Annakin, cantautore

Che cosa significa per lei "ispirazione"? 

Per me l'ispirazione è lo stato d'animo necessario per scrivere una buona canzone. È l'epifania, una rivelazione o un lampo di ispirazione, l'iniezione di endorfine e l'inizio di qualcosa di eccitante. È all'inizio ed è importante perché il processo creativo possa fluire.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

Non posso fare a meno dell'ispirazione, perché senza di essa è difficile fare progressi, se non del tutto. E credo anche che la si possa sentire in una canzone, perché in quel caso suona poco ispirata. L'ispirazione è quindi per me una fonte indispensabile per poter lavorare in modo creativo e forse anche un marchio di qualità. Non credo che il risultato sia lo stesso se si lavora duramente su qualcosa di creativo in modo non ispirato. Perché, secondo me, l'ispirazione anima il lavoro.

Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa?

 A un certo punto ho capito che esistono dei metodi per attingere all'ispirazione. Per esempio, spesso scrivo semplicemente il mio monologo interiore alla ricerca di buoni testi. Prima o poi, i miei pensieri si concentrano su qualcosa che vale la pena seguire o nasce un gioco di parole che registro. In pratica, si può trovare ispirazione ovunque, se si aguzzano i sensi. Proprio di recente, non sono riuscito a leggere bene un cartello con scritto "Brockenhaus" da lontano e ho pensato che dicesse "Broken Hans". Un titolo meraviglioso per una nuova canzone, ho pensato.

C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sull'ispirazione? 

Abbracciatela finché potete! Spesso si tratta di un legame fugace con l'ispirazione e bisogna lavorare sodo per tenerla al proprio fianco a lungo.

https://annakin.net

 

Benjamin Amaru, cantautore

Che cosa significa per lei "ispirazione"?

L'ispirazione (in relazione all'arte/creazione) per me è qualcosa per cui voglio lavorare. Di solito la vedo sotto forma di altri artisti che realizzano qualcosa che ritengo valido. La cosa più importante per me è il modo in cui lo realizzano e la loro autenticità nei confronti di se stessi e del mondo esterno. Questo include cose che mi toccano e/o mi impressionano. In altre parole, tutto ciò che mi colpisce e in cui posso identificarmi può essere fonte di ispirazione per me e far parte del processo o dello sviluppo che sto perseguendo.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

Penso che non si possa evitare il "duro lavoro". Tuttavia, credo che l'ispirazione sia anche al centro del duro lavoro. Perché si lavora sodo? Per me la spinta è legata all'ispirazione come qualsiasi altra cosa. Di conseguenza, credo che l'ispirazione sia al centro di tutta la creazione.

Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?

Per me, arriva molto sporadicamente. Non c'è bisogno di un certo stato o di una situazione specifica, basta la volontà di essere ispirati.

https://benjaminamaru.com

 

Daniel Schnyder, compositore

Che cosa significa per lei "ispirazione"?

 Significa che qualcosa sta stimolando la vostra mente. Può provenire dall'esterno o dall'interno. Lo spirito che "ispira", cioè che ti visita, è ovunque, ma non sempre ci si può aprire subito ad esso. A volte suona alla porta dell'artista in momenti sfavorevoli. Cosa fa scattare l'ispirazione? Un ambiente creativo può avere un effetto ispiratore, altre persone, artisti. Ma anche la solitudine può ispirare. Come ho detto, lo spirito vive ovunque, solo che non sempre si rivela.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

 Ispirazione significa energia; sì, ci vuole ispirazione per creare, e poi subito un duro lavoro concentrato, altrimenti lo spirito se ne andrà di nuovo immediatamente. Non si può "rimandare" l'ispirazione. Purtroppo, il duro lavoro da solo non è sufficiente. Semplicemente non si ha la forza di fare nulla. Senza ispirazione ci si inaridisce. Oggi il pericolo è la distrazione; tutto cerca di ottenere il minimo energetico, che è la fisica, la chimica: cioè: Frigo, notizie, benessere, TV, social media. La mente esce di nuovo dalla porta... Ma se si riesce a resistere, c'è la "spinta dell'ispirazione", dove un intero flusso di idee, l'impulso creativo e il kairos si uniscono.

 Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?

Altri musicisti, grandi concerti, grandi opere del passato; ma anche grande letteratura e altre culture.

C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sull'ispirazione?

 Sì; credo che esista uno "spirito creativo" sovraordinato che caratterizza le persone e dà loro la possibilità di progettare una sorta di "controcreazione". Se si riesce a unirsi a questo spirito sovraordinato, a connettersi con esso, si è in grado di fare cose che in realtà non si possono fare. può. È questo che intende Bach, ad esempio, quando scrive JESU JUVA nelle parti più complicate delle sue composizioni. Volete che lo spirito vi aiuti a raggiungere il kairos, il punto di successo. Che poi significa felicità.

Questo è anche l'unico motivo per cui lo si fa. Non ha senso commerciale scrivere una fuga a spirale in quattro parti. Non si può nemmeno bluffare con essa al giorno d'oggi hahaha. Ma quando viene suonata e funziona, è ovviamente grandiosa e un momento di felicità. E poi, a distanza di anni, non si capisce mai come tutto si incastri così bene e possa avere successo: Come compositore, crei i tuoi puzzle creativi, hahaha.

https://www.danielschnyder.com/

 

Emanuela Hutter, Hillbilly Moon Explosion

Che cosa significa per lei "ispirazione"? 

L'ispirazione è per me fonte di vita. Come l'olio nel cambio.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

Per creare qualcosa di nuovo e inedito è necessaria l'ispirazione. Per realizzare l'ispirazione ci vuole un duro lavoro. E molta perseveranza.

 Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?

Grazie al blocco, ho imparato che posso essere creativo solo quando interagisco con le persone, soprattutto con gli estranei. Osservare gli estranei mi ispira e stimola la mia immaginazione. Oziare a casa con la mia famiglia in armonia e sicurezza è meraviglioso e rilassante, ma per me è controproducente. Non ho scritto una sola canzone durante l'intero periodo di isolamento.

Come si scrive un brano accattivante?

I tarli dell'orecchio possono essere stupidamente invadenti e sgradevoli. A volte mi assalgono appena sveglio e continuano a ronzare nefasti nella mia testa, e quando voglio elaborarli sono troppo unti e invadenti perché ne esca qualcosa di bello. In questi casi, affidarsi a una collaborazione con un collega musicista o produttore è fruttuoso. Una collaborazione che permette e sopporta il disaccordo e la tensione. Trovo difficile puntare a una melodia orecchiabile.

C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sul tema dell'"ispirazione"?

L'ispirazione è una cosa meravigliosa, perché ti succede e basta. Arriva come una brezza. Senza doversi sforzare. È come innamorarsi. E non può essere forzata o comprata. Questo a volte è un aspetto bellissimo.

https://www.hillbillymoon.com/

 

James Varghese, musicista/produttore

Che cosa significa per lei "ispirazione"?  

L'ispirazione è il motivo per cui devo creare. È come se avessi qualcosa di importante da dire. Deve uscire fuori. È una sensazione di felicità, un "flash". Anche se felicità non è la parola giusta. Si è più concentrati, "in the zone". Non faccio salti di gioia in studio. Tendo a diventare tranquilla, umile e grata di poter vivere questo momento. Non mi sembra di aver fatto o creato qualcosa. È un'esperienza spirituale e non ci si sente un attore, ma piuttosto un medium.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?  

Se creassi solo quando sono ispirato, una canzone non sarebbe mai finita. Ha sempre bisogno dell'aspetto di un lavoro duro e asciutto. Ma solo attraverso il duro lavoro non troverei mai una canzone abbastanza interessante da pubblicare. Non potendo controllare quando sono ispirato e quando non lo sono, devo andare in studio anche quando non ne ho voglia. Ci sono molte aree della musica su cui posso lavorare anche quando non sono ispirato.

Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa?  

Vorrei saperlo! L'ascolto della musica può portare all'ispirazione e viceversa. Poiché vivo in città, le gite nella natura sono sempre di grande ispirazione. Forse è solo una questione di cambiamento di scenario. Anche le visite ad altre città innescano sempre molto. A volte mi sembra di ricaricare le batterie.

Come è nata l'idea di una collaborazione con Simone Felber nella ferrovia di montagna? L'ispirazione "forzata" che ha fornito ha portato il vostro lavoro creativo in direzioni diverse rispetto a quando eravate da soli?  

La collaborazione è stata avviata da Swisscom. Hanno creato un format online chiamato X-Stories, che mira a far incontrare persone provenienti da mondi diversi. Nel nostro caso, si trattava di città X paese, musica elettronica X musica popolare. Questo elemento forzato è stato molto rinfrescante e vantaggioso per me, perché di solito non mi capita spesso di farlo. Ho "dovuto" consegnare qualcosa e questa pressione mi ha fatto bene. Penso che ogni volta che si deve uscire dalla propria zona di comfort, accadono cose eccitanti. Se facessi sempre e solo collaborazioni, sarei davvero entusiasta se improvvisamente mi venisse concesso di lavorare da sola per un giorno. Ma dato che mi capita spesso di lavorare da sola, lo scambio è stato molto prezioso e arricchente.

Mi hanno aiutato anche le scadenze rigide. Altrimenti posso passare secoli a modificare un brano. Sposto un dettaglio qui, faccio una piccola modifica lì finché non è "perfetto". E poi non è mai perfetto. Ho dovuto essere molto più pragmatico e questo mi ha aiutato. Abbiamo trovato un buon mix tra il tempo libero per suonare, giocherellare e cercare da un lato e la dura realtà di dover consegnare 15 minuti di musica dall'altro. Sembra un compromesso e un "accontentarsi di qualcosa di più veloce", ma non è stato così. Si trattava semplicemente di giornate lavorative più lunghe e notti più corte.

C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sull'ispirazione?  

È una parola che può essere usata per dire tutto e niente. E può anche essere usata come argomentazione micidiale e come scusa, perché non si può mai provare o smentire. Potrei ancora lavorare alla mia prima canzone e convincermi che sto solo aspettando l'ispirazione e nel frattempo me ne sto sdraiato sul divano a scorrere i social media. Ma una volta che si è sperimentato quel "flash", ci si vuole aggrappare a quella sensazione per sempre. Mi chiedo spesso come ci si sente per le altre persone. E quali sono le azioni o i momenti che fanno sentire i non musicisti e come li esprimono.

https://jamesvarghese.bandcamp.com/album/uijo

https://quietloverecords.com/jamesvarghese

 

Michael Sele, La bellezza di Gemima

Che cosa significa per lei "ispirazione"?

 È questa scintilla che accende la mia creatività, il momento in cui idee, emozioni e impressioni si uniscono e mi portano a creare qualcosa di nuovo.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

 L'ispirazione è, nella migliore delle ipotesi, l'inizio del processo creativo che dà vita alle mie opere, ma poiché non si può aspettare la grande ispirazione, ho anche sviluppato delle tecniche personali per incoraggiare la mia creatività. Ed è qui che entra in gioco l'aspetto del lavoro. Può essere più che noioso, persino frustrante, ma è anche l'unico compagno fedele e impavido che mi accompagna durante tutto il processo.

Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?

 Trovo ispirazione in molti aspetti della vita, perché fondamentalmente si è circondati da idee e impressioni ogni giorno, per non dire senza sosta. L'importante è che io sia anche sulla strada del desiderio di creare qualcosa di nuovo. Solo così le mie antenne sono attive e posso ricevere segnali. Uscire dalla routine quotidiana, lasciare la zona di comfort, trasformare ancora una volta la notte in giorno, uscire, lasciare la stanza calda, assistere a concerti, andare a teatro, andare al cinema, sono tutte circostanze o cose meravigliose che poi amplificano i segnali in modo esponenziale.

Riesci a imporre una melodia orecchiabile?

 Un earworm è di solito una canzone o una melodia orecchiabile che continua a saltare in mente. Potete sicuramente cercare di comporre melodie orecchiabili che abbiano il potenziale di innescare un earworm nell'ascoltatore. Questo si può ottenere utilizzando determinate armonie, melodie o testi facilmente memorizzabili. Esistono interi libri di testo che hanno analizzato i grandi successi e hanno cercato di ricavarne la cosiddetta chiave del successo. Anche i team di produzione e le case discografiche cercano di applicare questi schemi e se poi la canzone gira ininterrottamente e in costante rotazione su tutti i canali, le probabilità che il brano orecchiabile diventi un successo non sono certo scarse.

C'è qualcos'altro che vorrebbe dire sul tema dell'"ispirazione"?

 Ispirazione nel senso di respiro in realtà non significa altro che ogni persona ha bisogno di ispirazione per sopravvivere e può e deve essere ispirazione per gli altri.

https://www.thebeautyofgemina.com

 

Nik Bärtsch, musicista/compositore

Che cosa significa per lei "ispirazione"?

Un'opera artistica, uno spettacolo o una partita di calcio devono prendere vita - nella loro creazione e durante la loro realizzazione. Regole, competenze e un budget consistente da soli non bastano. Si parla di "animazione" quando un evento suscita empatia, emozione e comunità. Questo avviene attraverso il "respiro delle cose": la vita viene infusa negli esseri viventi coinvolti. Cominciano a credere nel qui e ora insieme.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

L'ispirazione è come uno spirito giapponese che si trasforma continuamente in altri corpi. Appare dal nulla sotto la doccia così come durante il duro lavoro. Quindi non può essere forzata, ma può essere evocata: attraverso la pazienza e la dedizione alla musica, nell'estasi artistica come stato permanente, per così dire.

Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?

 Flusso di lavoro: che sia sotto stress o con molto tempo e spazio, la visione a tunnel deve essere giusta. Il compositore Morton Feldman dice: Per comporre sono necessarie due cose: concentrazione incondizionata e convinzione. Io aggiungerei: un'enorme gioia per la musica. Per inciso, è così che il FCZ è diventato recentemente campione contro concorrenti strapagati e ingrassati: gioia, concentrazione, fede.

https://www.nikbaertsch.com

 

Niklaus Keller, compositore

Sarebbe disposto a rispondere ad alcune domande sul tema dell'"ispirazione"?

Con piacere, perché:

R: Ispirazione e creazione sono i due cardini della mia vita. Spirito e creazione determinano la mia esistenza, baciata dalla musa compongo nel mio studio. Non ho idea di cosa stia facendo lì, la scintilla divina mi permea e con la penna d'oca in mano le note si scrivono da sole.

B: Forse no, io faccio musica e ho poca idea delle sequenze neurologiche del cervello. L'ispirazione e la creazione, in ultima analisi, forse non sono altro che cariche elettriche e le persone creano solo cose nuove, così come scalano una montagna, cioè perché la montagna è lì. Quindi scrive musica perché può farlo e per nessun altro motivo.

Che sia A o B, la musica suona allo stesso modo. Bene, allora possiamo iniziare l'intervista: "Signor Keller, grazie per la presentazione".

Che cosa significa per lei "ispirazione"?

Per me, ispirazione significa avere un'idea senza doverci pensare attivamente; lo spirito entra nella coscienza inaspettatamente e viene percepito. Questo avviene in un momento di rilassamento e di dimenticanza di sé, nessuno dei quali può essere portato avanti consapevolmente, perché l'intero processo, ripeto, avviene inaspettatamente.

Purtroppo non riesco a pensare a sinfonie complete in un attimo; tendono a essere brevi motivi e melodie che di solito mi si rivelano mentre passeggio fischiettando. Se mi piace un motivo, lo registro con il mio apparecchio, il cellulare.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

Per me l'ispirazione non è nulla di soprannaturale, è generata dalle persone o dal loro stesso cervello, tende a essere inconscia e nasce da ciò che hai immagazzinato come musica nel tuo cervello e viene riorganizzata lì se è un'idea originale. Come ho detto prima, mi vengono in mente brevi melodie. Poi inizia il duro lavoro, che a volte è utile se l'idea è buona. L'ispirazione è il mattone e un aiuto per iniziare.

Il fatto che l'ispirazione serva come punto di partenza può essere visto anche nel fatto che alcuni musicisti credono che l'ispirazione sia un messaggio diretto di Dio. La fiducia in Dio dà certamente una forza in più e legittima il proprio lavoro. Ma si può iniziare anche senza ispirazione, perché ci sono altri parametri oltre all'ispirazione che giocano un ruolo, come l'impulso a creare qualcosa che sia giusto in sé, come un designer con una bella macchina o un calciatore con un bel calcio di punizione o, come Rossini, quando cucina qualcosa di buono.

E sì, è un lavoro. Si lavora a lungo, perché non deve suonare come un lavoro duro, ma come qualcosa che si è creato sul momento, e deve anche suonare bene, quindi bisogna anche avere determinate competenze tecniche.

Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?

Purtroppo non ho una risposta. Credo che nemmeno Beethoven ne avrebbe una, perché anche lui, se ricordo bene, non ha ottenuto risultati da 1001TP3 in campo operistico. Se avesse saputo valutare correttamente la situazione, non avrebbe scritto opere - o ne avrebbe scritte di migliori. Ma l'ispirazione non è tutto, si tratta anche di liberarsi dalla propria realtà e di guardarla dall'esterno, per così dire. Come facevano i Beatles quando scrivevano le canzoni. Inoltre, l'ispirazione non arriva solo all'inizio. Anche durante il lavoro si hanno nuove idee, che sono il risultato della scintilla iniziale.

https://niklauskeller.bandcamp.com/

 

Romaine Blum, Wintershome

Che cosa significa per lei "ispirazione"? 

 L'ispirazione è ciò di cui vive un musicista. È il cuore pulsante della nostra esistenza creativa. L'ispirazione è ciò che non si può spiegare, la magia dietro una canzone, quel qualcosa.

Ci vuole "ispirazione" per creare o basta il duro lavoro?

 Avete sicuramente bisogno di ispirazione. Si può ottenere molto con il duro lavoro, ma sono convinto che il lavoro creativo, in particolare, richieda un'ispirazione che viene da qualche parte e ti trova. Penso che solo il duro lavoro non porti soddisfazione interiore perché manca questa magia.

Quali sono le circostanze che più facilmente portano all'ispirazione creativa e ai risultati artistici per lei?

 Le cose di tutti i giorni, ma anche le grandi emozioni. A volte si scrive una canzone su una rottura, una perdita, la nascita di un figlio o altre esperienze drastiche. Ma a volte basta una frase tratta da un buon libro per ispirarsi a scrivere una canzone.

Si può forzare una melodia orecchiabile con il calcolo? Alcuni dei vostri ritornelli sono incredibilmente orecchiabili...

 Non crediamo che questo possa essere forzato. In realtà ci abbiamo provato un paio di volte. Ma siamo sempre arrivati al punto in cui non potevamo andare oltre o eravamo insoddisfatti, ed è qui che entra in gioco l'ispirazione. Funziona meglio quando si è aperti e non si hanno aspettative, e allora scorre all'improvviso.

https://www.wintershome.ch/

Indice dei contenuti

Focus

Il talento è un dono, la sua realizzazione è felicità
Intervista a Michael Eidenbenz

La musica come regalo di festa
Regali musicali oltre i CD e i vinili

Dediche musicali
Una piccola collezione

Mistero nella doccia
Il dono dell'ispirazione
Link alle interviste dettagliate online

 (corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

 

Critiche

Recensioni di registrazioni, libri, spartiti

 

Eco

Maria Schmidt e Theodor Kirchner
La prima pubblicazione di un ritratto della moglie in occasione del compleanno del compositore

Rachmaninov a Lucerna
Mostra al Museo Hans Erni di Lucerna

"La partizione permette di collegarsi agli altri".
Incontro con David Philip Hefti

Cronista del modernismo del dopoguerra
Necrologio per Fritz Muggler

Perdite e sfoghi
Giornate musicali di Donaueschingen 2023

Cambio di testimone ai "talent scout"
Fondazione Orpheum: Howard Griffiths passa il testimone a Oliver Schnyder

Radio Francesco
Spettri Fantasmi

La riscoperta delle musiche endormi
Sono in corso di pubblicazione alcuni cahiers di antiche arie da gustare

La musica popolare nei Grigioni
Mostra "Grenzenlos lüpfig" al Museo retico di Coira

Chi si sente bene rimane motivato
Simposio Swissmedmusica

"Panorama a 360 gradi dell'educazione musicale"
Descrizione aggiornata del lavoro per l'educazione musicale

Chiacchierare di ...
Strumenti musicali in regalo

Bach, lo Stato e Spotify: Carte blanche
per Zeno Gabaglio

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Donazione segreta di organi
Puzzle di Michael Kube

________________________________________

Emissione dell'ordine per CHF 8.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

Il percorso professionale per diventare insegnante di musica è chiaramente definito. Dopo aver superato l'esame di ammissione all'università, gli studenti completano un corso di laurea e un master, quest'ultimo incentrato sull'educazione musicale e sulla didattica. In seguito insegnano autonomamente o presso scuole di musica, spesso a tempo parziale, in modo da avere tempo sufficiente per il proprio lavoro artistico. - Un breve riassunto che non rende giustizia alla ricchezza delle opportunità disponibili dopo la laurea. Dopo tutto, cosa significa insegnare musica? Si tratta di lezioni individuali di strumento per bambini in età scolare? È condurre un programma nel campo della musica e del movimento? È dirigere un programma di canto per genitori e figli, un ensemble per anziani, un'orchestra giovanile o bande di tutti gli stili? Insegnare in team con gli insegnanti della scuola primaria? Organizzare e dirigere musical e concerti? Impostare un programma di produzione musicale su smartphone o computer?

Standardizzare la comprensione professionale

Nel novembre 2023, il gruppo di lavoro, composto da membri di varie associazioni e da rappresentanti di università e scuole di musica di tutta la Svizzera, ha pubblicato la Descrizione del lavoro per gli insegnanti di musica. Il documento è destinato a servire da base per gli studenti di musica e i conservatori, nonché per i responsabili dell'istruzione, i politici e i responsabili delle politiche. Va inteso come un aggiornamento della dichiarazione di missione sviluppata nel 2006 e fornisce una panoramica di argomenti quali la missione educativa, la formazione e l'aggiornamento, nonché l'insegnamento e l'apprendimento musicale stesso in quattro capitoli.

L'allievo al centro

Il valore di base della "centralità dell'allievo" è particolarmente importante per il gruppo di lavoro: gli insegnanti di musica dovrebbero concentrarsi interamente sulle loro controparti. Ciò include, ad esempio, la considerazione delle diverse biografie, ma anche del bagaglio di esperienze individuali degli alunni. Ciò richiede che gli insegnanti adottino un atteggiamento inclusivo e siano sensibili alle diverse esigenze e ai profili di apprendimento speciali. Questo atteggiamento, soprattutto quando include la dimensione fisica, è particolarmente importante nell'ambito della musica e del movimento, come sottolinea Céline Shuler, responsabile dell'ufficio di Ritmica Svizzera.

Promozione del talento e di ampio respiro - musica per tutti

Un altro punto chiave nella descrizione del lavoro afferma che gli insegnanti di musica sono ambasciatori dell'educazione musicale e si impegnano per le pari opportunità. "Gli insegnanti di musica portano i loro studenti a fare musica in modo attivo, sia a un livello ampio che alto", afferma Marcel Blanchard, rettore del Conservatorio di Zurigo. Anche Matteo Piazza, presidente dell'associazione ticinese delle scuole di musica FeSMuT (Federazione delle Scuole di Musica Ticinesi), sottolinea l'importanza delle pari opportunità nell'educazione musicale, sancite dall'articolo 67a della Costituzione federale svizzera.

Sviluppare ulteriormente, pensare ulteriormente

Il concetto di apprendimento permanente si applica anche all'educazione musicale. Secondo la dichiarazione di missione, questo apprendimento può assumere diverse forme. Vengono citati strumenti come il coaching o l'insegnamento in team, così come la partecipazione a programmi di formazione continua sia in campo pedagogico che artistico.

Promuovere la consapevolezza del pubblico

Gli insegnanti di musica devono essere creativi, modelli musicali, motivanti, competenti nell'organizzazione e nella gestione dei progetti, ma anche, se necessario, spontanei, interessati agli sviluppi attuali e in grado di lavorare in team diversi. Si tratta di requisiti elevati. - Esistono insegnanti di musica di questo tipo? "Oh sì, molte cose non sono nuove e vengono già praticate", dice Christian Braun, direttore della Scuola di Musica di San Gallo. "Purtroppo molti aspetti di questa grande professione non sono ancora noti al pubblico", aggiunge Philippe Müller, direttore del Cercle Lémanique d'Études Musicales di Lutry. Julien Feltin, direttore dell'École de Jazz et de Musique Actuelle di Losanna, descrive il documento come un "panorama a 360 gradi dell'educazione musicale in Svizzera". Per il gruppo di lavoro, una cosa è chiara: la dichiarazione di missione professionale deve ispirare e servire come base per la riflessione e l'ulteriore sviluppo. Allo stesso tempo, deve mostrare dove si trova il potenziale dell'educazione musicale, con l'obiettivo di radicare ulteriormente il programma in tutta la Svizzera sia a livello strutturale che politico.

 

La descrizione del lavoro è disponibile in
Tedesco https://www.verband-musikschulen.ch/de/musikschule/musikpaedagogik/berufsleitbild
Francese https://www.verband-musikschulen.ch/fr/musikschule/musikpaedagogik/berufsleitbild
e italiano https://www.verband-musikschulen.ch/it/musikschule/musikpaedagogik/berufsleitbild
prima.

 

Bando di concorso per giovani direttori di coro che vivono e lavorano in Svizzera

In collaborazione con l'International Lyceum Club of Switzerland, le associazioni corali svizzere e il media partner Radio SRF2 Kultur, i Basler Madrigalisten organizzano il primo "Swiss Made Choir Conducting Prize". Questo premio intende promuovere giovani direttori di coro di talento ed è il primo del suo genere in Svizzera.

Il vincitore riceve l'opportunità unica di sviluppare ed eseguire un programma di concerti nell'anno successivo insieme ai Basler Madrigalisten, il rinomato coro da camera di cantanti professionisti. La collaborazione fornisce un'esperienza pratica nelle tecniche di prova e nell'organizzazione di progetti e concerti.

Masterclass con concorso: dal 15 al 17 febbraio 2024, Accademia di Musica della Città di Basilea

Siete in possesso di un diploma professionale in direzione corale e vivete e lavorate in Svizzera? Allora candidatevi subito! La preselezione vi permette di:

• 4 concerti di 30 minuti con i Basler Madrigalisten, incluse le prove generali e il concerto del concorso.
• Assistenza individuale durante la masterclass con Raphael Immoos, direttore artistico dei Basler Madrigalisten.
• Partecipazione al 1° Concorso svizzero di direzione corale Swiss Made con la possibilità di vincere un progetto con i Basler Madrigalisten.

Termine ultimo per la presentazione delle domande: 17 dicembre 2023

I dettagli del programma e le modalità di iscrizione sono disponibili sul nostro sito web www.basler-madrigalisten.ch. Registratevi ora e partecipate!

Tutti lo sanno, l'altamente drammatico O Fortuna - è stato utilizzato in innumerevoli spot pubblicitari e si è quindi ampiamente distaccato dal suo contesto originale. Il brano costituisce in realtà la cornice dell'opera di Carl Orff Carmina Buranauna cantata scenica sulla capricciosità e l'ambivalenza dell'esistenza umana. Orff ha messo in musica 24 delle 254 poesie contenute nel manoscritto medievale. Codice Buranusfurono costruiti nell'XI e XII secolo.

Quest'opera, ormai famosa in tutto il mondo, è stata eseguita integralmente sabato 11 novembre allo Stadtcasino di Basilea. L'organista Babette Mondry e il direttore di coro Tobias Stückelberger, che hanno fondato l'associazione vokal:orgel nel 2022 e presentano regolarmente nuovi formati per coro e organo, ne sono stati i principali responsabili.

Cosa c'è di nuovo nella performance di Carmina Burana l'inizio: non è iniziato con O Fortunama con una sorta di prologo - Hanna Marti, specialista di musica medievale, ha cantato anche il brano del Codice Buranus origine Vacillantis trutine e si accompagnava all'arpa. Dopo una transizione, l'opera di Orff ha seguito la sua struttura originale. La strumentazione era nuova: Mondry imitava la maggior parte degli strumenti del versatile organo dello Stadtcasino, accompagnato dall'ensemble di percussioni dell'Accademia di Musica della FHNW sotto la direzione di Matthias Würsch. È stata la prima volta che una versione per organo del Carmina Burana È stato adattato dalla stessa Mondry, che ha ottenuto i diritti di pubblicazione dell'opera appositamente per questo progetto.

Elementi scenici

Il coro era composto da oltre 200 giovani cantanti, vestiti in modo colorato, e comprendeva il Coro della Giovane Camera di Basilea e i cori delle scuole secondarie di Bäumlihof, Kirschgarten, Muttenz e Oberwil. Le voci soliste erano il soprano Jardena Flückiger, il baritono Yannick Debus e il controtenore Julian Schmidlin. Speciali sono stati anche i numerosi elementi scenici eseguiti dal coro e dalle voci soliste, che l'opera in realtà prevede ma che oggi sono raramente realizzati.

Carmina Burana parla degli alti e bassi della vita, dei mutevoli stati d'animo e dei capricci della natura (umana), simboleggiati dalla ruota sempre in movimento di Fortuna - nelle scene nei campi, nella taverna o nel cortile dell'amore. La rappresentazione allo Stadtcasino, sotto la direzione di Tobias Stückelberger, è stata convincente su tutta la linea, in primo luogo perché è riuscita abilmente a passare da un suono paesano, ingenuo e apocalittico. In secondo luogo, la messa in scena della regista svizzera Mélanie Huber e la musica erano piene di vita, come dovrebbe essere in un'opera sulle ambivalenze dell'esistenza umana. Lo Stadtcasino, tutto esaurito, ha onorato lo spettacolo con una standing ovation.

La prevenzione nelle lezioni di musica è stata a lungo un argomento tabù, ha dichiarato oggi Pia Bucher, membro fondatore della Società Svizzera di Medicina Musicale. Swissmedmusica SMMnel suo saluto alla Fondazione svizzera per gli artisti interpreti SIS. Nessuno vuole ammettere che le cose non sono sempre andate bene nella professione musicale. Tuttavia, la pandemia in particolare ha cambiato le cose. La sicurezza sociale contribuisce molto anche alla salute mentale e fisica. Ha quindi consigliato ai presenti di utilizzare il portale delle pensioni per i professionisti della cultura. essere-o-non-essere.ch e scoprire le possibilità.

Fare musica in modo autodeterminato

Un filo conduttore delle prime tre presentazioni è stata la richiesta di individualità: Anke Grell ha ricordato al pubblico che le lezioni di musica per bambini e ragazzi sono spesso l'unico momento a tu per tu con un adulto al di fuori della famiglia. La responsabilità che questo comporta per un insegnante di musica è evidente. Attraverso lezioni ludiche e personalizzate, è possibile mantenere la motivazione a fare musica e ad esercitarsi. Gli studenti sono incoraggiati a scoprire quanto sforzo è necessario per raggiungere i loro obiettivi e dovrebbero essere autorizzati ad assumersi la responsabilità del proprio esercizio in base al loro livello. In questo modo si crea una motivazione intrinseca che è più sostenibile di quella imposta dall'ambiente familiare o da insegnanti troppo ambiziosi.

Oliver Margulies ha sorpreso il pubblico affermando che tre quarti dei musicisti professionisti hanno problemi di salute legati al lavoro. Crampi, posture scorrette e sforzi unilaterali spesso fanno sì che anche i giovani musicisti soffrano di dolori. È quindi importante che gli studenti di musica delle università ricevano un supporto fisiologico musicale personalizzato. Chi si sente bene quando fa musica rimane motivato e chi in futuro lavorerà come insegnante di musica potrà avere un effetto positivo sui propri studenti con le necessarie conoscenze di fisiologia musicale.

Carine Tripet Lièvre ha lanciato un appello appassionato a favore del sostegno individuale degli studenti di musica in caso di fallimento. Ha descritto la motivazione come un motore alimentato dall'impegno e dallo sforzo piuttosto che dalla benzina. Gli studenti riconoscono quali sforzi portano al successo. Se questa ricompensa non si concretizza, l'insegnante deve rimettere in moto il motore vacillante proponendo un compito che possa essere risolto immediatamente, ad esempio nella lezione successiva.

Secondo Antonia Pfeiffer, l'ansia da prestazione appresa può essere contrastata con affermazioni positive e con il "tap it away": PEP è il nome del metodo con cui si picchiettano i punti dell'agopuntura mentre ci si pone mentalmente in una situazione ansiogena o di stress.

Il coinvolgimento emotivo porta all'interazione

Come dopo ogni presentazione, la moderatrice Isabelle Freymond ha cercato di motivare il pubblico a porre domande a questo punto. "È forse a causa della mancanza di rilevanza pratica che non ci sono domande?", ha chiesto qualcuno. - Gli argomenti trattati avevano tutti una rilevanza pratica e le presentazioni hanno trasmesso molte conoscenze. Tuttavia, è stato un po' stancante che i relatori abbiano letto principalmente le loro presentazioni in PowerPoint. Elementi interattivi individuali avrebbero probabilmente fornito una motivazione aggiuntiva.

Era quindi il momento ideale per la presentazione di Christian Studler, che ha parlato della sua esperienza pratica di musicista e professore di flauto. "Le paure si sentono a casa nell'anima del musicista", ha detto e ha trovato spaventoso che intere classi della HKB ingeriscano betabloccanti prima di ogni esibizione. Il suo rimedio per instillare l'ansia da prestazione è una cultura del feedback in cui gli studenti si sentano accettati per quello che sono. L'attenzione non deve essere rivolta a forzare le prestazioni e a combattere gli errori. Piuttosto, le critiche dovrebbero evidenziare ciò che è già presente, ciò che è buono e come costruirci sopra.

Si ritiene che nella sua carriera di insegnante abbia formato persone, non macchine musicali. È interessante notare che la sua presentazione ha scatenato una marea di domande. È stato un esempio di come l'impegno genuino e l'emotività possano motivare!

Il 19° Simposio SMM, bilingue e tradotto simultaneamente, è stato perfettamente organizzato dal presidente Wolfgang Böhler e dal suo team. Durante le pause e il successivo aperitivo si è avuto modo di discutere animatamente con colleghi provenienti dai settori della musica, dell'educazione musicale, della medicina, della psicologia e della terapia, mentre all'esposizione di tavoli i partecipanti hanno potuto informarsi su nuovi metodi di insegnamento, accessori per strumenti di supporto e metodi di prevenzione. La prevenzione è al centro dell'organizzazione anche da quando ha cambiato nome in Swissmedmusica.

Tutto questo ci spinge a partecipare al simposio del prossimo anno!

Secondo lʼattuale bando di concorso, la Joeʼs Youth Jazz Orchestra.ch si concentra sullʼesplorazione di materiale originale per big band. I musicisti, di età compresa tra i 16 e i 22 anni, esplorano la letteratura e la composizione jazz. È incoraggiato il suonare insieme in una big band e l'improvvisazione solistica.

Oltre a Joe Haider, pianista, compositore, bandleader e direttore di lunga data della Swiss Jazz School di Berna, sono coinvolti nella gestione del progetto anche Claus Reichstaller, direttore dell'Istituto di Jazz dell'Università di Musica e Teatro di Monaco di Baviera, e il trombettista Bernhard Schoch di Uster. Durante la fase di lavoro dal 2 al 10 agosto a Uster, saranno supportati da un'ampia squadra di docenti.

Sono previsti altri concerti in Svizzera e nei Paesi limitrofi. I giovani residenti in Svizzera possono iscriversi alle audizioni nel mese di marzo fino al 31 gennaio 2024.

joesyouthjazzorchestra.ch

Il bello degli anniversari è che qualcosa si rimette in moto. Villa Senar, un imponente edificio in stile Bauhaus nel mezzo di un grande parco a Hertenstein, fino a poco tempo fa era di proprietà privata. Dall'aprile 2022, la proprietà appartiene al Cantone di Lucerna. Dopo un'ampia ristrutturazione, è temporaneamente aperto al pubblico in occasione del 150° anniversario della nascita di Rachmaninoff (1873-1943). La Fondazione Serge Rachmaninoff si occupa della casa e organizza eventi in Svizzera e all'estero.

In questo contesto, il patrimonio è stato consegnato anche all'Archivio di Stato di Lucerna, facendo di Lucerna un punto di riferimento per i ricercatori di Rachmaninov. Organizzarlo e digitalizzarlo è un compito che richiede molto tempo e che l'Archivio di Stato sta portando avanti in modo esemplare. Una mostra attualmente in corso al Museo Hans Erni offre una panoramica di questo imponente patrimonio.

Valigie, abiti da giardinaggio e foto

Il Museo Hans-Erni si trova sul terreno del Museo Svizzero dei Trasporti di Lucerna. La mostra speciale su Sergei Rachmaninov si trova all'ultimo piano dell'imponente edificio circolare. Da lontano, si può vedere una grande vetrina contenente uno dei bauli da viaggio del virtuoso e i suoi abiti originali, che amava indossare durante il giardinaggio. Rachmaninov visse a Hertenstein dal 1932 al 1939; Villa Senar era il suo rifugio dalle faticose tournée concertistiche, dove poteva anche comporre in pace. La mostra si concentra su questo periodo.

L'ha curata Heinz Stahlhut, direttore dell'Hans-Erni-Museum. Ha dedicato un ampio capitolo a Lucerna e Hertenstein negli anni Trenta. I prestiti del Museo Svizzero dei Trasporti, del Museo Regionale Weggis e di collezioni private mostrano quanto Hertenstein fosse attraente per il turismo internazionale dell'epoca. Un altro capitolo si concentra sull'architettura, la progettazione e la costruzione di Villa Senar da parte di Alfred Möri e Karl Friedrich Krebs. Planimetrie, documenti e fotografie offrono una panoramica del lavoro di questi architetti lucernesi progressisti, che costruirono anche la chiesa di San Luca nel 1933/35.

Rachmaninov fece tournée soprattutto come virtuoso, anche durante il periodo trascorso a Hertenstein. La mostra presenta programmi di concerti e manifesti provenienti da tutto il mondo, in particolare dalla Carnegie Hall di New York e da Parigi. È inclusa anche l'unica apparizione di Rachmaninov al Festival internazionale di Lucerna. L'11 agosto 1939, sotto la direzione di Ernest Ansermet, suonò il Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 in do maggiore di Beethoven e il suo Rapsodia su un tema di Paganini per pianoforte e orchestra op. 43.

In questa mostra sono soprattutto le foto storiche di Rachmaninov, splendidamente presentate, ad attirare l'attenzione. Lo si vede al lavoro al pianoforte o in compagnia. Inoltre, attirano l'attenzione le numerose edizioni, anche russe, di quello che è probabilmente il pezzo per pianoforte più popolare di Rachmaninov, la Preludio Do diesis minore op. 3 n. 2 dalla biblioteca di documentazione di Walter Labhart. I vecchi dischi in gommalacca testimoniano un'epoca diversa della tecnologia di registrazione.

Variazioni, saggi ed eventi

Quando Rachmaninov arrivò a Lucerna, era in crisi creativa. Solo dopo una lunga pausa, piena di dubbi artistici, ritrovò la sua creatività. A Hertenstein scrisse il Variazioni su un tema di Corelli op. 42, la Rapsodia di Paganini e la Terza Sinfonia op. 44. Oltre a interessanti edizioni di queste opere, è esposta anche la partitura della Rapsodia di Paganini del celebre direttore d'orchestra Willem Mengelberg, completa delle sue annotazioni. Tutte e tre le opere possono essere ascoltate anche all'Erni Museum.

Il catalogo che accompagna la mostra offre uno sguardo saggistico sul periodo trascorso da Rachmaninov a Lucerna. In esso, Karl Bühlmann Approfondimenti sulla vita artistica di Lucerna negli anni TrentaElger Nies trasporta Estate indiana sul Lago dei Quattro Cantoni e Graziella Contratto fa un Un tentativo di grande felicità, la musica di Rachmaninov e il lago. È riccamente illustrato e comprende una biografia, una bibliografia e un elenco di opere.

 

Museo dei Trasporti di Lucerna, Museo Hans-Ernifino al 14 gennaio 2024.
Il catalogo è disponibile anche in formato digitale: heinz.stahlhut@verkehrshaus.ch
23. 11. 2023, ore 18.00: Conferenza sulla mostra Villa Senar
14. 1. 2023, ore 14.00: concerto di finissage con le Variazioni Corelli (Tommaso Carlini)

Fondazione Serge Rachmaninoff: https://rachmaninoff.ch

Come il Voci maschili Basilea il coro, sotto la direzione di David Rossel, è stato fondato su concorso internazionale del City of Derry International Choir Festival è stato insignito del premio speciale "Outstanding Performance of a First-Time Participant". Si è piazzato subito dopo i cori di Lettonia (94,8), Inghilterra (94,3) e Norvegia (93,1). Oltre alla composizione commissionata Diluvio del compositore svizzero Ivo Antognini, i circa 25 musicisti di Basilea hanno eseguito altre composizioni impegnative come Chanson à boire.

Solo pochi cori premiati sono ammessi a questo concorso tra le numerose candidature. Il festival esiste dal 2013.

 

La Knabenkantorei Basel, i cui membri hanno un'età compresa tra i 14 e i 25 anni, si è imposta nella categoria "Musica Sacra con accompagnamento" sotto la direzione di Oliver Rudin. Si è classificata al primo posto sia nel Concorso dei Campioni che nel Grand Prix of Nations ed è stata premiata con medaglie d'oro.

Ha ricevuto un'altra medaglia d'oro nella categoria "Cori giovanili" del Concorso dei Campioni. In questa competizione sono stati battuti dalle voci maschili del Boys Choir Lucerna per un punto. Il coro, diretto da Andreas Wiedmer, ha anche vinto una medaglia d'oro nella categoria "Cori giovanili" al Grand Prix of Nations. I due cori hanno portato a casa cinque delle 25 medaglie d'oro totali assegnate.

 

La decima edizione del Concours Nicati, il concorso svizzero di musica contemporanea organizzato dalla Fondazione Nicati de Luze, si è svolta a Lucerna dal 21 al 27 agosto. È stato organizzato dalla HSLU-Music, partner dell'evento. Sono state presentate tre categorie: Solo ed Ensemble, in cui i candidati e le candidate hanno eseguito composizioni scritte in Svizzera e all'estero dopo il 1945, e la categoria Open Space, che presentava creazioni che non avevano la forma di un concerto convenzionale. Il concorso ha riunito diverse sfaccettature della musica contemporanea: brani strumentali e vocali, teatro musicale, musica elettronica, opere multimediali e performance multidisciplinari.

Sono stati selezionati 6 ensemble, 14 solisti e 9 progetti open space provenienti da tutta la Svizzera. Nell'arco di 7 giorni, il pubblico ha assistito liberamente a 26 concerti e 11 spettacoli, compresi i finali seguiti da aperitivi offerti a tutti.

I premi per i finalisti ammontano a 48.000 franchi svizzeri, tra cui, per i primi premi, l'opportunità di competere nelle stagioni IGNM di Berna, SMC di Losanna e FNML di Lucerna.

Palmarès 2023

Premio Interprétation Ensemble

1s Duetto 2.26. Clara Giner Franco (flûte), Hèctor Rodríguez Palacios (flûte)

 

2ème : Duo Signal. Adrián Albaladejo Díaz (trombone), Alejandro Oliván Lopez (sassofoni)

3ème Moser String Quartet. Ariadna Bataller Calatayud (contralto), Lea Galasso (violoncello), Kanon Miyashita (violone), Patricia Muro Francia (violone)

 

Premio Interpretariato Solo

1s Francesco Palmieri (chitarra)

2ème Alexandre Ferreira Silva (percussioni)

3ème : Nora Bertogg (voce)

 

Prix Spazio aperto

1er : Can Etterlin (composizione ed esecuzione)

2ème Ludmilla Mercier e Andrea Zamengo (composizione ed esecuzione)

 

La prossima edizione è prevista per il 2025.

 

Sito web : nicati.ch

Instagram : concoursnicati2023

Indice dei contenuti

Focus

Le lezioni d'arte devono essere al centro di tutta l'educazione
Intervista con Philippe Régana

Intrattenimento serale sulla via del Monte Bianco
Il turismo ha influenzato la vita musicale di Ginevra

Il suono degli squat
La scena musicale di Ginevra sta fiorendo come mai prima d'ora
Link alla playlist Ginevra

Comporre nella città di Calvino
Alcuni degli artisti del suono di Ginevra nel corso dei secoli

 (corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

 

Critiche

Recensioni di registrazioni, libri, spartiti

 

Eco

Delicato socio-culturale Avventura
Villaggio musicale ticinese Sobrio

Una per tutti, tutti per una
La Festa federale della musica popolare di Bellinzona

Paura per e delle lezioni di musica
Podio a Zurigo

Nel paradiso della politica culturale
Premi svizzeri di musica 2023

Un festival Kampus a Lucerna
Le istituzioni musicali del Südpol

Concorso Hélène de Montgeroult a Romont
Pour jeunes pianistes

La vendita al dettaglio di musica nel mercato di nicchia
Uno sguardo in giro

"Far ascoltare le persone" era il suo preoccupazione principale
Urs Frauchiger

Radio Francesco
Far west | Wild west

Musica antica per il pubblico di oggi
Forum Musica Antica Zurigo

Yodel, Joik e Krimanchuli
Film "Oltre la tradizione

Luterismo e musica per tutti
Giocate al ritmo giusto

Clavardon...
sul tema dell'etnomusicologia a Ginevra

Carta bianca fPer Thomas Meyer
Una piccola idea alcolica ...

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Un gaucho a Ginevra
Puzzle di Dirk Wieschollek

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Emissione dell'ordine per CHF 8.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

All'improvviso, a metà del brano, il flusso sonoro si interrompe bruscamente, i musicisti si fermano, un filo sciolto sembra ancora fluttuare perso nell'aria. Anche la compositrice italiana Clara Iannotta parla di perdita nel suo commento. Una malattia l'ha costretta a cambiare nel 2020. Invece di concentrarsi sul suo lavoro, "mi sono sentita persa [...], non so ancora chi sono e cosa sarà la mia musica". Il suo pezzo dove la terra scura si piegacomposto per l'incredibilmente sottile duo di tromboni Rage Thormbones e l'Orchestra Sinfonica della SWR, è stato comunque un primo highlight. Il modo in cui gli assoli, l'orchestra e l'elettronica si fondono in un'unica unità è semplicemente magistrale. L'orecchio è stato coinvolto.

Diffusa e pallida

Non è stato sempre così nelle Giornate musicali di Donaueschingen di quest'anno. In effetti, quest'anno un senso di smarrimento aleggiava su molti brani, ma la musica raramente riusciva ad acquisire una presenza. Alcuni di essi sono rimasti troppo diffusi e impotenti. Persino la composizione poetica e intrinsecamente convincente Vapore - come se tutto tornasse indietroche Elnaz Sayedi ha creato insieme alla poetessa Anja Kampmann, sembrava a tratti un idillio distopico.

Forse è a causa delle circostanze del tempo, no: di questi mesi brutalmente bellici, che si sta diffondendo una certa disperazione, una disillusione che potrebbe non fare presa. Il sassofonista Matana Roberts, ad esempio, in loro Elegia per Tiro: "Benvenuti nel mondo attraverso i miei occhi...".che commemora un afroamericano ucciso dai poliziotti a Memphis, l'Orchestra Sinfonica della SWR ha improvvisato su una partitura testuale, che purtroppo ha sviluppato un'espressività troppo scarsa. I suoni orchestrali erano meno deprimenti del sussurro finale. Il tentativo della statunitense Jessie Marino di creare un senso dell'umorismo nel suo ballate sull'omicidio di bandire la violenza contro le donne attraverso dolci canzoni è completamente svanito. Il pezzo dell'altrimenti brillante percussionista Tyshawn Sorey, Per Ross Gay (il biografo della leggenda della pallacanestro Julius Erving), è passato da un ritmo regolare a un crescendo scintillante alla fine.

Sfumato e istintivo

Nel suo primo anno di direzione ampiamente autonoma, la direttrice del festival Lydia Rilling si è posta il tema della "collaborazione" (oltre a un alto grado di diversità). Sebbene questa sia certamente presente nella tradizione "classica", è limitata ad alcune aree come l'impostazione del testo o l'interpretazione. Il fatto che un'orchestra improvvisi o almeno crei ampie parti di una partitura che può non esistere più o che è grafica è la grande eccezione. Tuttavia, la compositrice francese Éliane Radigue esige proprio questo dai suoi musicisti. Nel suo brano orchestrale Occam Océan Cinquanta l'Orchestra Sinfonica della SWR ha suonato fin da subito secondo le istruzioni della co-compositrice Carol Robinson, per cui lo stile esecutivo e anche la forma erano stati elaborati a grandi linee in precedenza. Il risultato è stato un'esecuzione straordinariamente ricca di sfumature, un vasto paesaggio sonoro.

Tuttavia, quando si trattava di accostare in modo flessibile il free playing, l'improvvisazione, il concetto e l'interpretazione della partitura, i loro colleghi jazzisti erano di gran lunga meglio piazzati. Per il grande quartetto newyorkese Yarn/Wire (con due pianoforti e due percussioni), la sassofonista Ingrid Laubrock e il trombettista Peter Evans hanno creato due brani variegati e stimolanti che hanno portato ancora una volta molta vita e vigore a questo festival. Una conclusione piena di contraddizioni dopo questo fine settimana.

Commovente ed estasiante

Come spesso accade, però, le cose si sono capovolte nel concerto finale. Nel suo toccante pezzo orchestrale, Younghi Pagh-Paan ha commemorato Donna, perché piangi? Chi stai cercando? del defunto marito Klaus Huber. L'italiana Francesca Verunelli ha suonato in Accordare e riaccordare II con vari detunings - e per questo ha ricevuto il Premio SWR per l'Orchestra. Infine, il concerto per pianoforte e orchestra di Steven Kazuo Takasugi ha ancora una volta abbattuto tutti i muri del suono: strati scheggiati, probabilmente generati nell'elettronica con l'aiuto di algoritmi e proseguiti nell'orchestra, si sono riversati sul pubblico, molto forte in alcuni passaggi: una vera gioia! Non c'è più nulla di perso...

Nato a Zurigo nel 1930, Fritz Muggler ha studiato pianoforte, musica scolastica, organo e poi musicologia all'Università di Zurigo con Paul Hindemith e Kurt von Fischer, oltre a storia dell'arte, giornalismo, teoria musicale e composizione. È stato organista a Schlieren per 35 anni e ha scritto per diversi giornali, tra i quali il NZZ. Ha studiato flauto dolce con Hans Martin Linde alla Schola Cantorum Basiliensis. Ha fondato il NewConsortZurich, un ensemble di musica antica in combinazione con la musica contemporanea. Ha frequentato per molti anni il Corso estivo di Darmstadt per la nuova musica. Ha inoltre presieduto la sezione svizzera della International Society for New Music (IGNM).

Nel gennaio 2008, il SMZ un protocollo musicale con Fritz Muggler di Johannes Anders. Contiene informazioni un po' più dettagliate sulla sua biografia (Scaricare PDF).

Fritz Muggler ha raccontato le Giornate musicali di Donaueschingen nella SMZ per molti anni. Alcuni PDF da scaricare:

2007
2008
2009
2010
2011
2012

 

Cronista del modernismo del dopoguerra

Necrologio di Fritz Muggler da parte di Max Nyffeler
(pubblicato in forma leggermente abbreviata nel Giornale musicale svizzero 12/203 del 29 novembre 2023, pag. 31 e seguenti).

Oggi sono piuttosto rari i critici musicali con una formazione completa, che conoscono bene la musica antica e contemporanea e che sono anche musicisti pratici. Fritz Muggler, morto a Zurigo il 25 settembre all'età di 93 anni, era uno di loro. Il pubblico non se n'è quasi accorto. Da tempo si era ritirato dall'attività di critico e si presentava solo ai concerti che lo interessavano personalmente. E per quanto riguarda la musica contemporanea, questi erano sempre meno; si lasciava sfuggire gli ultimi sviluppi.

Contemporaneo delle avanguardie del dopoguerra

Nato nel 1930, Fritz Muggler apparteneva alla stessa coorte di età dei protagonisti dell'avanguardia del dopoguerra: Ligeti, Stockhausen, Nono, Boulez, Kagel, Schnebel... Sui loro lavori ha formato i suoi criteri. Aveva acquisito una profonda conoscenza musicale durante gli studi di pianoforte e organo al Conservatorio di Zurigo e di musicologia con Paul Hindemith, che dal 1951 insegnava all'Università di Zurigo. Tuttavia, da giovane musicista curioso, frequentò anche il corso estivo di Darmstadt. Questo lo rese uno dei pochi conoscitori del nascente serialismo dell'epoca. Mi feci un'idea della sua competenza all'inizio degli anni Sessanta quando, musicologo in erba, partecipai a Zurigo a un seminario sulla musica del XX secolo con Kurt von Fischer - una novità assoluta per un'università dell'epoca. In occasione di questo seminario, von Fischer invitò Muggler a tenere una lezione su Stockhausen - lui stesso non era molto ferrato su questo nuovo argomento. L'apparizione di Muggler fu un beneficio per tutti.

La sua carriera professionale ha attraversato più di mezzo secolo. Dopo gli inizi giornalistici con i quotidiani Diritto nazionale e L'atto è nato nel Neue Zürcher Zeitung per decenni è diventato una voce importante per tutto ciò che è contemporaneo, e ha scritto molto anche per la rivista Giornale musicale svizzeroo più tardi per il Giornale musicale svizzero. Era sempre presente quando c'era qualcosa di nuovo da ascoltare, sia in patria che all'estero. Con un metro e novanta di altezza, era una figura imperdibile, e come conversatore era eccezionalmente amichevole: un ascoltatore attento che tollerava le altre opinioni e ritirava discretamente il proprio ego. Come critico musicale sveglio, annotava le sue impressioni e riflessioni al momento dell'ascolto - in stenografia, in modo da poter seguire la musica per iscritto. I suoi taccuini sono un enorme bagaglio di conoscenze acquisite attraverso l'ascolto e devono aver riempito degli scaffali.

Fatti invece di opinioni

Le dispute appassionate su ciò che è giusto e ciò che è sbagliato, un tempo specialità dei circoli d'avanguardia, non gli piacevano quanto la critica o il suo opposto, il diffuso pandering e il giornalismo marginale di oggi. Non si impegnava nemmeno nei dibattiti socio-politici, perennemente preferiti nelle pagine dei giornali e nei circoli specializzati dopo il 1968, e nei loro sottoprodotti, le teorizzazioni che riempiono i libri. Preferiva attenersi ai fatti riconoscibili e ai risultati solidi e si sforzava di comunicarli ai lettori con un linguaggio semplice e chiaro. Il suo ruolo era quello dell'osservatore razionale, aperto a tutto ciò che era nuovo, che metteva su carta le sue impressioni e le sue riflessioni con un tono semplice e modesto - più un registratore di eventi dal giudizio sobrio che un sostenitore di utopie artistiche. Con questo atteggiamento e la sua profonda conoscenza, Muggler divenne un importante cronista del modernismo del dopoguerra.

Dichiarazioni taglienti

Nonostante il suo liberalismo, non si sottraeva a dichiarazioni taglienti. I suoi resoconti delle Giornate Musicali di Donaueschingen, che ha organizzato fino al 2012 nel Giornale musicale svizzero sono un tesoro di critiche pungenti. Alcune chicche (dai PDF elencati sopra per il download):

• La composizione Apon di Beat Furrer si esauriva anche nei piccoli gruppi sonori, che poi davano sempre spazio all'oratore per un testo che non si riusciva comunque a capire. Furrer ha cercato di ricreare orchestralmente il suono del parlare, cosa che ovviamente non gli è riuscita.
• Informazioni su Bernhard Lang, Monadologia IXLe continue ripetizioni su piccola scala, che sembrano chiacchiere e non portano nulla di nuovo, danno i nervi dopo ben 65 minuti.
• Un problema fondamentale per molti compositori di musica orchestrale postmoderna, tuttavia, è il riempimento del corpo sonoro, che un tempo veniva fatto con materiale accordale. Sia l'italiano Aureliano Cattaneo (...) che il parigino Franck Bedrossian in Se stesso con semplici gruppi di note di una banalità che si sforza, il blah blah blah di quest'ultimo intervallato da goffe esplosioni di potenza. È una musica che ovviamente non si aspetta che si ascoltino i dettagli, che si preoccupa solo dell'aspetto superficiale.

Condanna ed elogio nello stesso respiro

Ma allo stesso tempo, il maestro della critica sintetica sapeva anche lodare:

• Informazioni su Isabel Mundry, Io e teIl pianoforte, anche se solista ed estremamente virtuoso, è totalmente integrato in combinazioni sonore molto precisamente origliate, splendidamente bilanciate e molto complesse, con un suono di pianoforte ronzante e intrecciato. Al contrario, Enno Poppe in Vecchio edificio con espedienti e squilibri tonali.
• Quello che Jennifer Walshe, Clara Maïda e Iris ter Schiphorst hanno richiesto è stato un canto del tutto privo di immaginazione, eternamente ripetitivo, ma altamente impegnativo, pimpato per divertimento con azioni gestuali, mimiche e percussive, e solo la berlinese Sarah Nemtsov con il suo Hoqueti era da prendere sul serio per quanto riguarda le sue capacità di composizione tipografica e utilizzava in modo sensato effetti aggiuntivi.
• Informazioni su Globokar, Radiografia di un romanzoPer tre quarti d'ora è stato incredibilmente denso e, nonostante la varietà di suoni e azioni, compresi gli elementi teatrali, del tutto convincente in termini formali. L'entusiasmo del pubblico, soprattutto dei giovani, è stato enorme.

Organista, presidente IGNM e critico radiofonico

Oltre alla sua professione di critico musicale, Fritz Muggler fu anche molto attivo. Studiò flauto dolce con Hanns-Martin Linde alla Schola Cantorum Basiliensis e poi fondò il New Consort Zurich, oltre a suonare l'organo in una chiesa di Schlieren. Il suo impegno per la musica contemporanea ha trovato espressione organizzativa nei molti anni in cui è stato presidente della sezione svizzera dell'International Society for New Music (IGNM) e direttore dell'IGNM World Music Festival, che si è svolto a Zurigo nel 1991.

Anche Muggler si è concentrato intensamente sul tema della musica nei media. Nel NZZ ha pubblicato per molti anni dettagliate recensioni radiofoniche, un tipo di testo che sarebbe stato importante nell'era dei media, ma che purtroppo oggi non trova più spazio nella stampa. E ciò che va ben oltre l'ambito della critica musicale: da appassionato radiofonico, tra il 1954 e il 1991 ha registrato innumerevoli programmi musicali di stazioni svizzere, tedesche e austriache, creando un archivio unico di documenti sonori.

Garantire l'eredità

Il materiale è stato conservato e inventariato dal 2016 nell'ambito di un progetto di ricerca dell'Università delle Arti di Zurigo con il supporto di Memoriav, l'associazione per la conservazione del patrimonio culturale audiovisivo della Svizzera; in futuro sarà disponibile per gli interessati su richiesta. Originariamente, comprendeva un totale di 946 nastri analogici con oltre 18.000 brani musicali dal Medioevo ai giorni nostri, jazz e musica etnica. Secondo il responsabile del progetto Lukas Näf, sono state aggiunte altre centinaia di nastri dopo un'attenta revisione del patrimonio.

Verrà inoltre analizzata e inventariata la vasta eredità scritta di Muggler. Näf spera che l'enorme quantità di informazioni che l'instancabile giornalista ha assorbito nel corso dei decenni, sia in patria che all'estero, e che ha incorporato nei suoi testi, fornisca una ricchezza di informazioni sulla storia recente della musica svizzera. Un primo progetto, intitolato "Heard abroad", utilizzerà gli scritti di Muggler per documentare la presenza di compositori e interpreti svizzeri ai festival internazionali di nuova musica. Un effetto collaterale a lungo termine di queste attività: La raccolta e la conservazione dei dati culturali sono state un tempo criminalmente trascurate dalle istituzioni responsabili in Svizzera, mentre l'analisi delle fonti private offre ora l'opportunità di compensare almeno in parte le omissioni e di rafforzare la consapevolezza storica.

L'archivio di Fritz Muggler sarà un tesoro per tutti coloro che vogliono approfondire la storia recente della musica e della sua interpretazione, nonché il cambiamento dei gusti musicali dell'epoca. L'arzillo autore e collezionista, che ha superato gli 80 anni, ha supervisionato personalmente il lavoro iniziale di archiviazione presso la ZHdK. I risultati del suo lavoro di cronista del suono e della scrittura, durato tutta la vita, manterranno vivo il suo ricordo.

 

La collezione di nastri di Fritz Muggler alla ZHdK:

https://www.zhdk.ch/forschungsprojekt/tonbandsammlung-fritz-muggler-553597

Progetto di ricerca "Sentito all'estero":

https://www.zhdk.ch/forschungsprojekt/im-ausland-gehoert-schweizer-komponisten-und-interpreten-an-internationalen-festivals-neuer-musik-569891

Memoriav: https://memoriav.ch/de/projects/fritz-muggler/

Sul sito web dell'Elenco delle tradizioni viventi della Svizzera si legge: Naturjodel e Jodellied sono ampiamente riconosciuti come le forme di canto che rappresentano la Svizzera. La Convenzione dell'UNESCO per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale obbliga i Paesi aderenti a redigere tale lista. Lo jodel, secondo la lista, è "una forma di espressione vocale in cui le sillabe fonetiche sono cantate in frequente alternanza tra il registro di petto e quello di testa". Questo cambio di registro crea battiti laringei che vengono resi più o meno udibili a seconda della tradizione canora. Si formano sequenze di note basse e alte alternate, tonalmente diverse. Questa tecnica di canto è presente in tutti i continenti in una varietà di forme caratterizzate da formazioni vocali, lingue e dialetti. Lo jodel è usato anche in Georgia come "Krimanchuli" o nel Nord Europa. Lì, i Sami "jodelano".

Collegamenti geografici

Nel loro film-documentario, i registi Lea Hagmann e Rahel von Gunten e il produttore Thomas Rickenmann ritraggono queste tradizioni canore sami e georgiane accanto all'Appenzell Rugguusseli. Il giovane jodel appenzellese Meinrad Koch, che ha "assorbito il tipico stile regionale di jodel naturale con il latte materno", come dice lui stesso, fornisce il collegamento narrativo. Per il film si è recato in Georgia per incontrare lo studente di musica Ninuca Kakhiani e in Norvegia per incontrare Marja Mortensson, che è tanto brava con le renne quanto con la voce. Insieme al batterista Jakop Janssønn e al suonatore di tuba Daniel Herskedal, fonde in modo affascinante paesaggi sonori moderni, campionamenti e jazz modale con il tradizionale Joik dei Sami del Sud. Herskedal ha anche composto la melodia atmosfericamente armoniosa del titolo del film.

Divisivo dal punto di vista ideologico

Oltre la tradizione è caratterizzato principalmente dalle stupende immagini, virtuosamente composte, dei paesaggi norvegesi, appenzellesi e georgiani. Molte di esse, girate con un drone, estetizzano e trasfigurano gli scenari: Le migrazioni delle mandrie di renne del nord sembrano stormi di uccelli da lontano, i desolati complessi residenziali prefabbricati georgiani sviluppano una poesia propria. Il linguaggio visivo è così forte che rischia di far passare in secondo piano il tema vero e proprio del film e di nascondere anche delle lacune tematiche: da un lato, c'è la questione di come la cruda primitività delle voci della natura possa diventare una forma d'arte, quando questi due fenomeni si escludono a vicenda. In secondo luogo, la casa di produzione Extramilefilms cita esplicitamente "l'esame critico della tradizione e l'inclusione dell'innovazione e della cultura giovanile" come motivo del documentario. Il fatto che la tradizione e il rinnovamento siano spesso percepiti come un conflitto e che questo venga portato avanti emotivamente è poco evidente nel film: il modo in cui i tradizionalisti vedono l'approccio innovativo al vecchio è lasciato aperto.

Oltre a queste differenze, ce ne sono altre: sia Marja Mortensson che Meinrad Koch hanno un rapporto piuttosto particolare con il cibo, a cui bisogna abituarsi. Koch è un tecnologo alimentare che studia il potenziale degli insetti come futura fonte di proteine, mentre Marja Mortensson prepara frittelle con il sangue delle renne macellate. Quest'ultima, in particolare, rompe l'atmosfera di benessere del film e non sembra affatto inserita in modo organico nel contesto narrativo generale.

Argomenti ingombranti

Altri argomenti, più irritanti o ingombranti, che potrebbero disturbare la pace, vengono solo accennati e non realmente sviluppati: Ad esempio, ci si drizza le orecchie quando la carismatica direttrice di coro Tamar Buadze, in Georgia, accenna di sfuggita al conflitto tra l'eredità della socializzazione artistica nell'Unione Sovietica e una concezione moderna della cultura (che, per inciso, si applica in parte anche alla cultura sami). Anche la politica repressiva degli scandinavi, che hanno spinto lo yoiking nell'oscurità con divieti statali, è solo accennata.

Avremmo voluto saperne di più anche quando Meinrad Koch ammette che l'approccio spiritoso, creativo e originale dell'"Hitziger Appenzellerchor" - i filmati con l'ensemble fondato da Noldi Alder sono molto rinfrescanti - al patrimonio culturale dell'Appenzello non ha suscitato l'entusiasmo dei soli tradizionalisti. Ciò che rimane dell'esperienza cinematografica sono immagini toccanti, a volte di una bellezza travolgente, e la riuscita sintesi di poesia paesaggistica e tessiture vocali che fanno dimenticare il tempo e il presente al cinema.