Le band emergenti possono utilizzare gratuitamente le sale prova della città per due anni alla volta. È possibile prolungare il periodo di utilizzo. Finora hanno beneficiato dell'offerta una buona dozzina di band, per un totale di circa cento membri. Ove possibile, viene concesso loro uno spazio nel quartiere in cui vivono.

Ora l'ufficio di assistenza ai giovani della città sta permettendo loro di presentarsi al pubblico nell'ambito di un festival chiamato Locazik, organizzato dagli stessi giovani.

Il 6 e 7 marzo, sette gruppi si esibiranno sul palco della Traverse, nel centro del quartiere Pâquis. Lo spettro stilistico spazia dal rock, ska e punk al blues e al métal, all'hip-hop e alla chanson.

Secondo il Consiglio federale, oltre 2000 professionisti della cultura hanno ricevuto un permesso di otto mesi in ciascuno degli ultimi tre anni. Inoltre, ogni anno sono stati rilasciati circa 130 permessi di lavoro per lavoratori qualificati nel settore culturale a spese della quota di Paesi terzi, tra cui attori, musicisti di orchestre sinfoniche e personale docente dei conservatori.

Secondo il Consiglio federale, non è ancora possibile valutare le conseguenze della riduzione dei permessi basati sui contingenti. L'assegnazione dei contingenti è principalmente di competenza dei Cantoni. Il Consiglio federale intende compensare la riduzione utilizzando meglio il potenziale nazionale. Ci sarebbero ancora opportunità per l'ammissione di specialisti altamente qualificati che sono urgentemente necessari in Svizzera e che non possono essere trovati né qui né nell'UE.

Secondo il Consiglio federale, attualmente non esiste una lacuna normativa fondamentale. Si può ritenere che i musicisti abbiano un elevato interesse accademico se sono impiegati in un'università con un carico di lavoro sufficientemente elevato. Tuttavia, questo non è generalmente il caso se un musicista vuole diventare un lavoratore autonomo in Svizzera dopo la laurea.

I cosiddetti "studenti manager" trascorrono otto mesi esplorando le aree di lavoro di un'istituzione culturale come la Tonhalle di Zurigo. Sono responsabili del finanziamento, del marketing e dell'organizzazione di TOZdiscover. In linea con il motto "da giovane a giovane", organizzano un evento su misura per il pubblico target della stessa età. Ma anche il pubblico giovane dovrebbe fare un viaggio di scoperta e l'ampio programma musicale dovrebbe invitarlo a farlo.

Nella prima parte, classica, del concerto così realizzato, Lionel Bringuier dirige i brani Prélude à l'après-midi d'un faune di Claude Debussy e il brano di Mozart Sinfonia concertante Mi bemolle maggiore. In seguito, il giovane duo elettronico britannico Bondax guiderà la serata. Per la prima volta, in altre tre sale della Tonhalle si potranno scoprire diversi generi musicali.

Info:
Il concerto TOZdiscover si terrà il 27 marzo alla Tonhalle di Zurigo.
www.tonhalle-orchester.ch

L'immagine familiare del jazz come albero robusto dal tronco piuttosto esile e dalla chioma folta e ispida è ormai radicata nella nostra mente. Al più tardi a partire dagli anni Sessanta, si è sviluppata una ramificazione di correnti e di sviluppi che sfugge a qualsiasi rappresentazione lineare. Troppo spesso, quindi, i trattati di storia del jazz si esauriscono poco dopo la metà del secolo o perdono la loro concisione e sostanza da quel momento in poi.

Peter Erskine, batterista di lungo corso del leggendario quartetto Weather Report, è consapevole della complessità dell'impresa di rivalutare il suo tempo durante la sua vita - cioè dal centro dei rami - al punto da non avventurarsi tra i rami fin dall'inizio per quanto riguarda le descrizioni stilistiche o musicali. Il suo approccio è quasi puramente autobiografico e molto specifico per la batteria. Ad esempio, diversi capitoli sono dedicati ai suoi costruttori di batterie. Come lettore, si immagina come un fan fedele che divora con grande piacere gli aneddoti dei suoi compagni e della sua ricca vita artistica. Il risultato è uno stile narrativo quasi da romanzo. Il fatto che Erskine confezioni questo racconto come una cronaca della formazione più famosa, se non necessariamente più formativa, è perdonato come mossa di marketing. Non essendo un batterista, lo scrittore difficilmente si sarebbe attenuto al solo nome di Peter Erskine, anche se risulta che molti dei 600 album che ha contribuito a creare adornano anche la sua collezione di dischi. L'abbondanza e la varietà di stili meritano da sole attenzione.

Erskine ci guida attraverso il lavoro della sua vita con grande rispetto e ammirazione per i co-creatori del suo tempo, tra cui innumerevoli leggende che meritano anch'esse di essere raccontate, e con encomiabile modestia e autoironia. In appendice dedica mini-biografie molto personali a tutti i suoi compagni. Ci sono anche brevi aneddoti e informazioni di base sui suoi cinquanta album più importanti. Purtroppo, spesso rimane troppo in superficie dal punto di vista musicale. Con tutti i titoli di "genio" che gli vengono attribuiti, sarebbe interessante scoprire che cosa costituisce esattamente il genio in una personalità musicale. Nel suo caso, lo scopriamo: sa raccontare una grande storia e, naturalmente, "suonare la batteria in modo favoloso". È riuscito a suonare con la maggior parte dei grandi del jazz della nostra epoca, dando così un notevole contributo al sottobosco dell'albero del jazz.

Tra l'altro, la fama delle sue registrazioni fa sì che praticamente tutto sia documentato su YouTube. L'aspetto inglorioso dell'edizione tedesca di questo libro è l'editing poco accurato per quanto riguarda le regole "that/that".

Peter Erskine, No Beethoven, Autobiografia e cronaca di Weather Report, edizione tedesca, 352 p., € 16,95, Fuzzymusic/Alfred Music, Colonia 2014, ISBN 978-3-943638-91-2

Questa pubblicazione offre una sorpresa estetica, poiché le antologie di saggi accademici sono raramente attraenti in termini di stampa e design. Il grande formato (290 x 195 mm) consente una facile lettura degli esempi musicali e delle illustrazioni che sono sensibilmente integrate nel testo. Inoltre, le numerose immagini in bianco e nero e a colori sono ben selezionate e stampate con cura.

I dieci saggi, sette in tedesco e tre in inglese - "Risultati di uno studio condotto nell'ambito del progetto di ricerca Cantante e attore La prima parte della relazione del workshop, "I gesti dell'opera nel XIX secolo", si concentra sull'area gestuale della pratica operistica nel XIX secolo, ancora una volta principalmente a Parigi e a Vienna; i relatori riportano il linguaggio dei segni dell'epoca sulla base di resoconti di spettacoli e manuali di gestualità, supportati da immagini storiche istruttive, e dimostrano che la formazione di attori e cantanti era per lo più identica. Vengono presentate teoria e pratica, anche se la seconda non è al centro della relazione del workshop. Gesti sul banco di prova e nell'intervista a un insegnante di danza e coreografo. I due contributi principali, come l'intervista, sono scritti in inglese e si concentrano sulla scena parigina dell'epoca: Cantanti come attori esamina i gesti al Grand Opéra, Messa in scena e recitazione al Théâtre Royal Italia.

Sia la pantomima che la danza sono incluse in un ampio saggio. Il Grand Opéra di un Meyerbeer, ad esempio, ha creato delle esclusive di cui i contemporanei, compreso Wagner, hanno approfittato, copiato o cercato di superare. Sorprende che danze folcloristiche e di orientamento nazionale (anche dall'Europa dell'Est) siano state "trasportate" dalla campagna alla città e integrate negli intermezzi dell'opera e nella musica del balletto, e anche che la "dansomania" a Parigi sia scoppiata principalmente in tempo 2/4 o 6/8, mentre a Vienna e Berlino la febbre del ballo sia scoppiata in tempo 3/4 e abbia "sconvolto" la società.

Cantanti come attori. Zur Opernpraxis des 19. Jahrhunderts in Text, Bild und Musik, Musikforschung der Hochschule der Künste Bern, Vol. 5, a cura di Anette Schaffer, Edith Keller, Laura Moeckli, Florian Reichert e Stefan Saborowski, 196 p., € 32,00, Edition Argus, Schliengen 2014, ISBN 978-3-931264-85-7

Olivier Messiaen (1908-1992) ha plasmato la musica francese della seconda metà del XX secolo come quasi nessun altro compositore e didatta. Eppure l'esame critico della sua opera, indipendente dalle sue (ampie) autotestimonianze, è diventato oggetto di lavoro musicologico solo negli ultimi anni. Messiaen si è collocato solo marginalmente nel contesto di una tradizione trasmessa dai suoi maestri, nell'estetica musicale e nelle grandi correnti intellettuali del suo tempo, ma ha piuttosto enfatizzato il suo ruolo di anticonformista.

Il presente volume, basato sui contributi (alcuni dei quali notevolmente ampliati) di un simposio tenutosi all'Institut français di Monaco nel 2008, rivede questo quadro. Cinque autori esaminano la posizione di Messiaen all'interno della tradizione organistica e musicale francese, il suo rapporto con la filosofia del tempo e la sua influenza sulla letteratura del Renouveau catholique; in altri sei contributi viene presentata l'interazione di Messiaen con Debussy, Satie, Jolivet, il Groupe des Six, ma anche con figure meno note come Maurice Emmanuel e Charles Tournemire. In quest'ultimo caso in particolare, il coeditore Stefan Keym (Lipsia) mostra in modo affascinante la grande influenza di Tournemire su Messiaen - in tutte le somiglianze estetiche e compositive tra i due compositori, ma anche dove Messiaen sembra distinguersi chiaramente. I contributi tedeschi, inglesi e francesi di questo libro molto leggibile forniscono informazioni cruciali per una visione differenziata di Messiaen e allo stesso tempo aprono un ampio campo per ulteriori ricerche, che si possono prevedere nei prossimi anni.

Olivier Messiaen e la "tradizione francese", a cura di Stefan Keym e Peter Jost, 246 p., € 29,80, Verlag Dohr, Colonia 2013, ISBN 978-3-86846-112-1

Lo Schwyzerörgeli ha solo poco più di cento anni ed è già diventato un cliché inamovibile: A parte la musica country, nulla sembra funzionare. Quasi nessun protagonista della "scena Örgeler" vuole rompere questo cliché o è in grado di porre nuovi accenti musicali. Ancora oggi, molte parti della scena musicale folk sono caratterizzate da qualcosa di simile alla pruderie. Thomas Aeschbacher e suo padre Werner Aeschbacher dell'Oberaargau sono tra i pochi che cercano comunque nuovi linguaggi musicali con i loro strumenti. Naturalmente, lo fanno senza negare le radici della musica popolare. Perché dovrebbero? Thomas Aeschbacher, come suo padre un grande della nuova scena musicale folk svizzera, lo dimostra con forza nel suo primo album da solista "feat.".

Il quasi cinquantenne, che fin dai primi anni è sempre stato alla ricerca di nuovi toni, suoni e chehrli nella musica popolare tradizionale, ha portato in studio per il suo album 25 eccezionali compagni provenienti dai più diversi settori della scena musicale svizzera. Il risultato è "feat.", uno di quei rari album di Schwyzerörgeli che non iniziano ad annoiare dalla terza traccia in poi. Il merito non è principalmente dei suoi colleghi musicisti, ma della musicalità accademica di Thomas Aeschbacher, che sa muoversi con la stessa naturalezza nella musica folk come nel jazz, nella musica classica e nella world music e ha anche qualcosa di credibile da dire. Curioso, a volte piuttosto maliziosamente clownesco (come Balthasar Streiff in Inno) sono affiancati da jazzisti, fiati, strumentisti a pizzico e persino da un organista di chiesa. Insieme si spingono oltre i confini della tradizionale musica popolare svizzera, in sorprendenti combinazioni di strumenti, in groove che a volte sembrano improvvisati, a volte ipnotici, a volte malinconici, ma sempre pieni di energia, ascolto e sensibilità. In linea di principio, non inventano nulla di nuovo, ma aggiungono ben più di semplici sfumature agli aspetti tradizionali della nostra musica popolare, senza che "gli esperti musicisti folk e world rinneghino le loro radici", come spiega Thomas Aeschbacher. Il risultato è "feat.", uno degli album Schwyzerörgeli più interessanti e stimolanti degli ultimi anni. Pionieristico, naturalmente.

John Dowland (1563-1626) è probabilmente il più importante compositore inglese dell'epoca elisabettiana. Tuttavia, non riuscì a ottenere l'ambita carica di liutista di corte durante la vita della regina Elisabetta. La sua vita fu caratterizzata da anni di viaggi irrequieti. Nel 1598, Dowland ottenne finalmente un posto alla corte di Cristiano IV di Danimarca, che gli permise di essere molto produttivo come compositore. Solo nel 1612, quando ormai era un uomo famoso, ottenne finalmente il posto desiderato alla corte reale d'Inghilterra.

Nel 2013 gli amici della musica antica hanno celebrato il 450° compleanno di Dowland, la cui musica è caratterizzata da una caratteristica malinconia. Il suo Primo libro di canzoni e arie fu pubblicato nel 1597 e fu accolto con tale entusiasmo da passare a cinque nuove edizioni. Seguirono altri due volumi e la raccolta consortile del 1604. Lachrimae, o lacrime di Seavenun ampio capolavoro di musica strumentale a cinque parti. È dedicato alla regina Anna di Scozia, sorella di Cristiano IV.

Questa raccolta consortile è stata il punto di partenza per una commissione di composizione che il quintetto di flauti dolci B-Five ha affidato al compositore svizzero Carl Rütti per l'anniversario di Dowland. Il risultato è un'opera ispirata e sensibile Suite Dowland di 18 numeri, un intreccio di movimenti originali da Lachrimae, o lacrime di Seaven, alcune le danze ritmicamente vivaci, e cinque nuovi pezzi di Carl Rütti, in cui riflette sulla musica consortile di Dowland e sulla sua vita inquieta.

Carl Rütti è un grande conoscitore della musica vocale britannica, la musica di Dowland Primo libro dei Canti è sempre stata una delle sue opere preferite. In questa suite, l'autore gioca con i motivi dei brani di Dowland, ne adatta le chiavi e li sviluppa drammaturgicamente a partire dall'oscuro brano d'apertura, passando per un giocoso brano di apertura. Chanson avec deux oiseaux fino al virtuoso-drammatico pezzo finale Giga di Sir John. Un sottile intreccio di vecchio e nuovo si dispiega in questa suite, uno stimolante gioco di colori che piacerà non solo agli appassionati di flauto dolce.

Il consorzio di flauti dolci B-Five si è fatto conoscere soprattutto per le opere del Rinascimento. Con la sua ampia selezione di flauti dolci, l'ensemble internazionale produce un suono sorprendentemente colorato. Questo è anche il caso dei movimenti in cinque parti di questa suite di Dowland, che sono caratterizzati in modo molto vivido dal suono puro e chiaro del flauto dolce, anche nelle profondità del flauto basso.

Dal momento che il pezzo solista Danse de la chèvre (1919) di Arthur Honegger e la Ballata per flauto e pianoforte (1939) di Frank Martin, la musica per flauto di compositori svizzeri riceve quasi la stessa attenzione di quella del nostro vicino occidentale. Quanta musica interessante e preziosa c'è nel periodo che va dal 1921 (Werner Wehrli: Suite) al 1989 (René Gerber: Valse), che è stato a lungo messo in ombra dalle già citate Pièces de résistance, sono presentati dalla flautista Franziska Badertscher e dalla pianista Anne de Dadelsen con grande fascino, arguzia e brillantezza.

Il dipinto del 1937 è un tesoro particolare. Grande Sonata op. 53 di Joseph Lauber. L'allievo di Rheinberger di Ruswil a Lucerna ha incorporato influenze di Debussy e Ravel per creare un linguaggio tonale colorato. Il primo movimento prevalentemente cantabile (Patetico) e il vivace Presto finale (Burlesco) sono interpretati con virtuosismo dai dinamici interpreti.

L'espressività Sonata op. 68a per flauto contralto e pianoforte di Raffaele d'Alessandro conferma ciò che disse la sua insegnante di contrappunto Nadia Boulanger: "Vous portez en vous une œuvre authentique". Le qualità liriche predominano nella stratificazione stilistica di Werner Wehrli. Suite op. La marcia leggera parla di malizia, mentre l'espressivo movimento di canto è sognante. Il romanticismo si alterna più volte a elementi neoclassici.

Caratterizzato da un elevato grado di trasparenza e da una linearità finemente delineata, il Kaval e il Sonatina da Jean Binet, la noblesse soddisfa la semplice Pavane e un valzer dell'allievo di Neuchâtel Dukas René Gerber. Julien-François Zbinden ha messo a frutto la sua pluriennale esperienza di pianista jazz nel valzer chiaro e conciso, composto secondo il modello francese. Sonatina op. Le leggere ripetizioni di note del flautista contribuiscono alla vivacità di questo vivace opuscolo tanto quanto le accentuate sincopi del pianista.

Durante il passaggio di consegne, i rappresentanti del Consiglio della Musica hanno espresso grande preoccupazione per il futuro del panorama musicale nei Paesi di lingua tedesca in relazione ai negoziati sugli accordi internazionali TTIP (accordo di libero scambio) e TiSA (accordo sul commercio dei servizi).

Se i servizi pubblici dovessero essere privatizzati attraverso il TiSA, il finanziamento pubblico della cultura e quindi le fondamenta dell'intero panorama culturale in Germania, Austria e Svizzera sarebbero a rischio, scrivono i consigli musicali.

Huber ha assicurato ai consiglieri che la Germania non prevede nuovi obblighi di liberalizzazione del mercato nei settori della cultura e dei media. Il governo statale bavarese è pienamente d'accordo. Per Huber è importante che i negoziati per l'accordo di libero scambio siano molto più trasparenti.

Il TTIP (Partenariato transatlantico per il commercio e gli investimenti) è il previsto accordo di libero scambio tra Stati Uniti e Unione Europea. L'obiettivo è migliorare il commercio di beni e servizi tra gli Stati Uniti e l'Unione Europea, eliminare le barriere commerciali esistenti e ridurre le tariffe doganali. Nel settore culturale, oltre ai finanziamenti pubblici alla cultura, sono particolarmente colpite le industrie culturali.
 

Michael Pelzel si trova a Berlino da sei mesi grazie a una borsa di studio del Servizio tedesco per lo scambio accademico. Una ragione sufficiente perché l'Ultraschallfestival di Berlino gli dedichi un concerto-ritratto. Sotto la direzione di Johannes Kalitzke, il 23 gennaio il Klangforum Wien ha presentato tre opere per grande ensemble di Pelzel. La registrazione del concerto sarà pubblicata anche come CD ritratto nell'edizione Zeitgenössische Musik del Consiglio musicale tedesco. Le cose stanno andando bene a Berlino per il compositore svizzero, che nel 2011 ha ricevuto il Premio Busoni dall'Accademia delle Arti. In occasione della cerimonia di premiazione, Enno Poppe ha elogiato la capacità di Pelzel di trasformare le influenze più diverse in qualcosa di personale. Il concerto all'Hebbeltheater am Ufer di Berlino ha testimoniato ancora una volta questa qualità.
Sul palcoscenico aperto a scatola nera non c'erano solo archi e fiati, ma anche tre percussionisti con vari strumenti, un pianoforte preparato e una celesta. Il Klangforum ha presentato il primo pezzo con una dinamica impressionante, ... lungo la 101 ...del 2008, in cui Michael Pelzel esplora musicalmente la famosa Highway 101 della costa occidentale americana. In questo brano, i suoni dell'ensemble si accumulano fino a formare dense nuvole, immagini e superfici, come in un viaggio variegato. In effetti, sembrano penetrare echi di musica popolare americana: per un momento può sembrare country, come una banda di ottoni, ma si è già sfrecciati oltre questo tratto di strada.

Anche in ... sentiers tortueux ... del 2007, che si traduce con "sentieri tortuosi", l'ascoltatore si immagina in un viaggio movimentato. Ancora una volta emergono paesaggi sonori molto densi che coinvolgono l'intero ensemble, per poi diradarsi nuovamente ed enfatizzare le sottigliezze dei singoli gruppi strumentali - i due pianoforti accordati a intervalli di sesta nota o i fiati che sfumano nel nulla.

La ricchezza di Pelzel e la sua capacità di far emergere i più diversi colori tonali dall'ensemble senza alcun ausilio elettronico sono emerse anche nell'ultimo brano. Blocco sempiterno (2012-14) si fa notare. In esso elabora un'altra esperienza di viaggio, quella di un soggiorno di studio in Sudafrica. Lì ha imparato la particolare tecnica esecutiva del lock-in, un modo speciale di suonare strumenti a percussione con più persone contemporaneamente, in modo da rendere udibili ulteriori ritmi nei sovratoni. Anche in Blocco sempiterno Michael Pelzel ha dimostrato la sua capacità di far convivere influenze diverse come le impressioni provenienti dall'Africa con il suo amore per la musica del XIX secolo. Ricca di varietà, densa, bidimensionale eppure a tratti sottile, l'immagine di un paesaggio in continuo cambiamento è stata creata anche qui. Il pezzo è culminato in un finale impressionante, quasi pomposo, che ha lasciato il pubblico senza parole e meravigliato da questo linguaggio musicale così unico e versatile. Il pubblico ha applaudito con entusiasmo. Resta ora da vedere quale impronta lascerà il soggiorno berlinese della borsa di studio sulla musica di Pelzel, in questo melting pot capace di combinare cose così diverse.
 

Con Pianoforte a una mano L'insegnante di pianoforte Barbara Arens è riuscita a presentare 40 brani che sono più di una soluzione di fortuna per insegnare agli alunni infortunati. Anche in questo caso sono certamente molto graditi e aiutano a colmare il tempo in modo significativo. Tuttavia, consentono anche un lavoro musicale/tecnico differenziato. Che si tratti di diverse articolazioni o dinamiche in una mano, di grandi spostamenti di mano, di doppi arresti o di conduzione polifonica della voce, ci sono brani fantasiosi per molte sfide pianistiche tipiche, da facili a moderatamente difficili. Le difficoltà esecutive, che di solito vengono affrontate con esercizi speciali a secco, possono così essere affrontate in un contesto musicale, con un effetto positivo sulla motivazione alla pratica e sul successo dell'apprendimento.

La tavolozza stilistica spazia dalla musica classica, alla musica da film, al folk e molti pezzi possono essere suonati bene sia dalla mano sinistra che dalla destra. Perché non eseguire un pezzo speciale in occasione di un concerto scolastico - con la mano sinistra, per così dire!

Barbara Arens, One Hand Piano, 40 pezzi per mano destra o sinistra, EB 8646, € 16,00, Edition Breitkopf, Wiesbaden

L'idea di questo libretto di musica popolare svizzera è nata nel 2012 nell'ambito dell'incontro federale dei giovani musicisti di Zugo. Questo festival esiste dal 1978 e si svolge ogni quattro anni. L'Associazione Svizzera di Musica Popolare, fondata nel 1963, lo ha regalato ai giovani musicisti e a se stessa per il suo 50° compleanno. Il festival vuole essere un contributo alla conservazione e alla diffusione della musica popolare svizzera tradizionale della regione alpina.

Le 15 composizioni di Albert Betschart, Hans Moser, Peter Berchtold, René Armbruster e Sergej Simbirev sono impostate per tre o quattro voci, con un duo che suona la melodia e un violino più un violoncello (basso, trombone, tuba ecc.) o una chitarra o un pianoforte che suonano il basso e la "contromisura". A volte la melodia appare anche in chiave di basso, in modo che anche i "bassi" possano suonare la melodia. Le edizioni parallele in C, Bb e Eb consentono di suonare insieme a un'ampia varietà di strumentazioni. Sono utili anche le informazioni sulle opzioni di accompagnamento semplice, con indicazioni scritte degli accordi e delle diteggiature della chitarra. Un capitolo sugli stili di danza e i loro schemi ritmici completa la sezione esplicativa.

L'opuscolo si rivolge principalmente agli insegnanti di musica che vogliono far appassionare i loro allievi alla musica popolare svizzera. Le melodie e le parti di accompagnamento possono essere suonate a partire dal secondo anno di lezioni.

Bärenstark, 15 danze vecchie e nuove, n. d'ordine 1023-C/1023-Bb/1023-Eb, Fr. 25.00 l'una, Mülirad-Verlag, Altdorf