Seit anderthalb Jahrhunderten prägt die Zeitschrift Musik & Liturgie als wichtigstes Organ der deutschschweizerischen katholischen Kirchenmusik die Berichterstattung über die Kirchenmusik und deren Entwicklungen. Sie beleuchtet die musikalische Alltagspraxis aus Liturgie und geistlichem Konzert von verschiedenen Blickwinkeln.

Was 1876 als Blatt namens Chorwächter begann, wurde nach Jahren unter dem Titel Katholische Kirchenmusik und später Singen und Musizieren im Gottesdienst schliesslich zu Musik & Liturgie, einer Zeitschrift, die über das Chorwesen hinaus ein breites Spektrum kirchenmusikalischen Lebens und Schaffens abbildet. Seit Beginn diesen Jahres nicht mehr gedruckt, sondern als Online-Plattform.

Am 14. März 2026 findet um 13.30 Uhr ein feierlicher Festakt in der Klosterkirche Einsiedeln mit drei Chören und Instrumentalmusik statt. Gleichzeitig werden drei kirchenmusikalisch bedeutende Personen der Schweiz, Pater Theo Flury, Abt Urban Federer und Martin Hobi für ihr herausragendes kirchenmusikalisches Engagement mit einer Orlando-di-Lasso- bzw. Ambrosius-Medaille geehrt. Zu diesem Festakt ist auch die breite Bevölkerung recht herzlich eingeladen.

musikundliturgie.ch

Von Stefan Muhmenthaler bis Jakob Steiner: Ueli Steingruber hat für jedes Jahr je eine Persönlichkeit porträtiert, die zwischen 1976 und 2025 beim Schweizerischen Jugendmusikwettbewerb (SJMW) mit einem ersten Preis ausgezeichnet worden war. Die farbigen oder schwarzweissen Fotografien zeigen sie in einer heutigen Alltagssituation. Damit soll ein Blick aufs Ganze geworfen werden, auf die Konstanz des Wettbewerbs seit 50 Jahren: «Gleich einem zuverlässig nährenden Fluss zieht er sich durch die Biografien der Schweizer Musikwelt und alimentiert sie mit motiviertem Nachwuchs.» So würdigt Michael Eidenbenz den SJMW im einführenden Text.

Der unter der Leitung von Valérie Probst schön gestaltete Band lädt zu wiederholtem Schauen, Lesen und Sinnieren über das Wesen von Musik ein.

50 – Schweizerischer Jugendmusikwettbewerb 1975 bis 2025, hg. Stiftung Schweizerischer Jugendmusikwettbewerb, 120 S., Fr. 35.00, ISBN 978-3-033-11409-8, info@sjmw.ch

Der bekannte Gitarrist David Russell bezeichnete José Tomás (1934–2001) aus der spanischen Küstenstadt Alicante als den einflussreichsten Gitarrenlehrer des ausgehenden 20. Jahrhunderts. Tomás war aber nicht nur ein begnadeter Gitarrist und Dozent, sondern auch ein fleissiger Bearbeiter von Renaissance-, Barock- und anderer Musik. Nun hat Pedro Jesús Gómez, wie Russell ein ehemaliger Student von Tomás, bei den Editions Chanterelle eine sorgfältig zusammengestellte Sammlung von Transkriptionen des iberischen Maestros veröffentlicht.

Ein erster Schwerpunkt liegt dabei auf der Lautenmusik des 16. und 17. Jahrhunderts, wobei John Dowland besonders prominent vertreten ist. Bei Couperin und Purcell ist es dann das Cembalo, bei Bachs E-Moll-Suite BWV 996 das legendäre Lautenklavier, das auf den Gitarrensaiten nachgespielt wird. Ab Haydn bis ins 20. Jahrhundert gibt es arrangierte Klaviermusik, von «Klassikern» des Gitarrenrepertoires wie Albéniz und Granados, aber auch von anderen Grössen der (Spät-)Romantik wie Tschaikowsky oder Ravel.

Tomás spielte vorwiegend auf einer eigens für ihn angefertigen achtsaitigen Ramirez-Gitarre, mit der er auch die tiefen Töne einer vielchörigen Renaissance- oder Barocklaute spielen konnte. Seine Arrangements waren denn auch auf dieses Instrument zugeschnitten. Herausgeber Gómez dokumentiert Abweichungen von Tomás‘ Manuskripten minutiös. In den meisten Stücken wird eine Saite umgestimmt (fis statt g, D statt E, auch G statt A). Die Fingersätze sind praktisch lückenlos. Der Kommentar ist in Englisch und Spanisch gehalten. Wer auf der Gitarre gerne Lauten- und Klaviermusik interpretiert, ist mit dieser Anthologie bestens bedient.

The José Tomás Guitar Anthology, Arrangements for Guitar solo by José Tomás, ed. by Pedro Jesús Gómez, ECH 2725, € 22.50, Editions Chanterelle (Schott), Mainz

Ingo Bredenbach, der Organist der Tübinger Stiftskirche, ermöglicht Johann Sebastian Bachs Clavierunterricht tiefe Einblicke in dessen kompositorische Entwicklung. Im Zentrum stehen die Werke für Tasteninstrumente, welche die gesamte Entfaltung von Bachs Kreation begleitet haben, vom Selbststudium bis zu seiner Haupttätigkeit als bedeutendster Orgellehrer seiner Epoche. Bredenbachs Ausgangspunkt sind die Abschriften des rund 14 Jahre alten Vollwaisen von zwei Orgelwerken von Jan Adam Reincken bzw. Dieterich Buxtehude, durch deren Studium er sich Kenntnisse der Harmonik und mancher kontrapunktischer Lizenzen verschaffte. Diese norddeutsch geprägten Grundkenntnisse reicherte Bach im Verlauf seiner ersten Lebenshälfte um die Beschäftigung mit italienischer Musik, speziell mit dem italienischen Concerto, an, um später seine Erfahrungen insgesamt an seine zahlreichen Lehrlinge weiterzugeben. Bredenbachs Studie vollzieht Bachs musikalischen Werdegang im Detail nach als lebenslangen Unterricht, vom Lernen zum Lehren.

Die Stärken dieser praxisbasierten Studie liegen in den analytischen Details, die ein Organist «begreifen» muss, der im bachschen Stil improvisieren will. Problematischer ist die bisweilen selektive Berücksichtigung vorhandener Literatur. So werden manchmal Erkenntnisse proklamiert, die anderswo längst publiziert sind. Dem Autor fehlte die ordnende Hand eines Meisters wie Bach, der ihm geholfen hätte, aus der Fülle vielschichtiger Informationen ein klares Konzept auch buchtechnisch konsequent so umzusetzen, dass Grundsätzliches von Details und Wichtiges von Trivialem geschieden ist. Dennoch: Wer Wesentliches über Bachs Musik lernen will, ist gut beraten, sich versehen mit Bredenbachs lesenswertem Buch und den Noten aller besprochenen Werke in Klausur zu begeben.

Ingo Bredenbach: Johann Sebastian Bachs Clavierunterricht. Bach als Lernender und Lehrender, 519 S., € 59.00, Bärenreiter, Kassel 2024, ISBN 978- 3-7618- 2617-1

Der in Genf geborene Komponist Gasparo Fritz (1716–1783) erlangte insbesondere durch seine Kammermusik grosse Bekanntheit. Er entstammte einer musikalischen Dynastie, erhielt eine profunde musikalische Ausbildung und absolvierte unter anderem ein Studium der Violine in Italien bei Giovanni Battista Somis, einem Schüler von Arcangelo Corelli. Es lässt sich feststellen, dass die italienische Prägung des Autors auch in seinem Stil deutlich hörbar ist und sich in der melodischen Gestaltung und der strukturellen Klarheit seiner Werke zeigt.

Die von Michael Biehl und Claire Genewein in Zusammenarbeit mit Peter Schmid herausgegebenen VI Sonate a Violino o Flauto Traversiere solo col Basso op. 2 zählen zu den herausragendsten Werken des Komponisten. Spielerinnen und Spieler haben die Wahl zwischen Violine und Flöte als Soloinstruments. In einigen Passagen werden je nach Instrument alternative Versionen angegeben.

Charakter

Nicola Schneider führt im Vorwort aus, dass der Begriff eines musikalischen Rokokos auf diese Sonaten ohne Zweifel zutrifft. Häufig manifestiert sich eine Form von Eleganz, die als charakteristisch für die Übergangsphase zur Klassik erachtet wird. Barocke Formstrenge verbindet sich mit einer galanten Linienführung, einer klaren Melodik sowie einem dialogischen Zusammenspiel. Oft wird die Flöte mit einem ausgeprägt feinen Gespür für kantable Linien im lebendigen musikalischen Dialog mit der Bassstimme geführt, beispielsweise im Andante in der 1. Sonate.

Sämtliche Sonaten von Gasparo Fritz zeigen galante Elemente, beispielsweise in Ornamentik, Leichtigkeit, tänzerischen Rhythmen und einer gewissen Anmut. Zudem entsteht Farbigkeit durch die zahlreichen ausgeschriebenen Verzierungen sowie eine auskomponierte längere Kadenz im Adagio der 2. Sonate. Die schnellen Affektwechsel und die variantenreiche Artikulation wirken oft erzählerisch wie eine Geschichte mit vielen Facetten. Die Satzmodelle sind meist dreisätzig und münden teilweise in einen spielfreudigen Schlusssatz mit virtuosen Variationen wie beispielsweise in der 4. Sonate.

Anklänge

Auffällig sind zwei signifikante, über mehrere Takte andauernde Parallelen zu anderen Flötensonaten: Die ersten Takte des Andantes aus der 4. Sonate ähneln dem Anfangsthema der Sonate h-Moll BWV 1030 von Johann Sebastian Bach und im kantablen Largo der 2. Sonate ist ein Anklang zum Siciliano der Carl Philipp Emanuel Bach zugeschriebenen Flötensonate Es-Dur BWV 1031 hörbar.

Quellenlage

Die erste Publikation dieser Sonaten, die einen ausgesetzten Generalbass aufwies, war das Werk von Frank Martin. Michael Biehl beabsichtigt mit seiner Generalbassaussetzung, einem breiteren Publikum die Möglichkeit zur Interpretation zu geben, und weist darauf hin, dass es sich dabei nur um eine Möglichkeit handelt und dass die Ziffern gar nicht von Gaspard Fritz, sondern von dessen Herausgeber stammen könnten, da kein Autograf der Sonaten existiert.

Die im Zürcher Verlag Schmid & Genewein erschienene aufwendige Ausgabe orientiert sich am Originaldruck mit einer Oberstimme und einem bezifferten Bass, der in der Zentralbibliothek Zürich aufbewahrt wird, und übernimmt auch dessen Dynamikangaben. Sie umfasst als Partituren die Oberstimme mit dem von Michael Biehl ausgesetzten Generalbass sowie, dem Original entsprechend, die Oberstimme mit beziffertem Bass, interpretenfreundlich in sogar zwei Exemplaren. Ein ausführlicher kritischer Bericht mit zahlreichen Hinweisen zu den Sonaten rundet diese in jeder Hinsicht gelungene neue Ausgabe ab.

Gasparo Fritz: VI Sonate a Violino o Flauto Traversiere solo col Basso, hg. von Michael Biehl und Claire Genewein, SG010, Fr. 54.00, Schmid & Genewein, Zürich

Es gibt ja Stimmen, die sagen, dass Heavy Metal sich nah an der klassischen Musik bewege. Nun, das ist wohl von Fall zu Fall zu unterscheiden. Virtuosität am Instrument oder in der Stimme ist jedenfalls bei nicht wenigen Metal-Bands anzutreffen. Und: Viele Musiker, die sich in dieser mitunter lustigen Szene tummeln, haben professionelle Ausbildungen hinter sich.

Der Keyboarder Thomas Hiebaum sieht sich als Komponist der Aargauer Symphonic-Metal-Band Deep Sun, die seit nunmehr fast 20 Jahren besteht. Das Quintett mischt auf seinem neuen Album Storyteller so allerhand zusammen. Hier die typisch verzerrte Metal-Gitarre mitsamt harten rhythmischen Riffs und das Drumset mitsamt schnellen Bass-Attacken. Dort die dichten, oft an ein Streichorchester erinnernden Keyboard-Sounds und die hohe, sich stets in getragenen Melodien bewegende Sopranstimme von Debora Lavagnolo.

Lavagnolo schreibt die Texte selbst. Es geht um Mystik, um – wie es in den Songbeschreibungen heisst – den «Triumph der Wiedergeburt», um «Geschichten aus den Wäldern oder von den Seen» oder um die «unumstössliche Stärke der Frauen». Man ahnt: Ein gewisses, dem Symphonic Metal wohl eingeschriebenes Pathos ist da nicht fern und es wird auch eingelöst in Form dichter, noch dazu mit viel Hall und Kompression klangtechnisch arg aufgebauschter Klangballungen. Also: Es gibt viele virtuose Einlagen des Gitarristen und des Schlagzeugers; auch viele Episoden zum Mitsingen und Einladungen zum Schunkeln mit «Wohlfühlfaktor». Aber irgendwann denkt man dann doch: Ein bisschen weniger von allem hätte es am Ende wohl auch getan.

Deep Sun: Storyteller. Power Blast Records

Die Akkorde, die sich da so regelmässig folgen, scheinen vertraut und sind es doch nicht, vor allem nicht in ihrer Abfolge. Sie gehen durch die Minuten, verändern sich ständig, mal mehr, mal weniger, aber nicht um selbstgefälliger Nuancierung willen. Manchmal bleiben die Klänge in der Zeit hängen, manchmal überraschen sie uns mit Wendungen, dann bleiben sie wieder konstant; Mäandern und Vorwärtsschreiten sind keine Gegensätze mehr. Et cetera. So ähnlich kann man über manches Stück des Aarauer Komponisten Jürg Frey schreiben, etwa auch über das zweite Album mit Klaviermusik, das der niederländische Pianist Reinier van Houdt eingespielt hat (Composer, alone; Elsewhere Music, 3 CDs).

Mit der menschlichen Stimme kommt aber eine andere Qualität hinzu: etwas Warmes, leicht Instabileres, Lebendigeres. Das brillante Londoner Vokalensemble Exaudi, gegründet 2002 und auf Neue Musik spezialisiert, hat nun sechs Werke Freys eingesungen. Sie stammen zumeist aus dem vergangenen Jahrzehnt und zeigen bei aller stilistischen Einheitlichkeit doch Vielfalt. Etwa bei der Textwahl, die von einem eigenen Gedicht über fernöstliche Lyrik bis zu Emily Dickinson reicht. Mit jedem Stück verändert sich die harmonische und stimmliche Farbe. Einige Sätze sind taghell, andere verschattet, ja sie lassen sogar eine gewisse Schummrigkeit gelten. Es sind manchmal Klänge, die nur schwach ins Innere des Ohrs einsickern, dort aber ihren sanften Glanz entfalten. Ein Minimum an Emphase, das selten aufkommt, wirkt schon gross. Ja, auch eine gewisse Spiritualität wird zuweilen spürbar, als Fokussierung auf einen Punkt ausserhalb. Und nebenbei zeigt sich, wie weit diese äusserlich unauffälligen Klänge gelangt sind: Nicht nur in London werden sie gehört, sondern auch in Montreal, New York, Tokio und wo auch immer: das Geringe, Alleinige, Eigenbrötlerische wird – einmal mehr – welthaltig.

Jürg Frey: Voices. Exaudi Vocal Ensemble; Leitung James Weeks. Neu Records

Wahrlich ist es an der Zeit, sich wieder mit der im März verstorbenen Sofia Gubaidulina zu beschäftigen. Ihren festen Platz im imaginären Museum der Musikgeschichte hat sie gefunden. Aber zu oft ist Gubaidulinas Biografie und Ästhetik auf recht einfache Nenner verkürzt worden: die unter russischer Zensur leidende Komponistin, die religiöse Grüblerin und – aus Sicht der Fortschrittsparteien – die traditionelle Komponistin, die sich eben nicht den progressiven Kompositionstechniken ab 1950 stellte.

Die neue Naxos-CD Figures of Time zeichnet ein anderes Bild. Gubaidulinas gleichnamiges, 30-minütiges Orchesterwerk besticht ebenso durch eine enorme Spannung und auch Progressivität wie das folgende Klavierkonzert Introitus mit einer fulminant aufspielenden Alice Di Piazza an den Tasten. Da gibt es keinerlei Zierrat oder unnötige Spielerei. Ausgedünnten, leisen kammermusikalischen oder solistischen Passagen folgen schroff-expressive Orchesterentladungen – ohne dass der Eindruck entsteht, dass der Faden verloren ginge. Jederzeit nachvollziehbar sind die Worte, die Gubaidulina selbst fand: «Es gibt Komponisten, die ihre Werke sehr bewusst bauen, ich zähle mich dagegen zu denen, die ihre Werke eher ‹züchten›. Und darum bildet die gesamte von mir aufgenommene Welt gleichsam die Wurzeln eines Baumes und das daraus gewachsene Werk seine Zweige und Blätter.»

Eingängige Jazzrhythmik inklusive Walking Bass prägen die lustige, ursprünglich 1976 entstandene Revue Music for Orchestra and Jazz Band. Da ist viel Augenzwinkern dabei, also ganz und gar nicht das Werk einer «religiösen Grüblerin», sondern einer ungeahnt offenen, durchaus humorvollen Komponistin. Es stimmt, dass Gubaidulinas Zwinkern mit subversivem Jazz aus dem Westen in der Sowjetunion gar nicht gut ankam – und jederzeit stimmig ist die Einfühlung des sensiblen Dirigenten Titus Engel, der eine hervorragend aufspielende Basel Sinfonietta unter Mitwirkung der NDR-Bigband leitet. Kurz: eine sehr hörenswerte Produktion. Obendrein mit manchem Erkenntnisgewinn!

Figures of Time. Werke von Sofia Gubaidulina. Basel Sinfonietta; NDR-Bigband; Alice Di Piazza, Klavier; Titus Engel, Leitung. Naxos 8.551487

Der böhmische Cellist Anton (oder Antonín) Kraft war von 1778 bis 1790 erster Cellist in der Kapelle am Hofe des Fürsten Nikolaus Esterházy (1714–1790), wo ebenfalls Joseph Haydn wirkte. Bei ihm nahm Kraft zeitweise Kompositionsunterricht und es ist anzunehmen, dass Haydn sein grosses zweites Cellokonzert in D-Dur für Kraft komponierte. Irrtümlich wurde es diesem zeitweise sogar zugeschrieben.

In Krafts kompositorischem Œuvre spielt das Violoncello die zentrale Rolle. Nun hat die Edition Walhall seine beiden überlieferten Cellokonzerte neu herausgegeben. Beide stehen in der Tonart C-Dur und sind mit 20 bis 23 Minuten Dauer etwa gleich lang.

Das erste Konzert folgt der haydnschen Orchesterbesetzung in Solokonzerten mit 2 Oboen, 2 Hörnern und Streichern. Die Solostimme stellt hohe Anforderungen, ist aber dankbar und ausgewogen geschrieben (Tonumfang C–g2). Das zweite Konzert op. 4 weist eine beinahe beethovensche Orchestergrösse auf: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Fagotte, 2 Hörner, 2 Trompeten, Pauken und Streicher. Der Cellopart ist virtuos ausgestaltet und gespickt mit technischen Höchstschwierigkeiten (Tonumfang C–h2), vergleichbar mit der Cello-Solostimme in Beethovens Tripelkonzert.

Das umfangreiche Vorwort informiert in beiden Ausgaben über die Quellenlage und kontextualisiert die Konzerte im musikalischen Spannungsfeld zwischen Haydn und Beethoven. Es ist zu hoffen, dass durch diese Ausgaben beide Werke vermehrt an Musikhochschulen studiert werden und damit öfters zur Aufführung kommen.

Anton Kraft: Konzert Nr. 1 C-Dur «Seydl», hg. von Max Möllenbeck; Partitur, EW 996, € 43.50; Klavierauszug, EW 1157, € 24.80; Edition Walhall, Magdeburg

Id.: Konzert Nr. 2 C-Dur op. 4; Partitur, EW 1031, € 49.80; Klavierauszug, EW 1273, € 28.50

Die «Leichtbauten»-Reihe von Beat Gysin und dem Studio-klangraum geht in die nächste Runde. Nach Chronos (2015), Gitter (2017), Rohrwerk (2019–2021) und Haus (2022–23) ist Movements I bereits das fünfte Projekt, das sich mit dem Verhältnis von Musik und Architektur auseinandersetzt.

Und während die vorigen Arbeiten mit teils spektakulären Bauten Aufsehen erregten, geht es dieses Mal eher um die Froschperspektive, nämlich darum, wie wir Klang und Geräusche in einem sich verändernden Raum wahrnehmen, wenn wir nichts sehen. Das Prinzip ist so einfach wie effektiv: Man setzt sich auf rollstuhlähnliche fahrende Plattformen, montiert eine Augenbinde und lässt sich von einer anderen Person aus dem Publikum durch die Gegend stossen. In der Hälfte wechseln die Rollen – man wird vom blinden Fahrgast zum Guide und umgekehrt. Während der Fahrt hört man sowohl die zufälligen Geräusche aus der Umgebung wie auch musikalische und klangliche Interventionen an verschiedenen Stationen. Komponiert haben diese Gysin selbst sowie die spanische Komponistin Teresa Carrasco.

Räume voller Geräusche und Musik

Am Wochenende vom 5. und 6. September 2025 machte Movements I im Gundeldinger Feld in Basel halt bzw. Fahrt. Das Quartierzentrum am südlichen Ende der Stadt umfasst rund 12 000 m² und wurde massgeblich von Architektin Barbara Buser entwickelt: von einer ehemaligen Maschinenbaufabrik zum lebhaften Quartiertreffpunkt mit verschiedensten kulturellen Einrichtungen. Heute gibt es hier Brauereien, Gastro, Ateliers, Baubüros, Therapiepraxen, Musikschulen, Geigenbauwerkstätten oder Kletterhallen. Ideal also für eine Klangfahrt.

Wir starten in der Zirkusschule, wo zwei Mitglieder des Collegium Novum Zürich warten und mit Geige, Klarinette und Gesprochenem auf das akustische Erlebnis einstimmen: «Ich bin hier – du bist dort – komm zu mir – soll ich zu dir kommen?», tönt es von beiden Seiten, um das räumliche Hören zu aktivieren. Dann beginnt die Fahrt, zunächst mit kürzeren, dann auch längeren Distanzen: durch ein Baubüro, die belebten Innenhöfe, ins Tonstudio, durch die Bar, ins Treppenhaus, in die Werkstatt oder die Kletterhalle. Die Guides werden mittels Handzeichen des Teams um Gysin instruiert, wo welche Abzweigung genommen und an den einzelnen Stationen die rollenden Plattformen zwischenzeitlich zum Stehen gebracht werden können.

Die Orientierung ist schnell dahin

Die meisten Schiebenden gehen sehr sorgfältig und rücksichtsvoll mit ihren Passagieren um, warnen vor, wenn eine Türschwelle oder Bodenwelle kommt, versuchen, möglichst wenige Schlenker zu machen. Vereinzelte übermutige Kapriolen von jüngeren Teilnehmenden liegen auch drin, werden aber bald wieder unterbunden. Und das ist auch gut, denn als blinder Fahrgast ist man bald desorientiert: Erstaunlich schnell verliert man das Gefühl dafür, ob man sich bewegt oder nicht, wie viel Zeit schon vergangen ist und wo auf dem Areal man sich gerade befindet, selbst wenn man es kennt.

Schwierig ist es auch, einzuordnen, ob die verschiedenen Geräusche und Klänge nun aktiv zur Performance gehören oder nicht. Während an einigen Stationen mehr oder weniger gängige Instrumentensoli gespielt werden, was einer aktiven Musikhörerfahrung nahekommt, bewegt man sich die meiste Zeit in einem klanglichen Mischraum: Mal verbinden sich Bürogespräche und vibrafonartige Töne, mal werden Bleistifte gespitzt oder Kartons bemalt, während ein Musiker durch einen Schlauch trompetet. Mal taucht man in atmosphärische Sounds aus dem Tonstudio kurz ein und wieder auf. Und mal schlägt die Perkussionistin ans Treppengeländer oder auf Stahlträger, während in der Werkstatt nebenan jemand an einer Skulptur meisselt.

Hören, riechen und Vertrauen haben

«Maximal verwirrend», resümieren Einzelne, von einem «Eindruck einer weiten Reise» oder einem «Wahnsinnserlebnis» berichten andere nach der Fahrt. Mehrheitsfähig ist die Erkenntnis, dass mit dem Verlust des Sehsinns ganz anders gehört wird. Besser? Das ist schwer zu sagen, dafür war das «Training» wohl zu kurz. Aber sicher umfassender, konkreter, denn es wird weniger herausgefiltert und mehr aktiv hörend erkundet. Interessant ist auch die Kombination mit dem verstärkt wahrgenommenen Geruch, etwa wie das Holz oder Metall in den Werkstätten klingt und riecht, oder auch einfach der Kaffee- und Bierduft in der Luft. – Im klassischen Konzert normalerweise höchstens etwas für die Pause.

Movements I ist nicht nur eine räumlich-musikalische und sinnliche Erfahrung, es ist auch ein soziales Ereignis. Die Einteilung in Zweierteams (innerhalb einer Kleingruppe), die im Rollentausch durch die Blindfahrt manövrieren, erzeugt eine Vertrauenssituation – das ist stimmig, verliert man durch den Sehsinn doch sehr viel Kontrolle und Sicherheit. Und damit noch zum Titel des Projekts, der ja auf einen möglichen Teil II schliessen lässt. Studio-klangraum und Gysin überlegen sich, die fahrenden Plattformen zu motorisieren und von einer KI steuern zu lassen. Angesichts der stockenden Entwicklung selbstfahrender Autos könnte das aber noch ein wenig dauern. Gysins Projekt bietet viel Raum für weiterführende Überlegungen. Movements I nutzt Musik vor allem als Impulsgeber für ein gesamthaftes Erleben der Umwelt und versteht sie als natürlichen ebenso wie als künstlichen Teil davon.

Weitere Aufführungen von «Movements I» finden am 17. und 18. Oktober auf dem Campus Ost Buchs sowie auf dem Areal der Lokremise St. Gallen statt.

Eines wurde an der diesjährigen Ausgabe des Musikfestivals Bern vom 3. bis 7. September schnell klar: Musik ist wieder sinnlich! Vorbei sind die Zeiten, in denen karge Klanglichkeit mit musikalischer Innovationskraft verwechselt wurde. Bereits das Eröffnungskonzert Liquid Room Nr. 11: Scattered Songs in der grossen Halle der Reitschule war ein Fest für die Sinne. Elf Musikerinnen und Musiker, in Ensembles im Raum verteilt, rückten während drei Stunden das Genre Lied in den Fokus, mit Musik von John Dowland (1562/63–1626) bis Leonie Strecker (*1995). Mittendrin: die diesjährige Komponistin in Residence, Svetlana Maraš (*1985), die mit elektronischen Improvisationen wohltuende Intermezzi kreierte. Perfekt kuratiert wurden die rund 30 gespielten Werke von Eva Reiter, Viola-da-Gamba-Spielerin des Ensembles in Residence Ictus.

Zerbrechliche Klänge im Raum verstreut

War da gerade etwas? Nur wenige Sekunden dauert das Stück Cadillac für Solo-Gitarre des begnadeten Schweizer Komponisten Jürg Frey (*1953). Doch selbst dieser kurze Augenblick zeigt seine musikalische Könnerschaft. Jürg Frey war gleich mit mehreren Kompositionen an diesem Eröffnungsabend vertreten. Was für ein Geschenk! Mit einem unglaublichen Gespür für leise, zerbrechliche Klänge webt Frey eine feine Architektur von atemberaubender Schönheit. Im Programm waren auch einige seiner Lieder, die in grosser Flexibilität von der Sängerin Mimi Doulton interpretiert wurden – eine der grossen Entdeckungen des diesjährigen Festivals.

Vereinzelt gibt es sie noch immer: die Klänge, die sich am Ideal der Darmstädter Avantgarde der 1950er-Jahre orientieren. Präsent waren sie auch am Eröffnungskonzert, so etwa in der Komposition Mutation des griechischen Komponisten Panayiotis Kokoras (*1974) für Klarinette und Elektronik. Die 2015 entstandene Komposition wurde zwar brillant vom Klarinettisten Dirk Descheemaeker gespielt, wirkte aber ein wenig wie ein unbeholfener Versuch aus einem Tonstudio der 1960er-Jahre und in seiner Tonsprache bereits uralt, um Äonen älter als Franz Schuberts Lied Der Leiermann, das als Eröffnungsstück seine unzerstörbare Frische und Aktualität unter Beweis stellte.

Schmuckstücke

Einen Tag später funkelte und glänzte es im Schlachthaus Theater Bern. Das Musikfestival Bern ist bekannt für aussergewöhnliche Veranstaltungen. Unter dem Festivalmotto «Kette» liess es in der diesjährigen Ausgabe auch die Wissenschaft zu Wort kommen. Die Kunsthistorikerin Annette Kniep entfaltete ein aufschlussreiches Panorama zum Thema Prunkstücke über mehrere Jahrtausende. In ihrer Präsentation traten Geschmeide aus verschiedenen Zeiten in einen Dialog: Die Berner Patrizierinnen zeigten durch gediegene Bijous bis zum Ende des 18. Jahrhunderts ihre Heiratsfähigkeit, Männer wiederum inszenierten durch Orden den Grad ihrer Macht. Und auch 300 Jahre später bleibt Schmuck ein Kommunikationsmittel. In der Hip-Hop-Szene sind Goldketten der sichtbare Beweis für Erfolg. Kurzum: Sich zu schmücken ist ein Urbedürfnis der Menschen und eine universale Konstante.

Béla Rothenbühler steuerte vielschichtige Texte bei, die von der Sängerin und Performance-Künstlerin Corina Schranz (*1987) kongenial in Musik gesetzt wurden: manchmal minimalistisch, aber immer sinnlich und klangschön.

Angekettet

Angst ist das grosse Thema der westlichen Welt, bis in die feinsten Verästelungen dargestellt in den Schriften von Søren Kierkegaard bis Jacques Lacan. Die performative Forschungsreise Get well soon!, die reizvoll und bildgewaltig durch verschiedene Räumlichkeiten des Progr führte, durchdrang in ihrer Auseinandersetzung mit der Problematik leider nur selten die Oberfläche und blieb in relativ banalen Klischees gefangen. Immerhin: Es gab während des einstündigen Rundgangs sehr stimmungsvolle musikalische Momente, insbesondere in der Interaktion von Flöte (Luca Höhmann) und Violoncello (Richard Ander-Donath).

Das Musikfestival Bern will mehr sein als «L’art pour l’art». Das Programm transportiert stets auch eine politische Botschaft. Durch das Festivalmotto «Kette» drängte sich eine Aufarbeitung der Sklaverei regelrecht auf. Das Vokalensemble tempo d’affetto stellte unter der Leitung von Moritz Achermann Musik des US-amerikanischen Komponisten und Jazz-Trompeters Jalalu-Kalvert Nelson (*1951) spanischen Renaissance-Werken gegenüber. Es gelang ein subtiles Changieren zwischen kolonialem Prunk und kolonialisiertem Leid. Der in Biel lebende Komponist schwarzer Hautfarbe rezitierte im Konzert sehr berührend Begriffe, Namen und Anrufungen in verschiedenen afrikanischen wie karibischen Sprachen und erinnerte dabei an seine Vorfahren.

Das Berner Münster bleibt als Spielort während des Musikfestivals unverzichtbar. Zu später Stunde wartete die Komponistin in Residence Svetlana Maraš mit einer tranceartigen Live-Performance im Chorraum des Sakralbaus auf. Der Sänger Andreas Schaerer interagierte dabei mit der Elektronik-Tüftlerin in sprach- und gesangsakrobatischer Virtuosität, das gesamte Spektrum der menschlichen Stimme auslotend. – Ach, wie sinnlich doch Neue Musik sein kann!

«Merci Michael!» steht auf dem grossen Banner, das am Ende des «Les Adieux» genannten Abschiedsfestes für Michael Haefliger im KKL entrollt wird. Dann unternimmt das von ihm 2003 gemeinsam mit Claudio Abbado gegründete Lucerne Festival Orchestra mit Johanna Malangré am Pult als Abschiedsgeschenk einen musikalischen Streifzug durch das Leben des scheidenden Intendanten, der das Lucerne Festival 26 Jahre geleitet hat. Da darf Notation 1 von Pierre Boulez, mit dem er 2004 die Lucerne Festival Academy für zeitgenössische Musik ins Leben rief, genauso wenig fehlen wie Anfang und Schluss von Bruckners Siebter und Mahlers Dritter – Abbados Sternstunden in der Festivalgeschichte. Die Schweizer Lieder Z’Basel an mym Rhy und Vo Luzern uf Wäggis zue erklingen im sinfonischen Hochglanzsound (Arrangement: Simon Nathan), ebenso die FC-Bayern-Hymne Immer vorwärts. Zuvor hat Graziella Contratto nach ihrer brillanten Laudatio bereits die Buchstaben von «Michael Merci» in Tonsilben übersetzt und gemeinsam mit dem Publikum angestimmt.

Inspiriert von Ludwig van Beethovens Sturm-Sonate, die Igor Levit zwischen Versenkung und Rausch verortet hat, vergleicht die Schweizer Dirigentin und Produzentin Michael Haefliger mit dem Zauberer Prospero aus Shakespeares gleichnamigem Drama. Er habe das Lucerne Festival zu einer magischen Insel gemacht und mit seinem Zauberspruch «jung, exzellent, innovativ» nicht nur Sponsoren angelockt (92 Prozent Eigenfinanzierung), sondern auch künstlerisch mit über 400 Uraufführungen und neuen Formaten frischen Wind gebracht. Von ihm regelrecht durchdeklinierte Festivalmottos wie «Diversity», «Diva» oder «Verrückt» hätten das Festival im Heute verankert. «Open End» lautet das Motto 2025 – die Übergabe an seinen Nachfolger Sebastian Nordmann ist hier schon vorbereitet.

Vertrautes immer wieder neu

Ein offenes Ende ist in den letzten Festivaltagen auch im Konzertprogramm der Münchner Philharmoniker wahrnehmbar, die unter der Leitung von Lahav Shani in Franz Schuberts Unvollendeter einen warmen Klang entwickeln. Die Ausladung des Orchesters und seines designierten israelischen Chefdirigenten durch das Flandern-Festival in Gent war in der Kulturszene auf viel Kritik gestossen, für Igor Levit ein Fall von «klassischem, ekelhaftem Antisemitismus und Feigheit». In Luzern sind diese Spannungen nicht zu spüren. Lahav Shani dirigiert ohne Stab und mit fliessenden Bewegungen, die in Ludwig van Beethovens Violinkonzert manches Mal auch zu kleineren Ungenauigkeiten im Zusammenspiel mit der souveränen Lisa Batiashvili führen. Die Solokadenzen von Alfred Schnittke geben dem vielgehörten Werk eine neue Farbe.

Auch Richard Wagners konzertanter Siegfried auf historischen Instrumenten unter Kent Nagano, ein Projekt der Dresdner Musikfestspiele, verbindet Vertrautes mit Neuem. Der Orchesterpart erhält eine selten gehörte Durchsichtigkeit, die die Sängerinnen und Sänger freier und ohne jede Forcierung agieren lässt. Nur im dritten Akt verliert das aus dem Dresdner Festspielorchester und dem Concerto Köln zusammengesetzte Orchester ein wenig an Qualität im Zusammenspiel und in der Intonation. Im ausgeglichenen Solistenensemble setzen Thomas Blondelle als beinahe schon lyrischer Siegfried, der auswendig singende Derek Welton als tragfähiger, geschmeidiger Wanderer, Asa Jäger (Brünnhilde) mit ihrem weit gespannten Sopran und Hanno Müller-Brachmann als markiger Fafner (mit Schalltrichter) besondere Akzente.

26 Jahre in einem Nachmittag

Michael Haefligers Innovationsfreude kann man auch sehen. Ein lila Ufo ist auf der Lidowiese beim Verkehrshaus gelandet. Die Ark Nova, einen aufblasbaren Konzertsaal, hatte Haefliger gemeinsam mit dem Künstler Anish Kapoor und dem Architekten Arata Isozaki im Jahr 2013 für Fukushima entwickelt, um den tief verunsicherten Menschen in Japan nach der Atomkatastrophe einen Geborgenheit gebenden Raum für Musik zu schenken. Nun kann man diese «Klangskulptur» zum ersten und letzten Mal in Luzern erleben. Das zehntägige, musikalisch vielfältige Programm in der Ark Nova richtet sich an ein breites Publikum; 30 der 35 Konzerte sind ausverkauft. Bei den zwei besuchten Konzerten kommt man allerdings unter der akustisch schwammigen, traditionell bestuhlten Kunststoffhülle ins Schwitzen. Das Gebläse sorgt nicht für Kühlung, sondern hält nur die Hülle in Form. Die experimentelle Performance von Charlotte Hug (Viola und Stimme) und Lucas Niggli (Schlagzeug) hat Längen und zu starke dynamische Spitzen.

Da ist die digital-vokale Show von Winnie Huang (Visuals: Andreas Huck und Roland Nebe), die aus Zähneklappern und Augenzwinkern humorvolle Virtuosität kreiert, beim viereinhalbstündigen Abschied von Michael Haefliger um Längen origineller. Der übervolle Nachmittag wirkt wie ein Destillat seiner Arbeit, das jedoch durch die Länge wieder an Konzentration verliert. Riccardo Chailly, der tags zuvor mit dem Orchester und Chor der Mailänder Scala italienische Ouvertüren und Opernchöre zelebrierte, ist mit einer Rossini-Ouvertüre nochmals dabei. Neue Musik gibts mit Stefan Dohrs Uraufführung von Jüri Reinveres Nachtbild mit Blausternen für Horn solo, Dieter Ammans Violation (grossartig am Solocello: Maximilian Hornung) und Pierre Boulez‘ Initiale für sieben Blechbläser (Ensemble des Lucerne Festival Contemporary Orchestra). Mitglieder des West-Eastern Divan Ensemble spielen Fanny Mendelssohns Es-Dur-Streichquartett mit seltsamen Glissandi in der ersten Violine. Patricia Kopatchinskaja und Sol Gabetta, die beide in jungen Jahren in Luzern den Credit Suisse Young Artist Award gewannen, bringen mit den brillant musizierten Valse bavaroise und Toccatina all’inglese auch zwei Werke von Jörg Widmann auf die Bühne, der 2026 in der Nachfolge von Wolfgang Rihm die Lucerne Festival Academy übernimmt. Open End in Luzern …

Die Besetzung dieses «Hauskonzerts» sei gleich zu Beginn verraten: Streichquartett, Sopran, Klavier, allerdings nie alle gleichzeitig, dafür in verschiedenen Kombinationen oder allein. Es handelt sich um einen Zyklus von zwölf kurzen Stücken, die unabhängig voneinander in den späten 1930er-Jahren entstanden sind. Erich Schmid fasste sie 1941 unter diesem Titel als sein Opus 13 zusammen. Uraufgeführt wurde das Kleine Hauskonzert am 25. Juni 1959 im Radio Beromünster. Eine weitere Aufführung fand 1985 in Zürich statt, anlässlich des fünfzigjährigen Bestehens der Pro Musica. Dies ist die Zürcher Ortsgruppe der IGNM; Erich Schmid stand ihr in den 60er-Jahren als Präsident vor.

Dirigieren statt komponieren

Vielseitig ist die Lebensleistung dieses schweizerischen Musikpioniers! Als Dirigent leitete er in Chefposition das Tonhalle-Orchester Zürich (1949–1956), das Radioorchester Beromünster (1956–1970), daneben den Gemischten Chor Zürich (1954–1975) und den Männerchor Zürich (1961–1964). Viele zeitgenössische Schweizer Werke erlebten ihre Uraufführung unter seinem Dirigat. Sein eigenes Komponieren geriet zusehends in den Hintergrund. Dabei war Erich Schmid Schüler von Arnold Schönberg in Berlin, ein Studium, das 1933 aus politischen Gründen ein vorzeitiges Ende nahm. Schmid wechselte zunächst nach Glarus, wo er als Musikdirektor zwei Chöre und die Harmoniemusik leitete. Durch Vermittlung von Werner Reinhart gastierte er wiederholt beim Musikkollegium Winterthur, u. a. mit Aufführungen von Werken der Neuen Wiener Schule.

Zusammen oder einzeln

Zurück zu diesem Kleinen Hauskonzert: Die Stücke sind zwölftönig oder in verwandten Techniken geschrieben. Man fühlt sich an die Tonsprache von Anton Webern erinnert, die Musik ist zart und intim, die kryptische Ordnung hinter den Tönen lässt sich nur ahnen. Dabei werden die Ausführenden technisch nicht an ihren Grenzen gefordert, vorausgesetzt ist nur Erfahrung im nicht-tonalen Zusammenspiel. Angesichts ihrer Entstehungsgeschichte kann man diese aphoristischen Stücke auch separat in einem anderen Programmkontext spielen, etwa als «Sorbets» zwischen grösseren Werken ganz gleich welcher Epoche. Die Nummer VIII für Violine und Klavier ist besonders schön!

Die Erstausgabe bei Boosey & Hawkes/Bote & Bock enthält neben einem kritischen Bericht viele Informationen zum Werk und zum Komponisten und gibt auch die Zwölftonreihen der dodekafonen Stücke an.

Anhören kann man das Kleine Hauskonzert in der Aufnahme von 1959 im Archiv von Schweizer Radio SRG SSR auf Neo.Mx3. Auch der Mitschnitt des Konzerts von 1985 ist im SRF-Archiv unter der Signatur MG 47126 greifbar.

Erich Schmid: Kleines Hauskonzert, Zwölf Stücke für verschiedene Instrumente und Gesang op. 13, Texte aus «Des Knaben Wunderhorn», hg. von Iris Eggenschwiler, Partitur, BB 3554, € 55.00, Boosey & Hawkes/Bote & Bock, Berlin (Schott)

Ist es Nostalgie, dass derzeit so manche Publikation erscheint, die sich mit der (heroischen) Vergangenheit des Rundfunks beschäftigt, mit den elektronischen Studios, den Hörspielen oder hier mit den Grundlagen des Mediums? Vielleicht ist es in Krisen- und Abbauzeiten auch eine Selbstvergewisserung, denn das Radio hat vieles verändert, in technischer und künstlerischer Hinsicht, aber auch in unseren Hörgewohnheiten.

Das wird an dieser Sammlung von 42 Quellentexten deutlich, die von den frühen Anfängen bis in die jüngste Gegenwart reicht. Es ist der zweite Band von Radiophonic, herausgegeben von den in Basel wirkenden Medienwissenschaftlern Ute Holl und Jan Philip Müller sowie Tobias Gerber; der erste Band präsentierte 2019 den aktuellen Stand der Diskussion um das Medium. Nun folgen historische Materialien dazu: Ein wichtiges Kompendium ist so herausgekommen.

Durch die Zeiten

Eingangs geht’s gleichsam in die Medienarchäologie, zu den Experimenten eines Nikola Tesla etwa, der 1893 eine Telegrafie ohne Drähte beschrieb. Daneben steht sofort die pointierte Reflexion eines Robert Walser, der schon 1926 meinte, es wäre «unhöflich, den Siegeszug des technischen Erfindungsgeistes nicht schlankweg zuzugeben», wenngleich er einwandte, «die Kunst, Gesellschaft zu machen», werde dadurch ein wenig vernachlässigt. So ist der Rundfunk in seiner manchmal widersprüchlichen Vielfalt auch ein Symbol für die Moderne.

Künstlerische Manifeste von der Frühzeit an (von Brecht und Marinetti bis Adorno) schliessen sich an: Das Radio wird dabei auch als Kunstform, als Hörkunst verstanden. Von den Experimenten mit Tonband und Mikrofon berichten etwa Pierre Schaeffer, John Cage und Karlheinz Stockhausen. Und auf fast schon vergessene Formen verweist Hans Werner Henze mit seinen Funkopern. Was davon geblieben ist bzw. wie es in den letzten Jahrzehnten kreativ genutzt wird, darüber erzählen die jüngsten Texte: Der Diskurs erscheint dabei allerdings weniger utopiebegeistert als eher zerfleddert, gelenkt von einem Trotz in bedrängten Zeiten. Dennoch: Das Medium ist aktuell geblieben und enthält immer noch Potenzial. Wie wird es das 21. Jahrhundert nutzen?

Radiophonic, Materials, Bd. 2, hg. von Ute Holl, Jan Philip Müller und Tobias Gerber, 448 S., € 29.80, Kehrer-Verlag, Heidelberg 2024, ISBN 978-3-86828-863-6

Die Schwyzer Pianistin Marion Suter entstammt einer «Ländlermusiker-Familie». Sie hat an der Hochschule Luzern Klavier Klassik mit einem Schwerpunkt Volksmusik studiert und mit dem Master in Musikpädagogik Klavier abgeschlossen. Mit ihrer neusten Veröffentlichung möchte sie eine «Klavierliteratur-Lücke» im Bereich der Schweizer Volksmusik füllen. 30 Eigenkompositionen (22 Soli und 8 zweistimmige Werke mit separater Begleitung), geeignet für Klavier wie auch Akkordeon, präsentiert sie in ihrem Notenbuch. (Einen Teil davon hat sie auf der CD Pianistin Marion Suter Vol. 2 eingespielt.)

Das Werk bietet eine breite Palette an charakterlicher, harmonisch-melodischer wie auch rhythmischer Vielseitigkeit. Es enthält romantische, rund klingende Balladen, fetzige, swingende, jazzige Stücke, aber auch in der Schweizer Volksmusik verwurzelte Tänze. Den Schwierigkeitsgrad würde ich bei «sehr fortgeschritten» ansetzen.

Als Akkordeonistin blicke ich gerne über den Tellerrand, deshalb habe mich an diese Rezension gewagt. Was nun die Übertragung der Stücke auf mein Instrument betrifft, bin ich etwas zurückhaltend bzw. wurde mir klar, dass man das eine oder andere entsprechend einrichten müsste. Zu erwähnen sind die vielen dicht ausgesetzten Akkorde, die auf dem Akkordeon klanglich nicht optimal wirken, da der Ton stehen bleibt und nicht wie beim Klavier automatisch verklingt. Zudem ist bei einigen Werken ein sehr grosser Tonumfang erforderlich, z. B. für die rechte Hand sehr hohe Lagen, aber auch für die linke Hand (Standardbass), durch die Wahl zum Teil eher ungewohnter Tonarten. Die Akkordeonspielenden sind also gefordert, mit dem Einsatz entsprechender Register, dem Ausdünnen von Akkorden oder auch dem Oktavieren einzelner Teile eine optimale Fassung für ihr Instrument zu finden – ohne dabei den Respekt für diese gelungenen Kompositionen aus den Augen (und Ohren) zu verlieren.

Besonderes Augenmerk verdienen die 8 musikalischen Kostbarkeiten mit separater Begleitung. Sie ergeben eine Fülle an Besetzungsvarianten. Beide Einzelstimmen können problemlos von Streich- oder Blasinstrumenten übernommen werden. Es wäre aber auch eine Fassung durch ein Akkordeon mit Melodiebass vorstellbar und Klavier für den Begleitpart.

Marion Suter: Notenbuch, 30 Eigenkompositionen für Klavier oder Akkordeon, Fr. 40.00, Selbstverlag marionsuter.ch