Il libretto del clarinettista, che insegna al Conservatorio di Friburgo, è in francese. Ogni brano è dedicato a due o tre aspetti tecnici del suonare il clarinetto. Si inizia con il riscaldamento, un esercizio sull'imboccatura e sull'ancia e si arriva a tecniche avanzate di esecuzione del clarinetto. Il duetto a due linee Funambolo (Seiltänzer) è dedicato ai glissandi microintervalli in terza posizione, dove l'attrito che ne deriva apre contemporaneamente le orecchie dell'esecutore. Altri brani trattano di slap, multifonici e crome. Mentre vengono fornite le diteggiature per i microintervalli e i multifonici, purtroppo non ci sono istruzioni su come suonare le ance slap.

Gli ultimi tre brani del libretto combinano diverse tecniche precedentemente studiate separatamente e sono adatti anche per audizioni o test di livello. ZiganaIl brano omonimo è una melodia gitana con un'introduzione lenta, una sezione centrale vivace e una cadenza completamente composta alla fine. Per questo e altri quattro brani è incluso un accompagnamento al pianoforte. Giocoleria è un duetto con molte suggestioni e una melodia divisa tra le due voci, che rappresenta una sfida ritmica per gli esecutori, ma anche molto divertente. Nell'ultimo brano Il serpente e la mucca è un brano solista in cui vengono sfruttate appieno le nuove tecniche esecutive sviluppate in precedenza.

Questi accattivanti brani di pratica non trascurano l'espressione musicale e i titoli illustrati stimolano l'immaginazione dell'esecutore. Questa edizione si rivolge a principianti avanzati che hanno già acquisito le basi del clarinetto e desiderano esplorare nuove tecniche di esecuzione sul loro strumento.

Sarah Chardonnens Lehmann, Zigana, 23 pezzi originali e dinamici, di cui cinque con pianoforte, per giovani clarinettisti. C06756, € 19,20, Edizioni Combre (Henry Lemoine), Parigi 2013

Quando si viaggia, spesso si segue una tabella di marcia, ma bisogna sempre saper improvvisare e lasciarsi coinvolgere da qualcosa di nuovo. - È proprio questo l'obiettivo di Andreas Hirche in Un pianoforte in viaggiopubblicato da Breitkopf Pädagogik. Gli esempi, accuratamente selezionati, sono contrassegnati da livelli di difficoltà e forniscono al lettore una sorta di tabella di marcia verso tante piccole isole di improvvisazione su cui soffermarsi. La selezione è rivolta a tutti coloro che si sentono indirizzati dalla world music e che sono aperti a scoprire e provare cose nuove. Che sia meditativa e introversa come la musica giapponese o vivace ed estroversa come la musica dei Balcani o del Sud America, ce n'è per tutti i gusti.

L'autore considera il libretto come una sorta di scuola di pianoforte e in quest'ottica fornisce una serie di consigli molto utili. Da un lato, nozioni di base sui vari stili, ma anche ausili tecnici per l'esecuzione e considerazioni su aspetti quali "l'equilibrio tra l'esercizio e l'esecuzione", "la fluidità", "la tecnica" o "i problemi di indipendenza". Inoltre, l'appendice contiene un glossario dettagliato dei termini tecnici più importanti e il CD allegato offre l'opportunità di ascoltare i brani e di esercitarsi a improvvisare in formato mp3.

Andreas Hirche, Un pianoforte in viaggio. World music, ritmo, improvvisazione, EB 8819, con CD, € 24,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2014

I nuovi canali di marketing, soprattutto online, stanno giocando un ruolo sempre più importante, scrivono gli organizzatori. La qualità è fondamentale, ma gli strumenti di marketing e di vendita del settore commerciale devono essere applicati anche ai concerti classici. La strategia di marketing di successo della Konzerthaus di Dortmund e del suo direttore artistico Benedikt Stampa è stata presentata come esempio. Secondo Stampa, il 3% di tutte le famiglie che partecipano attivamente alla vita concertistica in Germania potrebbe essere raddoppiato grazie a cambiamenti adeguati.

Dieter Haselbach, professore del Centro per la ricerca culturale di Berlino e coautore del libro "Der Kulturinfarkt", ha messo in dubbio il presunto raddoppio del mercato. Secondo Haselbach, la generazione pop si sta perdendo nelle sale da concerto e questa perdita non può essere compensata da adeguate misure di marketing e strategie di emozionalizzazione. Chiede un'organizzazione pianificata del ridimensionamento dell'orchestra.

Come esempio pratico di nuovi canali di marketing per ottimizzare la gestione della fedeltà dei clienti, gli esperti di soluzioni software hanno fornito informazioni approfondite sui loro sistemi di vendita: Lutz Rosteck di eventim.Inhouse di Amburgo, leader di mercato europeo nella vendita di biglietti, si concentra in particolare sul successo della fidelizzazione dei visitatori. Sebastian Preuss ha illustrato il sistema di vendita di ROC GmbH, che raggiunge già il 90% del suo pubblico attraverso la vendita online.

Per saperne di più: www.deutscher-orchestertag.de
 

È raro che vengano annunciate opere orchestrali di compositori svizzeri; l'odore di epigonismo, di romanticismo e classicismo fuori dal tempo, incombe troppo su di esse. La registrazione di opere di Othmar Schoeck, Ernst Widmer e Adolf Brunner presentata dalla Royal Scottish National Orchestra sotto la guida del direttore svizzero Rainer Held su Guild non può rimediare a questo "difetto". Ma è comunque un piacere da ascoltare.

Si sa già cosa aspettarsi da Schoeck (1886-1957) prima di ascoltare l'opera. Inno festivo op. 64 e il Ouverture a William Ratcliff op. 29, che vengono presentati in prima registrazione mondiale. Le opere, scritte nel 1950 e nel 1908, sono caratterizzate da uno stile tardo-romantico, da momenti a volte decisamente "appetibili", da gesti patetici e da un trattamento dell'orchestra che - soprattutto nel brano Ouverture - è fortemente orientato verso Liszt. Tuttavia, vale sicuramente la pena di ascoltarlo, soprattutto perché gli esecutori si impegnano a fondo in questa musica.

Rainer Held, che si è fatto un nome come direttore d'orchestra e di coro, sembra predestinato a questa musica piena di dramma e di melodie da inno. Al contrario, il Concerto per pianoforte, percussioni e orchestra op. 160 di Ernst Widmer (1927-1990), emigrato in Brasile, è fortemente ritmato. L'opera è stata eseguita in prima assoluta a Zurigo nel 1988 con Emmy Henz-Diémand al pianoforte e Michel Tabachnik. In questa registrazione, tuttavia, non ha la spinta di allora. Ciò può essere dovuto alla pianista Fali Pavri, che non raggiunge la presa percussiva di Emmy Henz, grande sostenitrice di Widmer. Oltre ad alcuni momenti accattivanti, l'opera è anche un po' eterogenea e a volte lunga.

Adolf Brunner (1901-1992) apparteneva a una generazione di compositori svizzeri fortemente inclini al neoclassicismo e componeva regolarmente per le orchestre da camera che stavano nascendo in quel periodo. Tanto più sorprendente è l'opera qui registrata Partita per pianoforte e orchestra (1938/1939), che, impegnato nella tonalità, trova ripetutamente la strada dei grandi gesti accanto a passaggi tipicamente classici. Come nota Chris Walton in un testo informativo del libretto, a volte ricorda Brahms.

Nel complesso, si tratta di una trouvaille emozionante, interpretata in modo accattivante.

Oltre al libero accesso al mercato per tutti, il modello di Fair Trade Music dovrebbe garantire un compenso equo e la trasparenza delle strutture di mercato. In particolare, i produttori stessi dovrebbero essere coinvolti nelle negoziazioni di mercato e dovrebbero ottenere una quota equa dei profitti derivanti dalle offerte sulle piattaforme di streaming.

Fondato nel 1966, il CIAM (Conseil International des Créateurs de Musique) è un'organizzazione originariamente europea che rappresenta gli interessi dei creatori di musica nell'ambito delle organizzazioni internazionali per il copyright. L'attuale presidente è il compositore italiano Lorenzo Ferraro.

Per saperne di più: ciamcreators.org.gridhosted.co.uk/ciam2014/

Il tram è pieno per il viaggio speciale a Pyramidale. Il festival di nuova musica ed eventi artistici interdisciplinari si svolge dal 2001 nel quartiere berlinese di Marzahn-Hellersdorf, il più grande complesso residenziale prefabbricato d'Europa con circa un quarto di milione di abitanti.

Anche in questo caso è coinvolto un aerofono: un groviglio di tubi attraversa la carrozza, un generatore pompa aria attraverso le canne dell'organo. Il ronzio, il bip e il respiro duettano con il suono del tram. La violinista Biliana Voutchkova improvvisa, imitando il cigolio e ponendo accenti staccati. Il musicista sperimentale Thomas Noll, in tuta bianca, tira fuori i freni del suo strumento, suona su singole canne d'organo e usa anche piccoli giocattoli di plastica colorati per creare suoni contrastanti. I musicisti si muovono all'interno dell'auto, modificando lo spazio sonoro. E tutto cambia anche all'esterno: dal centro di Berlino, passando per Alexanderplatz, il tram viaggia per un'ora sempre più lontano, attraversando aree industriali fino a raggiungere gli edifici prefabbricati di Marzahn. Da qui Tramofonia il pubblico si alza ed è arrivato in un altro mondo.

Possibilità traboccanti

Come nel 2010, la Svizzera è stata l'ospite d'onore della 13ª edizione della Pyramidale con numerosi interpreti e compositori, e il tema principale è stato sopra ogni altra cosa: Sete. La prima sera, il tema della sete con variazioni con testi dell'autrice turingia Kathrin Schmidt. etnico lampedusano docile rurale piangente scuro impulsivoera il titolo delle sette parti, che sono state musicate da sette compositori in ensemble da camera. Il pezzo Senza ore di Katia Guedes, un duetto per sassofono (Meriel Price) e soprano (Franziska Welti). "Quando volevo amarti", dice il testo, e il respiro del sassofono si fonde con quello della voce come in un abbraccio. Le chiavi del sassofono riprendono il ritmo del discorso, il suono dello strumento e della voce si annidano e si compenetrano, creando un brano musicale quasi erotico.

I sette pezzi sono presentati in un allestimento minimalista. Il regista Holger Müller-Brandes si limita ad allestire luoghi diversi per le singole parti nella spoglia sala di vetro del centro espositivo Pyramide, cambiando così l'impressione spaziale. Franziska Welti e il narratore Christian Bormann si scambiano sguardi tesi, brindano con il vino e alla fine un bicchiere va in frantumi. Stranamente, nonostante la loro brevità, queste scene sembrano un po' artificiose e artificiose. Sarebbe stato più efficace affidarsi al testo, alla musica, allo spazio, all'atmosfera e alla voce.

Dopo l'intervallo, ci sarà ancora un ampio programma in cui i musicisti dell'ensemble JungeMusik Berlin potranno anche mettersi alla prova come solisti. In Interludio di Sarah Nemtsov per oboe ed elettronica, in cui le voci dell'oboe moltiplicate elettronicamente fluttuano come fantasmi nella stanza, l'oboista Antje Thierbach presenta le sue capacità. In Albedo di Helmut Zapf del 2001, Martin Glück brilla sui flauti. Purtroppo, l'uso dell'elettronica in questo brano sembra un po' goffo e troppo rumoroso.

La prima mondiale Aberrazioni di Johannes K. Hildebrandt ricorda una corsa nervosa in un labirinto. Impulsi da incubo, svolazzanti, tremanti e frenetici si alternano a pause tese e corse nervose, per poi rallentare alla fine, come il battito esausto del cuore di qualcuno eternamente perduto, come se ci si arrendesse, si tirasse il fiato.

Il pezzo forma una conclusione impressionante Il canale dalla parete di Juliane Klein. Il violoncello, l'oboe, il clarinetto, il sassofono e il flauto sono distribuiti individualmente nella stanza e suonano diversi pezzi solisti in parallelo. Ogni solista suona al proprio tempo. Il suono dei diversi strumenti si fonde bene nella spoglia stanza di vetro. Alla fine rimane solo il violoncello (Vladimir Reshetko). La libera composizione del brano permette all'esecuzione di suonare in modo completamente diverso in un altro giorno, di avere un risultato completamente diverso. La consapevolezza di ciò sta sopra ciò che si ascolta come uno strato leggermente spostato di possibilità.

Alla presenza dei rappresentanti dell'Ambasciata tedesca a Kabul, è stato firmato un accordo tra il Rettore dell'Università di Musica di Weimar, Christine Gurk, e il Rettore dell'Università di Kabul, Habibullah Habib. Da tre anni, il progetto Safar del programma di studi dell'Istituto di Musicologia di Weimar-Jena facilita lo scambio tra musicisti e accademici afghani e tedeschi.

I primi punti del nuovo accordo sono già stati messi in pratica: sono in corso di organizzazione diversi workshop e un simposio accademico presso l'Università di Kabul. Sono previsti anche la consegna dell'archivio e un concerto congiunto di musicisti tedeschi e afghani.

In un primo seminario congiunto a distanza, si svolgerà anche uno scambio tra studenti di entrambe le università fino a maggio 2015, utilizzando una piattaforma di e-learning appositamente progettata. Oltre ad acquisire una visione della diversità delle culture musicali afghane, le competenze nel campo della ricerca musicale transculturale saranno insegnate principalmente attraverso lo sviluppo collettivo di documenti e presentazioni da parte degli studenti di Weimar e Kabul. 

Il programma di studi musicali transculturali dell'Istituto di musicologia di Weimar-Jena, diretto da Tiago de Oliveira Pinto, collabora strettamente con diversi partner in Afghanistan nell'ambito del progetto Safar. L'obiettivo del lavoro congiunto è rivitalizzare le culture musicali tradizionali afghane e rafforzare la società civile musicale. Il progetto è interamente finanziato dal Ministero degli Esteri tedesco.

Nella sua tesi di dottorato nell'ambito del progetto guidato da Thomas Burkhalter, Immanuel Brockhaus ricostruisce l'emergere di "suoni di culto" (ad esempio il suono del pianoforte elettrico del sintetizzatore DX7) e ne traccia l'influenza formativa sulla storia della musica popolare.

Vengono utilizzati i metodi dell'etnomusicologia e dell'analisi del suono. Vengono utilizzati casi di studio per analizzare i significati che un suono di culto può assumere in diversi contesti geografici e culturali.

Gli studi precedenti non si sono ancora concentrati sul tema del suono a livello molecolare. Questo progetto di ricerca è il primo a indagare quali singoli suoni caratterizzano la musica popolare dai suoi inizi fino ai giorni nostri. Come si sviluppano questi suoni di culto, come si evolvono e come si relazionano con gli sviluppi tecnologici? Come si comportano i suoni di culto in contesti multilocali?

La Graduate School of the Arts (GSA) è una cooperazione tra la Facoltà di Lettere e Filosofia dell'Università di Berna e l'Università di Scienze Applicate di Berna, Dipartimento dell'Università delle Arti di Berna. Si tratta di un programma di dottorato interdisciplinare rivolto sia ad artisti ricercatori che ad accademici interessati alla pratica artistica.

Homepage del progetto: www.cult-sounds.com
 

Cosa succede quando il panorama del teatro (musicale) sovvenzionato crolla? Quale può essere la risposta se le istituzioni tradizionali non offrono più una cornice per l'espressione artistica? Quali strategie e forme potrebbero essere utilizzate per contrastare artisticamente questa imminente svendita della cultura?

In tempi di onnipresenti difficoltà finanziarie e di misure di austerità, le domande che la compagnia lirica indipendente Novoflot si pone nell'ambito del progetto Tour della casa a T presenta. Dal 16 al 19 ottobre 2014, la seconda parte dell'esperimento di teatro musicale multiscenico ha avuto luogo sul piazzale della Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz di Berlino. A tal fine, gli architetti berlinesi Graft e la scenografa Annamaria Cattaneo hanno eretto nello spazio pubblico un edificio trasformabile composto da moduli flessibili - la "casa che si trasforma". Il materiale utilizzato per assemblare le varie stanze quadrate è costituito da montanti metallici e da pesanti fogli di plastica trasparente. Appesi ad esse ci sono costumi colorati in stile asiatico, anch'essi avvolti nella plastica, e vari accessori definiscono le stanze in base a funzioni specifiche. Una è allestita come una sorta di sala della musica con amplificatore per chitarra e batteria, c'è un ufficio con computer e tastiera e un dialogo sulla prigionia sullo schermo. In un'altra stanza ci sono un microfono e una loop station.

Per sei ore al giorno, vari artisti si esibiscono in questo ambiente in una sequenza impenetrabile di improvvisazione e messa in scena (composizione: Michael Werthmüller, regia: Sven Holm). Il pubblico può muoversi, a volte influenzare gli eventi, ma per lo più si limita ad aprire gli occhi e le orecchie per stupirsi di ciò che si combina qui in termini di suono e contesto. In una delle sale, ad esempio, i trombonisti Nils Wogram e Conny Bauer improvvisano insieme mentre l'attore Raphael Clamer pronuncia un testo in un dispositivo di registrazione: "Ho rinunciato a essere una persona intelligente...". Forse l'atteggiamento giusto per accogliere un evento così stratificato, la cui complessità non potrà mai essere colta appieno. Due anziane signore, vestite con esuberanti costumi misti di dirndl e kimono, pronunciano frasi nel dispositivo di loop. Staccate dal corpo, le voci ripetono: "Posso fumare mentre mangio?" e "Lo dirò in Friedenauisch!". Raphael Cramer suona queste interiezioni distorte, spezzettate, al contrario. Nel frattempo, la cantante Yuka Yanagihara e la ballerina Ichi-Go si sono sedute per terra in una delle altre stanze e iniziano una conversazione isterica in giapponese.

Il direttore d'orchestra Vicente Larrañaga, vestito di nero, agisce in silenzio e senza dare nell'occhio, ma come un segreto maestro di cerimonie. Yuka Yanagihara, il cui costume ricorda quello di una scolaretta giapponese, lascia la sala e attraversa la strada. Da lì, accompagnata solo dai due tromboni, canta con il suo soprano melodioso: "Recognise where your true measure...". I passanti si fermano e riprendono questa insolita scena di strada con i loro smartphone. I loro commenti e le loro conversazioni, il rumore di fondo della città e, in particolare, il combattimento di alcuni cani da qualche parte all'altro capo della piazza si mescolano al canto. Il chitarrista John Schröder inizia un'improvvisazione con i due trombonisti, nel corso della quale utilizza a sua volta il dispositivo loop e si rivela anche un batterista di talento. L'energia concentrata di questa sessione riscalda il piccolo spazio chiuso, mentre all'esterno un gruppo di bambini gioca a rimpiattino tra i pezzi di carta stagnola appesi. Quando i musicisti smettono di suonare, l'intensità del loro incontro si riverbera a lungo nel silenzio. Fuori, un ragazzo chiama a gran voce il suo amico: "E-li-as!!!".

Ciò che Novoflot ha realizzato non è altro che una fusione tra arte e spazio pubblico. Sorgono subito alcune domande: dov'è il confine tra attore e spettatore? È possibile distinguere tra messa in scena e improvvisazione? E che ruolo ha ogni singolo individuo in ciò che accade in pubblico? Queste domande risuonano e suscitano curiosità anche per le prossime tappe di questo teatro musicale aperto.

Secondo il Rapporto Secondo il quotidiano "Landbote", a partire dalla metà del 2017 "le prove e i concerti non si svolgeranno più nell'antica Tonhalle nel centro di Zurigo, ma in un ex capannone industriale vicino alla Prime Tower". L'accordo temporaneo dovrebbe durare circa tre anni, il tempo necessario per la ristrutturazione della Kongresshaus e della Tonhalle.

Fondata nel 1868, l'orchestra di Zurigo è la più antica orchestra sinfonica della Svizzera. Quando la Tonhalle di Zurigo è stata inaugurata nel 1895, è stata dotata di una sala considerata una delle migliori al mondo in termini di acustica. In seguito a ritardi, l'edificio sarà chiuso e ristrutturato per tre anni a partire dal 2017.

La Theatergenossenschaft Basel, che sostiene il Teatro di Basilea, aveva richiesto un aumento di 1,4 milioni di franchi della precedente sovvenzione annuale di 4,5 milioni di franchi a 5,9 milioni di franchi a partire dalla stagione 2015/16.

Il governo cantonale afferma che "i fondi aggiuntivi per le ulteriori esigenze del Teatro di Basilea in ambito artistico non sono prioritari in termini di politica finanziaria". Nell'ambito dell'approfondimento del partenariato con il Cantone di Basilea Città, il governo cantonale di Basilea Campagna vede anche "le priorità nei settori dell'istruzione, della sanità e delle infrastrutture".
 

A luglio, il Consiglio cantonale di Lucerna ha approvato un rapporto di pianificazione sulla promozione della cultura e la legge sulla promozione della cultura deve ora essere modificata di conseguenza. Ciò riguarda l'espansione delle organizzazioni culturali finanziate dal Cantone e la misura prevista di finanziamento selettivo della produzione.

Il prerequisito per quest'ultimo è la realizzazione di fondi di sviluppo regionale in varie regioni del Cantone di Lucerna, in collaborazione con le agenzie di sviluppo regionale e i comuni.

Nell'ambito del programma di finanziamento selettivo della produzione, gli artisti professionisti possono presentare un progetto in risposta a un invito a presentare proposte. Se un progetto soddisfa i criteri specificati, il Cantone può contribuire finanziariamente alla sua realizzazione.

La legge deve essere modificata per includere il Festival di Lucerna e il Museo Svizzero dei Trasporti nell'associazione di scopo. 

Si prevede che circa 50 musicisti dei cosiddetti Paesi terzi dovranno lasciare la Svizzera entro la fine dell'anno (cfr. Messaggio). Secondo la legge, i musicisti che vivono nella città di Basilea e nel Cantone di Basilea devono avere una posizione permanente di almeno il 75%, scrive Suisseculture.

Tuttavia, ciò non corrisponde al reale mercato del lavoro nelle professioni artistiche. Le posizioni permanenti sono un'eccezione anche in altri settori artistici. La maggior parte dei teatranti, dei ballerini, degli autori e degli artisti visivi lavora come freelance. Tuttavia, sono importanti fonti di ispirazione per la società.

Secondo Suisseculture, il sistema di contingentamento della manodopera straniera nel settore culturale ha "caratteristiche assurde": a volte le scuole di musica non possono assumere musicisti di alto livello perché non possono dimostrare che in Svizzera "non esiste un artista paragonabile".

"Durante il suo mandato, Ullrich "ha contribuito in modo significativo alla promozione e al rafforzamento della creazione culturale nell'area di Basilea e allo sviluppo della politica culturale della regione di Basilea con grande impegno", scrive il Cantone.

Il dipartimento cultural.bl della Direzione Istruzione, Cultura e Sport del Cantone di Basilea Campagna sostiene l'arte e la cultura professionale nella regione di Basilea. Comunica e promuove la cultura in tutta la sua diversità, con particolare attenzione alla promozione dell'arte contemporanea.

Il posto di dirigente del dipartimento Cultura.bl sarà pubblicizzato pubblicamente e dovrebbe essere occupato in tempo utile.
 

Il nuovo clarinetto contrabbasso intende superare la mancanza di qualità tonale e tecnica dello strumento con una "premessa radicalmente nuova": sostituendo la meccanica tradizionale con chiavi sensoriali-dinamiche e chiavi motorizzate, non è più necessario scendere a compromessi sul posizionamento dei fori tonali, scrive la HKB. Il suono e l'intonazione risulterebbero notevolmente migliorati e si creerebbero nuove interfacce per compositori ed esecutori, e anche per la media art. Il progetto di Ernesto Molinari è diretto da Roman Brotbeck.

La HKB è stata invitata a partecipare al progetto europeo "Experimentation versus Interpretation: Exploring New Paths in Music Performance in the Twenty-First Century", organizzato dal Consiglio europeo della ricerca e dall'Orpheus Institute di Gand. Il professore del FNS Kai Köpp agirà come esperto permanente e contribuirà al progetto con uno studio sulle registrazioni storiche della cerchia di Schönberg.

Un nuovo progetto del FNS, presentato con successo da Thomas Gartmann, responsabile della ricerca presso la HKB, esplora il modo in cui le opere pianistiche di Beethoven sono state accolte nel lungo XIX secolo: due tesi di laurea, strettamente collegate tra loro, esaminano come le pratiche interpretative siano cambiate e si siano sviluppate dopo la morte di Beethoven e quindi, in larga misura, ancora oggi plasmino la nostra immagine di Beethoven.

Leonardo Miucci prende come punto di partenza le annotazioni di diario, le lettere e le scuole di pianoforte di Ignaz Moscheles e confronta le due principali edizioni di Beethoven che egli realizzò negli anni Trenta del XIX secolo per il mercato inglese e vent'anni dopo per quello tedesco. Manuel Bärtsch valuta le registrazioni con i rulli Welte-Mignon e le prime registrazioni acustiche e le contestualizza dal punto di vista storico ed estetico. Entrambi gli studi si concentrano sull'articolazione, la dinamica, l'agogica, la pedalizzazione, la trasposizione dei segni di esecuzione, il tempo e i segni di metronomo.