Avete Paura di volare? Non preoccupatevi: un decollo riuscito verso sfere più alte, e dopo un po' di turbolenza, un piccolo pasto e un temporaneo vuoto d'aria, il chitarrista tedesco Armin Kulla ci riporta sani e salvi sulla terra. Un piccolo viaggio è il titolo della sua raccolta di dieci pezzi facili o moderatamente difficili per ensemble di tre o quattro chitarre. Il titolo eloquente dell'arioso brano di apertura è tipico anche degli altri numeri.

Dopo un Nuovo inizio ci troviamo in Medio Oriente, tra l'altro con la melodia tradizionale orientale arrangiata in modo accattivante Nebbia El Nakhel. La visita a un ristorante vivace e animato è anche ritmicamente vivace. Città vecchia, durante il Inverno a Betlemme risulta piuttosto logoro. Üsküdar'a Gider Iken (On the way to Üsküdar) dalla Turchia - meglio conosciuto con il titolo Katibim - è la seconda canzone popolare tradizionale della raccolta. Tutti gli altri brani sono stati scritti dallo stesso Armin Kulla.

Gli arrangiamenti sono versatili, con alcune tecniche esecutive particolari. Il ruolo di ogni chitarra all'interno di un brano è sempre chiaramente definito, anche se ci sono melodie che sono distribuite su più parti. Occasionalmente, il capotasto viene utilizzato nelle singole parti, in modo che anche gli acuti siano facili da padroneggiare. Dopo una colorata incursione chitarristica, il compositore congeda i lettori e gli ascoltatori con un Valzer d'addio nella vita di tutti i giorni.

Armin Kulla: Eine kleine Reise, pezzi d'insieme da facili a moderatamente difficili per 3 e 4 chitarre, D 826, con flusso audio, € 14,80, Dux, Manching

Hans Gál (1890-1987) è stato un uomo importante come direttore dell'Accademia di Musica di Magonza e con le sue composizioni (opere, una sinfonia, canzoni, musica da camera), che venivano eseguite ovunque. Tuttavia, quando Hitler salì al potere, gli fu vietato di lavorare come ebreo in Germania e fuggì a Vienna, poi a Edimburgo quando l'Austria fu annessa nel 1938, dove lavorò come docente di musica fino alla morte. La sua musica tonale, orientata verso Brahms, cadde nell'oblio come "anacronistica".

Il suo incantevole concerto per violino, composto nel 1932 e pubblicato da Breitkopf, fu eseguito per la prima volta a Dresda nel febbraio 1933 con Georg Kulenkampff diretto da Fritz Busch. Gál aggiunse al concerto tre cadenze, tutte disponibili anche nella riduzione per pianoforte. La parte solistica è strettamente intrecciata con le parti orchestrali in uno stile cameristico e la musica è ricca di idee melodiche e armoniche. Il concerto non è stato più eseguito fino al 2005. La nuova meticolosa edizione del 2023 confronta tutte le fonti esistenti e corregge le piccole discrepanze, come spiegato nel commento critico. Il materiale esecutivo è disponibile per il noleggio. 

Hans Gál: Concerto per violino e piccola orchestra op. 39, a cura di Anthony Fox e Eva Fox-Gál, riduzione per pianoforte dell'autore e parte per violino, EB 9457, € 33,90, Breitkopf & Härtel

Se non si va al teatro dell'opera, alla Kunsthaus o alla Tonhalle da bambini o da adolescenti, sarà difficile trovarvi la strada in seguito. I mondi del suono e delle immagini rimangono lontani e inavvicinabili per molti. Una nuova applicazione dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo introduce ora i bambini dai 6 anni in su nel mondo dei violini celestiali e dei bassi rimbombanti in alto tedesco. Andiamo a La magica orchestra sinfonica: Selezionate il vostro avatar e attraversate l'ingresso colorato per entrare nella stanza successiva, dove Pip, Fidelia e Gustav stanno facendo capolino. Il topo, il ragno e il fantasma vivono nella Tonhalle perché amano ascoltare la musica e perché ci sono tante cose interessanti da scoprire. Una sera, quando i visitatori se ne sono andati, i tre trovano sul pavimento un piccolo libro con ogni sorta di personaggi divertenti. Un libro puzzle?

Primo rompicapo: gli strumenti sono mescolati e devono essere organizzati. Per farlo, trascinate l'immagine della tromba nell'apposito spazio dell'orchestra, seguita dagli altri strumenti musicali. Ce l'avete fatta! Imparate che ci sono archi, fiati e altre famiglie di strumenti. Ma attenzione, il gatto Carlos si sta intrufolando nella Tonhalle, in guardia dal topo Pip. Quale strumento è più adatto come nascondiglio? Pip cerca il buco giusto in vari strumenti. Vengono suonati brevi frammenti di melodia dei singoli strumenti. In quale ordine sono stati suonati? Fate clic e continuate.

Seguono lezioni di acustica con uno strumento-immagine-suono-memoria, melodie e immagini grafiche di note e ritratti di compositori. (Mozart iniziò a comporre all'età di cinque anni. Beethoven a sette. Bach suonava il clavicembalo, il violino, la viola e l'organo e cantava nel coro. Ha composto oltre 1000 opere vocali).

Il ragno Fidelia avvolge dal suo corpo cinque fili che si trasformano in pentagrammi: si crea così un piccolo spartito su cui si può seguire la musica suonata. È emozionante vedere come la musica viene scritta in notazione musicale. O forse è il contrario? Settimo e ultimo enigma: cosa fa un direttore d'orchestra? Dirige. E lo facciamo anche noi. Usiamo il cursore per disegnare sullo schermo battute in 4/4 e triple e dirigere l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo.

Quindi, basta imparare e fare pratica (il corso dura circa 45 minuti), ora le porte della Tonhalle sono aperte. E voi siete cordialmente invitati e ben preparati.

Tonhalle-Orchester Zürich: la magica orchestra sinfonica, Agon Productions,
tonhalle-orchestra.ch/gioco

Il gioco può essere giocato anche in inglese a partire dalla stagione 2025/26.

Gli insegnanti di musica si trovano oggi ad affrontare sfide particolari: Il ritmo della vita è sempre più breve e la capacità di attenzione dei nostri figli diminuisce costantemente. Una nuova foto o un messaggio vocale qui, un link a un video interessante là o playlist infinite su Spotify o YouTube. Un'inquietudine latente si sta già diffondendo negli asili nido e nelle scuole elementari - le fasce d'età che Kristin Thielemann descrive nel suo libro Completamente rilassato in vista.

Descrive in termini pratici come gli insegnanti di musica possono promuovere la calma e la concentrazione nei bambini. Che sia attraverso esercizi fisici, tecniche di digitopressione, ascoltando o facendo musica insieme o attraverso storie calmanti con e sulla musica. Thielemann propone il libro di Johann Sebastian Bach Variazioni Goldberg prima: Queste potrebbero girare tranquillamente in sottofondo mentre ai bambini, comodamente sdraiati su tappetini, viene raccontata una storia con Bach e il conte Keyserlingk (p. 80/81). Altrove, Thielemann descrive come i bambini usino le ciotole per produrre suoni che "creano quasi da soli lentezza, calma e rilassamento".

Prevenire l'irrequietezza

Il diavolo è spesso nei dettagli: l'autore richiama l'attenzione anche su questo aspetto in modo illuminante. Un coperchio di pianoforte aperto è un invito a un "concerto di pianoforte" involontario e iperattivo. Anche una sala da musica dotata di troppi strumenti porta a un'agitazione che deve essere "catturata" di nuovo.

Nelle sezioni di testo intercalate sotto forma di "caselle di suggerimenti", Thielemann offre ripetutamente suggerimenti concreti. Ad esempio, sconsiglia la domanda: "Chi di voi sarà il primo a indovinare di quale oggetto o strumento si tratta?". Il risultato sarebbero solo "risposte sconsiderate" gridate nella stanza, che porterebbero a inutili disordini (p. 70).

Il libro è informativo e il contenuto didattico espandibile è certamente molto utile, ad esempio sotto forma di un esercizio di apertura discretamente tranquillo all'inizio della lezione. Il fatto che la musica sia funzionalizzata nel senso di "farmaco contro un mondo così accelerato" richiede un po' di tempo per abituarsi alla lettura del libro. Alla fine, naturalmente, la musica e la sua mediazione dovrebbero essere più di un'oasi di tranquillità.

Kristin Thielemann: Voll entspannt - Ruhe und Konzentration für Ihren Musikunterricht, 104 pagine, con materiale online, € 24,50, Schott, Mainz 2025, ISBN 978-3-7957-3315-5

Georg Philipp Telemann, uno dei compositori più prolifici del periodo barocco, ha composto dodici fantasie per flauto traverso, violino e viola da gamba in ciascuna delle dodici chiavi fondamentali. Le dodici fantasie per viola da gamba sola (TWV 40:26-37) sono caratterizzate da una varietà di stili e idee musicali, nonché da un'espressione e un carattere propri, che le rendono particolarmente interessanti per un arrangiamento.

La loro trasposizione per il flauto rappresenta una sfida particolare. Poiché la viola a sei corde ha una gamma più ampia rispetto al flauto, la curatrice Leona Rötzsch ha solitamente trasposto le fantasie verso l'alto di una terza minore o maggiore. Ciò significa che sono necessari meno spostamenti di ottava. La rispettiva tonalità originale è indicata. Negli arrangiamenti, la gamma si estende da B' a G''', con alternative per il Bb minore. A differenza del flauto, la viola da gamba consente un'ampia gamma di accordi e di doppi fermi. Nelle trascrizioni, questi passaggi sono spesso arpeggiati o spezzati. Leana Rötzsch trova soluzioni interessanti a questo proposito nel Grave della Fantasia n. 4, ad esempio, dove sostituisce la progressione originale in doppi stop con frasi preludenti intorno alle due note del doppio stop.

Gli eleganti arrangiamenti delle fantasie per viola da gamba rappresentano un'entusiasmante espansione del repertorio per flauto traverso e flauto traverso e aprono nuove possibilità di interpretazione.

Georg Philipp Telemann: Dodici Fantasie per viola da gamba senza basso TWV 40:26-37, arrangiate per flauto solo e curate da Leona Rötzsch, BA 8739, € 17,95, Bärenreiter, Kassel

Scrivere un libro non noioso sui diversi modelli di ornamentazione nell'opera di un compositore è una sfida; c'è il grande rischio di cadere in un linguaggio arido e scolastico e di allontanare immediatamente il pubblico dei lettori.

Nel suo nuovo studio sulla pratica dell'ornamentazione di Georg Philipp Telemann, Astrid Knöchlein dimostra che un tale sforzo è possibile anche in modo vivace e pratico. Utilizzando le sue metodiche raccolte di sonate (TWV 41 e 42, pubblicate ad Amburgo nel 1728, 1731 e 1732), la suonatrice di flauto dolce e oboista compila un catalogo completo di ornamenti - dalla nota alternata alla legatura, ai salti composti e al circolo - e li localizza meticolosamente nei rispettivi movimenti lenti delle sonate che Telemann ha utilizzato per l'ornamentazione.

Teoria e pratica

L'"Handbuch der Verzierungen" come volume 2 è preceduto da una prima parte con fondamenti teorico-musicali, che sostiene la pratica con una vivace presentazione del discorso all'epoca di Telemann. Knöchlein dà ai suoi colleghi musicisti Johann Mattheson e Johann Joachim Quantz ampie possibilità di dire la loro attraverso i loro trattati più importanti. Il lettore si sente come se fosse seduto al centro di un circolo teorico di studiosi di musica nella Germania settentrionale durante il periodo dell'alto barocco.

Affinché gli esempi musicali della seconda parte non siano solo notazioni musicali aride, nel primo volume Knöchlein si concentra sulla teoria degli affetti. La spiega in modo chiaro, orientato alle fonti e alla pratica, con l'aiuto di parametri musicali: Chiave, melodia, ritmo, armonia, metro e infine ornamento.

Uno dei punti di forza di questo libro in due volumi è che consente letture di diverso grado di approfondimento: Chiunque sia interessato all'ambiente teorico-musicale di Telemann e alle opinioni più diffuse all'epoca sulla pratica dell'ornamentazione troverà nella prima parte ciò che cerca. Chi desidera studiare e analizzare in dettaglio le sonate metodiche, ad esempio per quanto riguarda la loro interpretazione, difficilmente potrà evitare il secondo volume.

Questo libro è stato scritto da un amante della musica per gli amanti della musica.

Astrid Knöchlein: Ornamentazione - come Telemann! Sonate metodiche e Trietti metodici di Georg Philipp Telemann, a cura di Claire Genewein, Dorit Führer-Pawikovsky e Peter Schmid, 2 volumi, 57+145 p., Fr. 65.00, Schmid & Genewein, Zurigo 2024, ISBN 978-3-033-05348-9

Su richiesta dell'ensemble barocco Capella Jenensis, Julie Campiche, arpista e compositrice della Svizzera occidentale, ha scritto la musica per un incontro tra il suo quartetto e la formazione della città tedesca di Jena ben cinque anni fa. Con l'uscita del CD Transizioni questa collaborazione trova ora una meritata continuazione. L'obiettivo degli otto musicisti è quello di confrontare la musica da camera con la musica elettronica, ma anche di riunire elementi familiari del jazz e della musica classica. A tal fine, Campiche presenta tre brani tratti dalla propria penna e opere del compositore rinascimentale franco-fiammingo Jacques Arcadelt (1507-1568) e del virtuoso francese della viola da gamba Marin Marais (1656-1728).

L'insieme, che sfuma deliberatamente i confini tra musica barocca e jazz, è accattivante non da ultimo per l'uso intelligente delle risorse sonore disponibili: sebbene i musicisti utilizzino strumenti diversi come il flauto dolce, il sassofono soprano, il clavicembalo e le percussioni, il risultato è fluido e sapiente. Mentre pezzi come il grazioso Perché Al Viso - Parte I o quello che si affida a ritmi finemente cesellati parentesi sanno come abbindolare in primo luogo attraverso un sottile affiatamento, mostrano se stessi Acquario o Cabina H curiosa, desiderosa di sperimentare e in costante dialogo tra passato e presente. È emozionante, giocoso, ricco di sfumature e sempre meravigliosamente libero. Di conseguenza, l'album ama prendere diverse pieghe: lo scintillio è seguito da tranquille dissonanze e l'eleganza dall'intricatezza. Il risultato è un'opulenza sonora mai ricercata, che riesce sempre a incantare l'ascoltatore. Questo è indubbiamente merito anche dell'abile direzione del leader della band Julie Campiche.

Il fatto è che Transizioni un'esperienza sonora tranquilla ma spettacolare che rivela solo gradualmente le sue molteplici sfaccettature.

Julie Campiche Quartet & Capella Jenensis: Transitions. nWog Records nwog063

All'inizio di maggio, il violoncellista Sara Oswald ha pubblicato una lettera aperta sui social media in cui molti artisti hanno riconosciuto la propria situazione. Parla di una "... stanchezza dovuta al fatto di avere sempre un magro stipendio mentre il costo della vita aumenta. L'esaurimento di dover sempre chiedere una riduzione del premio alla compagnia di assicurazione sanitaria, perché senza di essa posso davvero fare le valigie. Lo sfinimento di dover creare tonnellate di pratiche per realizzare i miei progetti".

Ci ricorda che la formazione professionale non protegge i musicisti dalle circostanze precarie: "Ho studiato all'HEMU di Losanna e ho conseguito un master in violoncello barocco all'HEM di Ginevra. Sono un musicista professionista da 23 anni. Ci sono mesi in cui guadagno 400 franchi perché posso fare un solo concerto in 30 giorni. Sì, potrei insegnare, potrei suonare in un'orchestra. Ma questo non mi piace affatto. Mi piace scrivere musica, comporre per progetti, fare concerti. Ecco perché ho imparato questa professione. Ci vuole tempo per creare musica, esercitarsi con lo strumento, promuovere concerti, fare lavoro amministrativo (più della metà del mio tempo). Chi ha la forza, dopo una giornata di lezioni, di sedersi in sala prove e trovare l'ispirazione per una composizione originale? Perché, oltre a essere un musicista, bisogna anche imparare a vendersi. Posso dire che il mio lavoro occupa più del 100% del mio tempo. Per essere chiari: faccio solo questo: lavoro. E gratuitamente".

Il cantante vallesano Meimuna ha espresso la sua insoddisfazione con dei disegni: una serie di 14 illustrazioni che si possono vedere anche sui social media. Riflettono la stessa preoccupazione e affrontano una domanda esistenziale: "Devo rinunciare alla musica?".

Paléo deep club

Il 2 maggio, un terzo artista, la cantante Moictani, che si esibirà al Paléo Festival di quest'anno, affronterà l'argomento nel programma radiofonico della RTS. Abbiamo saputo che anche lei deve accontentarsi di un compenso di 200-300 franchi a concerto e che il più grande festival svizzero non è affatto più generoso. L'intero budget è destinato ai compensi da capogiro delle star. Si sogna un Paléo che inviti due celebrità in meno e paghi correttamente gli artisti meno noti. Forse venderebbe i suoi 200.000 biglietti in 30 minuti, invece che in 13.

In generale, sogniamo una società consapevole del ruolo indispensabile della cultura e della necessità di rappresentare la propria cultura invece di delegare la vita culturale a singole star d'oltreoceano. Ciò richiede un sostegno da parte dello Stato, che non venga messo in discussione ogni volta che è necessario salvare una banca o compensare i dazi doganali.

Il Raccomandazioni sulle tasseche sono stati recentemente sviluppati da Sonart, sono un ottimo passo in questa direzione. Poiché la sua lettera aperta ha suscitato numerose reazioni, Sara Oswald sta ora conducendo un sondaggio online che sfocerà in un manifesto. Molto probabilmente sarà pubblicato sul quotidiano svizzero di lingua francese Le Temps apparire. Per ottenere un miglioramento, i musicisti svizzeri sono d'accordo nel dire che devono agire insieme e aprire la bocca - o meglio: gridare - con una voce unita. Il Giornale musicale svizzero è proprio a questo scopo.

Lettera aperta di Sara Oswald: Invisibile

"È iniziato qualche anno fa. Un pizzico di stanchezza. Un'irritazione emergente nel dover ancora spiegare che vorrei essere pagato quando suono in questo o quell'album o quando faccio un concerto. Un crescente sgomento per le idee irrealistiche che la gente ha della vita di un artista. Sento ancora il ritornello: è bello poter vivere la propria passione.

Gli anni passano e a tutto questo si aggiunge la stanchezza, unita alle migliaia di chilometri percorsi per esibirsi in una terra di nessuno francese per 300 euro, senza alcuna indennità di viaggio. Mi chiedo quanto sia sensato andare a suonare altrove, e il desiderio di qualcosa di sconosciuto è sempre più forte del senso di realtà. La stanchezza di avere sempre un magro stipendio mentre il costo della vita aumenta. Esaurimento per il fatto di dover sempre chiedere una riduzione del premio alla compagnia di assicurazione sanitaria, perché senza di essa posso davvero fare le valigie. Esaurimento dovuto al fatto di dover creare tonnellate di pratiche per realizzare i miei progetti.

E a proposito di progetti: Di recente, all'età di 47 anni, sono stato pervaso da una rabbia non celata per il rifiuto di una borsa di studio che mette a rischio uno spettacolo molto personale, frutto del mio lavoro degli ultimi quattro anni, perché "possiamo prendere in considerazione solo un terzo delle domande presentate". Mi rendo conto che non c'è una quantità infinita di denaro disponibile per la cultura. Parlando con amici musicisti, sento che alcuni di loro mettono sul tavolo tutti i loro magri risparmi per produrre e realizzare un album. (Inutile dire che non riceviamo un centesimo da Spotify e simili). Altri sperperano una piccola eredità "per non abbandonare del tutto i progetti", altri ancora abbandonano per disgusto e altri ancora si esauriscono. Tutti soffrono. Sempre di più. In silenzio. Invisibili.

Ho studiato all'HEMU di Losanna e ho conseguito un Master in violoncello barocco all'HEM di Ginevra. Sono un musicista professionista da 23 anni. Ci sono mesi in cui guadagno 400 franchi perché posso fare un solo concerto in 30 giorni. Sì, potrei insegnare, potrei suonare in un'orchestra. Ma questo non mi piace affatto. Mi piace scrivere musica, comporre per progetti, fare concerti. Ecco perché ho imparato questa professione.

Ci vuole tempo per creare musica, esercitarsi sullo strumento, promuovere concerti, svolgere il lavoro amministrativo (più della metà del mio tempo). Chi ha la forza, dopo una giornata di lezioni, di sedersi in sala prove e trovare l'ispirazione per una composizione originale? Perché, oltre a essere un musicista, bisogna anche imparare a vendersi. Posso dire che il mio lavoro occupa più del 100% del mio tempo. Per essere chiari: faccio solo questo: lavoro. E gratuitamente.

Va da sé che anche le prove non sono retribuite. Così come il lavoro sullo strumento, la composizione, la stesura del programma di un concerto, le ore al computer per mettere insieme un bilancio o la presentazione di un progetto. Solo il concerto viene pagato. E le spese di viaggio, spesso se si lotta per ottenerle. Come dimostra l'eccellente studio di Marc Audétat e Marc Perrenoud, pubblicato da Stéphanie Arboit su Le Temps del 25 aprile, il compenso medio per il jazz e la nuova musica è di 300 franchi. Anche se ci si esibisce ogni fine settimana, cosa che (credo) quasi nessun artista svizzero può fare, è estremamente difficile guadagnarsi da vivere... I bellissimi disegni di Maimuna (su Instagram, 25 aprile) lo mostrano molto chiaramente.

Non è triste e sconvolgente dover dire a noi stessi: Facciamo formazione professionale, andiamo all'università, impariamo da autodidatti o attraverso altri percorsi formativi, passiamo la vita a fare musica e non riusciamo a guadagnarci da vivere. Quello che trovo spiacevole nella nostra professione è anche la concorrenza sleale. Poiché ci troviamo in una situazione così sfortunata, non credo che si renda un servizio alla professione se si è disposti a suonare da qualche parte per meno di 300 franchi. Dà l'impressione che i nostri servizi siano inutili. Da qui la domanda: che cos'è un musicista professionista? Qualcuno che vive della propria arte, che ha studiato in una scuola, che non ha altre entrate oltre alla musica?

Negli ultimi giorni ho parlato con molti musicisti. E ovunque vada sento questa stanchezza, questa sana rabbia, questo sconforto. Penso che dobbiamo fare qualcosa.

Quali conclusioni si possono trarre da questo studio? Come possiamo diventare visibili? Cosa dobbiamo fare per essere ascoltati? Come unire le forze? E soprattutto: cosa proponiamo per cambiare le cose?

Questa mattina sono stanco della mia/nostra invisibilità".

Disegni di Meimuna: Devo rinunciare alla musica?

Il virtuoso del violino e compositore belga Henri Vieuxtemps lavorò per sei anni alla corte dello zar Nicola I a San Pietroburgo. All'inizio di questo impegno, nel 1846, compose l'opera Morceaux de Salon op. 22 per violino e pianoforte, tra cui il n. 5 Tarentelle, e la mise in stampa. Ritenendola adatta anche al grande palcoscenico, ne creò una versione orchestrale, che fu stampata nel 1854. Vieuxtemps apportò notevoli modifiche alla parte del violino a partire dal 1846, modifiche che in precedenza si trovavano solo nella partitura.

Sono ora disponibili nuove edizioni (5a), in primo luogo della versione per violino e pianoforte con la parte per violino solo della versione orchestrata, e in secondo luogo della partitura. Il materiale orchestrale è disponibile per il noleggio - il prerequisito perfetto per eseguire la Tarantella su larga scala! La prefazione è entusiasmante e la relazione critica aiuta a risolvere molte questioni di dettaglio. Le diteggiature della partitura e della riduzione per pianoforte sono di Vieuxtemps, quelle della parte per violino dell'editore.

 Henri Vieuxtemps: Tarantella per violino e orchestra op. 22 n. 5a, prima edizione pubblicata da Olaf Adler; partitura, OCT-10371, fr. 40.60; versione per pianoforte, OCT-10371a, fr. 29.50; Edition Kunzelmann, Adliswil

Nella sua pubblicazione del 1950 I ricordi scrive il compositore Richard Flury (1896-1967): "Non considero affatto esaurita la possibilità di idee musicali nuove e originali con mezzi romantici, e cerco l'originalità non tanto nell'invenzione di nuovi mezzi tecnici di espressione ad ogni costo, quanto nella vitalità di una forte esperienza. La creatività nell'arte è come una crescita organica in cui il temperamento e i poteri intuitivi dell'anima sono più coinvolti dell'intelletto, che rischia di avere un'influenza disastrosa sullo sviluppo naturale dell'arte".

I Quartetti per archi n. 2 (1929) e n. 3 (1938) di Flury, mai registrati prima, sono stati pubblicati in un CD dall'etichetta inglese Toccata Classics con l'eccellente interpretazione del Quartetto Colla-Parte di Berna. Sono ottimi esempi dell'estetica di Flury, caratterizzata dai suoi maestri Hans Huber, Ernst Kurth, Joseph Lauber e Joseph Marx. L'"insopportabile accumulo di dissonanze accidentali ricercate e anche involontarie" in alcune opere, che Flury criticò nelle sue memorie, è cercato invano; la tonalità è preservata, così come la struttura classica in quattro movimenti. È evidente che Flury, figura centrale della vita musicale di Soletta come insegnante alla scuola cantonale e direttore dell'orchestra cittadina, aveva una formazione da violinista e violista e conosceva a fondo gli strumenti ad arco. Fondato nel 1997, il Quartetto Colla-Parte con Georg Jacobi, Susanna Holliger, Friedemann Jähnig ed Eva Simmen interpreta le opere con impegno, sfumature e colori, consentendo loro di entrare nel vivo.

Richard Flury: Musica da camera, volume secondo: Quartetto per archi n. 2 e n. 3 Quartetto Colla Parte. Toccata Classics TOCC 0717

Ad eccezione di due mottetti e di un pezzo d'insieme, l'opera di Johann Jacob Froberger (1616-1666) consiste in composizioni per strumenti a tastiera. "Ciò che Chopin è diventato per la letteratura pianistica del XIX secolo, Froberger lo è stato per la musica pianistica del XVII secolo: entrambi hanno posto al centro del loro lavoro i sentimenti soggettivi di chi suona e di chi ascolta ed entrambi sono riusciti a portare i loro strumenti ai limiti del suono e dell'espressione" (Siegbert Rampe).

Pieter Dirksen, lo specialista olandese della musica per tastiera del XVII secolo, ha ripubblicato le suite di Froberger, offrendo a tutti i tastieristi una panoramica della musica per suite prima di Bach e Handel. Qui è possibile imparare l'espressività e il tipo di design sonoro che deriva dallo "stile brisé" della musica francese per liuto. Questa specialità richiede una risoluzione degli accordi meticolosamente annotata, che non è di facile lettura. Sarebbe stato quindi auspicabile un layout meno affollato, e anche la distribuzione del testo musicale tra i due sistemi di tastiera avrebbe potuto essere più agevole per l'esecutore. Anche se ci si stupisce di alcune scelte editoriali, la casa editrice Henle ha comunque colmato una lacuna in un repertorio che può essere utilizzato con profitto anche nella pedagogia pianistica.

Johann Jacob Froberger: Suites per clavicembalo, a cura di Pieter Dirksen, HN 1091, € 31,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Nella sua musica, Pēteris Vasks cerca le cose ultime. Il compositore lettone vuole "nutrire l'anima" e sottolinea l'importanza delle emozioni per il suo linguaggio musicale tonale. Il suo secondo concerto per violino, composto nel 2020 Gaismo di Vakaraā (Nella luce della sera) dispiega una grande quantità di emozioni e ha un grande respiro. Un sottofondo di malinconia ricopre l'opera in cinque movimenti, che è scritta per lo più in tonalità minore, ma contiene anche passaggi combattivi e si dissolve sfericamente nella luce brillante della fine. Un ultimo raggio di sole prima che scenda la notte, che il compositore spirituale associa alla morte.

Antje Weithaas e la Camerata Bern si dedicano a quest'opera, profondamente radicata nel periodo romantico e in alcuni passaggi anche pomposa, con grande intensità e senza mai diminuire la potenza creativa. I grandi saliscendi che scandiscono l'Andante con passione iniziale hanno tensione e direzione. Il suono del violino di Weithaas emerge quasi impercettibilmente dal tutti. È solo nella Cadenza I, caratterizzata da doppi stop, che il violino solista si mette in evidenza. Lo storico direttore artistico della Camerata Bern mantiene alta l'urgenza. E riesce ad aumentare l'intensità emotiva e ritmica nell'Andante cantabile, che ricorda la musica di Shostakovich con le sue ripetizioni maniacali e il suono forzato degli archi. I glissando nella Cadenza II sono inquietanti, i cluster nel tutti raccontano di eccitazione e resistenza. Gli archi della Camerata Bern possono afferrare, ma anche stendere un tappeto fluttuante. E riflettono sempre l'emotività del violino solista.

Nel finale, l'Andante con amore, le lotte emotive sono finite, a parte un'ultima ribellione. All'inizio del movimento, il violino solista fluttua sopra la punta dell'organo orchestrale come se si fosse riscattato. Anche nelle altezze gelide del finale, il tono del violino di Antje Weithaas non diventa mai freddo, ma sviluppa invece calore e vigore.

Pēteris Vasks: Concerto per violino n. 2 (Vakara gaismā/Im Abendlicht). Camerata Bern; Antje Weithaas, violino e direttore. CAvi-music (disponibile solo in formato digitale)

Storie che la vita scrive: Grazie a un premio al Concorso Internazionale di Composizione di Boswil, nel 1976 Michael von Hintzenstern poté intraprendere il suo primo viaggio in Occidente dalla DDR. Non solo approfittò del soggiorno di studio e lavoro di tre mesi nella Svizzera rurale che gli era stato assegnato, ma cambiò anche il suo itinerario, ovviamente non autorizzato dal regime della DDR: si recò a Colonia per visitare il venerato "maestro" Karlheinz Stockhausen. L'approccio di Stockhausen alla "musica intuitiva" caratterizzerà sia Hintzenstern sia il suo Ensemble for Intuitive Music Weimar (EFIM) - e in ultima analisi anche il libro riccamente illustrato e divertente I suoni del momentoche, tra l'altro, riproduce alcune testimonianze manoscritte della corrispondenza con Stockhausen.

L'attenzione è rivolta alla storia dell'ensemble, fondato nel 1980 e composto da quattro musicisti tanto intraprendenti quanto sperimentali: Michael von Hintzenstern suona l'organo e tutti i tipi di sintetizzatore, Hans Tutschku è lo specialista della musica elettro-acustica ed elettronica, il "jazzista" Daniel Hoffmann suona il corno e la tromba, Matthias von Hintzenstern suona abitualmente il violoncello, ma fa anche la sua comparsa con installazioni sonore.

All'inizio, le opere di Stockhausen sono al centro dell'attenzione, come le 15 composizioni testuali per musica intuitiva in strumentazione variabile Dai sette giorni (1968) o il noto Zodiaco (1974/75). Sempre più spesso, anche a causa della caduta del Muro di Berlino nel 1989, i programmi si ampliano. Tutschku contribuisce sempre di più con la sua esperienza nella musica elettroacustica francese, l'EFIM cerca luoghi lontani dalle sale da concerto, suona in parchi, giardini botanici o in miniere di potassio a 670 metri di profondità. L'EFIM è ora in grado di raccogliere inviti a concerti e workshop in 30 Paesi di 4 continenti.

Chiunque sia appassionato di musica sperimentale sarà entusiasta di questo documentario. Ma vale la pena leggerlo anche per chi è interessato alla storia culturale della DDR. In particolare nella musica c'era un ampio margine di manovra che l'EFIM ha utilizzato in modo sorprendentemente aperto, intelligente e comprensivo.

Michael von Hintzenstern: Klänge des Augenblicks - 44 Jahre Ensemble für intuitive Musik Weimar 1980-2024, 256 p., oltre 300 illustrazioni, € 44,00, Weimar 2024, ISBN 978-3-00-078834-5,
hintzenstern.eu

Quale nuova opera fu eseguita per la prima volta il 2 aprile 1800 da Schuppanzigh, Schreiber, Schindlecker, Bär, Nickel, Matauschek e Dietzel all'Hofburgtheater di Vienna? Un settetto per archi e fiati di Ludwig van Beethoven. Si trattava di una "Sinfonia concertante", un genere che godeva di grande popolarità all'epoca, o di una sinfonia per ensemble di musica da camera?

Con i suoi sei movimenti e un tempo di esecuzione di quasi quaranta minuti, questa composizione supera di gran lunga le dimensioni delle altre opere eseguite quella sera, il 1° Concerto per pianoforte e orchestra e la 1° Sinfonia, anch'esse in prima esecuzione. Il delizioso gioco del quartetto d'archi, senza secondo violino ma con contrabbasso, con i fiati che suonano in armonia e con le parti solistiche del violino e del clarinetto, in cui il primo è chiamato a sfoggiare un virtuosismo di altissimo livello, paragonabile a quello del successivo Concerto per violino op. 61, soprattutto nella cadenza dell'ultimo movimento, fu accolto con entusiasmo e godette in seguito di grande popolarità.

Il settetto di Beethoven fu anche il modello per Franz Schubert e il suo Ottetto in fa maggiore D 803, composto nel 1824, e per altre opere con strumentazione simile di Louis Spohr, Ferdinand Ries, Franz Berwald e altri. La soddisfazione di Beethoven per il settetto rimase intatta dopo il suo orgoglio per la prima esecuzione nel Castello di Vienna e la sua osservazione a Joseph Haydn: "Questo è il mio pezzo preferito". Creazione" in tempi successivi, secondo Ignaz Pleyel. L'opera fu pubblicata da Hoffmeister nel 1802 con una dedica all'imperatrice Maria Teresa.

Questa edizione Urtext è stata curata dallo studioso inglese di Beethoven Jonathan Del Mar, che ha completato le sinfonie beethoveniane nella nuova edizione del 2000, oggi utilizzata da tutti i più noti direttori d'orchestra come base interpretativa. La partitura di studio contiene anche quattro pagine autografe della Biblioteka Jagiellońska di Cracovia ed è ottimamente corredata da una prefazione e da dettagliate note sulle fonti.

Ludwig van Beethoven: Settimino in mi bemolle op. 20, a cura di Jonathan Del Mar; parti: BA 10944, € 38,95; partitura tascabile: TP 944, € 18,95; Bärenreiter, Kassel

Ho conosciuto Walter Fähndrich per caso, nell'estate del 1984, in quello che allora era l'hotel per studenti Quellenhof a Schuls. Già allora, prima ancora di sapere che fosse un musicista, mi colpirono il suo atteggiamento intransigente e la sua ambizione. Solo in un secondo momento sono venuto a conoscenza delle sue pubblicazioni sul tema della Musica e spazi e ho sentito parlare della sua incredibile installazione sonora elettroacustica al Lago del Sambuco, in alta Valle Maggia.

Fähndrich, nato a Zugo nel 1944, è violista di formazione, compositore, insegnante di teoria e improvvisatore. Per 25 anni è stato docente di improvvisazione/composizione dal vivo a Basilea e ha istituito un corso di perfezionamento in musica da camera improvvisata. Le sue otto composizioni per viola sola sono state scritte fino al 2002. Viola I fino a quando Viola VIII.

Nel libretto Perché improvvisiamo? Fähndrich presenta un fondamento teorico-musicale per la sua specialità, l'improvvisazione di musica da camera. A questo proposito, gli slogan riportati sul manifesto sono provocatori: "Libertà totale - tutto è possibile e giusto!!!", "Puoi suonare ciò che vuoi!!!" e "Non puoi commettere errori!!!". È vero il contrario: se si segue il ragionamento di Fähndrich, si è effettivamente limitati.

Le sue riflessioni iniziano con "Dieci aspetti dell'improvvisazione". Questi vanno dalla "comunicazione", alla "disponibilità a rischiare" e alla "gestione dell'energia" fino al "prodotto, scopo". Fähndrich intende l'improvvisazione come "Un attore con pari diritti e piena responsabilità nel processo compositivo, al centro del quale c'è un risultato realizzato con grande giocosità, imprevedibile e tuttavia il più convincente possibile". Egli opera inoltre una rigorosa distinzione tra il positivo e il positivo Recitazioneche si è spostato dalla connotazione negativa Lasciarsi andare si distingue.

Naturalmente, gran parte del volume rimane molto prolisso e teorico. Non ci sono esempi annotati, perché la musica improvvisata è appunto non scritto. Il libro di Fähndrich è una lettura obbligata per chiunque abbia un approccio serio e riflessivo all'improvvisazione.

Walter Fähndrich: Perché improvvisiamo?, 80 p., € 18,00, Wolke-Verlag, Hofheim 2024, ISBN 978-3-95593-270-1