Die Groovestrich-Schule, PON 1012, € 19,95, Ponticello-Edition, Mainz

La musica dei film è strana. Se vi chiedono della musica subito dopo essere andati al cinema, di solito non sapete cosa avete ascoltato. D'altra parte, e immaginiamo per un momento Suonami la canzone della morte Quando si ascolta la musica da film, alcuni suoni evocano immediatamente immagini viste anni, a volte decenni fa. La profonda ambivalenza della musica da film è evidente anche in altri ambiti: I suoni non devono essere né troppo economici o kitsch per accompagnare le immagini, né troppo indipendenti. Thomas Meyer riporta nel libro di quasi 400 pagine del Antologia della musica da film svizzera 1923-2012 delle musiche di Arthur Honegger per i film Rapt (1934), Il demone dell'Himalaya (1935) e Farinet (1938). Il riassunto di Meyer è preoccupante per l'amante della musica: "Forse la musica di Honegger era semplicemente troppo originale per il film svizzero. L'originalità è una qualità difficile. Porta a un problema estetico che si nota sempre in questi tre film: la musica è sopra l'immagine - e non nell'immagine. Porta via l'attenzione dello spettatore, crea distanza, apre la vista a una contemplazione intelligente, fa rabbrividire lo spettatore, ma non lo invita a identificarsi e non lo incanala nei sentimenti dei protagonisti." (S. 89)

Gli infruttuosi tuffi di Honegger nel bagaglio di trucchi dell'alta arte della composizione non sono stati certo gli unici contributi alla musica da film svizzera. L'antologia, realizzata grazie alla Fondation Suisa, documenta su tre CD e un DVD una ricca selezione di direzioni diverse. Ci sono i colleghi compositori di Honegger, ad esempio Bruno Spoerri, che viene presentato sei volte nel DVD. A La MaggiaSpoerri ha contribuito alla musica elettronica del film sperimentale di Kurt Aeschbacher del 1970, che mostra varie inquadrature dell'acqua, che raddoppia acusticamente i rumori di gocciolamento, ma riflette anche gli stati energetici dell'acqua, come lo scorrere o il ristagno. Mathias Spohr, curatore dell'antologia completa, sottolinea la diversità, il "coro polifonico" della musica da film svizzera. L'ampiezza e lo sviluppo particolare sono davvero notevoli, e vanno dalla musica strumentale dei primi anni Venti ai primi generatori di suono elettrici (Ondes Martenot, Trautonium) e ai moderni progetti sonori. Il contesto storico-culturale, che Bruno Spoerri descrive in modo vivido e impressionante, si rivela particolarmente fecondo. Tra questi, l'avvento del film sonoro, che ha reso disoccupati molti musicisti svizzeri. E comprende anche approfondimenti sul cinema zurighese degli anni Venti e Trenta. Alcune pubblicità di Orange e Migros sono un po' discutibili, non convincono né per il contenuto né per la musica. Ma si tratta di dettagli secondari. L'antologia, accuratamente curata, rimane di grande valore non solo per la rara specie dei ricercatori di musica da film.

Mathias Spohr, Anthologie Schweizer Filmmusik 1923-2012, cofanetto con tre CD audio, un DVD e un libro (396 p.), a cura di Mathias Spohr, in tedesco, francese, italiano e inglese, copertina rigida, Fr. 69.00, Chronos Verlag, Zurigo 2015, ISBN 978-3-0340-1265-2

La Sonata in re minore op. 40 di Dmitri Shostakovich e la Prima Sonata (1978) di Alfred Schnittke sono separate da poco più di quattro decenni. Tuttavia, le posizioni estetiche e le differenze formali non potrebbero essere maggiori. Mentre la sonata di Shostakovich riflette un alto grado di classicismo, il contributo sperimentale di Schnittke al genere testimonia una libertà molto maggiore basata sulla politica culturale. Non ci sono sorprese con Shostakovich, ma a maggior ragione con Schnittke. Il Presto, incorniciato dai raffinati e barocchi movimenti esterni del Largo, si presenta come uno scherzo demoniaco dal carattere perpetuo-mobile e dall'espressività agitata.

Anche nell'intermezzo della Sonata op. 119 di Sergei Prokofiev, scritta nel 1949, colpisce l'incantevole cantabilità del violoncellista Mattia Zappa. Ad un ascolto più attento, tuttavia, risulta evidente che egli porta il fraseggio all'estremo, infilando una legatura dopo l'altra e sviluppando così una linea melodica quasi infinita e destrutturata. Il pianista Massimiliano Mainolfi, ugualmente sfidato come solista, ha un profilo e un'acutezza ritmica più elevati. Nel Presto di Schnittke riesce nell'impresa di suonare ffff e martellatissimo senza creare asprezze metalliche.

Queste tre opere formano una triade che è stata cementata in molte registrazioni. Esse si distinguono da un iceberg di sonate per violoncello e pianoforte dell'epoca sovietica che potrebbero essere esplorate, come quelle di Alexander e Boris Tchaikovsky, Alexandrov, Bogdanov-Beresovsky, Brumberg, Eiges, Feldman, Finkelstein, Goedike, Golubev, Yevseyev, Kirkor, Kossenko, Kochurov, Myaskovsky, Nikolayev, Roslavets, Sharonov... La maggior parte di queste sonate sono state dedicate a Mstislav Rostropovich o a Daniel Schafran e attendono di essere riscoperte.

Le opere per nastro di Max E. Keller sono ovviamente musica politica e radicale. Le voci parlanti chiaramente insistenti di Sicher sein si riferiscono alle banche svizzere che già a metà degli anni Settanta massimizzavano i loro profitti mentre la disoccupazione aumentava rapidamente. Gli inni, scritti nel 1979, includono un racconto autentico di un cileno torturato. La crudeltà è contrastata da frasi che potrebbero essere tratte da un depliant turistico, mentre in sottofondo suonano gli inni sicuri di sé di vari Paesi. Il marsellese viene alla ribalta, l'uguaglianza e la fratellanza, ma allo stesso tempo si parla di scosse elettriche, calci, pozze di sangue e persone che muoiono dissanguate.

Un tale riflesso diretto del mondo è ed è sempre stato un problema estetico. Che senso ha contemplare le durate, l'organizzazione delle altezze o la qualità compositiva quando la tortura, la morte e l'oppressione sono deliberatamente riportate in modo realistico? Queste sono certamente domande che l'opera di Arnold Schönberg Un sopravvissuto di Varsavia preoccupazione. Con questi quattro brani audio, la questione si ripropone. Purtroppo, ci si rende conto che molte cose non sono migliorate dagli anni Settanta, quando tutte le opere sono nate, con la differenza che solo poche persone le criticano ancora nello stesso modo in cui lo faceva Keller 40 anni fa.

Max E. Keller: Quattro composizioni politiche per nastro, Tochnit Aleph TA 134

L'obiettivo del progetto, organizzato per la sesta volta, è lo scambio culturale nel linguaggio che tutto il mondo comprende: la musica. Alla luce dei numerosi conflitti, il tour di quest'anno vuole essere un esempio di pace. Il concerto prevede quindi l'esecuzione dell'opera L'uomo armato - Una messa per la pace per coro e orchestra di Karl Jenkins. Il programma è completato da musiche di tutto il mondo. Il direttore musicale è il direttore d'orchestra di Dresda Max Röber.

Secondo gli organizzatori, i giovani talenti musicali provengono dai quartieri più poveri del mondo. Alla fine di settembre, circa 30 giovani adulti provenienti da progetti sociali ed educativi dei gesuiti di quattro continenti si sono riuniti a Norimberga, dove si sono preparati per il tour europeo. Dalla Svizzera hanno partecipato un virtuoso violinista di Gossau e un giovane cantante della scuola cantonale di Sursee.

L'Orchestra delle Nazioni farà una breve tappa in Svizzera durante il suo tour dal 16 al 24 ottobre. Al concerto del 21 ottobre alle 19.30 nella Stadtkirche St. Georg di Sursee parteciperà anche la Presidente della Confederazione Svizzera, Simonetta Sommaruga. Il concerto sarà replicato il 22 ottobre alle 19.00 nella parrocchia Herz Jesu Wiedikon. Un CD sarà disponibile a partire da dicembre.

Ulteriori informazioni:

www.jesuiten-weltweit.ch/weltweite-klaenge-2015 html

Konrad Wolf era un regista politico, secondo la citazione. Per lui non era importante solo ciò che i film mostravano, ma anche ciò che realizzavano. Per questo motivo, il premio "nella sua dimensione intellettuale dovrebbe andare a un artista cinematografico che non ha mai permesso che la sua testardaggine autobiografica e la sua indipendenza politica venissero scacciate da lui".

Il premio in denaro sarà devoluto al villaggio dell'opera in Burkina Faso, in particolare "per sostenere il progetto di aiutare i giovani a conoscere il cinema come mezzo di espressione". Il premio è stato ritirato da Aino Laberenz, direttore generale di Operndorf Afrika.

Il progetto Operndorf Afrika è stato lanciato da Schlingensief in Burkina Faso all'inizio del 2010 come luogo di incontro internazionale. Il governo del Burkina Faso ha messo a disposizione 20 ettari di terreno vicino alla capitale Ouagadougou. Il villaggio, realizzato dall'architetto burkinabé Francis Kéréhat, confina con un parco di sculture che esiste da oltre 25 anni.

Maki Wiederkehr merita il premio come riconoscimento speciale per i suoi eccellenti risultati al pianoforte, scrive la fondazione. Il premio dovrebbe aiutare la giovane artista a perfezionare ulteriormente il suo modo di suonare altamente sviluppato e a realizzare nuovi progetti.

Maki Wiederkehr ha studiato con Hiroko Matsumoto a Nagoya (Giappone), poi in Svizzera con Taeko Szedlak alla Musikschule Konservatorium di Berna, alla Kantonsschule di Soletta con Adalbert Roetschi e all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK).

Nell'inverno 2008/2009 ha completato gli studi nella classe di solisti della ZHdK (dal 2003) con un diploma di concerto e di insegnamento sotto la guida di Homero Francesch. Dal 2010 al 2014 ha insegnato pianoforte presso l'Accademia musicale di Basilea. Attualmente lavora presso la Musikschule Konservatorium Zürich. È anche la pianista del trio pianistico Rafale, che ha vinto diversi premi internazionali.

Dal 2003 la Fondazione culturale svizzera Kurt e Barbara Alten assegna ogni due anni premi di sponsorizzazione e riconoscimento ad artisti strettamente legati al Cantone di Soletta.

"Fin dalla sua fondazione, le Giornate musicali di Donaueschingen sono state caratterizzate da compositori uomini, la percentuale di donne è trascurabile", afferma l'Agenzia di stampa tedesca citando Gottstein, che ha preso il posto del defunto Armin Köhler. Ora ci sono piani concreti per dare al popolare festival di nuova musica un sapore più femminile.

Nell'attuale edizione del festival - che si svolge dal 16 al 18 ottobre e che ha già registrato il tutto esaurito - solo Olga Neuwirth è rappresentata come compositrice. Ha analizzato gli spazi sonori della Basilica di San Marco a Venezia nello studio elettronico e li ha trasformati musicalmente.

Dal 16 al 18 ottobre, le Giornate musicali di Donaueschingen 2015 metteranno in evidenza la nuova musica nel suo rapporto con la tradizione classica con 18 prime mondiali e quattro installazioni sonore.

Un duo di contrabbassi, che parte dalle profondità e si espande gradualmente nel corso della serata attraverso una serie di registri sonori e rumoristici, come sanno fare due eccellenti improvvisatori come Daniel Studer e Peter K Frey. I primi spruzzi di un testo onirico e semisonnolento del poeta Kurt Aebli si aggiungono presto attraverso gli altoparlanti - e presto anche i rumori. Da dove? È importante saperlo? Il libretto di sala ci dice: da un'officina di tram di Zurigo. Lo avremmo scoperto? Cosa ci dice questo luogo di trasporto e manutenzione urbana stazionaria? Ci stiamo muovendo in modo sonnambolico attraverso una città immaginaria? Più tardi, sul monitor appariranno le prime immagini individuali, immagini di un paesaggio, di un ambiente urbano.

Infine, un taglio: appare la cantante Jeannine Hirzel, che non interpreta alcun ruolo, si siede, intona i primi suoni senza senso, poi recita dei testi con voce cantilenante, sono quelli che abbiamo già sentito, che ora di tanto in tanto risuonano antifonicamente dagli altoparlanti. Le singole immagini si uniscono per formare un film di arresti - un film con una patina sfocata e un po' onirica. Proviene da registrazioni in Super 8 effettuate dall'architetto Ernst Studer mentre sviluppava città utopiche con figure di cera all'ETH tra il 1975 e il 1977.

Musica, testo, suono, canzone e film si uniscono, e il pezzo di teatro musicale che Peter Schweiger ha messo in scena cresce lentamente da questo. Nelle sale della città dei cervelliIl titolo si basa su un brano di Aebli: "Ero ossessionato dall'idea che le parole si muovessero per le sale del mio cervello città un flusso di strane persone lasciavo che avessero la loro vita la loro brutta forma piuttosto raggruppamenti di lettere e sillabe che il mio udito mi dava che i miei occhi mi davano che il mio cuore la mia anima il mio corpo prendevano rigorosamente" ...
Raggruppare lettere, sillabe e parole - e dare loro un significato attraverso i sensi e l'anima - è un modo semplice per parafrasare ciò che è accaduto in questo pezzo. Infatti, è stata la percezione a creare presto connessioni dalle costellazioni multimediali. Pareidolicamente, ha formato grammatiche e strutture, ha stabilito relazioni e allo stesso tempo si è chiesta in modo autoriflessivo: ci sono relazioni nell'eterogeneità di questi eventi? Non si tratta forse anche dell'autopercezione di chi percepisce? Come nel testo di Aebli - e sul palco. Improvvisamente vediamo il volto del cantante sullo schermo, attraverso la telecamera. Più tardi, osserviamo i due bassisti mentre suonano. È così che l'opera guarda se stessa. Perché questa auto-riflessione, che ha sempre un momento di imbarazzo? Un'autoriflessione così ingrandita e raddoppiata non è forse diventata cieca? Un bell'accessorio dell'epoca della riflessività, forse un po' troppo e non necessario. Ma probabilmente faceva parte di questo "tentativo di rendere tangibile il desiderio di perfezione costantemente riflesso e il suo momentaneo fallimento o successo nella progettazione visivamente potente di una città del futuro". Secondo il testo del programma.

È così? L'intenzione formulata non era abbastanza chiara per me personalmente. Nel complesso, tuttavia, la tranquillità semisveglia della costellazione era impressionante, la prevista intensità "non liscia", una grande serietà. Il risultato era un brano coerente, anche se non certo fulminante o vivace; anzi, ci si potrebbe chiedere se non fosse un po' soddisfatto della sua confusa e cerebrale coerenza. In ogni caso, non saltava in alto, non faceva capriole, certamente non mortali - forse non doveva, forse non voleva...

Se non era palese, era forse innovativo. La chiave di lettura è fornita dal sottotitolo poco appariscente: "Eine Spielanordnung". L'"arrangiamento" indica che qui c'è qualcosa di preordinato - come di solito non accade con la musica liberamente improvvisata. Tuttavia, è nel senso di un arrangiamento che permette una drammaturgia e lascia spazio alla libera interpretazione. Questo non sembra essere particolarmente nuovo, ma è centrale quando si tratta di incorporare voci e testi: Perché in questo genere non si tratta ancora di una cosa scontata, ma di una sfida che richiede una fissazione lineare. Alcuni progetti precedenti, come quelli del trio di improvvisazione Karl ein Karl, di cui fa parte anche Peter K Frey, hanno già portato in questa direzione. L'arrangiamento musico-teatrale e la libera improvvisazione, o meglio la loro interazione, creano qualcosa di particolare, una costellazione che definirei quasi saggistica del teatro musicale.

Endo Anaconda, alias Andreas Flückiger, ha fondato Stiller Has insieme a Balts Nill, alias Ueli Balsiger, nel 1989. Il musicista di origini austriache è molto legato al cantone di Berna ed è una figura di riferimento della musica rock bernese. Il nono album in studio di Stiller Has è stato pubblicato nel 2013: "Böses Alter".

La compositrice e performer Lilian Beidler ha attirato l'attenzione per la prima volta con ambienti acustici su larga scala, ai quali ora contribuisce anche con il suo corpo e la sua voce come performer.

Nel suo modo di suonare la fisarmonica, Mario Batkovic mescola le canzoni tradizionali balcaniche con la musica jazz e rock contemporanea e riecheggia influenze che vanno da Tom Waits ad Astor Piazzolla e Johann Sebastian Bach.

Come batterista della band post-punk "Grauzone" intorno al 1980, Marco Repetto si inserisce nello zeitgeist dell'epoca e affina brani proto-techno come "Film 2". Alla fine degli anni Ottanta, diventa uno dei più importanti protagonisti della nascente scena techno svizzera.

Il pianista Gilles Grimaître sarà insignito del premio "Coup de cœur 2015" per giovani talenti, del valore di 3.000 franchi.
 

 La Fondazione Orpheum, che a settembre ha festeggiato il suo 25° anniversario, si elogia come un "modello di sponsorizzazione di successo": "Per i giovani musicisti questo significa non solo incontri artistici di altissimo livello, ma spesso anche un impulso alla carriera", continua la prefazione della rivista culturale Du, che ha pubblicato un numero speciale. L'anniversario è stato celebrato ad alto livello artistico con quattro grandi concerti sinfonici alla Tonhalle di Zurigo, una manifestazione piuttosto insolita di una sponsorizzazione milionaria.

Il 21 febbraio 1990 è stata fondata a Zurigo la Fondazione Orpheum per la promozione di giovani solisti da Hans Heinrich Coninx, per molti anni presidente della casa editrice Tamedia AG. Da qualche tempo l'Orpheum Music Festival si tiene ogni due anni, per un totale di dodici eventi di questo tipo. I membri del consiglio di amministrazione, composto da 17 membri, propongono giovani talenti da inserire nel programma di sponsorizzazione dell'Orpheum, che hanno l'opportunità di esibirsi con un'orchestra e un direttore rinomati nella Tonhalle di Zurigo.

Non ci sono quindi sconosciuti nei concerti dell'Orpheum. Quest'anno ne è un esempio il ventiduenne violoncellista Kian Soltani, che all'età di dodici anni è stato ammesso all'Accademia di Musica di Basilea da Ivan Monighetti e da allora ha studiato con Sol Gabetta e David Geringas. Oltre al concerto all'Orpheum del 6 settembre con l'Orchestra della Tonhalle diretta da Neville Marriner, ha suonato alla Schubertiade di Hohenems e alla Kissinger Sommer, si è esibito con i Virtuosi di Anne-Sophie Mutter e ha interpretato il Triplo Concerto di Beethoven con la West-Eastern Orchestra di Daniel Barenboim. Allora perché l'Orpheum quando i solisti sono già così affermati nel mondo dei concerti? Howard Griffiths, da 15 anni direttore artistico dell'Orpheum Young Soloists on Stage, come si chiama ora l'evento, dice della situazione attuale: "La competizione è estrema e solo gli artisti con un carattere molto speciale e le più alte capacità strumentali hanno una carriera duratura".

L'Orpheum non si occupa quindi della promozione convenzionale dei talenti, ma di un ulteriore sostegno alla carriera. L'elenco dei solisti degli ultimi 25 anni comprende nomi illustri come Renaud Capuçon, Alice Sarah Ott, Martin Grubinger e Baiba Skride. Tuttavia, tutti si sono esibiti una sola volta all'Orpheum, il che solleva inevitabilmente la questione della sostenibilità. Griffiths spiega: "Utilizziamo la nostra rete per collocare i musicisti che sponsorizziamo presso altre orchestre e promotori, compresi altri concerti in Germania, Russia, Svizzera e Austria. Io stesso invito regolarmente solisti a suonare con l'Orchestra di Stato del Brandeburgo, di cui sono direttore principale".

Per celebrare l'anniversario, hanno escogitato qualcosa di speciale e hanno presentato "due generazioni di solisti Orpheum", per dirla in modo un po' esagerato: Il violinista quarantenne Nikolaj Znaider, entrato a far parte dell'Orpheum nel 1996 e ormai affermato musicista, ha suonato la Sinfonia Concertante in mi bemolle maggiore KV 364 di Mozart insieme al violista venticinquenne Kyoungmin Park. È stata un'esibizione di successo quella del 4 settembre alla Tonhalle di Zurigo, in cui il suono sicuro del musicista affermato si è armonizzato bene con quello sonoro del violista emergente. Nel registro medio e nei cambi di registro, il violista ha avuto ancora qualche piccola difficoltà, ma queste sono state coperte dal bel suono dell'Orchestra Sinfonica di Vienna. Philippe Jordan era sul podio e ha dimostrato la sua classe come direttore principale dell'Orchestra Sinfonica di Vienna alla fine con una brillante interpretazione della Sinfonia n. 7 di Beethoven. Il nome "Jordan" ha una tradizione clamorosa all'Orpheum, poiché il padre di Philippe, Armin Jordan, è stato uno dei direttori d'orchestra fin dall'inizio.

Da allora, molte cose sono cambiate nel mondo della musica, come descrive sinteticamente Howard Griffiths: "Ci sono molti più musicisti altamente qualificati, sia tecnicamente che musicalmente, soprattutto dall'Asia, ma anche dalla Russia, dall'Europa e dagli Stati Uniti. Anche il numero di concorsi e festival è aumentato. Tuttavia, soprattutto i giovani solisti si trovano ad affrontare sfide enormi a causa delle restrizioni finanziarie con cui molte orchestre e istituzioni culturali stanno lottando. C'è il rischio che a molti artisti di talento non vengano date sufficienti opportunità per costruire una carriera sostenibile". L'Orpheum vuole dare un contributo, che ora comprende una collaborazione con l'etichetta di CD Sony, che pubblicherà le registrazioni dei solisti dell'Orpheum.

A Friburgo si sta creando un centro di insegnamento e ricerca musicale con una forte attenzione alla pratica musicale e alle materie di musicologia, teoria musicale, educazione musicale e fisiologia musicale. A Karlsruhe, l'attenzione è rivolta al giornalismo musicale e all'informatica musicale. L'Istituto per il giornalismo musicale, che offre formazione multimediale, e l'Istituto per l'informatica musicale hanno unito le forze in questo centro regionale.

A Mannheim si sta costruendo un grande centro di direzione d'orchestra che si occupa di direzione corale, orchestra/musica sinfonica, opera, avanguardia, direzione di orchestre di fiati (amatoriali) e direzione di ensemble jazz. Stoccarda ospita il "Campus Gegenwart", con una combinazione interdisciplinare di varie discipline artistiche nell'arte, nella ricerca e nell'istruzione. Sono riunite la nuova musica (con musica elettronica/computer music, arte vocale, nuovo teatro musicale), la composizione, il jazz/pop, le arti dello spettacolo, la speech art, la musicologia/teoria musicale. Sono incluse anche l'Accademia di Belle Arti e l'Accademia di Media Arts, gli artisti creativi e la scena indipendente.

A Trossingen, le aree musica - design - performance sono al centro dell'attenzione. Ciò tiene conto della generazione dei nativi digitali, che spesso sono socializzati musicalmente in modo diverso rispetto alla clientela tradizionale di un'università musicale. La collaborazione con l'Università di Scienze Applicate di Furtwangen è una componente chiave di questo centro regionale.

L'istituzione dei centri regionali è destinata a essere permanente. Per finanziarli, è stato creato un pool di posizioni per il quale lo Stato mette a disposizione cinque cattedre W3 e altre cinque posizioni di medio livello (E13) per cinque anni. I Conservatori di musica contribuiscono ciascuno con due posizioni W3 a questo pool.