Due anni fa, Michael Behrendt ha dedicato il suo libro Non mi piace il lunedì. I 66 più grandi equivoci canori interpretazione errata del contenuto delle canzoni. Il giornalista musicale tedesco ha usato soprattutto questo per descrivere le canzoni e la loro genesi. Il suo nuovo lavoro segue lo stesso schema Provocazione! Canzoni che hanno fatto scalpore. In 296 pagine, Behrendt presenta un totale di 70 canzoni che hanno suscitato scalpore e clamore al momento della loro pubblicazione. Secondo l'autore, la selezione "volutamente incompleta e soggettiva" inizia con il brano di Claire Waldoff Herrmann ha fatto il giro del mondo Quando il pubblico credette improvvisamente di riconoscere in questo pezzo frivolo e sfacciato una frecciatina a Herrmann Göring, questo portò alla fine della carriera dell'artista berlinese. Dal punto di vista del contenuto, Billie Holiday Frutto strano (1939), in cui la cantante jazz statunitense racconta degli strani frutti che pendono dagli alberi negli Stati del Sud. Allusione schietta agli oltre 4.700 linciaggi di neri registrati tra il 1882 e il 1968, la Holiday fu cacciata dalla città quando tentò di eseguire il brano a un concerto a Mobile, in Alabama.

Nella sua pubblicazione, Behrendt tocca soprattutto storie note che oggi sembrano innocue, che non presenta in modo molto approfondito: C'è Dylan, che incontra resistenza quando passa dalla chitarra acustica a quella elettrica, e ci sono anche gli Who, che nel 1965 nel loro singolo La mia generazione proclamare che è meglio morire giovani. Infine, il libro è dedicato anche al gangsta rap, che a volte tende non solo a glorificare la violenza, ma anche ad avere tendenze antisemite o omofobe, che l'autore condanna con la massima fermezza. La principale constatazione di Behrendt, secondo cui i confini di ciò che è accettabile si spostano continuamente, è indubbiamente vera, ma è tutt'altro che nuova. Conclusione: lettura Provocazione! Canzoni che hanno fatto scalpore si rivela divertente, ma non è un obbligo.

Michael Behrendt: "Provocazione! Songs, die für Zündstoff sorg(t)en", 296 p. € 20,00 wgb Theiss, Darmstadt 2019, ISBN 978-3-8062-3922-5

Non c'è dubbio che la scuola trombettistica francese, con il suo motore Maurice André, abbia influenzato molte generazioni di trombettisti come nessun altro. Già ai tempi della mia giovinezza, il grand seigneur de la trompette era onnipresente: dominava il mondo della tromba classica quasi da solo, proprio come Miles Davis ha plasmato il jazz.

Non sorprende quindi che Jean-François Dion abbia ritenuto che i tempi fossero maturi per dedicare un omaggio agli esponenti di questa scuola trombettistica francese. In 15 piccoli pezzi individuali, egli dipinge un quadro musicale dei dedicatari (da Roger Delmotte a Bernard Soustrot e Antoine Curé). Chi conosce bene i maestri non potrà fare a meno di sorridere mentre ascolta queste gemme, a volte simili a un etude. Le citazioni barocche in Maurice André da un lato, gli elementi aleatori e i cambiamenti degli ammortizzatori per Antoine Curé d'altra parte, sono probabilmente un po' audaci - l'inizio di Guy Touvron d'altra parte, ricorda sottilmente il rumore del mulino davanti a casa sua - una bella prova della familiarità del compositore con i suoi colleghi. È anche bello che ogni maître sia brevemente presentato in appendice con una foto e una biografia - ma è un peccato che manchino grandi come Pierre Thibaud o Eric Aubier, che avrebbero meritato non meno adulazione.

Jean-François Dion : La trompette française - 15 portraits musicaux, per tromba sola, TP 348, Fr. 20.00, Edizioni Bim, Vuarmarens

Ovunque si apra il libro, è sempre possibile una sorpresa, soprattutto se si è piuttosto prevenuti nei confronti della "grande musica classica". L'ascoltatore di musica multiculturale, autore e presentatore Roger Willemsen riesce ogni volta a "propinare" al lettore le sue "dichiarazioni d'amore per la musica" in modo eloquente e senza frivolezze da esperto, così che si diventa (giustamente) ancora più consapevoli dei decenni di unilateralità. In cinque capitoli, vengono offerti stati d'animo, ritratti, confronti tra "musica classica e jazz", oltre che con la world music e l'incidentale, focalizzati in modo diverso, ma soprattutto in una combinazione di conoscenze storiche applicate con parsimonia ed esperienza musicale personale. I suoi punti focali sono John Coltrane, che "forse ha esplorato l'universo musicale più estesamente di chiunque altro prima o dopo di lui", e il jazz in tutte le sue sfaccettature. Tuttavia, non si preoccupa principalmente di descrivere la musica, ma di "esplorare le sensazioni" che si provano ascoltando la musica; e qui ha a disposizione un vocabolario meravigliosamente ricco. Ma anche le esplorazioni più differenziate non sono nulla senza il suono corrispondente; come se il menu vi fosse stato descritto in termini fioriti, ma non aveste potuto mangiare nulla. Dopo aver letto i commenti di Willemsen, potete verificare immediatamente se si applicano a voi: Quasi tutti i titoli citati possono essere ascoltati su YouTube, peraltro (ancora) gratuitamente.

Le più grandi scoperte sono possibili. Nelle 50 combinazioni di classica e jazz, Willemsen accosta brani che rivelano interessanti somiglianze nell'esplorazione delle emozioni: lo staccato di Lennie Tristano dopo l'allegro in sol maggiore di Muzio Clementi, per esempio, o la tromba avventurosamente agile di Cherokee di Arturo Sandoval, dopo il brano di Niccolò Paganini Moto perpetuo ascoltato. Il Notturno con il Quintetto di Teddy Charles a confronto con il terzo dei cinque pezzi orchestrali di Anton Webern. Può darsi che alcuni confronti suscitino incomprensione o che si notino ripetizioni, che non ci si voglia "preparare a un attacco al centro sentimentale", che alcuni giudizi indotti dall'emozione sembrino un po' troppo disinvolti o che la "presa in giro per salutare" Rex Gildo sia superflua. Ma l'informazione sulla pianista "largamente dimenticata" Jutta Hipp arriva giusto in tempo per l'attuale discussione sulla revisione della legge sul diritto d'autore: poco prima della sua morte, qualcuno si è accorto che aveva diritto a 40.000 dollari di diritti d'autore per i dischi venduti dopo la fine della sua carriera. Anche i mezzi di distribuzione di oggi hanno una tale memoria a lungo termine?

Infine, una stranezza: Jacques Loussier, che per la nostra generazione ha avuto un'importanza non indifferente in termini di "allargamento degli orizzonti", non viene menzionato. All'inizio degli anni Settanta, nello studio radiofonico di Berna, sulla scheda "Loussier, Jacques - Play Bach" era ancora scritto che questi dischi potevano essere utilizzati nel programma solo "dopo aver consultato il responsabile del dipartimento musicale". Chiaramente, quando Willemsen (nato nel 1955) si trovò a sentire Loussier che suonava Bach, non fece più scalpore.

Roger Willemsen: Musica! Über ein Lebensgefühl, 512 p., € 24,00; S. Fischer, Francoforte 2018, ISBN 978-3-10-397383-9

Perché dovremmo ascoltare musica di epoche storiche? La musica di uomini bianchi per lo più morti, come si è lamentato di recente un amico. Il problema riguarda l'intera industria della musica classica, ma è ancora più acuto per un organizzatore come il Forum Alte Musik Zürich. Dopotutto, i programmi dei festival che organizza due volte l'anno risalgono spesso a epoche molto lontane.

Tuttavia, come dimostra il festival di primavera di quest'anno all'insegna delle "Metamorfosi", le soluzioni spuntano più abbondantemente laddove sono più urgenti. Consapevolmente o inconsapevolmente, il programma distribuito su due fine settimana ha offerto una serie di risposte alla domanda sul perché o sul come ci si debba confrontare con opere che provengono da un ambiente culturalmente e socialmente distante.

Si è cominciato con i piccoli concerti-aperitivo in cui Linda Alijaj e Hitomi Inoue, entrambe studentesse presso l'Università delle Arti di Zurigo, hanno eseguito il brano di Benjamin Britten Sei Metamorfosi dopo Ovidio per oboe solo. Si potrebbe definire un approccio museale al passato e di certo non sarebbe del tutto sbagliato. La scelta di questo brano e degli ulteriori estratti dal poema di Ovidio eseguiti dallo studente di teatro Morris Weckherlin sono stati un chiaro e dimostrativo riferimento alla lunga tradizione della cultura europea. Il fatto che l'opera di Britten non sia musica antica conferisce una certa freschezza e testimonia l'apertura con cui il Forum progetta i suoi programmi.

Naturalmente, nei due fine settimana si è assistito anche all'approccio più comune degli organizzatori nei confronti delle opere antiche: Non ci si pone nemmeno il problema della loro attualità, ma si confida semplicemente nella potenza della musica e si cerca di presentarla nel modo più favorevole possibile con una buona interpretazione. Al Festival Metamorphosen, per esempio, in un concerto dedicato a Josquin Desprez, per molti il più importante compositore del Rinascimento. L'ensemble vocale Alamire ha dimostrato in modo impressionante nella chiesa di San Pietro ciò per cui i piccoli ensemble inglesi sono giustamente famosi. L'intreccio delle voci è stato realizzato con grande agilità, le singole voci sono state enfatizzate e il flusso del suono è stato strutturato. Alle singole frasi è stato dato un po' più di spazio qua e là senza disturbare la delicata tessitura. Anche il primo e ancora relativamente scarno Missa d'ung aultre amer è sbocciato sensualmente sotto la direzione del direttore e musicologo David Skinner. L'unica domanda che ci si pone è perché questo concerto sia stato uno dei meno seguiti del festival, che in realtà è stato ben frequentato - perché musicalmente è stato un punto di forza. Forse può essere interpretato come un'indicazione del fatto che non è più sufficiente presentare i cosiddetti capolavori della storia della musica per attirare il pubblico. Oppure si è trattato semplicemente di una coincidenza.

D'altra parte, tre concerti in cui si è cercato di far rivivere tradizioni perdute o addirittura dimenticate hanno attirato un grande pubblico. Ad esempio, la Deutsche Hofmusik ha presentato una ricostruzione dell'opera perduta di Johann Sebastian Bach. Musica funebre di Köthen e l'Ensemble Melpomen, sotto la direzione di Conrad Steinmann, si è persino azzardato a immaginare la musica dell'antica Grecia. E, coincidenza o meno, è stato proprio in questi momenti di approccio provvisorio e speculativo che il confronto con il passato si è rivelato estremamente produttivo. Ovvero, costringendoci a riflettere sul modo in cui ci rapportiamo al passato.

Questo è apparso evidente all'Helferei durante il concerto del gruppo Hirundo Maris di Arianna Savall. La Savall ha aperto il suo viaggio europeo attraverso 200 anni di Minnesang con un invito al Medioevo, e già allora ci si chiedeva se non fosse piuttosto il contrario. Non siamo forse visitati dal Medioevo? E come un buon ospite, adattandoci alle abitudini dell'ospite? Senza portare con sé sporcizia e abitudini inquietanti? In fondo, Hirundo Maris non ha offerto un Medioevo autentico, ma uno sguardo moderno e colorato al passato. In linea di principio ciò non sarebbe problematico, poiché non c'è altra possibilità che adottare il più coscienziosamente possibile una certa visione delle melodie tradizionali, che sono state tramandate solo nel testo e nella melodia. Dal punto di vista musicale, la soluzione era eccellente e storicamente valida. Ma tutto il clamore, compreso il "costume medievale", era sconcertante. Una maggiore distanza dalle proprie azioni non avrebbe fatto male all'ensemble. Tuttavia, o forse proprio per questo, il pubblico ha lasciato il concerto musicalmente esaltato e intellettualmente stimolato. E cosa si può desiderare di più? Molti eventi di musica contemporanea non sono in grado di raggiungere questo obiettivo.

Il concerto finale con un vespro di Carlo Donato Cossoni, un compositore dell'Italia settentrionale del XVII secolo, la cui musica è in gran parte manoscritta nella biblioteca dell'Abbazia di Einsiedeln, ha fornito una visione di tutt'altro tipo. La riscoperta di maestri minori sconosciuti è oggi uno dei trucchi di marketing preferiti dal settore. In questo caso, tuttavia, si è riconosciuto ancora una volta che per molte di queste scoperte non sarebbe una grande perdita se non venissero mai fatte. Tuttavia, uno dei tanti punti di forza del festival è che anche questi concerti vengono ricordati come validi.

Porta un nome famoso che ha un sapore particolare, e non solo in Austria: Johanna Doderer è la nipote di Heimito von Doderer, l'autore del romanzo Lo Strudelhofstiege e altri capolavori letterari. Può anche vantare un'opera notevole. Nata a Bregenz nel 1969, la compositrice ha scritto numerose opere che spaziano dalla musica da camera e sinfonica fino alla grande opera. I riconoscimenti e la risonanza non mancano. Johanna Doderer è già stata insignita di importanti premi e riconoscimenti. In occasione del centenario della Repubblica d'Austria nel 2018, l'Orchestra Filarmonica di Vienna ha persino eseguito parti della sua seconda sinfonia all'Opera di Stato.

Tuttavia, una delle sue opere più recenti lascia un po' perplessi. Tutto scorre per pianoforte solo (DWV 109) è stato commissionato dal Concorso Pianistico Internazionale Beethoven ed è stato eseguito in anteprima alla cerimonia di apertura. Secondo Doderer, il titolo intende riflettere la fusione dei temi musicali. È difficile dire se siano stati incorporati anche impulsi dalla musica di Beethoven. Ci sono alcuni momenti patetici, ma in generale dominano le figure di accompagnamento su piccola scala, ripetute nello stile della musica minimale. Di tanto in tanto si intensificano in climax emotivi, ma per lo più la musica è al centro della scena. Questo nonostante il flusso ritmico prevalga quasi sempre.

La tessitura pianistica è incoerente: cascate virtuosistiche sapientemente collocate si contrappongono a passaggi banali che risultano stranamente goffi (la battuta 173, ad esempio, può essere suonata ragionevolmente bene solo da persone con braccia lunghe). (La battuta 173, ad esempio, può essere suonata ragionevolmente bene solo da persone con braccia lunghe). Nell'ultima pagina c'è una nota che potrebbe essere stata scritta da Beethoven: "... con il più sentito sentimento". Curiosamente, c'è anche uno sfogo in triplo forte. C'è forse dell'ironia?

Il brano termina - come la sonata per pianoforte di Beethoven con lo stesso numero d'opera - in puro Mi maggiore... e lascia tutte le domande senza risposta.

Johanna Doderer: Alles fliesst (Tutto scorre) DWV 109, per pianoforte solo, D. 01 699, € 14,95, Doblinger, Vienna 2018

Secondo il Cantone, l'elaborazione del bilancio di missione consente di approfondire questioni fondamentali. Ad esempio, se gli attuali strumenti di finanziamento siano ancora quelli giusti o in che misura la forma del consiglio di fondazione per la promozione culturale nel sistema di milizia sia ancora appropriata e opportuna. La dichiarazione di missione culturale è stata sviluppata dall'Ufficio per la cultura e lo sport in collaborazione con il Consiglio di fondazione cantonale per la promozione culturale.

Il primo passo consiste nell'analizzare l'attuale panorama culturale di Soletta per ottenere una panoramica completa della situazione attuale. Un importante punto di partenza è la conferenza culturale tenutasi nel 2017, che ha fornito informazioni essenziali sulla situazione attuale e sulle visioni future degli attori culturali di Soletta.

In quattro serate di maggio, l'Ufficio della cultura e dello sport fornirà informazioni sullo stato dei lavori. Alla presenza del consigliere cantonale Remo Ankli, capo del Dipartimento dell'educazione e della cultura, si discuteranno insieme alcuni temi selezionati. Sono invitati a partecipare personalità del mondo della cultura e della politica, nonché il pubblico interessato.

I forum regionali hanno luogo:
Lunedì 6 maggio, ore 18.00, Aula BBZ di Soletta
Giovedì 9 maggio, ore 18.00, Centro culturale Schützi Olten
Martedì 21 maggio, ore 18.00, Monastero di Dornach, refettorio
Martedì 28 maggio, ore 18.00, VEBO, Ristorante Treffpunkt, Oensingen

Il numero di posti è limitato! Si prega di iscriversi almeno una settimana prima della data dell'evento: aks@dbk.so.ch.

Samuel Steinemann, nato nel 1971, è cresciuto a Zugo e ha studiato musicologia, filosofia ed etnomusicologia all'Università di Zurigo e management culturale alla ZHAW. Durante e dopo gli studi, ha scritto recensioni musicali, testi per libretti di programmi e ha lavorato per agenzie di artisti e promotori di concerti (tra cui Tonhalle di Zurigo, KKL di Lucerna, Kartause di Ittingen).

Nel 1998 ha co-fondato la Zug Sinfonietta e tra il 2000 e il 2008 è stato direttore del Festival Strings Lucerne. Samuel Steinemann è direttore artistico del Theater Casino Zug dal 2009.

La Künstlerhaus Boswil è un centro per la musica classica, un luogo di incontro, scambio culturale internazionale, dibattito artistico e ritiro. L'accento è posto sulla nuova musica e sulla promozione dei giovani musicisti: con il Boswil Ensemble for New Music, l'Orchestra Sinfonica Giovanile dell'Argovia e l'Orchestra Giovanile del Freiamt, il Künstlerhaus sostiene tre dei propri ensemble nel campo della formazione orchestrale.

Viotti ha conseguito un master in direzione d'orchestra con Nicolás Pasquet, Gunter Kahlert e Martin Hoff presso l'Università di Musica Franz Liszt di Weimar fino al 2015. Dall'inizio della stagione 2018/19 è direttore principale dell'Orchestra Sinfonica Gulbenkian di Lisbona.

Viotti è nato a Losanna da una famiglia franco-italiana di musicisti. Ha studiato pianoforte, canto e percussioni a Lione. In seguito ha frequentato la classe di direzione d'orchestra di Georg Mark a Vienna e ha suonato come percussionista in varie orchestre, tra cui la Filarmonica di Vienna.

All'età di 25 anni, ha vinto il premio per i giovani direttori d'orchestra al Festival di Salisburgo del 2015, l'11° Concorso internazionale di direzione d'orchestra di Cadaqués e il primo premio al concorso di direzione d'orchestra della MDR Symphony Orchestra. Nel 2017 è stato nominato Newcomer of the Year dall'International Opera Award di Londra.

La Società Internazionale Fröhlich Brugg, fondata dalla cantante Barbara Vigfusson, è impegnata dal 2016 nell'esecuzione e nella diffusione della musica del compositore argoviese del primo romanticismo Friedrich Theodor Fröhlich (1803-1836). Attualmente esiste anche un Coro Concertistico Fröhlich Brugg, diretto dal musicista ecclesiastico Markus J. Frey, e un'associazione culturale "Fröhlich-Konzerte Brugg".

Che l'Argovia abbia prodotto il più importante compositore svizzero del primo romanticismo è noto almeno dalla dissertazione dell'insegnante di ginnasio di Winterthur Pierre Sarbach nel 1987 e dalle sue esecuzioni di Fröhlich con l'ensemble vocale pro musica. Fröhlich Missa è stata pubblicata nel 1987 nella collana "Schweizerische Musikdenkmäler", ma si è rivelata essere la copia di Fröhlich di una messa di Johann Gottlieb Naumann (1741-1801) del 1794. C'è molto da scoprire nelle opere di Fröhlich: lavori corali e per ensemble vocali ben cantati, diverse ouverture orchestrali, molte canzoni, musica da camera e pezzi per pianoforte - una Gebrauchsmusik originale nel senso migliore del termine. Tra l'altro, il suo patrimonio si trova presso la Biblioteca Universitaria di Basilea.

Fröhlich ha ricevuto la sua formazione musicale di base presso il "Singinstitut" di Hans Georg Nägeli a Zurigo. Inizialmente avrebbe dovuto studiare legge. Tuttavia, la vita musicale a Berlino gli esplose letteralmente addosso: partecipò a molti concerti ed entrò in contatto con i migliori musicisti dell'epoca, tra cui Felix Mendelssohn Bartholdy e Friedrich Zelter dell'Accademia di canto di Berlino. In questo ambiente, Fröhlich sperimentò anche la musica di Mendelssohn, una ripresa storicamente significativa del repertorio bachiano. Passione di San Matteo con.

Il suo Cantata della Passione La scrisse poco dopo il suo ritorno da Berlino e la eseguì ad Aarau nel 1831 - non con un'orchestra, ma con l'accompagnamento del pianoforte. Fröhlich era tornato in una terra desolata dal punto di vista musicale. Ad Aarau non c'era un'orchestra e non c'erano lezioni di musica regolari presso la scuola cantonale con cui avrebbe potuto costruirsi un sostentamento. Fondò quindi una propria scuola di canto.

I testi per il Cantata della Passionebasato sui quattro Vangeli, è stato fornito da suo fratello, il teologo riformato Abraham Emanuel Fröhlich. L'oratorio è ampio, consta di 21 numeri e non solo ha una strumentazione originale, ma Fröhlich "gioca" con essa: coro misto, coro femminile e coro maschile cantano in alternanza, più sei solisti e un'orchestra di fiati. Colpisce la linea melodica non convenzionale ma cantabile; dal punto di vista armonico, Fröhlich trova ripetutamente svolte e colori interessanti, da primo Romanticismo. L'orchestrazione è sorprendentemente buona.

L'oratorio di Fröhlich poteva ora essere vissuto nella Stadtkirche Brugg sotto la magistrale direzione di Markus J. Frey. Il Fröhlich Concert Choir Brugg comprendeva anche l'eccellente ensemble vocale femminile Vocembalo, diretto da Barbara Vigfusson. Ciò era chiaramente udibile nelle parti di soprano molto alte e ben intonate. Nel complesso, il coro e l'orchestra di Chaart hanno padroneggiato quest'opera con fresco vigore, buona intonazione e precise entrate fugali.

Domenica ha anche dimostrato che questo progetto di Fröhlich coinvolge musicisti validi e impegnati nella causa. Il recital canoro con il soprano Muriel Schwarz e il suo pianista Andrea Wiesli, dotato di una sottile sintonia, ha incorporato le canzoni di Fröhlich - tra cui alcune di Canzoni svizzere in dialetto - tra quelli dei fratelli Fanny Hensel Mendelssohn e Felix Mendelssohn Bartholdy. I brani in stile Biedermeier, che testimoniano l'umorismo e la gioia di vivere di Fröhlich, sono stati eseguiti con sensibilità e arguzia.

Inoltre, il violinista Sebastian Bohren e il Quartetto Stradivari hanno affrontato la prima svizzera del Quartetto per pianoforte e orchestra in re minore (1835), pubblicato da Amadeus per la prima volta; Benjamin Engeli era al pianoforte. L'opera del compositore argoviese del primo romanticismo è stata eseguita dopo il Quartetto per pianoforte e orchestra n. 1 in sol minore K. 478 di Mozart e ha dimostrato di poter reggere il confronto con Mozart. Hanno contagiato il pubblico con la loro gioia per il senso del suono e lo spirito sfrontato di Fröhlich. Sarebbe ora di promuovere maggiormente questa iniziativa di Fröhlich, significativa a livello locale e nazionale, in termini di politica culturale.

Nato in Argentina e residente nella Valle del Reno, Francisco Pablo Obieta si muove tra tradizione e avanguardia come contrabbassista solista, direttore d'orchestra e arrangiatore. Come compositore, ha prodotto più di quaranta opere, che spaziano dalla musica da camera e orchestrale, alle composizioni sacre, fino all'opera lirica, come "Destino Tango", che è stata presentata in anteprima dal Teatro di San Gallo nel 2008.

Come direttore d'orchestra e docente, ispira "giovani e anziani, professionisti e dilettanti con la sua instancabile passione per la musica" e li conduce a interpretazioni accattivanti, scrive il Cantone di San Gallo. Come insegnante di musica, ha anche pubblicato diverse opere pedagogiche che sono diventate standard per i contrabbassisti.

Susanna Cohen ed Ehud Bodner dell'Università israeliana Bar-Ilan hanno analizzato 202 musicisti orchestrali per verificare il rapporto tra lo stress da prestazione da un lato e le esperienze floreali dall'altro.

Le analisi hanno mostrato che i solisti principali e i primi solisti sono più in flusso rispetto ai secondi solisti e ai suonatori di tutti. I secondi solisti (associati ai primi) sono più stressati dei primi solisti, mentre i percussionisti sono più fluidi degli strumentisti. Secondo i risultati, anche i musicisti più anziani sono più fluidi di quelli più giovani.

Articolo originale:
Susanna Cohen e Ehud Bodner: "Flow e ansia da prestazione musicale: l'influenza delle variabili contestuali e di sfondo", Musicae Scientiae, aprile 2019, https://doi.org/10.1177/1029864919838600

In collaborazione con la Fonoteca Nazionale Svizzera e con il supporto di altre istituzioni specializzate come la Radiotelevisione Svizzera SRF e la Biblioteca Centrale e Universitaria di Lucerna, sono state elaborate professionalmente oltre 3000 biografie di artisti, 2500 ore di registrazioni sonore, servizi e immagini dei media, video e tutto il materiale promozionale.

L'archivio documenta il jazz e la musica improvvisata in Svizzera dall'inizio degli anni Novanta. La collezione audiovisiva è costituita principalmente da concerti, registrazioni audio e video registrate dal vivo dalla SRF e registrazioni presentate dai gruppi al comitato di programma.

L'archivio online sarà lanciato in occasione dell'apertura del festival di quest'anno, mercoledì 22 maggio 2019, presso il Kulturzentrum Kammgarn. All'inizio saranno accessibili alcuni anni selezionati e altri saranno aggiunti gradualmente.

Cosa collega la città di Berna sull'Aare con la metropoli di Odessa sul Mar Nero? Nulla, a meno che non si consideri il concerto "Odessa Classics in Bern" che si è tenuto al Forum Yehudi Menuhin nell'ambito delle Giornate della cultura ucraina. Accanto al violinista Michael Guttmann e al violoncellista Samuel Justitz, il pianista ucraino Alexey Botvinov siede al pianoforte a coda e suona in modo tale che è subito chiaro: Qualcuno ha una missione qui - Odessa Classics. Il pianista, che è spesso ospite in Svizzera ed è stato un pilastro indispensabile di molti balletti del coreografo Heinz Spoerli (Variazioni Goldberg) era ed è instancabilmente impegnato nel festival della sua città natale.

Foto: Odessa Classics

Il direttore del festival Alexey Botvinov

Il musicista, oggi 54enne, l'ha fondata in un momento in cui si stava intensificando il conflitto armato nell'Ucraina orientale, che continua tuttora. "Improvvisamente la guerra era lì. Nessuno poteva immaginarlo", racconta Botvinov, parlando della sua rabbia e della sua protesta interiore, ma anche del dolore e del lutto per le molte persone morte. "In quel momento ho pensato a me stesso: Cosa posso fare per contrastare la guerra e la terribile situazione che sta sconvolgendo tutti?". Musica! "Gli amici mi hanno detto: Quello che stai immaginando con il tuo festival è completamente irrealistico". Ma Botvinov ha fatto decollare il festival Odessa Classics, finanziato principalmente da privati, ma ora anche cofinanziato dalla città di Odessa e dalla regione. È stato organizzato con successo per la prima volta nel 2015. I quattro giorni iniziali del festival sono ora diventati nove. "Ma voglio espandermi ancora di più, fino a due o forse anche tre settimane", sottolinea Botvinov e sogna "una Salisburgo per l'Europa orientale". Questo non sembra irrealistico se si considera il crescente numero di visitatori che viaggiano da Kiev, Kharkiv, Lviv (Lemberg) e, sempre più spesso, dall'estero.

Chi si reca a Odessa dall'Europa occidentale potrebbe essere sorpreso di trovare nella giocosa città portuale del Mediterraneo gli stessi artisti e gli stessi ensemble del proprio Paese. Nel recente passato sono stati Vadim Repin, Maxim Vengorov, Dimitri Ashkenazy, Antonio Meneses e Matthias Goerne; quest'anno si incontreranno i pianisti Cyprien Katsaris e Pietro De Maria, il violinista Daniel Hope, l'Orchestra da Camera di Zurigo e il Mischa Maisky Trio. Uno sguardo al programma mostra che saranno eseguite numerose opere di Mozart, Beethoven, Rachmaninov, Chopin, Tchaikovsky, Grieg, Vivaldi e Gershwin. Sensazioni di tango ma anche composizioni di Piazzolla, Lipesker e Bernstein. Roby Lakatos e il suo ensemble rafforzano l'impressione di un festival che offre qualcosa per tutti. Quindi solo repertorio standard? "No", dice Alexey Botvinov, "dedichiamo anche un'intera serata alla compositrice georgiana contemporanea Gija Kantscheli. Ora vive ad Anversa, ma desidera venire a Odessa".

Foto: Odessa Classics

Daniel Hope (a destra) è artista in residenza

Se si vuole capire il significato di Odessa Classics, sottolinea sempre il pianista, non bisogna mai dimenticare una cosa: "L'Ucraina è diventata indipendente nel 1991. Da allora, però, nessun grande artista straniero è venuto nel nostro Paese. Artisti e compositori che sono stati a lungo conosciuti dagli europei occidentali spesso non sono familiari agli ucraini, il che vale anche per un compositore come Erwin Schulhoff, ad esempio. Per questo motivo devo cercare di mantenere un equilibrio tra il noto e lo sconosciuto. Le star sono molto importanti per il nostro pubblico. Nel recente passato sono mancate; ora dovrebbero poterle conoscere". Una di queste è Daniel Hope, che sarà Artista in Residenza a Odessa Classics per tre anni.

Nell'ambito di una serie extra con giovani musicisti ucraini di grande talento sotto il motto "Pilgrims", verranno coltivate specialità come il concerto "Spiegel im Spiegel" con opere di Arvo Pärt e Max Richter. Verrà inoltre organizzato un concorso musicale per giovani. Oltre a un premio in denaro, il vincitore avrà anche l'opportunità di esibirsi all'evento gratuito all'aperto ai piedi della Scala Potemkin, che il regista Sergei Eisenstein ha raffigurato nel suo film Corazzata Potemkin di fama mondiale. In breve: Alexey Botvinov sta tentando un gioco di equilibri con Odessa Classics. Da un lato, vuole rivolgersi al "pubblico locale, che ama e capisce la musica", e dall'altro a un pubblico dell'Europa occidentale.

Foto: Odessa Classics

Concerto alla Scala Potemkin

Oltre ai concerti principali nel teatro dell'opera magnificamente ristrutturato e nella sala filarmonica, l'attrazione principale è Odessa, la città portuale fondata da Caterina la Grande nel 1794, con il suo fascino orientale e il suo fascino meridionale. La storia dell'odierna metropoli di milioni di abitanti è tradizionalmente caratterizzata da molti popoli, religioni e arte. Alexander Pushkin disse una volta: "A Odessa si respira l'Europa". Senza l'effetto ispiratore di questa città, il poeta non avrebbe mai scritto il suo romanzo in versi. Eugene Onegin avrebbe scritto? Ma Odessa è anche la patria di violinisti leggendari come David Oistrakh, Nathan Milstein e Zakhar Bron, e di pianisti non meno leggendari come Emil Gilels, Svyatoslav Richter e Shura Cherkassky.

Sì, Odessa è irresistibile, dice Alexey Botvinov. Anche lui è costantemente sorpreso dall'atmosfera speciale della sua città natale. Durante il periodo del festival, soprattutto in occasione del concerto all'aperto: "Quando guardo i 10.000 spettatori sui gradini della Scalinata Potemkin, ogni volta è un'esperienza impareggiabile".
 

Gli abbonati alla Biblioteca cantonale della Turgovia possono ora utilizzare il servizio di streaming musicale "Freegal Music" per scoprire i brani di una collezione di oltre 15 milioni di canzoni, video musicali e audiolibri di più di 40.000 etichette musicali in tutto il mondo, tra cui Sony Music, Epic, RCA e Columbia. È possibile sfogliare le playlist o creare la propria lista dei desideri.

Con questa offerta, gli utenti possono ascoltare tre ore di musica, video musicali o audiolibri in streaming ogni giorno. Inoltre, ogni settimana è possibile scaricare gratuitamente tre brani musicali o video musicali. Il servizio può essere utilizzato direttamente tramite il sito web o un'applicazione gratuita senza alcun software aggiuntivo. Tutto ciò che serve è una tessera della Biblioteca cantonale di Turgovia.