È passato quasi mezzo secolo dall'ultimo libro sul variegato mondo delle percussioni (Peinkofer/Tannigel: Manuale di percussioneSchott, 1969). In questo contesto Il grande libro della pratica delle percussioni pubblicato da Gyula Racz è quasi in ritardo. In collaborazione con 14 autori, presenta in dettaglio le percussioni e tutto ciò che le accompagna. Il compendio è suddiviso nelle sezioni Strumentologia, Pratica esecutiva e Pedagogia, con la Strumentologia che occupa la posizione più importante.

In questo colorato capitolo, riccamente illustrato con soggetti storici, gli autori parlano delle origini e della storia della batteria. I primi importanti rudimenti per il rullante si trovano già qui in forma di notazione. Inoltre, vengono svelate molte cose sul tamburo di Basilea e sulla sua notazione, sviluppata da Fritz Berger.

Nel libro di Gyula Racz si possono conoscere strumenti esotici come l'angklung, il ruggito del leone o i denti d'asino, così come si possono scoprire i flauti a cipolla, i fischietti o il canto degli uccelli. Anche se questi ultimi non sono strumenti a percussione, fanno parte dello strumentario del percussionista classico.

Benjamin Franklin non fu solo il Presidente degli Stati Uniti, ma anche un brillante inventore. Tra le altre cose, inventò l'armonica a bicchieri. Questa viene solitamente suonata da musicisti appositamente formati. Alcune note composizioni per l'armonica a bicchieri risalgono al XVIII secolo. Tra coloro che utilizzarono lo strumento nelle loro composizioni vi furono grandi maestri come Mozart e Gluck. Tuttavia, l'armonica a bicchieri fu poi dimenticata perché, secondo quanto riportato dalla stampa del XIX secolo, non era del tutto sicura per i nervi di esecutori e ascoltatori. Tuttavia, all'inizio del XX secolo, Richard Strauss scrisse nella sua opera Donna senza ombra ancora alcune sequenze di accordi per l'armonica a bicchieri.

Nel primo sottocapitolo della sezione "Letteratura e pratica esecutiva", vengono presentati brani solistici e d'insieme dell'epoca della Nuova Musica, che fanno conoscere al lettore compositori come Varèse e Cage, ma anche molti altri. Due sottocapitoli separati e completi sono dedicati al vibrafono jazz e al drumset. Naturalmente è incluso anche il mondo delle percussioni latine. Numerosi esempi di spartiti e molte immagini permettono al lettore di immergersi in questo affascinante cosmo.

Il grande libro della pratica delle percussioni è stato creato in collaborazione con l'azienda Kolberg, nota per la produzione di strumenti a percussione e accessori di alta qualità. Grazie all'organizzazione trasversale dei generi, è un'opera di riferimento adatta a direttori d'orchestra, compositori, insegnanti e a chiunque sia interessato alla musica. Con 360 pagine e un'impaginazione perfetta, vi conquisterà al primo sguardo e non dovrebbe mancare in nessuna biblioteca musicale ben fornita.

Il grande libro della pratica delle percussioni, a cura di Gyula Racz, 364 p., € 39,90, ConBrio, Regensburg 2014, ISBN 978-3-940768-43-8

Nell'enciclopedia La musica nel passato e nel presente nel quarto volume della prima edizione di "Feste und Festspiele", pubblicata nel 1954, menziona l'importante ruolo svolto dal genere del festival nella vita musicale svizzera: "Oggi, quasi nessun festival importante (soprattutto festival canori, festival del centenario, ecc.) è concepibile senza un festival". All'epoca, questo genere poteva vantare una tradizione di circa cento anni. L'origine di questa storia di successo è stata la prima Festa dei vigneronsche François Grast compose nel 1851. A volte su temi popolari rurali, come nel Vaud, a volte su eventi storico-patriottici, interpretate da attori e attrici dilettanti e solitamente accompagnate da orchestre amatoriali, queste opere teatrali con il loro ricco accompagnamento musicale si diffusero rapidamente in tutta la Svizzera francese e tedesca. Ciò che accomunava tutti i festival era la loro connotazione ideologica: queste opere erano destinate a rafforzare l'identità (musicale) del popolo svizzero. Nel Canton Ticino, il genere si affermò solo negli anni Venti. Il popolo ticinese dovette superare problemi di identità (musicale) simili a quelli della Confederazione svizzera nel suo complesso. Tuttavia, si trovarono di fronte a un ulteriore dilemma: da un lato, era importante mantenere una tradizione considerata tipicamente svizzera nella Svizzera meridionale, mentre dall'altro gli autori ticinesi volevano evitare luoghi comuni turistici nella loro auto-rappresentazione.

Dopo alcuni tentativi isolati (il primo nel 1924 per il Festa delle camelie a Locarno), tra il 1933 e il 1944, in occasione dell'annuale fiera campionaria di Lugano, nacque una tradizione continuativa di festival, proseguita poi sporadicamente fino al 1953. È al centro dell'ultimo libro di Carlo Piccardi, decano della musicologia ticinese. Un capitolo a parte è dedicato a ciascun festival nel suo periodo di massimo splendore. Le tensioni ideologiche di cui sopra assunsero naturalmente una nuova dimensione e urgenza all'epoca del fascismo italiano e durante la Seconda guerra mondiale. I migliori artisti ticinesi dell'epoca diedero il loro contributo al Festival di Lugano, come gli scrittori Guido Calgari e Vinicio Salati, i compositori Otmar Nussio ed Enrico Dassetto e la coreografa Ada Franellich. Una ricchissima sezione di documentazione occupa una buona metà del volume e presenta numerosi estratti di partiture, libretti e materiale visivo.

Piccardi ha ricostruito queste opere e il loro contesto con grande attenzione ai dettagli e ha creato un quadro vivido della tarda fioritura di un genere musicale perduto in Ticino. Il loro soggetto ci appare oggi strano o quantomeno superato, ma il loro sfondo ideologico era certamente giustificato all'epoca. È degno del nostro riconoscimento semplicemente perché numerosi artisti vi hanno lavorato con grande dedizione.

Carlo Piccardi, La rappresentazione della piccola patria: gli spettacoli musicali della Fiera Svizzera di Lugano, 1933-1953, 6 + 631 p., € 24,00, Libreria musicale italiana, Lucca 2013, ISBN 9788870967388

L'obiettivo del progetto, organizzato per la sesta volta, è lo scambio culturale nel linguaggio che tutto il mondo comprende: la musica. Alla luce dei numerosi conflitti, il tour di quest'anno vuole essere un esempio di pace. Il concerto prevede quindi l'esecuzione dell'opera L'uomo armato - Una messa per la pace per coro e orchestra di Karl Jenkins. Il programma è completato da musiche di tutto il mondo. Il direttore musicale è il direttore d'orchestra di Dresda Max Röber.

Secondo gli organizzatori, i giovani talenti musicali provengono dai quartieri più poveri del mondo. Alla fine di settembre, circa 30 giovani adulti provenienti da progetti sociali ed educativi dei gesuiti di quattro continenti si sono riuniti a Norimberga, dove si sono preparati per il tour europeo. Dalla Svizzera hanno partecipato un virtuoso violinista di Gossau e un giovane cantante della scuola cantonale di Sursee.

L'Orchestra delle Nazioni farà una breve tappa in Svizzera durante il suo tour dal 16 al 24 ottobre. Al concerto del 21 ottobre alle 19.30 nella Stadtkirche St. Georg di Sursee parteciperà anche la Presidente della Confederazione Svizzera, Simonetta Sommaruga. Il concerto sarà replicato il 22 ottobre alle 19.00 nella parrocchia Herz Jesu Wiedikon. Un CD sarà disponibile a partire da dicembre.

Ulteriori informazioni:

www.jesuiten-weltweit.ch/weltweite-klaenge-2015 html

Konrad Wolf era un regista politico, secondo la citazione. Per lui non era importante solo ciò che i film mostravano, ma anche ciò che realizzavano. Per questo motivo, il premio "nella sua dimensione intellettuale dovrebbe andare a un artista cinematografico che non ha mai permesso che la sua testardaggine autobiografica e la sua indipendenza politica venissero scacciate da lui".

Il premio in denaro sarà devoluto al villaggio dell'opera in Burkina Faso, in particolare "per sostenere il progetto di aiutare i giovani a conoscere il cinema come mezzo di espressione". Il premio è stato ritirato da Aino Laberenz, direttore generale di Operndorf Afrika.

Il progetto Operndorf Afrika è stato lanciato da Schlingensief in Burkina Faso all'inizio del 2010 come luogo di incontro internazionale. Il governo del Burkina Faso ha messo a disposizione 20 ettari di terreno vicino alla capitale Ouagadougou. Il villaggio, realizzato dall'architetto burkinabé Francis Kéréhat, confina con un parco di sculture che esiste da oltre 25 anni.

Maki Wiederkehr merita il premio come riconoscimento speciale per i suoi eccellenti risultati al pianoforte, scrive la fondazione. Il premio dovrebbe aiutare la giovane artista a perfezionare ulteriormente il suo modo di suonare altamente sviluppato e a realizzare nuovi progetti.

Maki Wiederkehr ha studiato con Hiroko Matsumoto a Nagoya (Giappone), poi in Svizzera con Taeko Szedlak alla Musikschule Konservatorium di Berna, alla Kantonsschule di Soletta con Adalbert Roetschi e all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK).

Nell'inverno 2008/2009 ha completato gli studi nella classe di solisti della ZHdK (dal 2003) con un diploma di concerto e di insegnamento sotto la guida di Homero Francesch. Dal 2010 al 2014 ha insegnato pianoforte presso l'Accademia musicale di Basilea. Attualmente lavora presso la Musikschule Konservatorium Zürich. È anche la pianista del trio pianistico Rafale, che ha vinto diversi premi internazionali.

Dal 2003 la Fondazione culturale svizzera Kurt e Barbara Alten assegna ogni due anni premi di sponsorizzazione e riconoscimento ad artisti strettamente legati al Cantone di Soletta.

"Fin dalla sua fondazione, le Giornate musicali di Donaueschingen sono state caratterizzate da compositori uomini, la percentuale di donne è trascurabile", afferma l'Agenzia di stampa tedesca citando Gottstein, che ha preso il posto del defunto Armin Köhler. Ora ci sono piani concreti per dare al popolare festival di nuova musica un sapore più femminile.

Nell'attuale edizione del festival - che si svolge dal 16 al 18 ottobre e che ha già registrato il tutto esaurito - solo Olga Neuwirth è rappresentata come compositrice. Ha analizzato gli spazi sonori della Basilica di San Marco a Venezia nello studio elettronico e li ha trasformati musicalmente.

Dal 16 al 18 ottobre, le Giornate musicali di Donaueschingen 2015 metteranno in evidenza la nuova musica nel suo rapporto con la tradizione classica con 18 prime mondiali e quattro installazioni sonore.

Un duo di contrabbassi, che parte dalle profondità e si espande gradualmente nel corso della serata attraverso una serie di registri sonori e rumoristici, come sanno fare due eccellenti improvvisatori come Daniel Studer e Peter K Frey. I primi spruzzi di un testo onirico e semisonnolento del poeta Kurt Aebli si aggiungono presto attraverso gli altoparlanti - e presto anche i rumori. Da dove? È importante saperlo? Il libretto di sala ci dice: da un'officina di tram di Zurigo. Lo avremmo scoperto? Cosa ci dice questo luogo di trasporto e manutenzione urbana stazionaria? Ci stiamo muovendo in modo sonnambolico attraverso una città immaginaria? Più tardi, sul monitor appariranno le prime immagini individuali, immagini di un paesaggio, di un ambiente urbano.

Infine, un taglio: appare la cantante Jeannine Hirzel, che non interpreta alcun ruolo, si siede, intona i primi suoni senza senso, poi recita dei testi con voce cantilenante, sono quelli che abbiamo già sentito, che ora di tanto in tanto risuonano antifonicamente dagli altoparlanti. Le singole immagini si uniscono per formare un film di arresti - un film con una patina sfocata e un po' onirica. Proviene da registrazioni in Super 8 effettuate dall'architetto Ernst Studer mentre sviluppava città utopiche con figure di cera all'ETH tra il 1975 e il 1977.

Musica, testo, suono, canzone e film si uniscono, e il pezzo di teatro musicale che Peter Schweiger ha messo in scena cresce lentamente da questo. Nelle sale della città dei cervelliIl titolo si basa su un brano di Aebli: "Ero ossessionato dall'idea che le parole si muovessero per le sale del mio cervello città un flusso di strane persone lasciavo che avessero la loro vita la loro brutta forma piuttosto raggruppamenti di lettere e sillabe che il mio udito mi dava che i miei occhi mi davano che il mio cuore la mia anima il mio corpo prendevano rigorosamente" ...

Raggruppare lettere, sillabe e parole - e dare loro un significato attraverso i sensi e l'anima - è un modo semplice per parafrasare ciò che è accaduto in questo pezzo. Infatti, è stata la percezione a creare presto connessioni dalle costellazioni multimediali. Pareidolicamente, ha formato grammatiche e strutture, ha stabilito relazioni e allo stesso tempo si è chiesta in modo autoriflessivo: ci sono relazioni nell'eterogeneità di questi eventi? Non si tratta forse anche dell'autopercezione di chi percepisce? Come nel testo di Aebli - e sul palco. Improvvisamente vediamo il volto del cantante sullo schermo, attraverso la telecamera. Più tardi, osserviamo i due bassisti mentre suonano. È così che l'opera guarda se stessa. Perché questa auto-riflessione, che ha sempre un momento di imbarazzo? Un'autoriflessione così ingrandita e raddoppiata non è forse diventata cieca? Un bell'accessorio dell'epoca della riflessività, forse un po' troppo e non necessario. Ma probabilmente faceva parte di questo "tentativo di rendere tangibile il desiderio di perfezione costantemente riflesso e il suo momentaneo fallimento o successo nella progettazione visivamente potente di una città del futuro". Secondo il testo del programma.

È così? L'intenzione formulata non era abbastanza chiara per me personalmente. Nel complesso, tuttavia, la tranquillità semisveglia della costellazione era impressionante, la prevista intensità "non liscia", una grande serietà. Il risultato era un brano coerente, anche se non certo fulminante o vivace; anzi, ci si potrebbe chiedere se non fosse un po' soddisfatto della sua confusa e cerebrale coerenza. In ogni caso, non saltava in alto, non faceva capriole, certamente non mortali - forse non doveva, forse non voleva...

Se non era palese, era forse innovativo. La chiave di lettura è fornita dal sottotitolo poco appariscente: "Eine Spielanordnung". L'"arrangiamento" indica che qui c'è qualcosa di preordinato - come di solito non accade con la musica liberamente improvvisata. Tuttavia, è nel senso di un arrangiamento che permette una drammaturgia e lascia spazio alla libera interpretazione. Questo non sembra essere particolarmente nuovo, ma è centrale quando si tratta di incorporare voci e testi: Perché in questo genere non si tratta ancora di una cosa scontata, ma di una sfida che richiede una fissazione lineare. Alcuni progetti precedenti, come quelli del trio di improvvisazione Karl ein Karl, di cui fa parte anche Peter K Frey, hanno già portato in questa direzione. L'arrangiamento musico-teatrale e la libera improvvisazione, o meglio la loro interazione, creano qualcosa di particolare, una costellazione che definirei quasi saggistica del teatro musicale.

 La Fondazione Orpheum, che a settembre ha festeggiato il suo 25° anniversario, si elogia come un "modello di sponsorizzazione di successo": "Per i giovani musicisti questo significa non solo incontri artistici di altissimo livello, ma spesso anche un impulso alla carriera", continua la prefazione della rivista culturale Du, che ha pubblicato un numero speciale. L'anniversario è stato celebrato ad alto livello artistico con quattro grandi concerti sinfonici alla Tonhalle di Zurigo, una manifestazione piuttosto insolita di una sponsorizzazione milionaria.

Il 21 febbraio 1990 è stata fondata a Zurigo la Fondazione Orpheum per la promozione di giovani solisti da Hans Heinrich Coninx, per molti anni presidente della casa editrice Tamedia AG. Da qualche tempo l'Orpheum Music Festival si tiene ogni due anni, per un totale di dodici eventi di questo tipo. I membri del consiglio di amministrazione, composto da 17 membri, propongono giovani talenti da inserire nel programma di sponsorizzazione dell'Orpheum, che hanno l'opportunità di esibirsi con un'orchestra e un direttore rinomati nella Tonhalle di Zurigo.

Non ci sono quindi sconosciuti nei concerti dell'Orpheum. Quest'anno ne è un esempio il ventiduenne violoncellista Kian Soltani, che all'età di dodici anni è stato ammesso all'Accademia di Musica di Basilea da Ivan Monighetti e da allora ha studiato con Sol Gabetta e David Geringas. Oltre al concerto all'Orpheum del 6 settembre con l'Orchestra della Tonhalle diretta da Neville Marriner, ha suonato alla Schubertiade di Hohenems e alla Kissinger Sommer, si è esibito con i Virtuosi di Anne-Sophie Mutter e ha interpretato il Triplo Concerto di Beethoven con la West-Eastern Orchestra di Daniel Barenboim. Allora perché l'Orpheum quando i solisti sono già così affermati nel mondo dei concerti? Howard Griffiths, da 15 anni direttore artistico dell'Orpheum Young Soloists on Stage, come si chiama ora l'evento, dice della situazione attuale: "La competizione è estrema e solo gli artisti con un carattere molto speciale e le più alte capacità strumentali hanno una carriera duratura".

L'Orpheum non si occupa quindi della promozione convenzionale dei talenti, ma di un ulteriore sostegno alla carriera. L'elenco dei solisti degli ultimi 25 anni comprende nomi illustri come Renaud Capuçon, Alice Sarah Ott, Martin Grubinger e Baiba Skride. Tuttavia, tutti si sono esibiti una sola volta all'Orpheum, il che solleva inevitabilmente la questione della sostenibilità. Griffiths spiega: "Utilizziamo la nostra rete per collocare i musicisti che sponsorizziamo presso altre orchestre e promotori, compresi altri concerti in Germania, Russia, Svizzera e Austria. Io stesso invito regolarmente solisti a suonare con l'Orchestra di Stato del Brandeburgo, di cui sono direttore principale".

Per celebrare l'anniversario, hanno escogitato qualcosa di speciale e hanno presentato "due generazioni di solisti Orpheum", per dirla in modo un po' esagerato: Il violinista quarantenne Nikolaj Znaider, entrato a far parte dell'Orpheum nel 1996 e ormai affermato musicista, ha suonato la Sinfonia Concertante in mi bemolle maggiore KV 364 di Mozart insieme al violista venticinquenne Kyoungmin Park. È stata un'esibizione di successo quella del 4 settembre alla Tonhalle di Zurigo, in cui il suono sicuro del musicista affermato si è armonizzato bene con quello sonoro del violista emergente. Nel registro medio e nei cambi di registro, il violista ha avuto ancora qualche piccola difficoltà, ma queste sono state coperte dal bel suono dell'Orchestra Sinfonica di Vienna. Philippe Jordan era sul podio e ha dimostrato la sua classe come direttore principale dell'Orchestra Sinfonica di Vienna alla fine con una brillante interpretazione della Sinfonia n. 7 di Beethoven. Il nome "Jordan" ha una tradizione clamorosa all'Orpheum, poiché il padre di Philippe, Armin Jordan, è stato uno dei direttori d'orchestra fin dall'inizio.

Da allora, molte cose sono cambiate nel mondo della musica, come descrive sinteticamente Howard Griffiths: "Ci sono molti più musicisti altamente qualificati, sia tecnicamente che musicalmente, soprattutto dall'Asia, ma anche dalla Russia, dall'Europa e dagli Stati Uniti. Anche il numero di concorsi e festival è aumentato. Tuttavia, soprattutto i giovani solisti si trovano ad affrontare sfide enormi a causa delle restrizioni finanziarie con cui molte orchestre e istituzioni culturali stanno lottando. C'è il rischio che a molti artisti di talento non vengano date sufficienti opportunità per costruire una carriera sostenibile". L'Orpheum vuole dare un contributo, che ora comprende una collaborazione con l'etichetta di CD Sony, che pubblicherà le registrazioni dei solisti dell'Orpheum.

Endo Anaconda, alias Andreas Flückiger, ha fondato Stiller Has insieme a Balts Nill, alias Ueli Balsiger, nel 1989. Il musicista di origini austriache è molto legato al cantone di Berna ed è una figura di riferimento della musica rock bernese. Il nono album in studio di Stiller Has è stato pubblicato nel 2013: "Böses Alter".

La compositrice e performer Lilian Beidler ha attirato l'attenzione per la prima volta con ambienti acustici su larga scala, ai quali ora contribuisce anche con il suo corpo e la sua voce come performer.

Nel suo modo di suonare la fisarmonica, Mario Batkovic mescola le canzoni tradizionali balcaniche con la musica jazz e rock contemporanea e riecheggia influenze che vanno da Tom Waits ad Astor Piazzolla e Johann Sebastian Bach.

Come batterista della band post-punk "Grauzone" intorno al 1980, Marco Repetto si inserisce nello zeitgeist dell'epoca e affina brani proto-techno come "Film 2". Alla fine degli anni Ottanta, diventa uno dei più importanti protagonisti della nascente scena techno svizzera.

Il pianista Gilles Grimaître sarà insignito del premio "Coup de cœur 2015" per giovani talenti, del valore di 3.000 franchi.
 

A Friburgo si sta creando un centro di insegnamento e ricerca musicale con una forte attenzione alla pratica musicale e alle materie di musicologia, teoria musicale, educazione musicale e fisiologia musicale. A Karlsruhe, l'attenzione è rivolta al giornalismo musicale e all'informatica musicale. L'Istituto per il giornalismo musicale, che offre formazione multimediale, e l'Istituto per l'informatica musicale hanno unito le forze in questo centro regionale.

A Mannheim si sta costruendo un grande centro di direzione d'orchestra che si occupa di direzione corale, orchestra/musica sinfonica, opera, avanguardia, direzione di orchestre di fiati (amatoriali) e direzione di ensemble jazz. Stoccarda ospita il "Campus Gegenwart", con una combinazione interdisciplinare di varie discipline artistiche nell'arte, nella ricerca e nell'istruzione. Sono riunite la nuova musica (con musica elettronica/computer music, arte vocale, nuovo teatro musicale), la composizione, il jazz/pop, le arti dello spettacolo, la speech art, la musicologia/teoria musicale. Sono incluse anche l'Accademia di Belle Arti e l'Accademia di Media Arts, gli artisti creativi e la scena indipendente.

A Trossingen, le aree musica - design - performance sono al centro dell'attenzione. Ciò tiene conto della generazione dei nativi digitali, che spesso sono socializzati musicalmente in modo diverso rispetto alla clientela tradizionale di un'università musicale. La collaborazione con l'Università di Scienze Applicate di Furtwangen è una componente chiave di questo centro regionale.

L'istituzione dei centri regionali è destinata a essere permanente. Per finanziarli, è stato creato un pool di posizioni per il quale lo Stato mette a disposizione cinque cattedre W3 e altre cinque posizioni di medio livello (E13) per cinque anni. I Conservatori di musica contribuiscono ciascuno con due posizioni W3 a questo pool.
 

Con oltre 1.200 partecipanti, la 1° Biennale di Nuova Musica e Architettura di Basilea ha coinvolto soprattutto i giovani. Durante il fine settimana dal 10 al 13 settembre, 6.500 spettatori e circa 14.000 ascoltatori hanno assistito alle esibizioni gratuite. I 12 progetti, con circa 140 esecuzioni, si sono svolti in 21 luoghi diversi e 26 opere sono state presentate in anteprima. Per il direttore del festival Bernhard Günther e la direttrice di produzione Anja Wernicke è stata un'enorme sfida logistica coordinare tutti i partecipanti e rendere i vari spazi accessibili all'idea artistica. Il programma del festival è stato davvero traboccante, con molti eventi interessanti che si sono svolti in parallelo.

I giovani tamburini provenienti da tutta la Svizzera hanno dato il via all'evento e il tempo è stato clemente: La tranquilla Münsterplatz, con le sue case nobiliari, si è trasformata in uno spazio per un rumoroso concerto di tamburi e fischietti, accompagnato da live electronics. La star della batteria di Basilea Ivan Kym e il compositore e performer del Tirolo Orientale Wolfgang Mitterer avevano provato i loro nuovi pezzi e le loro azioni con i partecipanti alla settimana della batteria in Svizzera sul Brünig. L'esibizione a Basilea era ben preparata e la precisione dei batteristi era sorprendente. Il pubblico era presente, compresi naturalmente molti genitori e fratelli dei partecipanti.

Il pubblico è poi entrato nella cattedrale antica, che per una volta ha offerto spazio alla nuova musica. Il compositore britannico James Clark (*1957) aveva concepito un pezzo appositamente per il Raumklang Basel che divideva i 300 cantanti di cinque scuole elementari in sei cori: davanti, dietro, a sinistra e a destra del pubblico. L'ensemble di otto tromboni, la Trombone Unit Hannover, era distribuito nelle gallerie. L'aspetto sorprendente è che i cori, diretti da Oliver Rudin, non solo cantavano, ma gridavano e chiamavano in una sequenza semplicemente concepita. I bicchieri da vino riempiti d'acqua sono stati delicatamente sfiorati, le bottiglie di vino sono state soffiate e applaudite. Questa mezz'ora di spettacolo è stata originale, l'alta Münster si è riempita di energia vitale, suoni potenti e poetici, agitazioni e controreazioni.

Un progetto visionario è stato Crono nella Volkshaus, recentemente ristrutturata. Al centro dell'auditorium è stato installato un palco girevole; i compositori Beat Furrer, Thomas Kessler, Beat Gysin e Georg Friedrich Haas hanno esplorato questa speciale situazione di esecuzione. In un'occasione, il pubblico si è seduto sul palco girevole e i musicisti hanno suonato al centro e all'esterno del cerchio del pubblico. Per un altro pezzo, il pubblico si è spostato nella galleria e la musica si è svolta sul palco girevole e accanto ad esso. La direzione delle luci di Michael Simon ha fornito una luce bianca e fredda.

Beat Gysin (*1968) è stato strutturalmente coinvolto più intensamente con il movimento rotatorio nell'opera commissionata Crono (radiale) per ensemble e voci. Ha reso udibile e tangibile la possibilità di "circumnavigare un centro" e di "girare intorno a se stessi". Con una crescente complessità tonale e un'intensificazione della drammaturgia, ha affascinato il pubblico sul palco girevole, creando persino una sorta di danza circolare. L'Ensemble Recherche e le due cantanti Svea Schildknecht e Johanna Greulich sono quasi caduti in trance.

La cerimonia di premiazione del Gran Premio svizzero di musica si è svolta nell'ambito della prima di questo progetto speciale di Drehklang. Nel corso di una festosa cerimonia, il Consigliere federale Alain Berset ha consegnato il premio di 100.000 franchi svizzeri a Heinz Holliger, trasmesso in diretta streaming dal suo tour in Giappone.

Secondo il GDM, i partecipanti all'incontro hanno votato "a stragrande maggioranza" a favore della fondazione di una cooperativa. A Fulda è stato chiarito che l'obiettivo non è solo quello di ottenere vantaggi nell'acquisto di prodotti. Piuttosto, la cooperativa dovrebbe concentrarsi sulla realizzazione di campagne di marketing in collaborazione con i fornitori e, in generale, sulla promozione della musica attiva. In definitiva, questo dovrebbe "creare più mercato per l'intero settore".

Una delle priorità della cooperativa è l'espansione delle sue attività su Internet. Sono stati presentati i piani per la creazione di un database standardizzato che possa essere messo a disposizione di tutti i membri della cooperativa. Sono state discusse anche questioni relative alla gamma di prodotti di base e a temi formali come l'ammontare dei depositi e la responsabilità dei soci. Il prossimo passo sarà l'elaborazione di un business plan da parte di un team di esperti, che comprenderà anche la pianificazione finanziaria.

La messa autografa fa parte dell'ampia collezione di Bach della biblioteca, che contiene circa l'80% di tutte le composizioni superstiti del maestro. La collezione musicale contiene anche l'autografo della Sinfonia n. 9 di Ludwig van Beethoven, iscritta nel 2001 nel Registro del Patrimonio Mondiale.

Completò la Messa in si minore, l'ultima opera corale di Bach, poco prima della fine della sua vita, nel 1748-49, portando così a termine la sua maestria. Nella sua messa Bach utilizzò tipi di movimento, forme e tecniche compositive storiche e moderne. L'esplorazione da parte di Bach di schemi tradizionali da un lato e l'uso di tecniche compositive moderne dall'altro in un'unica opera, la Messa in si minore, è una caratteristica unica.

Questa unica partitura completa della vita di Bach è scritta a inchiostro su carta; Bach utilizzò 99 fogli e quattro frontespizi. Non è datata dal maestro stesso, ma può essere determinata confrontando la grafia.

Tra i dodici documenti appena aggiunti al registro dell'Unesco ci sono anche quelli che testimoniano l'opera di Martin Lutero come pioniere della Riforma all'inizio del XVI secolo: uno dei rari manifesti stampati delle 95 Tesi sull'Indulgenza e la copia a mano di Lutero dell'edizione della Bibbia ebraica. Anche questi oggetti sono in possesso della Biblioteca di Stato di Berlino.

I concerti includeranno il flautista solista della Lucerne Festival Orchestra Jacques Zoon, il pianista giapponese Kazune Shimizu, un ensemble di fiati di solisti della Lucerne Festival Orchestra incentrato sul trombettista solista Reinhold Friedrich, vincitore del Concorso Chopin 2010, la pianista Yulianna Avdeeva, I Musici del Conservatorio Santa Cecilia di Roma e il sassofonista svedese Magnus Lindgren.

Il Lucerne Festival Ark Nova è la prima sala da concerto mobile e gonfiabile. È stata voluta da Michael Haefliger, direttore artistico del Festival di Lucerna, dall'architetto giapponese Arata Isozaki, dall'artista britannico Anish Kapoor e dal concertista giapponese Masahide Kajimoto ed è stata costruita per la prima volta nel 2013.

L'idea di base di Ark Nova è quella di portare coraggio e fiducia alle persone durante la ricostruzione nella regione giapponese di Tōhoku, colpita dal disastro dell'11 marzo 2011. Un ensemble di solisti della Lucerne Festival Orchestra si è già esibito nella sala da concerto mobile a Matsushima nel 2013 e a Sendai nel 2014.

Andres Bosshard progetta e realizza l'opera con gli abitanti di Aarhus e della regione del Midtjylland. Secondo la giuria, questa collaborazione civica, per la quale le opere di Andres Bosshard sono note, è stata decisiva per la scelta.

"Con il progetto vincitore 'The Sonic Arc', la Capitale europea della cultura Aarhus 2017 riceve un'opera d'arte unica e poetica che coinvolge e commuove molte persone in modo del tutto singolare", ha dichiarato la giuria nel suo comunicato. Bosshard ha prevalso su 31 concorrenti provenienti da tutto il mondo.

Andres Bosshard è nato nel 1955 e vive e lavora a Zurigo. Si è diplomato come pittore, ma ha iniziato a sperimentare la musica e il teatro fin da giovane. Ha sviluppato oggetti sonori rotanti, musica interattiva per computer, programmi e installazioni sonore, come la "Torre del suono" sul lago di Bienne a Expo.02.