Il violoncellista Kian Soltani proviene da una famiglia di musicisti persiani. È nato a Bregenz, in Austria, nel 1992 e ha iniziato i suoi studi di violoncello all'età di dodici anni con Ivan Monighetti presso l'Accademia musicale di Basilea. Ha partecipato a masterclass con Sol Gabetta e Jens Peter Maintz, tra gli altri, e ha completato i suoi studi come "Giovane solista" con Frans Helmerson all'Accademia di Kronberg.

Nel 2015 e nel 2017, Kian Soltani si è esibito come violoncellista solista con la West-Eastern Divan Orchestra sotto la direzione di Daniel Barenboim al Festival di Lucerna. Il premio prevede un concerto con l'Orchestra Filarmonica di Vienna nell'ambito del festival estivo. Questo avrà luogo l'8 settembre 2018 sotto la direzione di Franz Welser-Möst nella sala concerti del KKL di Lucerna.

Il Credit Suisse Young Artist Award è un'iniziativa del Lucerne Festival, dell'Orchestra Filarmonica di Vienna, della Gesellschaft für Musikfreunde Wien e della Credit Suisse Foundation. Giovani personalità musicali di spicco ricevono il premio per risultati eccezionali. I vincitori ricevono un finanziamento e l'opportunità di esibirsi al Festival di Lucerna. Il premio viene assegnato ogni due anni (in alternanza con il Prix Credit Suisse Jeunes Solistes per la promozione di giovani musicisti di grande talento in Svizzera).

Ogni mercoledì sera, l'auditorium del Moods jazz club di Zurigo scompare dietro una tenda nera. Davanti ad essa viene steso un tappeto su cui sono disposti gli strumenti che, come un filo rosso, attraversano il programma: Pianoforte (occasionalmente chitarra), contrabbasso e batteria. L'atmosfera di una stanza è il prerequisito più importante per una jam session ben temperata. E qui, supportata da un bar ben fornito, è senza dubbio giusta. La sala è abbastanza intima da dare la sensazione di essere tra amici. Ma è anche abbastanza grande per un pubblico i cui applausi non sembrano quelli di un pollo spennato: "Quando abbiamo 150 persone, siamo pieni", dice Dave Feusi, cofondatore e presidente di JazzBaragge: "E lo siamo stati anche la scorsa settimana".

La sessione live organizzata dall'associazione JazzBaragge è di casa al Moods dal febbraio 2016. Ora si sentono abbastanza a loro agio da presentarsi al mondo. Grazie a un'elegante nuova homepage, il Il viaggio a JazzBaragge dura solo il tempo di un clic del mouse. L'ingresso è gratuito. Ogni sessione viene trasmessa in diretta streaming per intero e alcune parti vengono archiviate. Non c'è da temere che gli appassionati di jazz preferiscano starsene a casa a guardare la serata sul proprio computer. Grazie alla qualità dell'immagine e del suono di prima classe, si ha l'impressione che qui stiano accadendo molte cose buone. Ma si ha anche l'impressione che questo bene sarebbe molto meglio se si fosse presenti in prima persona. "È come ricevere dischi di musica sperimentale", dice il membro del consiglio di amministrazione Nicole Johänntgen: "È un teaser. Sai che devi essere lì dal vivo per sperimentare davvero la musica".

Dopo una falsa partenza nel 1999, Dave Feusi e Peewee Windmüller si sono imbattuti nella Chäsbaragge di Brunau. Qui la fonduta veniva servita dal giovedì alla domenica, mentre il negozio era vuoto per il resto della settimana. Il luogo era ideale per i piani idealistici dei due iniziatori, che nel gennaio 2001 fondarono il "JazzBaragge". All'inizio programmarono gruppi musicali il lunedì e il martedì e invitarono i musicisti a jam session il mercoledì. Le band non decollarono. Così la jam è rimasta. È durata poco meno di un anno nella campana fumante di formaggio. Poi anche qui i soldi finirono.

Alla ricerca di nuove sinergie, è entrata in scena la Scuola di Jazz di Zurigo. La scuola gestiva un proprio club in Waldmannstrasse 12 e qui si insediò anche JazzBaragge. Il legame durò quattordici anni, fino a quando la scuola di jazz si trasferì all'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) nel Toni-Areal. Il tentativo di trasferire il JazzBaragge nel nuovo club musicale Mehrspur dello ZHdK fallì: "Il nuovo club sembrava già grande e freddo nei progetti", dice Feusi. "Non si può fare una jam davanti a 500 persone". È stato allora che è arrivato il gradito invito di Moods. "Per noi era molto importante che nessuno fosse interessato a fare soldi", dice Feusi. "Si tratta di riunire i musicisti e dare ai giovani l'opportunità di creare contatti e imparare il loro mestiere".

Il periodo di ristrutturazione del Moods è stato ideale per l'ambientamento del JazzBaragge. C'era uno spirito di ottimismo in tutto il mondo ed era giusto che il mercoledì sera si abituasse prima al nuovo ambiente. Grazie alle nuove possibilità audiovisive del Moods, si sono aperte prospettive completamente nuove. Tuttavia, non è la prima volta che le jam session vengono trasmesse in diretta streaming. Dieci anni prima, il Digital Broadcast Channel (DBC-TV), lanciato in Francia e proseguito a Engelberg, aveva già installato delle telecamere nel JazzBaragge. E poiché il fondatore dell'azienda era un grande appassionato del mondo di gioco alternativo Second Life, la sessione aveva persino la sua sede digitale permanente lì. Naturalmente, la qualità dell'immagine e del suono al Moods è oggi molto migliore. "Dovevamo prima fare delle prove", dice Feusi. "Ci siamo presto resi conto che c'erano troppi microfoni e telecamere in giro. Disturbavano il pubblico e distraevano i musicisti. Ora ci sono solo due overhead, più la testa Sennheiser e i microfoni per il basso e il pianoforte, a volte per la chitarra. Funziona bene. Dà un suono autentico. Si sente tutto, ma non è una registrazione in studio". Il suono di JazzBaragge sta girando di nuovo il mondo. Per il momento, tuttavia, gli obiettivi non sono ancora così ambiziosi. "Ci concentriamo ancora sulla Svizzera", spiega Johänntgen. "Il nostro obiettivo è promuovere lo scambio tra i musicisti e magari incoraggiarli a organizzare sessioni simili. Questo è già un lavoro sufficiente. Ma a volte si presentano anche musicisti tedeschi, francesi e di altri Paesi. La scorsa settimana ce n'era uno da Palermo che aveva già sentito parlare di noi".

La tecnologia è nuovissima, il concetto è rimasto invariato da sedici anni. Un trio di base suona un set che dura dai 30 ai 45 minuti. Poi si apre la sessione. Tutti possono partecipare. "Ognuno deve riconoscere da solo ciò che è in grado di fare", dice Feusi. Per mantenere la dinamica fresca, il trio di base, che viene messo insieme appositamente per questo evento, viene cambiato ogni quindici giorni: "Niente deve diventare un'abitudine", spiega Feusi, "altrimenti la sessione è morta".

Il Consiglio musicale tedesco è soddisfatto della decisione. Questa soluzione garantisce che "l'eccellente programma BR-Klassik possa essere ricevuto in forma analogica e digitale da tutte le fasce della popolazione".

Il contesto in cui è stata presa la decisione è notevolmente cambiato rispetto al 2014: Bayern 3 è il leader di mercato tra i 20-29enni in Baviera: quando nel 2014 è stata presa la decisione di trasmettere Puls in FM invece di BR-Klassik in futuro, c'era il rischio di un divario generazionale nella gamma di programmi di BR.

Oggi, invece, Bayern 3 è riuscita a diventare leader di mercato nel gruppo target dei 20-29enni in Baviera, grazie al coerente riorientamento delle stazioni Bayern 1 e Bayern 3, avviato nel 2015, che ha reso Bayern 3 molto più giovane in termini di orientamento musicale e di appeal.

Ciò significa che il settore FM sarà mantenuto per il pubblico della musica classica, una parte significativa del quale deve ancora passare alla radio digitale.

Nata nel 1978, Isa Wiss si è laureata all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna nel 2005 con un Master in Educazione Musicale. Da qualche anno, la sua attenzione creativa si concentra sempre più su progetti teatrali e musical-letterari.

Isa Wiss è cofondatrice di Mullbau, lo spazio per la musica improvvisata. Ha lavorato come curatrice presso il migma performance days di Lucerna fino al 2017. Svolge anche attività didattica con progetti specifici per bambini. Il Premio Lucerna Jazz 2017 le sarà consegnato lunedì 18 dicembre al Jazzkantine di Lucerna.

Il Premio Lucerna Jazz viene assegnato ogni due o tre anni a un progetto innovativo e creativo, a un'organizzazione, a un'etichetta, a un gruppo o a un singolo musicista che abbia un legame con la regione di Lucerna. I precedenti vincitori sono stati il Willisau Jazz Festival (2012) e la Fischermanns Orchestra (2014).
 

La "Sala Salquin" nel nuovo edificio del Dipartimento di Musica dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna promette di stabilire nuovi standard nella scena culturale della Svizzera centrale in termini di acustica e di esperienza sonora. La sala, intitolata a Hedy Salquin di Kriens, la prima donna svizzera direttrice d'orchestra, pianista, musicista da camera e compositrice, può ospitare circa 300 persone. Il pubblico, gli organizzatori di concerti e i professionisti della cultura di tutta la regione potranno godere di piccole produzioni musicali di tutti i generi. "Per realizzare questa visione, tuttavia, l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna dipende da partner e sponsor privati per finanziare il design degli interni", afferma Michael Kaufmann, direttore del Dipartimento di Musica. L'obiettivo è quello di garantire circa il dieci per cento dei finanziamenti per l'allestimento degli interni attraverso la sponsorizzazione di sedie. Il resto sarà coperto da donazioni di mecenati, fondazioni e privati.

Con il lancio del Campagna di "sponsorizzazione della sedia privati e aziende hanno la possibilità di "acquistare" una o più sedie della Chamber Music Hall e di personalizzarle con un'iscrizione individuale sotto forma di targa. "Ma non si tratta solo di una buona causa. I nostri sponsor di sedie creano anche un ricordo duraturo e ricevono in cambio interessanti vantaggi", spiega Michael Kaufmann. La sponsorizzazione è disponibile in tre categorie, per 300 franchi, 750 franchi e 1000 franchi. A seconda della categoria scelta, gli sponsor ricevono in cambio vantaggi speciali, come biglietti gratuiti per i concerti o un invito alla cerimonia di inaugurazione del 2020.

Trasferirsi nell'estate 2020
In Kriens, il nuovo edificio del Dipartimento di Musica dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. Il trasloco, inizialmente previsto per il 2019, è stato posticipato all'estate 2020 per motivi tecnici. Il ritardo è dovuto a misure di costruzione impreviste e al clima freddo e umido di inizio anno. L'aver fissato la data di messa in funzione per l'anno accademico 2020/21 garantisce la minimizzazione dei rischi legati ai tempi e ai costi e la qualità della costruzione.

Nel 2014 il compositore, nato a Sciaffusa, in Svizzera, nel 1954 e da tempo residente in Austria, è stato insignito del Gran Premio di Stato austriaco, requisito indispensabile per entrare a far parte del Kunstsenat, secondo quanto dichiarato da Bärenreiter Verlag.

Il compito del Senato austriaco dell'arte, fondato nel 1954, è quello di rappresentare le preoccupazioni dell'arte in pubblico e di consigliare le autorità pubbliche su importanti questioni relative all'arte. Beat Furrer succede alla scrittrice Ilse Aichinger, scomparsa nel novembre 2016.
 

Comporre è tanto emozionante quanto impegnativo: il percorso che porta da un'idea informe all'esecuzione di una composizione davanti a un pubblico è complesso. Il compositore deve affrontare da solo le proprie visioni. Tuttavia, quando si tratta di realizzare la musica con i direttori, l'esperienza pratica con le orchestre è fondamentale. Questo solleva molte domande: quali opzioni di notazione esistono, quali sono i loro vantaggi e svantaggi, come si possono evitare i malintesi? Quali resistenze, difficoltà pratiche, ma anche nuove prospettive emergono? Come può una composizione essere proiettata in modo ottimale dal punto di vista acustico nella sala da concerto? Quanto è versatile e potente il mezzo "orchestra di fiati"?

L'Università delle Arti di Berna (BUA) ha affrontato tali questioni con la settimana di studio Composizione e direzione per orchestra di fiati (dal 14 al 18 novembre 2017). La masterclass focalizzata (responsabile del progetto Rolf Schumacher) ha anche riunito compositori e studenti di master nel campo della direzione d'orchestra di fiati.

I compositori hanno iniziato a lavorare sui nuovi brani prima della settimana di studio, così come lo scambio con il docente di composizione, Oliver Waespi. La gamma stilistica e la qualità delle composizioni risultanti hanno superato le aspettative: sono state evidenti le influenze del jazz, della musica da film, della musica classica e tradizionale per fiati e della musica contemporanea. Ci si aspettava quindi una settimana di studio molto stimolante.

Si è iniziato con una presentazione di input, in particolare sulla struttura e l'estetica dell'orchestra sinfonica di fiati, e con un'intensa attività di insegnamento individuale. Diversi partecipanti hanno continuato a lavorare sulle loro bozze di composizione per molto tempo. In alcuni casi, i nuovi schizzi sono stati presentati agli istruttori fino alle 3 del mattino.

Successivamente, le bozze dovevano essere portate in una forma pronta per l'esecuzione e dovevano essere prodotti spartiti utilizzabili. Inoltre, i compositori hanno incontrato per la prima volta gli studenti che avrebbero eseguito le loro opere. Ne è scaturito un prezioso scambio. È seguita la prima giornata di prove con l'orchestra sinfonica di fiati della Swiss Army Band. Per prima cosa sono state provate le due opere per ensemble da camera: Michel Byland ha interpretato una fiaba dei fratelli Grimm nel suo pezzo "The Enraged Elves", mentre Pascal Gendre ha esplorato alcune estetiche della musica da camera per strumenti a fiato del XX secolo nella sua "Suite No. 1", sviluppando una tavolozza espressiva ricca e personale.

Sei brani per orchestra sinfonica di fiati sono stati quindi posizionati sui leggii, alcuni dei quali letteralmente solo una o due ore prima della prova. "On the Pulse of Time" di Michael Künstle conteneva forme di pulsazione, linee melodiche e timbri tipici della moderna musica da film, mentre "Invenzione alla Minuetto" di Tobias Fasshauer sottoponeva un minuetto a un'interpretazione contemporanea, decostruendolo e riassemblandolo allo stesso tempo con la sua firma personale. Anton Vinogradov ha dichiarato che il suo brano "Music op. 16a" è un omaggio ad Alfred Schnittke e ha fatto seguire ai gesti finemente disegnati e aleatoriamente annotati dei fiati - che evocavano l'immagine di un dialogo immaginario e misterioso - una straziante processione per tutta l'orchestra. "Genealogy" di Timmy Schenk, invece, segue una tradizione spettralista in cui il materiale armonico è derivato dalle componenti di overtone di alcuni suoni fondamentali; in questo caso, l'orchestra ha dovuto sviluppare un equilibrio sonoro il più possibile controllato. Il brano timbrico "Translucency" di David Carillo si è basato sulla tensione tra luce e ombra, basata sul filtraggio a cui la luce è sottoposta quando brilla attraverso materiali traslucidi. Infine, in "Ode to the Tractor", Loris Knüsel ha ripreso una marcia per così dire sbagliata e l'ha riproposta in modo originale e formalmente mirato.

Sulla base di questa esperienza, sono stati rivisti alcuni brani, seguiti da un'altra giornata di prove intensive, ora incentrate maggiormente sugli aspetti della metodologia di prova sotto la guida di Philippe Bach. Bach succederà a Ludwig Wicki come docente ospite della HKB a partire dalla primavera 2018. Le nuove opere sono state provate dagli studenti di direzione d'orchestra Loïc Bera, Jonas Danuser, Isabelle Gschwend e Stefan Popp e dirette al concerto finale. Tutti loro - così come l'ensemble dell'esercito - hanno dimostrato grande flessibilità e resistenza, dovendo rendere giustizia alle idee dei compositori, recepire gli input dei docenti e sviluppare allo stesso tempo un'interpretazione personale durante le complesse prove.

Tutti loro hanno padroneggiato brillantemente questo compito, come ha dimostrato il concerto finale della settimana di studio a Kriens. Qui si è potuta ascoltare ancora una volta la grande varietà di stili compositivi e direttivi. Alla fine, non tutte le opere prevarranno. Tuttavia, l'ulteriore sviluppo della storia della musica comporta sempre delle deviazioni. Chi, come il pubblico interessato del Südpol, ha ascoltato le prime con mente e orecchie aperte, ha tratto spunti estremamente interessanti.

Questo riafferma la posizione della BUA come polo di riferimento nel campo della musica contemporanea per fiati e come centro di formazione per aspiranti direttori d'orchestra nel campo della tensione tra tradizione, presente e futuro della musica per fiati. Ciò è sottolineato anche dalla creazione, lo scorso anno, di una nuova materia di base del Master, "Composition Harmony and Brass Band".

Dall'autunno 2018 è possibile presentare nuove domande per il Master in Composizione per Armonia e Brass Band nell'ambito delle specializzazioni in Composizione e Teoria della Bern University of the Arts. Questo programma, probabilmente unico in Europa, integra le specializzazioni di Master esistenti presso la BUA.
Il docente principale è il pluripremiato compositore svizzero Oliver Waespi, il cui obiettivo è inserire la composizione per ensemble di fiati in un contesto estetico più ampio.

Il programma del Master dura quattro semestri. Oltre alla materia principale, la pratica artistica, la teoria e la ricerca, sono importanti i seminari individuali e le lezioni nell'area elettiva, nonché la tesi finale del Master e il collegamento con il programma del Master per la direzione di musica per fiati (direttore: Rolf Schumacher).
La scadenza per la presentazione delle domande è il 15 marzo 2018 e il corso inizia a settembre 2018.

Contatto: Xavier Dayer, responsabile del Master of Arts in Composition & Theory
e-mail: xavier.dayer@hkb.bfh.ch
Telefono: +41 31 848 39 84
www.hkb.bfh.ch/de/studium/master/mact

Bertolt Brecht (189-1956) è uno dei più importanti poeti e teatranti tedeschi del XX secolo. Ha vissuto a Zurigo dal 1947 al 1949 e cinque delle sue opere sono state rappresentate in Svizzera. Madre Coraggio e i suoi figli (1941), Il buon uomo di Szechwan (1943), Galileo Galilei (versione danese, 1943), Il signor Puntila e il suo servitore Matti (1948) presso lo Schauspielhaus di Zurigo e il Antigone di Sofocle (1948) a Coira. Nell'allora teatro comunale Rätushof di Coira, sotto la leggendaria direzione teatrale di Hans Curjel, Brecht diresse la rappresentazione del suo Antigone lui stesso come direttore. Le prove iniziarono all'inizio di gennaio del 1948. La prima mondiale dell'opera ebbe luogo il 15 febbraio 1948, con una grande presenza dei media e un grande entusiasmo intorno alla vivace star mondiale della letteratura.

La poltrona da regista originale di Brecht a Coira è ora disponibile fino alla fine dell'anno presso la Cultura Hotel Ambassador à l'Opera da vedere. E durante questo periodo, al bar dell'hotel viene servito il piatto preferito di Bertolt Brecht: il pane all'erba cipollina!
 

La nuova Accademia orchestrale di Lubecca è stata inaugurata nell'autunno 2017. La sua particolarità è la collaborazione tra le due istituzioni, che supervisionano congiuntamente gli studenti, mentre altre accademie orchestrali sono solitamente affiliate solo all'orchestra professionale.

La combinazione con la formazione presso un'accademia musicale, sotto forma di un modello a tre stadi, è unica in Germania. I primi studenti dell'accademia si esibiscono da settembre nei concerti e nelle opere del teatro. L'obiettivo è quello di conciliare meglio formazione e carriera, che sta diventando sempre più intensa. Per ogni fase, gli studenti devono superare l'ostacolo di un'audizione.

Circa 40 giovani musicisti si sono presentati alla commissione di selezione e 20 di loro sono stati finora ammessi all'Orchestra Academy. Il progetto, in cui gli studenti ricevono un compenso forfettario per il loro impegno, è finanziato da entrambe le istituzioni con il sostegno della Fondazione Possehl di Lubecca.

Le orchestre possono scegliere tra i migliori studenti delle accademie musicali di fama internazionale. A seconda dello strumento, circa 60-100 giovani musicisti si candidano per un posto da orchestrale nell'Orchestra Filarmonica di Lubecca. Ci si aspetta un'eccellente padronanza dello strumento e una grande flessibilità musicale. I giovani musicisti devono integrare e sviluppare un repertorio completo per l'inizio della loro carriera.
 

Membri della nuova Accademia dell'Orchestra di Lubecca (da sinistra a destra): Caroline Spengler (viola), Holger Roese (percussioni), Julia Puls (clarinetto), Caroline Lüer (violino). Foto: Christine Rudolf

D'ora in poi, tutti i mottetti, le messe, le passioni, gli oratori e le circa 200 cantate sacre del cantore di San Tommaso saranno disponibili in spartiti per coro e orchestra che riflettono lo stato più recente della ricerca. Nel campo della musica vocale sacra, molte opere sono state pubblicate per l'ultima volta 50 o più anni fa, e nella maggior parte dei casi senza materiale esecutivo.

L'opera vocale sacra fa parte della Stuttgart Bach Edition. Carus ha attribuito grande importanza alla nuova edizione accademica della musica. Tuttavia, le edizioni hanno sempre in mente l'esecuzione. Per tutte le opere sono state presentate partiture, riduzioni per pianoforte, partiture corali e materiale orchestrale. Finora, direttori d'orchestra, cantanti e strumentisti hanno dovuto fare affidamento su materiale del XIX secolo, che non soddisfaceva le esigenze odierne di esecuzioni storicamente informate. Molte delle modifiche apportate al testo musicale sulla base delle ultime scoperte sono ben percepibili e sono state registrate su CD da interpreti bachiani di spicco, tra cui Frieder Bernius, Hans-Christoph Rademann e Masaaki Suzuki.

Nelle edizioni delle opere maggiori sono stati intrapresi nuovi percorsi editoriali e in alcuni casi sono state rese disponibili versioni che si discostano da quelle abituali. Laddove la situazione delle fonti lo consentiva, le ricostruzioni rendono ora possibile l'esecuzione di alcune opere, con le parti ricostruite chiaramente indicate nel testo musicale. Vengono anche offerte soluzioni per le differenze di intonazione tra i gruppi strumentali nelle prime cantate di Bach.

Le opere vocali sacre. Edizione completa in 23 volumi
A cura di Ulrich Leisinger e Uwe Wolf, in collaborazione con l'Archivio Bach di Lipsia.

- Formato 19 x 27 cm, riduzione per pianoforte, adatta anche per la direzione d'orchestra
- 12.500 pagine - 248 opere - 23 volumi - 3 cofanetti
- 629 € (invece di 769 €; prezzo di lancio valido fino al 30.6.2018)
- Disponibili separatamente: cantate e mottetti (2 cofanetti 31.501/00), messe, passioni e oratori (1 cofanetto 31.502/00)

Informazioni e ordini: www.carus-verlag.com

Secondo l'Ufficio federale della cultura (BAK), l'Unesco ha giudicato la candidatura esemplare. L'inclusione nella Lista rappresentativa aumenta la visibilità del patrimonio culturale immateriale nelle aree urbane e sottolinea il ruolo importante della lingua, in questo caso il dialetto di Basilea, nella comunicazione di questo patrimonio culturale.

Nel marzo 2016, il Carnevale di Basilea è stato presentato dal BAK all'UNESCO come seconda candidatura svizzera per la Lista rappresentativa del patrimonio culturale immateriale dell'umanità. Nella riunione del 7 dicembre 2017 sull'isola di Jeju (Corea del Sud), il dodicesimo Comitato intergovernativo per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale ha deciso di inserire il Carnevale di Basilea nella Lista rappresentativa.

La casa si trova al numero 7 di Rue des Chaudronniers, dove il pianista rumeno visse gli ultimi anni della sua vita. Con la targa, la città vuole onorare il suo "immenso talento e il suo stile inconfondibile", che continua a influenzare i pianisti ancora oggi. Lipatti si stabilì in Svizzera nel 1943 e dal 1944 insegnò una masterclass di pianoforte al Conservatorio di Ginevra.

Durante la sua ultima esibizione, il 16 settembre 1950 a Besançon, dovette interrompere il concerto a causa della debolezza; si congedò dal pubblico con un arrangiamento per pianoforte del corale di Bach "Jesus bleibet meine Freude". Morì all'età di 33 anni il 2 dicembre 1950 a Ginevra. La sua tomba si trova nel cimitero di Chêne-Bourg.

"S isch immer e so gsi" - Chris Walton ha pensato di sentire lui stesso il motto musicale di Solothurn quando ha scritto la sua biografia di Richard Flury in inglese, che vale la pena di leggere e che si basa su un ampio materiale inedito (p. 102/3). La sua biografia del compositore nato a Biberist e formatosi a Basilea, Berna e Vienna, che include un catalogo completo della sua vasta opera e un CD con una riuscita selezione di registrazioni storiche e nuove registrazioni, è anche fondamentalmente interessata ai suoi autocritici anacronismi musicali.

Fleisch impiega ben 200 pagine divertenti, riccamente illustrate e rigorosamente cronologiche per arrivare al romanticismo del compositore, nato nel 1896, già citato nel titolo del libro. Una visione piacevolmente sottolineata della Svizzera tedesca dall'esterno (Che sapore ha la zuppa di farina? Cosa hanno in comune la Table Mountain e il Weissenstein?) conduce a una derivazione argomentativa del romantico Flury da un complesso di provincialismo mai superato e stabilisce un rifugio spirituale definito in un modo che avrebbe potuto certamente offrire alternative. Passaggi forti si trovano nella localizzazione di questa interessante figura di compositore nel sistema educativo e di formazione musicale svizzero (Flury lavorò come direttore d'orchestra e insegnante di scuola cantonale a Soletta), anche in confronto ai suoi colleghi professionisti svizzeri, che, a differenza di Flury, caddero tutti quasi completamente nel silenzio in età avanzata (pp. 95, 113).

La prospettiva autoriale di Walton, che cerca di dare un giudizio definitivo sul bene e sul male della musica, non mette fondamentalmente in discussione questa figura in definitiva autoisolazionista e colloca il libro in una mentalità progressista che il compositore aveva appena contrastato. Così le opere "più moderne" e più brevi degli anni Venti, con tendenze all'atonalità e alla Gebrauchsmusik, vengono descritte come le migliori e ancora oggi degne di essere eseguite.

Approfondire i romanticismi, particolarmente accentuati nelle opere più tarde, avrebbe probabilmente significato anche un esame più chiaro della predilezione di Flury - probabilmente non realizzata fisicamente (p. 189) - per le ragazze molto giovani, documentata in alcuni passaggi sgradevoli della corrispondenza con il suo maestro Ernst Kurth (p. 124) e nelle dediche, soprattutto delle sue canzoni e della musica da camera, come fonte di ispirazione. Avrebbe significato non sottrarsi a una discussione sulla sua religiosità (con la scomunica dopo il divorzio e la riammissione dopo il voto di celibato) per comprendere le sue composizioni sacre (e una trasfigurazione di queste ragazze nel ruolo della Madonna). Presumibilmente, tutto questo non era facile da realizzare in un libro scritto in stretta collaborazione con il figlio nato dal secondo matrimonio e con il sostegno della fondazione di famiglia. "S isch immer e so gsi".

Chris Walton: Richard Flury. La vita e la musica di un romantico svizzero. 328 p., £ 25,00, Toccata Press, Londra 2017, ISBN 978-0-907689-44-7

La letteratura per il flauto traverso del periodo romantico è molto scarsa, per cui è estremamente lodevole che la flautista principale dell'Orchestra Sinfonica di Argovia "argovia philharmonic" Miriam Terragni e la sua partner in duo, la pianista Catherine Sarasin, siano andate alla scoperta delle librerie antiquarie di Basilea e Parigi. Il risultato è stato molto piacevole: solo sei brani sono stati registrati per la prima volta al mondo in questo CD - e si tratta di vere e proprie gemme del periodo (tardo) romantico tedesco e della fin de siècle francese.

Inizia con il Sonata Fantastica in la maggiore op. 17 dell'allievo di Liszt Max Meyer-Olbersleben (1850-1927). Sebbene sia stata pubblicata più volte a stampa, questa grande sonata in tre movimenti è oggi quasi dimenticata. Finora mancava un'autentica registrazione di riferimento. Questa lacuna può ora considerarsi colmata. I due solisti tirano fuori tutte le carte fin dall'inizio e rivelano un'interazione sottile ed equilibrata. Nell'impegnativo Ballata in sol diesis minore op. 9 per pianoforte dello stesso compositore, Catherine Sarasin riesce a distinguersi come solista competente. La parte del violino della breve romanza per pianoforte WWV 94 di Richard Wagner la dobbiamo al virtuoso del violino e concertatore per grazia di Wagner al Teatro del Festival di Bayreuth, August Wilhelmj, a sua volta trasferita al flauto da Miriam Terragni. Lo stesso Wilhelmj ha scritto la BallataCombina echi del cromatismo wagneriano con un'ampia armonia tardo-romantica. Lili Boulanger Pièce sperimenta una prima sognante, seguita dal più noto, delicatamente suonato Notturno. In Nella foresta incantata dell'artista francese Léon Moreau (1870-1946) raffigura vividamente la tranquillità della foresta e il turbinio delle silfidi (spiriti dell'aria). Nel Valse Lente Louis Masson varia gradualmente la melodia piacevole in modo molto delicato - con un potenziale di melodia orecchiabile. Deux Morceaux op. 41 di Victor Alphonse Duvernoy (1842-1907), scoperti nella famosa Rue de Rome a Parigi, non sono più elencati da nessun editore. Il Intermezzo, che si avvicina al valore significativo Lamento segue, con il suo ritmo incantevolmente leggero, la conclusione di questa registrazione complessivamente riuscita.