David Philip Hefti è oggi uno dei compositori svizzeri affermati della nuova generazione. La sua poliedrica opera è ottimamente documentata sia dal punto di vista editoriale che discografico.

Il Klangscherben - Mosaico per violoncello solo è stato commissionato dal violoncellista solista dell'Orchestra della Tonhalle, Thomas Grossenbacher, nella primavera del 2011. Il contenuto dell'opera si riferisce al concerto per violoncello scritto nel 2010. Suono del contatore. Scrive il compositore: "Interi passaggi vengono strappati dal loro contesto e riorganizzati, trasformati per così dire in frammenti e incollati di nuovo insieme. Queste combinazioni danno vita a un mosaico colorato che permette ai motivi originali di apparire sotto una nuova luce".

Questa intenzione si riflette anche nel testo musicale, le cui singole sezioni sono presentate in modo quasi collage. L'opera, molto impegnativa e della durata di circa 10 minuti, offre al violoncellista una tavolozza variegata e colorata di compiti musicali e tecnici.

David Philip Hefti: Klangscherben, mosaico per violoncello solo, GM 1876, Fr. 15.80, Edition Kunzelmann, Adliswil 2012

Michael Töpel, nato nel 1958, ha studiato composizione, pianoforte, teoria musicale e musicologia nella città natale di Brema e a Lubecca. Ha ricevuto diversi premi di composizione. Oltre alle proprie opere, ha scritto riduzioni per pianoforte e curato opere, tra cui prime edizioni di Felix Mendelssohn Bartholdy, Johannes Brahms, Hugo Distler e Jean Barraqué.

La presente opera, realizzata sulle montagne svizzere Capriccio per violoncello solo è stato un contributo al concerto di anniversario del 22 settembre 2012, in occasione del 175° anniversario della casa editrice Merseburg. Consta esattamente di 175 battute ed è composto in un linguaggio tonale moderatamente moderno. La musica è umoristica, con un ritmo in parte simile a una danza burlesca. La composizione è adeguata agli strumenti, efficace e mostra una dinamica ricca di contrasti. Le difficoltà tecniche sono facili da superare.

Il Capriccio è adatto all'uso concertistico e può anche essere una gradita introduzione alla musica più recente per giovani violoncellisti avanzati.

Michael Töpel: Capriccio, per violoncello solo, EM 2175, € 8,00, Merseburger Verlag, Kassel 2012

Da quando le scuole universitarie professionali sono tenute a condurre una propria ricerca, il mondo della scienza si è arricchito di numerosi progetti. La ricerca sull'interpretazione è un'area particolarmente apprezzata, a cui lavora anche la Bern University of the Arts. Tutti i progetti rilevanti attualmente in corso alla Conferenza Improvvisare - Interpretare presentati al pubblico e discussi con ospiti esterni: Richard Wagner nella prassi esecutiva storica, improvvisazioni pianistiche dell'epoca di Beethoven, il lavoro di Alfred Wälchli, un nuovo clarinetto contrabbasso sensoriale-dinamico e una didattica della teoria musicale storicamente informata basata sul lavoro di Peter Cornelius. I cinque simposi distribuiti in due fine settimana sono stati caratterizzati da una serie di eventi paralleli, che hanno portato a sfortunate sovrapposizioni. Chi era interessato a Wagner non ha potuto ascoltare alcuna conferenza sull'improvvisazione pianistica. Tra le altre cose, Giorgio Sanguinetti ha discusso del partimento ai tempi di Beethoven, Michael Lehner ha esaminato le composizioni modello di Carl Czerny come guida alla fantasia, Sonja Wagenbichler ha riferito sui concorsi pianistici nella Vienna del XVIII e XIX secolo. Petra Somlai e Leonardo Miucci hanno contribuito alla rilevanza pratica dell'argomento nei concerti di mezzogiorno e sera, dimostrando stili molto diversi di musica (parzialmente) improvvisata sui fortepiani.

Il punto di vista del musicista d'orchestra
Anche al simposio Richard Wagner dal punto di vista storico. Pratica di interpretazione per la prima de L'olandese volante nel 1843 la stretta connessione tra scienza e pratica è sempre stata evidente. L'idea stessa di utilizzare le parti orchestrali della prima a Dresda come punto di partenza per lo studio rivela la prospettiva di un musicista orchestrale. L'idea è di Kai Köpp, attualmente titolare di una cattedra del FNS presso la HKB. Köpp è un musicologo oltre che violista e ha contribuito alla registrazione del 2005 dell'opera di Kai Köpp. Olandesi nella prassi esecutiva storica sotto la direzione di Bruno Weil.
Le parti orchestrali di Dresda, che non sono ancora state analizzate, contengono molte più informazioni pratiche rispetto alla partitura autografa, a causa della prassi di prova dell'epoca: Wagner provava la sua opera con i cantanti insieme a un quartetto d'archi, anziché con l'usuale accompagnamento al pianoforte di oggi - ed è così che è stata creata l'attuale "versione di ultima mano".

Se le parti di prova del quartetto sono state conservate anche per altre opere, si apre un ampio campo di ricerca, ha dichiarato Köpp. Il problema filologico di come datare le voci, talvolta diverse, delle parti utilizzate nelle opere nel corso dei decenni deve essere affrontato caso per caso. In ogni caso, la ricerca sull'interpretazione si sta orientando verso l'analisi delle singole situazioni esecutive. Le grandi differenze regionali e i rapidi cambiamenti nella prassi interpretativa rendono quasi obsolete le affermazioni generali sulla prassi esecutiva di un determinato periodo.

Disegno della prima rappresentazione dell'"Olandese Volante".

wikimedia commons

Tempo, formazione, strumenti
Un vero e proprio cambiamento di paradigma nella prassi esecutiva storica sarebbe anche l'indagine sui segni del metronomo nell'opera di Wagner. Olandese Ha dichiarato Thomas Seedorf, dopo la lezione del maestro di pianoforte bernese Manuel Bärtsch. D'ora in poi l'attenzione non sarà più rivolta ai tempi particolarmente veloci, ma a quelli particolarmente lenti. Se e come si possano realizzare i tempi estremamente lenti talvolta annotati da Wagner - ad esempio nell'ouverture, che con una mezza nota punteggiata = 72 è ben lontana dalla frenesia delle interpretazioni odierne - e come si possa riempire questo tempo aggiuntivo sul palcoscenico, resta da vedere in futuri esperimenti pratici.

Tobias Pfleger ha mostrato le difficoltà incontrate da Wagner con l'orchestra di corte di Dresda, che era conservatrice sotto molti aspetti, come le dispute per l'autorità con il maestro di concerto: le foto dell'assetto dell'orchestra di Dresda dell'epoca mostravano un direttore in piedi direttamente dietro il palco del suggeritore, rivolto verso il palcoscenico e quindi in grado di dare il ritmo ai cantanti. Dietro di lui c'era l'orchestra, che suonava verso il palco. Il maestro di concerto prendeva il ritmo dal direttore e lo passava all'orchestra, vedendosi quindi come il vero direttore dell'orchestra.

La conferenza di Bernhard Hentrich di Dresda sembrava la presentazione di una sceneggiatura di un thriller: Gli strumenti ad arco dell'orchestra di corte di Dresda all'epoca di Wagner. Ciò che Hentrich ha scoperto è così esplosivo che finora ha evitato di presentare le sue scoperte a Dresda: Non sono stati i devastanti raid aerei del 1945 a rendere introvabili i preziosi strumenti della cappella di corte, ma le confuse circostanze del dopoguerra. La sua ricerca su tutti gli elenchi d'inventario superstiti suggerisce che non pochi musicisti e personale amministrativo volevano "salvare i beni culturali dal bolscevismo". A volte scambiavano repliche a basso costo con strumenti di valore senza annotarlo. Chiunque faccia una ricerca sugli strumenti utilizzati da Wagner durante il suo periodo di permanenza a Dresda potrebbe imbattersi oggi in una replica di questo tipo e potrebbe trarre conclusioni fatali per la pratica esecutiva.

Preferite la tradizione?
200 anni di Wagner: pronti per la prassi esecutiva storica? è stato il titolo provocatorio della tavola rotonda della prima serata del simposio. I fenomeni attuali a cui si riferisce questo titolo multiprospettico sono emersi con chiarezza nel corso del simposio. Da un lato, c'è l'azionismo generale - non solo legato a Wagner - dell'anniversario. Certamente, anche l'Università delle Arti di Berna sta sfruttando il 200° anniversario della nascita di Richard Wagner come un'opportunità per presentare i risultati di questo progetto di ricerca in un'esecuzione concertistica dell'opera di Richard Wagner. Olandesi per presentare i loro risultati. Il 22 novembre, gli studenti metteranno in pratica i risultati e li renderanno accessibili a un vasto pubblico.

Ma qui si affronta anche il movimento tortuoso della prassi esecutiva storicamente informata. È vero che oggi non si chiede quasi più che la prassi esecutiva storica si occupi principalmente del repertorio dimenticato. Tuttavia, la necessità di ricostruire le circostanze storiche in un'opera come quella di Wagner, che ha avuto una tradizione esecutiva ininterrotta fin dalla sua creazione, è stata raramente riconosciuta fino ad oggi. Interpretazioni come l'esecuzione in forma di concerto della Parsifal sotto la direzione di Thomas Hengelbrock, che hanno fatto scalpore a Dortmund, Essen e Madrid all'inizio di quest'anno e di cui Peter Tilling, all'epoca assistente di Hengelbrock (e ora vice direttore musicale generale del Teatro di Stato di Norimberga), ha dato un resoconto impressionante al simposio, rimangono un'eccezione.

Infine, viene implicitamente sollevata anche la questione dell'apertura dei musicologi. Le parti orchestrali, i segni di metronomo, ecc. come quelli studiati dal progetto Wagner di Berna, sono stati finora trascurati dalla musicologia storica di orientamento filologico; la loro esistenza è stata spesso relegata nelle note a piè di pagina delle edizioni critiche complete, dove è difficile per i musicisti pratici trovarli. La musicologia universitaria farebbe bene a non considerare questa ricerca esecutiva pratica come marginale o competitiva, ma come un arricchimento.

Immagine: L'olandese volante (Uvejr i Skærgården. "Den flyvende hollænder", Dalarö), dipinto di August Strindberg, 1892, Museo Statale d'Arte di Copenaghen, fotografato da www.smk.dk e soeg.smk.dk, wikimedia commons

Dopo una panoramica sulla pedagogia elementare della musica e della danza (EMTP), il primo DVD si concentra sulla riflessione sotto forma di una sintesi tematica di interviste con esperti e discussioni con i residenti della casa di riposo, un assistente e gli studenti dell'Istituto Carl Orff. Il libro si conclude con le testimonianze di due residenti che hanno partecipato al programma musicale settimanale per molti anni.

La discussione delle domande "Perché la musica? Qual è il valore intrinseco della musica?", sempre in relazione alle scoperte scientifiche e all'importanza dell'emotività. Viene affrontato il legame tra la musica e la memoria a lungo termine ("le canzoni più conosciute vengono memorizzate con più versi anche in età avanzata") e l'effetto psicosomatico della musica, ovvero le domande: "Che significato aveva la musica nella vita precedente, che effetto ha la musica oggi?". Viene mostrato come l'EMPT si adatta alle storie di vita delle persone e trae conclusioni per la pratica. Le dichiarazioni dei cittadini anziani spiegano la rilevanza pratica: "La musica è accessibile a tutti. La musica solleva l'umore. Si può sentire che si è vivi. Ognuno è quello che è". In questo senso, la musica fa parte del lavoro biografico, della riscrittura della propria storia. Ma è anche imparare cose nuove e mettersi alla prova.

Il forte riferimento all'importanza della musica nella vita pone le basi per la formazione e l'aggiornamento presso l'Istituto Carl Orff nel campo della geragogia musicale e definisce chiaramente la differenza rispetto all'educazione musicale elementare: Non è necessaria un'educazione, ma un'educazione che tenga conto della biografia, senza mettere in scena un'infantilizzazione della musica.

Il DVD 2 è dedicato alla pratica e, dopo un'introduzione, mostra numerosi esempi, suddivisi in tre aree principali con un'ulteriore suddivisione in 15 aree tematiche. Gli esempi pratici sono esteticamente profondi, la selezione di canzoni e brani musicali è varia e i materiali sono ben bilanciati. La docente Christine Schönherr e gli studenti partecipanti colpiscono per la loro musicalità performativa e professionale. Questa qualità artistica di base, caratterizzata da design estetico, rispetto e comprensione teorica, fornisce una base unica per l'adesione di tutti i partecipanti.

Tra le altre cose, il Cantone sarà maggiormente coinvolto nel sostegno ai fari culturali di Ginevra. Ciò include progetti di investimento presso la Nouvelle Comédie e la gestione corrente del Grand Théâtre. Il Cantone intende inoltre aumentare il proprio sostegno all'espansione del Museo storico.

Per l'attuazione della legge, nella prossima fase, nel 2014, verrà istituito un consiglio culturale consultivo (Conseil consultatif de la culture). L'obiettivo della cooperazione è "una politica culturale coerente della città e del cantone e la facilitazione dell'accesso alla cultura per tutti".

Le sue origini risalgono al 1957: il compositore americano Max Mathews compose la prima opera digitale della storia della musica su un computer IBM 709. È lunga 17 secondi e suona oggi come i modulatori ad anello analogici utilizzati da Karlheinz Stockhausen, Karel Goeyvaerts e Gottfried Michael Koenig a Colonia. Poco accadde subito dopo il 1957. Solo negli anni Settanta le cose si sono mosse: nel 1974 si è tenuta la prima conferenza sulla computer music. A partire dal 1977, il Rivista di musica per computerche ancora oggi riflette sviluppi che possono essere armonizzati solo in misura molto limitata con la strumentologia e la teoria dell'armonia.

Questo vale anche per il Segnali, sistemi e sintesi sonora. Gerald Bennett, fondatore dell'ex Istituto di Zurigo per la musica computerizzata e la tecnologia del suono, si è preso la briga di tradurre il libro pubblicato da Martin Neukom nel 2003, includendo una serie di revisioni e aggiunte. Il risultato è un'opera standard, anche se per specialisti. Da un lato, ciò è dovuto alla marea di nuovi programmi di composizione e alla diversificazione della produzione musicale digitale, che comprende aree eterogenee come la Fast Fourier Transformation, la sintesi granulare e il lavoro con le patch di Max. D'altra parte, la complessità risiede nella metodologia. Le argomentazioni di Neukom sono strettamente matematiche. Anche i fondamenti acustici relativamente semplici, come la propagazione delle onde sonore o la differenziazione tra forza e intensità del suono, si espandono rapidamente in aree problematiche complesse che l'esperto di acustica può comprendere, ma che sfuggono alla comprensione dello storico della musica meno numeroso.

Neukom e Bennett hanno incluso nel tomo di oltre 600 pagine un CD che offre esempi sonori oltre al contenuto completo del libro. Poiché la maggior parte dei file è scritta in linguaggi di programmazione insoliti come Mathematica Notebooks, Csound o C/C++, è necessario scaricare applicazioni speciali come Wolfram CDF Player. Tuttavia, se non si dispone di un sistema operativo aggiornato, ci si dovrà limitare alle pagine stampate, fortunatamente tradizionali.

Martin Neukom Signals, Systems and Sound Synthesis, traduzione in inglese di Gerald Bennett, 619 p., Fr. 110.00, con CD, Peter Lang Verlag, Berna 2013, ISBN 978-3-0343-1428-2

L'edizione del monumentale Secondo Concerto per violoncello in si minore op. 104 di Antonín Dvořák è una lunga storia di sventure. Se si confrontano le edizioni convenzionali (comprese quelle che pretendono di essere l'"Urtext"), si notano subito notevoli discrepanze tra la partitura, la parte solistica e il materiale orchestrale. La nuova edizione Bärenreiter finalmente elimina tutto questo. Jonathan Del Mar ha esaminato scrupolosamente tutte le fonti superstiti, comprese due che in precedenza erano state ignorate o molto sottovalutate.

Anche l'influenza del violoncellista e dedicatario Hanuš Wihan è documentata in dettaglio. Del Mar dimostra che non solo alcuni passaggi dell'autografo di Dvořák sono stati scritti da lui, ma che anche alcuni dettagli delle parti orchestrali sono stati scritti da lui. Ciò dimostra la stretta collaborazione tra i due musicisti durante la creazione dell'opera.

Il risultato è un'edizione di riferimento che, per la prima volta dalla prima pubblicazione del concerto nel 1896, ripristina la versione definitiva della parte solistica di Dvořák. Essa differisce da tutte le edizioni moderne in quasi tutte le battute. Centinaia di correzioni sono state apportate anche alle parti orchestrali. La Relazione critica, disponibile separatamente in inglese, è particolarmente informativa a questo proposito.

È auspicabile che questa edizione si affermi rapidamente come materiale standard.

Antonín Dvořák: Concerto per violoncello in si minore op. 104, Urtext a cura di Jonathan Del Mar; Punteggio, BA 9045, € 55,00; arrangiamento per violoncello e pianoforte dell'autore BA 9045-90, € 14,95; Critical Report, BA 9045-40, € 29,95; Bärenreiter, Praga 2011

Quattro fortunate circostanze familiari sono state coinvolte nella creazione di questo Sonata in re per flauto dolce contralto e organo: Hans Chemin-Petit scrisse originariamente il movimento centrale della sonata nel 1963 per il battesimo di suo nipote Hajo - un'aria allegra e idilliaca in tempo tre-quattro con un tempo andante tranquillo all'inizio e alla fine e una sezione centrale un po' più veloce. Il fatto che abbia composto per flauto dolce nella prima metà del XX secolo è dovuto al fatto che una delle sue figlie - Jeannette Chemin-Petit - era una suonatrice di flauto dolce, prima allieva di Linde Höffer-von Winterfeld e poi lei stessa docente a Berlino. Il terzo fatto si trova nella biografia dello stesso Hans Chemin-Petit: Nato a Potsdam nel 1902, figlio di un direttore di banda e di una cantante, fin da piccolo prese lezioni di pianoforte e violoncello, poi studiò violoncello e composizione alla Musikhochschule di Berlino e salì alla ribalta sia come violoncellista che come direttore di coro, ma anche come compositore. La sua vasta opera abbraccia quasi tutti i generi e comprende anche numerosi lavori per flauto dolce, dalla piccola musica per casa al grande doppio concerto per flauto dolce, clavicembalo, archi e percussioni. Tuttavia, Chemin-Petit dovette anche sopportare le critiche: Come membro dell'Altherrenbund nazista, era impegnato in un'ideologia che pone lui, le sue opere e i suoi sforzi in una luce ambivalente. Ad esempio, la sua cantata Amare eseguito al Reichsmusiktag 1938.

Hans Chemin-Petit esplora nel suo Sonata in re Come nelle sue opere in generale, esplora i confini della tonalità, alla quale rimane sempre legato. Il suo pensiero è anche formalmente debitore della tradizione: La concezione della forma basata sulla simmetria, la polifonia elaborata sul modello di J. S. Bach, il tipo di ritmo e i modelli di movimento (aria, giga) si rifanno a modelli barocchi, ma sono stati rivisitati grazie al personalissimo linguaggio tonale e alla ricchezza melodica di Chemin-Petit. I due strumenti, flauto dolce contralto e organo, sono partner paritari nel dialogo.

Nell'estate successiva al suddetto battesimo, il compositore ampliò la prima Aria includendo i due movimenti esterni Allegro e Gigue per creare una sonata in tre movimenti in stile classico. Dobbiamo ringraziare la sua seconda figlia (e madre del bambino battezzato) Andrea Witte per averla editata - il colpo di fortuna numero quattro.

Hans Chemin-Petit (1902-1981), Sonata in re per flauto dolce e organo, a cura di Andrea Witte, EM 2165, € 15,00, Edition Merseburger, Kassel 2013

In sintonia con l'anno verdiano, il flautista svizzero Emmanuel Pahud ha presentato il suo Collezione di flauti con fantasie operistiche basate sulle sue opere, scritte nel XIX secolo per la musica da camera e per i concerti in casa. Grazie agli sviluppi tecnici di Theobald Böhm, a metà del XIX secolo emerse una nuova generazione di flautisti che utilizzarono il loro virtuosismo per vestire la musica popolare, come i "successi operistici" dell'epoca, con parafrasi e fantasie efficaci. Da un lato, Pahud intende riportare in vita questi pezzi di bravura, alcuni dei quali caduti nell'oblio, nella versione originale per flauto e pianoforte; dall'altro, ha riconosciuto che sono adatti anche come concerti per flauto, per cui ha fatto preparare a Yoel Gamzou un accompagnamento orchestrale per tutte le opere.

Con il Fantasia su "La Traviata sono i popolari arrangiamenti dei famosi flautisti italiani Emanuele Krakamp e Giulio Briccialdi, entrambi attivi anche come compositori. Per la nuova edizione, Yoel Gamzou ha unito le due versioni in un unico insieme. Le singole sezioni iniziano sempre con temi familiari, che vengono presto abbelliti con ghirlande.

Il Fantasia su "Rigoletto per due flauti e pianoforte è stata composta dai fratelli Karl e Franz Doppler, che nel XIX secolo erano famosi a livello internazionale come virtuosi itineranti del flauto e probabilmente eseguivano questo brano durante le loro tournée concertistiche. La fantasia contiene anche la famosa aria per soprano Caro nome di lui si è amatoche nell'opera è suonato da due flauti nel lento tema iniziale. Le due parti di flauto sono spesso abilmente condotte in sesta dolce e si alternano al tema e all'orchestrazione virtuosa, in modo che due parti strumentali uguali si fronteggino. Questa fantasia è anche graduata dinamicamente in modo interessante e ha quindi un effetto molto colorato.

L'elaborazione del Aria di Lensky dall'opera "Eugene Onegin" di Tchaikovsky, la cui gamma si estende da un si basso a un do di quattro note, vive più della sua melodia espressiva che di passaggi virtuosistici. La versione risale a un arrangiamento degli anni Venti di Leopold Auer per violino e pianoforte ed è stata rivista da Guy Braunstein, attuale concertatore dei Berliner Philharmoniker, e pubblicata per flauto e pianoforte. Quest'opera arricchisce ora anche il repertorio dei flautisti.

Giuseppe Verdi , Fantasia su "La Traviata" per flauto e pianoforte dopo le fantasie di Emanuele Karakamp e Giulio Briccialdi arrangiate da Yoel Gamzou, (The Flute collection UE 35314, € 22,95, Universal Edition, Vienna 2012).

Giuseppe Verdi/Franz e Karl Doppler, Fantasia su "Rigoletto" per due flauti e pianoforte, UE 35315, € 24,95

Peter Iljitsch Tsaikowsky, Aria di Lensky dall'opera "Eugene Onegin", arrangiata per flauto e pianoforte da Guy Braunstein, UE 35313, € 18.95

In origine, il Fiori sonori è stata scritta per pianoforte dalla compositrice tedesca Barbara Heller; in seguito l'ha arrangiata per violino e pianoforte. Si è scoperto che entrambe le versioni sono per lo più adatte anche all'arpa o all'arpa e al violino. Domenica Reetz e Marianne Boettcher le hanno arrangiate di conseguenza.

I singoli pezzi hanno titoli molto pittorici, alcuni con nomi di fiori, altri con nomi di fantasia, come ad esempio Fiore svolazzante, fiore di carta, erbe al vento, fiore di ghiaccio ecc. e consentono così un riferimento diretto e associativo ai vari paesaggi sonori. A seconda del suo carattere, ogni brano si basa su un'idea musicale (una scala, una restrizione a determinati intervalli, un gesto musicale o un elemento ritmico), che è in grado di irradiare un forte stato d'animo e di affascinare esecutori e ascoltatori.

Mentre il Fiori sonori Mentre il libretto per arpa sola è composto da 17 brani, quello per violino e arpa ne contiene 14 (e non 13, come erroneamente indicato in copertina!). Alcuni degli stessi brani sono stati ampliati o divisi tra i due strumenti, e alcuni nuovi brani sono stati aggiunti. I Klangblumen possono essere suonati come ciclo o singolarmente. Sia i pezzi solisti che quelli in duo sono ideali anche per i giovani, che entreranno in contatto con una musica molto suggestiva del nostro tempo e forse saranno anche incoraggiati a sperimentare ulteriormente con le idee musicali.

Alcuni brani possono essere suonati sull'arpa celtica o sull'arpa tirolese. A parte alcune indicazioni errate sui pedali, l'edizione è ben impaginata e chiara. Posso raccomandare caldamente queste due opere.

Barbara Heller: Klangblumen, 17 pezzi per arpa sola, a cura di Domenica Reetz, ED 21020, € 11,99, Schott, Mainz 2011

Barbara Heller: Klangblumen, 13 pezzi per violino e arpa, a cura di Marianne Boettcher, ED 21021, € 16,99, Schott, Mainz 2011

Con circa 900 metri quadrati di superficie di vendita distribuiti su due piani, nella Fürstenlandstrasse di San Gallo sorgerà il più grande negozio specializzato della Svizzera orientale in pianoforti acustici a coda e verticali, pianoforti digitali, accessori per la musica elettronica e attrezzature selezionate per DJ e home studio.

Negli ultimi cinque anni, la vendita di supporti sonori in particolare si è spostata massicciamente verso le fonti online, scrive Musik Hug. Per questo motivo, il webshop con oltre 350.000 spartiti e libri di musica è stato profondamente rivisto. Presto saranno disponibili online anche circa 400.000 CD di musica classica, jazz e pop/rock, strumenti speciali e accessori.

La chiusura della filiale di St. Gallen Musik Hug a seguito della riorganizzazione potrebbe comportare una riduzione di 11-14 posti di lavoro, che sarà accompagnata da un piano di licenziamento. Ai dipendenti e agli apprendisti interessati, in particolare, sarà offerta una nuova posizione nei negozi a pieno titolo, se possibile.

Secondo il quotidiano svizzero di lingua francese "Le Temps", la direzione dell'orchestra ha diffuso una lettera all'interno dell'orchestra per annunciare l'accordo giudiziario. Non sono stati resi noti i dettagli dell'accordo.

Originariamente, Esteban doveva 1,8 milioni di franchi svizzeri all'OSR. Esteban è stato licenziato nel 2012, poco dopo aver assunto l'incarico, per motivi sconosciuti.