Possono candidarsi composizioni originali per lungometraggi della durata di almeno 60 minuti, usciti o che usciranno nel 2013 o nel 2014. I moduli di candidatura e il regolamento del Premio per la musica da film, nonché tutte le ulteriori informazioni, sono disponibili al seguente indirizzo www.fondation-suisa.ch/filmmusikpreis. Le candidature presentate saranno valutate da una giuria di esperti. Il termine ultimo per le iscrizioni è il 31 maggio 2014.

Il premio è stato assegnato dal 2000; gli ultimi vincitori sono stati Thomas Fischer (2013) per Intrappolato, Michael Sauter (2012) per Maria e JohnnyNicki Reiser (2011) per Il cielo bluDiego, Nora & Lionel Vincent Baldenweg (2010) per 180°, Marcel Vaid (2009) per Amore tandoori e Jérôme Baur (2008) per Le piccole vacanze.

La più antica casa editrice musicale attiva in Francia, fondata nel 1841 da Alphonse Leduc, ha un catalogo impressionante, che è stato ampliato da due acquisizioni commerciali: le Editions Heugel (fondate nel 1839) sono state aggiunte nel 1980 e Hamelle (1877) nel 1990. I seguenti compositori sono entrati a far parte della base editoriale: Gounod, Fauré, Delibes, Widor, Massenet, Offenbach, Gustave Charpentier, Poulenc, Milhaud, Jolivet, Tournemire, Franck, Messiaen, Honegger, Tomasi. Poi c'erano i contemporanei Henry Dutilleux, Pierre Boulez, Charles Chaynes, Betsy Jolas, Thierry Escaich, solo per citarne alcuni.

Leduc è stato rilevato dal più grande editore musicale europeo, il British Music Sales Group. La sede editoriale tradizionale di Rue Saint-Honoré a Parigi è stata venduta qualche mese fa.

Trent'anni fa, in Francia c'erano case editrici che andavano da quelle molto piccole a quelle molto grandi, con una grande varietà di orientamenti. Tra le grandi, i fiori all'occhiello del patrimonio culturale francese, Heugel, la casa editrice di Jacques Offenbach e Reynaldo Hahn, era già stata trasferita alle Editions Alphonse Leduc. Leduc, con sede in Rue Saint-Honoré, deteneva da tempo i diritti delle opere di Fauré ed era una fonte indispensabile di prezioso materiale esecutivo per orchestre e teatri d'opera. Il compito più importante della casa editrice fu senza dubbio la stampa dell'opera di Messiaen. Saint François d'Assise nel 1983, la cui partitura raggiungeva le 2400 pagine!

La casa editrice Durand (1869) troneggiava in Place de la Madeleine, nel salotto del pianoforte a coda su cui Debussy e altri avevano suonato in attesa del loro editore. Nel suo programma c'erano soprattutto i grandi nomi del "Momento 1900" ed era molto invidiato per i diritti sull'opera di Ravel. Boléro. Nel 1986, Durand acquistò la casa editrice Max Eschig (1907), che portò con sé una gamma più internazionale. Il fondatore di origine boema era il re dell'operetta viennese e pubblicava grandi compositori spagnoli e sudamericani, oltre a Martinů e Szymanowski.

Il successo commerciale delle Edizioni Choudens è stato garantito dalla Carmen e l'opera di Gounod Pugno. Salabert, invece, prediligeva le operette, le chansons, ma anche le opere del Groupe des Six e oggi una ricca selezione di opere contemporanee; Henry Lemoine privilegiava i classici della letteratura pianistica fino a Bruno Mantovani. Tutti erano in grado di tenere il passo con i grandi. Altri editori, come Jobert, rilevato da Lemoine nel 2007, si sono dedicati al repertorio contemporaneo.

Mentre Durand-Salabert-Eschig fanno parte di Universal Music da qualche tempo (così come Ricordi, tra l'altro, ndr), l'ultima acquisizione riguarda Alphonse Leduc, che passa sotto l'ombrello di Music Sales Group.

Il panorama editoriale è quindi notevolmente cambiato: Delle case storiche in Francia rimangono Henry-Lemoine (1772) e Editions Gérard Billaudot (1896), che pubblicano compositori moderni o letteratura educativa di alta qualità. Grazie a una miriade di piccoli editori creativi, le indicazioni sembrano puntare alla specializzazione.

In Germania e Austria, i principali editori Schott, Peters, Breitkopf, Bärenreiter, Henle e Universal mantengono la loro posizione. Gli ultimi quattro svolgono un notevole lavoro di ricerca e di redazione di Urtext, che li rende indispensabili. Le case britanniche, invece, hanno in mano lo scettro della musica popolare. E i loro cataloghi comprenderanno ora anche Massenet, Franck, Poulenc, Milhaud, Dutilleux... senza che il loro cuore batta particolarmente per loro. Che peccato!

Testo francese

Durante il mandato di Susanna Tanner sono state apportate numerose modifiche al programma di finanziamento culturale del Cantone. Ad esempio, i centri culturali di piccole e medie dimensioni ricevono ora un numero significativamente maggiore di sussidi operativi rispetto al passato, scrive il governo cantonale di Zurigo nella sua dichiarazione ufficiale.

Il cambio di direttore artistico al Teatro dell'Opera di Zurigo fu un successo e il Teatro del Cantone di Zurigo ebbe successo artistico. Con il coinvolgimento di Tanner, fu anche possibile fondare e istituire la Fondazione cinematografica di Zurigo e garantire un accordo culturale intercantonale con entrate di otto milioni di franchi per il Cantone di Zurigo.

In questi 17 anni, Tanner ha ristrutturato il centro specialistico più volte, con l'aumento del budget e del personale.

Un fiore in quattro parti illustra come i quattro elementi dei soli cambi di arco, corda, dita e posizione possano essere combinati due, tre e quattro volte. Ne risultano le 15 parti della panoramica sistematica della tecnica violinistica, distribuite in sei volumi (ED 21161 - 21166, disponibili anche come set 21161-1). Helmut Zehetmair, professore emerito di violino a Salisburgo, e il suo ex assistente Benjamin Bergmann, ora professore di violino a Magonza, li hanno concepiti come una "cassetta dei medicinali del violinista" per esercitarsi su tutte le componenti della tecnica - un moderno Ševčík, per così dire.

I primi due volumi qui trattati si occupano dei grandi "petali", non comprendendo ancora le combinazioni. Le istruzioni dell'introduzione dichiarano la pratica della tecnica come un'attività artistica, in quanto deve essere combinata in modo creativo con ritmo, articolazione, dinamica, fraseggio, agogica, suono e vibrato: "Il vero virtuosismo trasforma la necessità tecnica in virtù musicale (lvirtus)".

I vari tipi e le articolazioni dei colpi d'arco sono descritti in modo esauriente. Tuttavia, l'arco ha anche a che fare con la fisica: non è dimostrato che l'arco è effettivamente spinto come un traghetto dalle vibrazioni della corda nella direzione dell'angolo ottuso nel caso del "colpo a X" non perpendicolare, che è molto utile per cambiare i punti di contatto. Quando l'arco viene forzato sul punto d'inchino, si crea una miscela di vibrazioni longitudinali ad alta frequenza. Il Sautillé non è causato da una posizione particolare delle dita, ma dal fatto che la direzione dell'arco è più ripida rispetto alla direzione dell'arco grazie al rollio del braccio superiore o all'oscillazione del polso. Mancano anche le relazioni chiaramente descrivibili tra volume, frequenza e posizione dell'arco, che sono un prerequisito per una padronanza consapevole del sautillé.

La consapevolezza dei sette piani delle corde e dei conseguenti cambi di mezza corda e di corda intera è preziosa. L'incoraggiamento ai cambi di corda legati con salto di corda è molto lodevole.

Nel capitolo sui cambi di diteggiatura, vengono consigliate molte dita di appoggio orizzontali per stabilizzare lo spazio della quarta, purtroppo non il modo più efficiente di impostare la spaziatura delle dita in avanti nell'aria. Perché la diteggiatura all'interno della quarta diminuita manca nell'elenco delle diteggiature? Nel flageolet, va sottolineato che bisogna diteggiare un po' più in alto perché la corda è più lenta, cioè suona più bassa, rispetto a una diteggiatura ferma nello stesso punto. I vari esercizi sui cambi di corda delle dita e sulle diteggiature allungate di quinta e sesta sono preziosi.

Il capitolo sull'intonazione è sia informativo che filosofico. Per il controllo dell'intonazione si raccomanda il tono combinato, ma perché non si parla della risonanza delle corde vuote? I diversi tipi di vibrato sono ben descritti, ma non viene menzionato il rullo della parte superiore del braccio come origine della produzione del vibrato.

Il secondo volume è un tesoro di esercizi per il cambio diretto di posizione: esclusivamente con un dito o con le stesse dita per i doppi stop. Il pivoting, spesso dimenticato, cioè il passaggio parziale ad altre posizioni grazie all'ancoraggio del pollice, come pare facesse Paganini, viene spiegato e consigliato.

Se i volumi successivi saranno stimolanti come i primi due, potrebbero ispirare molti violinisti a pensare e praticare in modi nuovi.

Helmut Zehetmair e Benjamin Bergmann, Tecnica sistematica del violino. Gli elementi costitutivi dell'esecuzione del violino; Volume 1, cambi di arco, corde e dita, ED 21161; Volume 2, cambi di posizione diretti, ED 21162; € 18,99 ciascuno, Schott, Mainz 2013

Il titolo è all'altezza della promessa: Abracadabra è ricco di inaspettati colpi di scena musicali, stupisce con ritmi mutevoli ed evoca fantasmi, animali e pirati. Le canzoni sono rivolte ai bambini dai 5 ai 10 anni e fanno riferimento ai loro fantastici mondi immaginari. Il viaggio sulla scopa musicale delle streghe conduce da Ho paura circa E' caldo fino a Vorrei essere una star del calcio, un vero genio del pallone!

Susanne Würmli-Kollhopp ha scritto da sola tutte le trenta composizioni, la maggior parte delle quali in dialetto. Si tratta di musica di uso quotidiano, scritta per i cori di bambini che la Würmli-Kollhopp dirige. Mentre molte canzoni per bambini convenzionali trasmettono una visione del mondo obsoleta o moraleggiano, queste sono piacevolmente semplici. E per questo ancora più orecchiabili. Ma non sempre facili da cantare: I cambi di tonalità e di tempo sorprendono qua e là, dando alle canzoni un nuovo colore.

A proposito di colori: Chasper Würmli, figlio del compositore e paroliere, ha illustrato il libro di canzoni con bellissimi collage di favolosi personaggi animali. Il risultato è un libro progettato con cura e amore che è un piacere tenere tra le mani.

Sul sito web dell'autore è possibile ascoltare tutte le canzoni con semplici accompagnamenti al pianoforte come aiuto per le prove. Inoltre, si possono trovare alcune idee iniziali per realizzarle nelle classi scolastiche o nel coro di bambini che vanno oltre il "cantare insieme".

Susanne Würmli-Kollopp: Abrakadabra, 30 canzoni per bambini con illustrazioni di Chasper Würmli, Fr. 37.00 (+ spese di spedizione), Fr. 39.90 nei negozi, Verlag Singlust (autoprodotto); gli accompagnamenti per pianoforte sono disponibili separatamente presso: www.singlust.ch

Blue Bolero, Nicole Herzog-Stewy von Wattenwyl e il gruppo della Svizzera occidentale Y-Jazz si sono qualificati per la finale. I Blue Bolero sono un giovane trio zurighese che si è fatto conoscere con il suo album di debutto Vi presentiamo... Blue Bolero ha attirato l'attenzione su di sé.

La cantante Nicole Herzog, insieme al gruppo del pianista bernese Stewy von Wattenwyl, ha pubblicato l'album Intimità e Y-Jazz di Yverdon-les-Bains è tornato con l'attuale CD evento happ'y-jazz sul mercato.

Sei gruppi sono stati nominati per il premio di quest'anno. Il Daniel Blanc Quartet, il Ralf Ruh Trio e i Belleville sono stati eliminati nella prima votazione pubblica. Circa 2000 voti sono stati espressi nella prima fase della votazione pubblica, che è ricominciata il 5 marzo e durerà fino alle 12.00 del 21 giugno.

I voti possono essere espressi online all'indirizzo www.swissjazzaward.ch o via SMS al numero 919 (CHF 0,40/SMS) con i codici SJA BLU per Blue Bolero, SJA NIC per Nicole Herzog-Stewy von Wattenwyl e SJA YJA per Y-Jazz.
 

La traduttrice, ricercatrice di genere e pubblicista musicale Irène Minder-Jeanneret ha scritto la sua tesi di dottorato, un resoconto completo della vita musicale a Ginevra e, per estensione, in Europa all'inizio del XIX secolo, basandosi sulla vita della quasi dimenticata pianista e compositrice Caroline Boissier-Butini.

L'opera, illustrata a colori e strutturata in modo chiaro, con molte tabelle e un'ampia appendice, riflette la posizione speciale di questa figlia cresciuta in una costellazione sociale complicata. Il nonno e il padre la incoraggiarono nella musica e la istruirono anche nelle scienze emergenti dell'epoca (avrebbe voluto studiare medicina).

Irène Minder aveva in realtà progettato di utilizzare il materiale raccolto per scrivere un romanzo su Caroline Boissier-Butini. Questo è stato scritto nella sua testa mentre leggeva la dissertazione, che è costellata di annotazioni di diario, diari di viaggio, lettere e citazioni di testimoni contemporanei! Le fonti sono accuratamente annotate e collegate tra loro in modo da fornire un quadro vivido dell'epoca (tutti i testi francesi sono stati ottimamente tradotti in tedesco).

Le condizioni della Repubblica di Ginevra, calvinisticamente ristretta ma ampliata grazie alle idee illuministe e alla Rivoluzione francese, poi nuovamente oppressa dall'occupazione napoleonica, determinarono per Boissier-Butini condizioni di vita molto complesse. Un risultato di ciò si può vedere nel suo catalogo di opere: Sebbene siano sopravvissuti manoscritti di opere per organo, pianoforte e musica da camera, è rimasta la parte solista di uno solo dei suoi sette (!) concerti per pianoforte. Le era permesso di suonare per gli ospiti a casa e in altri salotti consoni al suo status, ma non era appropriato che si esibisse in concerti pubblici, e certamente non dietro compenso. Le figlie non potevano incontrare demoiselles della stessa età e dovevano rimanere il più a lungo possibile in compagnia della madre. Secondo le dichiarazioni conservatrici di Rousseau nelle sue Lettera a d'Allembert e nel L'Émile la prospettiva del diritto naturale della donna deve passare in secondo piano a favore della necessità sociale: Le donne erano lì per il benessere dei loro mariti e per allevare i loro figli! Solo nel 1838 Albertine Necker-de Saussure si batté per un cambiamento di rotta.

Fortunatamente, Caroline era sposata con l'agronomo Auguste Boissier, appassionato di musica, che suonava i suoi due pianoforti Stradivari e che era molto favorevole alle attività della moglie, duettando con lei e suonando in gruppi di musica da camera. Grazie alla sua posizione privilegiata, la donna ebbe contatti con molti viaggiatori e personalità famose dell'esilio ginevrino (tra cui Isabelle de Charrière e Germaine de Staël-Necker). Il suo talento le permise di sviluppare queste ispirazioni in una padronanza del pianoforte e della composizione con lezioni limitate e soprattutto da autodidatta. Elaborati viaggi a Parigi e Londra per l'acquisto di pianoforti a coda, tentativi infruttuosi di pubblicare le sue composizioni ed esplorazioni della cultura metropolitana le fecero conoscere pianisti famosi, con i quali suonò anche lei stessa, ottenendo riconoscimenti. La sensibilità di Liszt, Kramer e Kalkbrenner le fece capire che avrebbe dovuto creare musica che "toccasse invece di abbagliare". Fece insegnare a sua figlia Valérie da Liszt a Parigi per un inverno. La sua relazione Liszt pédagogue apparve per la prima volta nel 1923 con il nome di "Mme Auguste Boissier", ridotto ingannevolmente a "Auguste Boissier" in tedesco nel 1930! Poiché la famiglia viveva nella sua tenuta di campagna vicino a Yverdon durante l'estate, aveva la libertà di socializzare con la gente comune, il che la incoraggiò a interessarsi alla musica popolare. Una volta, durante la clandestinità, compose gratuitamente alcune danze per un violinista di passaggio del villaggio. La sua unica opera eseguibile Concerto n. 6 "La Suisse contiene tutti e tre gli elementi dell'elemento Ranz des vaches.

Molti ostacoli impedirono lo sviluppo delle sue capacità. La tradizione calvinista di Ginevra, che ammetteva quasi solo musica sotto forma di salmi, rendeva difficile l'esecuzione di musica profana in pubblico. Sebbene sapesse suonare l'organo e componesse pezzi per organo, difficilmente le era permesso di suonare nelle funzioni religiose. La Société de musique de Genève (1823), fondata dopo l'ingresso di Ginevra nella Confederazione, accettava le donne solo come membri attivi onorari senza diritto di voto, con limitate opportunità di esibirsi. Tuttavia, i festival musicali organizzati in tutta la Svizzera contribuirono a creare a Ginevra una vita musicale in rete con il resto della Confederazione. Nonostante ciò, Caroline Boissier-Butini svolse un ruolo eccezionale come virtuosa del pianoforte, compositrice e mecenate musicale in altre città svizzere, anche se ovunque suonava solo privatamente.

Irène Minder-Jeanneret, "Die beste Musikerin der Stadt" Caroline Boissier-Butini (1786-1836) und das Genfer Musikleben zu Beginn des 19. Jahrhunderts, Dissertazione Università di Oldenburg; edizione a stampa con materiale aggiuntivo su CD-Rom, 528 p., € 44,90; edizione su CD-Rom, € 24,90; EpOs Editoria elettronica, Osnabrück 2013, ISBN 978-3-940255-36-5

Il pezzo vivace Un minuto della flautista, direttrice d'orchestra e compositrice Caroline Charrière, nata nel 1960, è una miniatura sulla nota re. Scritto principalmente in una parte, è tecnicamente facile da padroneggiare. Il primo tempo è un grande crescendo, anche in termini di movimento e ritmo. I morbidi elementi percussivi, che annunciano delicatamente la seconda parte, sono seguiti da note più veloci e più forti che portano a una conclusione violenta. Un brano che ben si presta alla pratica dell'autentica musica contemporanea con gli allievi.

Caroline Charrière, Une minute, per chitarra sola, GUI11, Fr. 9.00, Edition Bim, Vuarmarens 2012

Sei volte più lungo Livia di Julien-François Zbinden. L'ormai anziano pianista e compositore l'ha scritta nel 1999, all'età di 82 anni, per Maria Livia São Marcos, che per decenni ha insegnato chitarra al Conservatorio di Ginevra. Lo stile compositivo di Zbinden è classicamente moderno, libero nell'armonia e nella melodia, ma anche inframmezzato da singoli elementi seriali. Il brano consiste in un unico movimento, che si divide in un inizio solenne e in una seconda parte rapida, per poi tornare all'inizio in una sorta di breve ricapitolazione alla fine. Alcuni passaggi non sono realmente suonabili, tanto che alcune note lunghe della melodia sono date al loro valore di nota piena solo nel pensiero. Il do basso annotato nelle battute 129 e 130 dovrebbe essere un mi.

Livia è una composizione nella tradizione della musica "classica". Non ci sono molte prove che il compositore fosse anche un pianista jazz di talento e che il dedicatario sia originario del Brasile. Eppure: il temperamento latinoamericano di un Leo Brouwer, ad esempio, risuona da lontano, e accanto alle inversioni selettive nella linea melodica o alle brevi sequenze di accordi di granchio, il ritmo è un elemento importante della composizione, anche nei veloci passaggi in perpetuum mobile. Zbinden non lesina accenti e sforzati; il tranquillo ultimo accordo è solo un'eco ...

Julien-François Zbinden, Livia, per chitarra sola, GUI 7, Fr. 15.00, Edizioni Bim, Vuarmarens 2012

Oggi è difficile immaginare che la Sonata per duo in quattro movimenti per violino e violoncello di Maurice Ravel sia stata accolta con incomprensione dal pubblico alla prima del 1922 e subito dopo. Il trattamento fino ad allora inusuale degli strumenti ad arco - Ravel si faceva consigliare dagli esecutori su quali fossero le tecniche esecutive possibili per il violino e il violoncello - e la "oggettivazione" e "de-romantizzazione" del linguaggio tonale segnarono una svolta nell'opera del compositore. Egli stesso descrisse questa sonata come "una macchina per due strumenti". Nelle sue memorie, Hélène Jourdan-Morhange, violinista alla prima, riferisce del meticoloso lavoro con il compositore e dice: "Il duo, che al primo incontro ebbe un effetto quasi repellente, nasconde dei tesori, ma tratta il violino molto duramente".

Oggi il duo di Ravel è uno dei pilastri del repertorio per questa strumentazione, anche se pone esigenze elevate agli esecutori. Da tempo ci siamo abituati alle "asprezze" e persino ampie parti di questa sonata sono estremamente liriche! Oltre all'edizione tradizionale di Durand & Co, Parigi, Bärenreiter offre ora una nuova edizione Urtext dell'opera. Le fonti utilizzate sono elencate nella prefazione e nell'appendice e alcune sono persino riprodotte come facsimili dell'autografo; anche le descrizioni di Jourdan-Morhange sono citate in dettaglio. La presentazione come partitura di grande formato (il violoncello può leggere anche il primo movimento "monofonico", se lo desidera) e l'ingegnosa impaginazione, che permette di suonare senza interruzioni, sono estremamente utili per l'esecuzione. Tuttavia, il violinista deve girare le pagine per il violoncello alcune volte!

Maurice Ravel: Sonate en quatre parties pour violon et violoncelle, Urtext a cura di Douglas Woodfull-Harris, 2 partiture, BA 9417, € 22,95, Bärenreiter, Kassel 2013

"Non esitiamo a descrivere quest'opera come la più importante creazione pianistica dei maestri russi fino ad oggi. Certo, c'è molto da criticare in questa raccolta di dieci pezzi di carattere (...). Ma una forza creativa ingegnosa e originale, di fronte alla quale ogni critica deve tacere, imprime a questi pezzi il timbro dell'unicità assoluta". Klaus Wolters l'ha detto più succintamente di quanto non abbia fatto decenni fa nel suo tuttora ineguagliato Manuale di letteratura pianistica (Atlantis, Zurigo, 5a edizione 2001), il fascino che esercitava il libro di Mussorgsky Immagini di una mostra difficilmente formulare.

In linea con l'importanza dell'opera, Bärenreiter-Verlag ha ora pubblicato un Urtext eccezionalmente ricco di annotazioni. La prefazione del curatore Christoph Flamm, con informazioni sulla genesi dell'opera, riflessioni dettagliate sulle singole immagini e suggerimenti pratici per l'esecuzione, è affascinante da leggere e va ben oltre quanto pubblicato dalle edizioni precedenti.
È ovvio che con tanto materiale ci saranno anche delle contraddizioni, come l'affermazione che l'opera non è adatta all'orchestrazione, sostenuta dalla pungente osservazione di Sviatoslav Richter: "Rifiuto la versione orchestrale di quest'opera e la odio...". Anche la correzione di alcuni "errori" nel testo musicale a volte butta via il bambino con l'acqua sporca. La nuova lettura della battuta 17 della prima Promenade, ad esempio, sarebbe semplicemente troppo assurda anche per l'idiosincratico Mussorgsky (una a sarebbe probabilmente più appropriata). Tuttavia, la scrittura del compositore è ambigua).

Il testo musicale stesso, completamente privo di diteggiature, convince per la sua chiarezza e la sua visione d'insieme. L'appendice contiene alcune illustrazioni in bianco e nero degli originali di Viktor Hartmann, che l'opera intendeva commemorare. Se volete trovare ancora più consigli pratici sull'interpretazione, vi consigliamo l'edizione Urtext di Vienna di Manfred Schandert e Vladimir Ashkenazy. L'esperienza di Ashkenazy con il Immagini di una mostra Sia come pianista che come direttore d'orchestra e redattore della sua versione orchestrale lo predestinano ad andare a fondo delle cose. Questa edizione è anche illustrata, persino a colori.

Modest Mussorgsky, Quadri di un'esposizione. Ricordo di Viktor Hartmann, per pianoforte, Urtext a cura di Christoph Flamm, BA 9621, € 14,50, Bärenreiter, Kassel 2013

La nuova rivista Nozioni tecniche di base di Heinz Hox per fisarmonica con pianoforte (basso standard) è strutturato in modo molto chiaro e in notazione piuttosto grande - tutto sommato, molto "attraente". Nelle sue osservazioni preliminari, l'autore afferma di averlo compilato per principianti, esordienti e anche per fisarmonicisti avanzati. Gli esercizi sono intesi come supplemento alle scuole di fisarmonica. Alcuni consigli sull'impugnatura della fisarmonica mi sembrano piuttosto azzardati, perché cosa si intende per "ergonomicamente collegato correttamente allo strumento" o qual è la "giusta misura"? Fortunatamente, l'insegnante potrà sicuramente chiarire questo aspetto.

Nelle note sui singoli esercizi, il destinatario troverà molte idee interessanti e preziose per una pratica variata. Si va da diverse articolazioni e cambi di tempo a variazioni ritmiche. Le sfide iniziano con la gamma di cinque note della mano destra, seguite da esercizi simili per la mano sinistra, per poi passare agli allunghi, alle scale maggiori e minori, fino alle diteggiature, agli intervalli, agli accordi, alle armonie jazz e alle cadenze. La progressione ideale e l'ampio supporto sono quindi garantiti.

Da segnalare anche le sequenze video supplementari abbinate su Internet (www.heinzhox.de). Ciò che ho notato, tuttavia, è la guida spesso sfavorevole del mantice in chiusura (sollevamento eccessivo del mantice, che porta a una grande interruzione) e anche la coordinazione talvolta imprecisa tra il cambio di tasto e di mantice. Sono molto soddisfatto della posizione stabile della mano destra. Tuttavia, non riesco a capire perché le dita della mano sinistra colpiscano spesso i tasti a una distanza così grande, il che si traduce in un rumore di tasti molto forte (e il suono è corrispondentemente secco). In ogni caso, l'opera offre molto materiale per gettare solide basi tecniche.

Heinz Hox, Fondamenti tecnici. Esercizi tecnici per fisarmonica con pianoforte (bassi standard), per principianti e avanzati, VHR 1850, € 13,80, Holzschuh-Verlag, Manching 2013